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Die SX-70 ist ein Kultobjekt - spielerisch, spontan, malerisch, poetisch, erotisch. Die Bilder überraschen und beglücken durch ihre ganz eigene Qualität, die sich aus ihrer Farbigkeit, der Bildoberfläche, der leichten Unschärfe und dem fast quadratischen Format in dem weissen Bildrahmen zusammensetzt. Und außerdem sind sie auch noch Unikate.
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    [content_de] => Es geht hier um das Erinnern, an die eigene Auseinandersetzung, um das Erzählen von Gefühlen, von Verletzungen. Es war Teil der Vereinbarung, dass die Künstlerin nicht über die Inhalte berichtet […]. Dagegen betont sie, dass gerade die Tatsache, dass sie dem Einzelnen die Anonymität belässt und allein die Bilder sprechen lässt, den Menschen Mut gegeben hat, sich an solche Situationen und Gefühle zu erinnern.[…]Damit konzentrieren wir uns als Betrachter der Fotos ganz auf die Unterschiede der Gesichter, auf den jeweiligen Ausdruck. Mia Unverzagt gelangen so Portraitfotos, die uns Fremde zeigen, die uns auf Grund unserer eigenen Erinnerungen nah sind. (Wulf Herzogenrath)
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(Michael Glasmeier)
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Auf ein Jahr konzipiert, trugen in zehn Veranstaltungen neunzig in Deutschland lebende Künstler und Künstlerinnen zum Programm des MÖMAs bei.

Gefördert durch die Kunststiftung NRW
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    [content_de] => Monika Bartholomé reflektiert künstlerisch die Gemäldegalerie der Bremer Kunsthalle. Ein spannender Bildkosmos, in dem sie das Gesehene unter dem Titel Vorbilder ebenso hintersinnig wie augenzwinkernd umformulierte und erweiterte. Mit diesem Zusammenspiel aus Erinnerung, Assoziation und Vorstellungskraft kam sie einmal mehr dem zentralen Anliegen ihrer Kunst nach, die geheimnisvollen Wege der Wahrnehmung ins Bild zu setzen. (Nachwort Anne Buschhoff)

Beigelegt ist ein farbiger Bogen mit 92 Abbildungen in Farbe.
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Mit der Melancholie sind unterschiedlichste Arten von Sehnsuchtsgehalten verbunden, die jeweils emotionale Befindlichkeiten einer Zeit widerspiegeln. Sie ist von Weltschmerz geprägt, einer starken Emotionalität, die durch Resignation aber gleichzeitig auch von einer tatkräftigen Aufbruchstimmung bestimmt wird. Der hier angedeuteten Ambivalenz des Melancholischen wird in der Ausstellung ein Hauptaugenmerk gewidmet, mit Werken von Diana Al-Hadid, Abel Auer, Matthew Barney, Matthew Benedict, Walter Dahn, Sven Drühl, Jürgen von Dückerhoff, Melissa Gordon, Nschotschi Haslinger, Dorota Jurczak, Douglas Kolk, Ján Mancuska, Christof Mascher, Julian Rosefeldt, Astrid Sourkova, Tal R und Fabian Weinecke.
Das Genie-Konzept, das einem allgemeinen Verständnis nach eng mit dem der Melancholie verknüpft war, wurde in der Moderne ad absurdum geführt bzw. relativiert. Der in sich gekehrte, intellektuelle Künstler, der an der Welt verzweifelt und keinen Ausweg findet, wird durch einen aktiven Künstler ersetzt, der sich aus den Fesseln der Handlungshemmung befreit. Dieser Wandel bedeutet aber nicht, dass bisher vorherrschende Ansichten der Melancholie bedeutungslos geworden sind, vielmehr hat eine Akzentverschiebung stattgefunden, die stärker das kreative Potential des Melancholischen betont. Die ausgewählten Künstlerinnen und Künstler verdeutlichen, dass es dabei nicht nur um Perfektionierung, Harmonisierung oder Glättung geht. Ein wichtiges Kriterium von jeglicher Erfahrung ist auch das Misslingen, das Unangenehme, worüber man lieber schweigen würde, etwas was häufig auch als negative Erfahrung bezeichnet wird. Diese Diskrepanz zwischen angenehm und unangenehm, zwischen positiv und negativ ist Kennzeichen der Melancholie.
Begleitend zur Ausstellung erscheint im Salon-Verlag Köln ein 80 Seiten umfangreicher Katalog in deutscher und englischer Sprache, mit Textbeiträgen von Britta Stinn und Oliver Zybok.
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Ein wesentlicher Bestandteil dieses Projektes ist das Einbeziehen von Oberschulklassen und Studenten aus Deutschland und Rußland in einem Workshop. Das ist auch ein Versuch ohne hierarchische Ordnung Disziplinen, Menschen und Orte miteinander zu verbinden und die begrenzte Perspektive des ich-zentrierten Künstlerindividuums als Mediator zu durchbrechen.
Gestartet im Herbst 2007 in St. Petersburg und fortgesetzt im Sommer 2008 in Köln, sind als weitere Stationen des Projektes Hamburg, Istanbul, Tel-Aviv, Prag etc. geplant. Dabei dient das vorliegende Buch als Arbeitsgrundlage für die weitere Entwicklung des Projektes, wobei die Teilnehmer das Buch nach ihrem Belieben frei weitergestalten können. "The result is dead, long live process!" -Sacharow-Ross.
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Festeinband im PE-Getränkefolienumschlag.

Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.
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In Köln erinnerte er beispielsweise mit einer 400 Meter langen Strassenzeichnung mitten durch den Vorgebirgspark an den geplanten Autobahnbau aus den 60er Jahren, er stellte den 4466 Sprossenfenstern des Münsteraner Schlosses entsprechend viele Rasensitzplätze entgegen und mähte 2005 in Leipzig einen ganzen Skulpturenpark mit Denkmälern für Menschen, die ihm von Passanten während der Aktion vorgeschlagen worden sind.

Der in Köln lebende Künstler ist in Bad Oeynhausen geboren worden und studierte an den Hochschulen in Bielefeld, Enschede, Berlin und Hamburg. In dem Katalog werden die Projekte, die u.a. mit dem Goethe-Institut Rotterdam, mit den Kunstverein Siegen oder am Karlsruher Schloss realisiert wurden, dokumentiert.
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    [content_de] => Ein Buch mit Texten des konkreten Poeten Eugen Gomringer (* 1925) für den Kölner Bildhauer Heinz-Günther Prager (* 1944). Aus langjähriger Freundschaft heraus hat Gomringer in den letzten 30 Jahren immer wieder Texte (Texte, Ausstellungseröffnungsreden, Briefe, Gedichte) zum Werk Pragers verfasst. Das Buch vereint beides und zeigt Dialoge von Text und Bild.
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    [content_de] => Sonja Vordermaiers Skulpturen und Installationen sind „Möglichkeitsformen“ eines Zusammentreffens von Gegensätzen, sind Versuche, deren Spannungskraft, Widerstand und Irritationspotential auszuloten. Zustände im Raum werden umgekehrt. Ein Schatten nimmt dreidimensionale Gestalt an, Schweres vermag zu schweben, künstliche Materialien wachsen nach natürlichen Prinzipien.

Ihre Skulptur „Schatten 2“, entstanden 2007 im Rahmen des Werkstattpreises der Kunststiftung Erich Hauser, verkörpert solche grenzgängerischen Wandlungsprozesse. Diese setzen ein kreatives Potential frei, das fiktive Möglichkeiten des Materials und der Form vorstellbar macht, so z. B. Immaterialität und Wachstum. Das lichtschluckende Material (Basotect) im Licht erstrahlen lassen, dem Unsichtbaren im Sichtbaren eine überraschende Präsenz verschaffen, an sich statische Dinge in Bewegung versetzen – dies sind Möglichkeiten der Auseinandersetzung mit Wirklichkeit und Vision, die Sonja Vordermaier in ihren Arbeiten erforscht.
(Heiderose Langer)
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Foma Jaremtschuk wurde 1907 in einem abgelegen sibirischen Dorf geboren und starb 1986. Er hatte nie speziell zeichnen gelernt (er schloss lediglich die 3. Klasse einer dörflichen Grundschule ab). Sein weiteres Schicksal bis zum 29. Lebensjahr ist unbekannt. 1936, unter Stalin, wurde er der "Verleumdung der UdSSR" beschuldigt und in ein Arbeitslager eingewiesen. 1947 wurde er im Lager für wahnsinnig befunden und in eine geschlossene Psychiatrieanstalt überwiesen, wo er die Jahre 1947-1963 verbrachte. In dieser Zeit entstanden etwa 500 seiner Zeichnungen. 1963 wurde er in eine andere Klinik überführt, wo er bis 1974 blieb. Es wurden keine Zeichnungen aus dieser Zeit gefunden (wahrscheinlich wurden sie von den Mitarbeitern der Klinik vernichtet). 1974 wurde der Künstler aufgrund einer Verschlechterung seines Zustands in eine Klinik für besonders schwer kranke und tobsüchtige Patienten überführt, wo er schließlich 1986 starb.

Bisher gab es keine Publikation über Jaremtschuk. Es gibt auch kaum Literatur über russische Art Brut und man kennt die Arbeiten aus den russischen Psychiatrien hier kaum, da sie ganz lange unter Verschluss Gehalten wurden. Durch das Buch werden die Arbeiten dieses großartigen, authentischen Künstlers einer großen Öffentlichkeit vorgestellt und dem Vergessen entrissen.
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    [content_de] => Zur weiblichen Präsenz im künstlerischen Beruf wurde bisher die Bedeutung von Künstlerinnen im Kunstbetrieb der Hochschulen kaum beachtet: Welche Rolle spielen "Meisterinnen" an Hochschulen? In welcher Rolle sehen sie sich selbst? Wie ist das Verhältnis von eigener Arbeit und Lehrtätigkeit? Welche inneren Lehrpläne gibt es? Wie korreliert eigenes Werk und Vermittlungsarbeit? Wie kann sich das Bild einer Künstlerin durch Ihre Lehre erweitern? Gibt es neue Entwürfe?

In einer filmischen Dokumentationsserie habe ich acht internationale Künstlerinnen, die als Professorinnen an der Hochschulen arbeiten, zum Zusammenhang zwischen ihrer Lehrtätigkeit und der eigenen Arbeit befragt. Etliche Jahre später interessierte mich, ob sich die Haltungen verändert haben. Ich kehrte zurück und befragte alle Künstlerinnen erneut. Die Ergebnisse wurden in einem Buch zusammengestellt.

Aus der Perspektive einer Künstlerin interessierte mich insbesondere, welche Figuren, Lebens- und Arbeitszusammenhänge, Leitbilder und Ideale hinter diesen z.T. immer noch VorzeigeprofessorInnen stecken. Welche feinen Beziehungsstrukturen spannen sich zwischen dem eigenen Lehrentwurf und dem eigenen Werk? Wie entwirft sich die Künstlerin selbst als „LehrMeisterin“?.

Die Gespräche sind sehr persönlich unter vier Augen entstanden und aufgezeichnet worden. Die Künstlerinnen entwarfen so ein eindrückliches Bild ihrer Biografie im Zusammenhang von Kunst und Lehre. Die Veröffentlichung und die Form der endgültigen Texte wurde gemeinsam bearbeitet.
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    [content_de] => Ein umfassender Einblick in die zeitgenössische Kunst in Düsseldorf:
Vorgestellt werden 80 Künstler mit Texten von Thomas Hirsch und Portraitfotos
von Ricarda Niks, mit Werkabbildungen sowie Kurzbiographien im Anhang,
herausgegeben von Peter Liese in einer Zusammenarbeit der edition biograph mit
dem Salon Verlag.

Im April 1998 erschien der erste Teil der Serie "Künstler in Düsseldorf" in der
Düsseldorfer Zeitschrift "biograph", der erste Künstler, der hier im
Zusammenspiel von Text und Foto portraitiert wurde, war Alfonso Hüppi. Weitere
Künstler waren u.a. Ulrich Erben, Katharina Fritsch, Martin Honert, Konrad
Klapheck, Thomas Ruff, Reiner Ruthenbeck, Thomas Schütte, Katharina Sieverding,
Thomas Struth. In mehr als hundert Folgen ist mittlerweile eine Art Überblick
über das Kunstgeschehen in der Kunststadt Düsseldorf mit den hier ansässigen
Künstlern entstanden, das nun auch dem gleichnamigen Buch zugrunde liegt. Jedoch
verfolgt das Buch einen eigenen Ansatz. Die Texte sind völlig überarbeitet und
auf aktuellen Stand gesetzt, neue Portraitfotos kommen ebenso hinzu wie
Werkabbildungen. Die älteste Künstlerin wurde 1923 geboren, die jüngste 1976;
neben den Künstlern, die Kunstgeschichte geschrieben haben, sind solche
vertreten, die am Anfang ihrer Karriere stehen. Künstler, die im Fokus der
Aufmerksamkeit stehen, werden ebenso vorgestellt wie solche, die wieder oder
überhaupt zu entdecken sind - in einer ebenso intuitiven wie repräsentativen
Auswahl, die alle künstlerischen Medien bedenkt und die Vielschichtigkeit des
hiesigen Geschehens belegt.

So ergibt sich ein facettenreicher Blick auf die Kunststadt Düsseldorf.
Das Buch "Künstler in Düsseldorf" ist die umfassendste Schilderung dieses Themas
überhaupt - ein Standardwerk zum Kunstgeschehen in der Landeshauptstadt, das als
Orientierung im Kunstgeschehen dient.
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    [content_de] => Das Künstlerbuch W_20 37 405 : Caput mortuum von Jürgen Stollhans erschien am 13. Juni 2007 anlässlich der documenta 12 in einer Auflage von 1000 nummerierten und signierten Exemplaren als offizielle DOCUMENTA XII-EDITION.

Der Werkblock ist Ergebnis einer nahezu halbjährigen Recherche Jürgen Stollhans’ im militärisch-industriellen Komplex und im Bildungs- und Infrastrukturgefüge der Stadt Kassel und Umgebung und wurde an Ort und Stelle gefertigt.

Die Arbeit verteilt sich auf zwei Orte der documenta 12: Aue-Pavillon und documenta-Halle. Alle Motive sind mit weißer Kreide auf matt dunkelbraun grundierte Sperrholztafeln gezeichnet und unfixiert.

Die 14 Sujets der 20 Tafeln sind im Buch vollständig dokumentiert. Das Buch enthält einen – von zahlreichen Farbabbildungen begleiteten – Aufsatz von Birgit Laskowski zur Problematik der bildnerischen Verarbeitung gesellschaftlich-politischer Über- und Unterbauphänomene und eine Märchenparaphrase nach Brüder-Grimm-Motiven von Peter Güllenstern.
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    [content_de] => Die Kölner Künstlerin Siglinde Kallnbach hielt sich mehrfach in Japan auf. In ihren Foto- und Videoarbeiten spürt sie interkulturellen Vergleichen von Alltagssituationen und festlichen Ritualen nach. Das vorliegende Katalogbuch entstand im Zusammenhang einer Ausstellung mit Fotoarbeiten als Teil der Reihe "Deutschland in Japan 2005/2006". Diese Ausstelung ist, beginnend im September 2005 in Japan, in verschiedenen Gallerien und Museen zu sehen, darunter von Mai bis Juli 2008 im Ludwig Museum für Internationale Kunst, Aachen. Im Mittelpunkt stehen Aufnahmen von den Umzügen zum Nebuta-Fest in Nordjapan und Aufnahmen vom Kölner Karneval. In einer strukturellen Gegenüberstellung werden analoge Beziehungen herausgestellt. Texte von Georg Quander, Kulturdezernent der Stadt Köln, und Jürgen Raap, Kunstkritiker.
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Daher sind die Texte von Britta E. Buhlmann und Heinz Höfchen, Sasa Hanten und der literarische Text von Rosemary Mahoney im vorliegenden Buch, das anlässlich von Ausstellungen im Museum Pfalzgalerie und dem Micus Museum auf Ibiza erscheint, unter dem Titel NO UGLY MATHEMATICS zusammengefasst.

Bettina Blohm, 1961 in Hamburg geboren, lebt und arbeitet seit 1984 in New York. Bisher ist sie vor allem als Malerin bekannt. Neben ihrer Malerei steht jedoch ein gleichrangiges zeichnerisches Werk, das ergänzt durch die neueste Werkgruppe ihres Schaffens, der Radierung, in NO UGLY MATHEMATICS umfassend gewürdigt wird.
In der Gegenüberstellung von Buntstiftzeichnung, Arbeiten mit Kohle und den Radierungen wird sichtbar, wie souverän Bettina Blohm jedes Medium für sich erschliesst. Denn in jedem Medium versteht sie es, unser Abstraktionsvermögen mit den spezifischen Ausdrucksformen der jeweiligen Technik zu fordern.
Die Auseinandersetzung der Schriftstellerin Rosemary Mahoney mit Bettina Blohm rückt die Künstlerpersönlichkeit in den Mittelpunkt des Interesses und rundet die Darstellung von Person und Werk ab.
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Weniger bekannt ist, dass Burgeff auch im Metier der Zeichnung Außerordentliches geleistet hat. Dabei sind seine Zeichnungen, die überwiegend mit Graphit, Pastellkreide und Kohle entstanden sind, autonom. Nur bedingt lassen sie sich auf die plastisch-skulpturale Tätigkeit zurückführen. Themen und Motive sind die Durchdringung von mythologischer und realer Welt, Fragen der Ökologie und die referentielle Hinterfragung der Tätigkeit als Künstler.
Das vorliegende Buch stellt nun die wichtigsten Werkphasen über einen Zeitraum von fünf Jahrzehnten mit zahlreichen exemplarischen, in Duplex reproduzierten Arbeiten vor. Es enthält Textbeiträge von Thomas Hirsch, Hans van der Grinten, Christine Knupp-Uhlenhaut, Irmgard Lauscher-Koch und Elisabeth Perger und hält im Anhang eine ausführliche Biographie zu Karl Burgeff bereit.
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    [content_de] => Alfonso Hüppi, der 1935 in Freiburg i.Br. geboren wurde, in der Schweiz aufwuchs und von 1974 bis 1999 als Professor für Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf lehrte, zählt zu den originellsten Künstlern unserer Zeit. Sein Werk erstreckt sich auf die unterschiedlichsten Bereiche, es umfasst plastisch-skulpturale Arbeiten ebenso wie Handzeichnungen und raumgreifende Installationen. Es bewegt sich in einer konstruktiven Gegenständlichkeit und führt diese zugleich auf die Figur zurück, die bis heute wesentlicher Impuls seines Schaffens ist.

Weniger bekannt sind die Druckgraphiken, die indes eine außerordentliche Rolle im Zusammenhalt des Gesamtwerkes spielen. Die Druckgraphiken setzen bereits in den 1950er Jahren, zu Beginn des Studiums ein und erstrecken sich bis in die heutige Zeit. Sie umfassen alle gängigen Verfahren, wobei Hüppi vor allem in den 1970er und 1980er Jahren mit Siebdrucken für Aufsehen sorgt und mittlerweile neben den Überarbeitungen druckgraphischer Blätter auch experimentell arbeitet, neue Verfahren entwickelt.

Das nun vorliegende Buch stellt erstmals das druckgraphische Werk dieses herausragenden deutsch-schweizerischen Künstlers explizit vor. Neben einem ausführlichen, das druckgraphische Werk in seiner Gesamtheit umspannenden, farbig reproduzierten Bildteil enthält es ein komplettes Verzeichnis aller Druckwerke und berücksichtigt dabei auch die Mappenwerke. Die Textbeiträge stammen von Thomas Hirsch, der die Druckgraphik im Kontext des Oeuvres und anhand von Vergleichsabbildungen beleuchtet, und von Rosa von der Schulenburg, die die neueren Werkphasen der Rouleaus und der Tücher vorstellt. Im Anhang finden sich eine ausführliche Bibliographie und ein vollständiges Ausstellungsverzeichnis.
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    [content_de] => Der U-Boot-Bunker Fink II in Hamburg-Finkenwerder wurde 1941-42 auf dem Gelände der Deutschen Werft errichtet, 1945 zerstört und nach Schließung der Deutschen Werft in den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts zugeschüttet. 2006 gestalteten kirsch bremer artandarchitecture die wieder freigelegte Bunkerruine zu einem zeitgemäßen Denkmal.

kirsch bremer artandarchitecture erforschen die Grenzbereiche zwischen Kunst, Architektur und Stadtraum; Grenzbereiche der Wahrnehmung, die den gewöhnlichen, an der Zentralperspektive und der architektonischen Bodenhaftung ausgerichteten Blick in Frage stellen. Projektionen und Lichterscheinungen sowie die Schichtung verschiedener Betrachterperspektiven treten gleichwertig neben die materielle Präsenz des Gebauten. Orte, die nicht offensichtlich im Bewusstsein sind, werden durch die Steigerung ihrer Eigenschaften - durch strenge architektonische Form, durch Licht, durch Reflexion, durch die Lenkung und Weitung des Blicks - transformiert.
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    [content_de] => Im Sommer 2006 fand unter dem Titel "Meistermaler" in der Münchner City ein bisher einmaliges künstlerisches Experiment im öffentlichen Raum statt. Fünf Straßenmaler wurden im Rahmen des 9. RISCHart_PROJEKTS beauftragt, insgesamt 15 Gemälde zeitgenössischer Künstler sowie ein Werk des Renaissancekünstlers Piero della Francesca großformatig auf den Asphalt zu übertragen. Innerhalb von zwei Wochen entstand eine temporäre öffentliche Galerie moderner Kunst, die vom Publikum begeistert aufgenommen wurde. Erstmals wurde damit das traditionell eher barocker Malerei vorbehaltene Medium der Straßenmalerei für zeitgenössische Kunst genutzt. Die dabei verwendeten Werke stammten von Peter Bömmels, Anke Doberauer, Thomas Grundmann, Frank Herzog, Karin Kneffel, Michael Kunze, Christian Macketanz, Stephan Melzl, Benedict Peyrat, Norbert Schwontkowski, Beate Spalthoff, Florian Süssmayr, Alex Tennigkeit, Uwe Oldenburg und Jochen Twelker. Der vorliegende Band umfasst ein im vorderen Teil eingebundenes, bereits zur Aktion erschienenes Heft mit detaillierten Erläuterungen zu den verwendeten Vorlagen der zeitgenössischen Künstler und eine reich bebilderte Dokumentation mit Textbeiträgen zum Verlauf des Projekts, dessen Einordnung in den kunsthistorischen und ästhetischen Kontext und zur Geschichte der Straßenmalerei.
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Dieses Moment entwickeln auch die Wandgemälde von Christoph Wedding. Wenn sie Aspekte wie Bündelung, Leere, Raum und Fläche aufgreifen, beziehen sie ihr Ideengerüst unmittelbar aus den Gemälden auf Holz. Greifen die ersten Wandarbeiten Einzelaspekte der Bilder auf Holz auf und thematisierten diese in monumentalem Ausmaß, sind es zusehends neue Elemente der Wandarbeiten, die wieder in die Bildformate zurückfließen. nsofern sind die Wandgemälde als Experimentierfeld, aus dem sich neue Bildläsungen extrahieren lassen, von zunehmend gro§er Bedeutung.

Hiervon zeugt insbesondere die rasche Folge an monumentalen Ausführungen im Jahr 2004, in dem vier von bislang neun Wandarbeiten entstehen. Vor einem monochromen Grund entwickeln sich einfache Farbschlieren horizontal oder vertikal in den Raum. Sie treten auch als einzeln definierte Bänder auf, verknoten sich oder verdichten sich zu diffusen Wolken, hinter die der einzelne Pinselstrich zurücktritt. Oder es legen sich horizontale Zips und pastose Farbinseln über das Bild, wie auch räumlich verzerrte Flächen, die sich durch ihre gekippte Anordnung zu spiegeln scheinen, in den Tiefengrund hineinragen.

Eine zunehmende Verschränkung einzelner Elemente lässt sich an der im Vorjahr entstandenen Arbeit "Lost" ablesen. Die feine Linearität der grellen Signalfarben im Vordergrund, frei geführte Pinselstriche des Zwischengrundes und der flächige Hintergrund fügen sich hier ebenso harmonisch wie miteinander konkurrierend ineinander.
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Die Exemplare 1-100 sind in PVC-Hülle mit gewebtem Schlüsselband und signiert von Alexander Braun.
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    [content_de] => Als die Fotografie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts erheblich an Bedeutung gewinnt, entsteht gleichzeitig mit dem Künstlerbuch ein neues Medium des künstlerischen Ausdrucks. Die Auseinandersetzung mit der Fotografie spielt dabei eine entscheidende Rolle. Der Katalog »Ars Photographica – Fotografie und Künstlerbücher« dokumentiert erstmals die Wechselwirkungen zwischen diesen beiden Gattungen der neueren Kunstgeschichte. Das breite Spektrum fotografischer Arbeiten reicht von sachlichen Architekturdarstellungen, großformatigen Landschaftsaufnahmen, alltäglichen Amateuraufnahmen, verfremdeten Selbstbildnisse bis zur Darstellung künstlerischer Aktionen. Die preiswerte und nahezu unbegrenzbare Reproduzierbarkeit der fotografischen Bilder verbindet die Fotografie mit dem Künstlerbuch. Die Bedeutung des handgemachten Originals tritt hinter der demokratischen Idee zurück, ein möglichst breites und vielfältiges Publikum zu erreichen. Der Katalog zeigt u.a. Arbeiten von Marina Abramovic, Bernd und Hilla Becher, Christian Boltanski, Giorgio Ciam, Hans-Peter Feldmann, Gilbert & George, Annette Messager, Roni Horn, Alfredo Jaar und Thomas Kapielski.
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    [content_de] => Der mystische Prediger Meister Eckhart, einer der großen Söhne Thüringens, war sich der Grenzen des sprachlichen Ausdrucks durchaus bewusst, ähnlich wie viel später der Philosoph Ludwig Wittgenstein, als er formulierte: »Es gibt allerdings Unaussprechliches. Dies zeigt sich. Es ist das Mystische.«
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für eine Ausstellung, welche die Spannbreite der künstlerischen Auseinandersetzung mit Mystik und spiritueller Transzendenz von der Moderne bis in die unmittelbare Gegenwart exemplarisch belegt.
Mit der Annäherung an mystische Begriffe wie »grundloser Grund«, »stille Wüste«, »Leere«, »Nichtigkeit «, »pures Licht«, »Entwerdung«, »Entbildung«, »Abgeschiedenheit « oder »das einfaltige Eine«, mit der Vergegenwärtigung von Grunderfahrungen der mystischen Gott-Mensch-Einung im Unendlichen, Absoluten und Namenlosen jenseits von Zeit und Raum begeben sich die modernen Künstler in Grenzregionen: Sie verlassen die »große Erzählung« von der Wirklichkeit in Porträt, Landschaft, Historie, Interieur, Stillleben etc. und nähern sich einer Grenze des Schweigens, »letzten Bildern« im Übergang zur Bildlosigkeit, einer Welt des »Inneren Auges«, der naussprechlichen, reinen Erfahrung.

Das vorliegende Buch versammelt grundlegende Essays zur Thematik von Karl Schawelka, Kai Uwe Schierz und Wolfgang Wackernagel. Sie entwerfen die Perspektive, aus der heraus die ausgewählten künstlerischen Arbeiten eine spezifische Deutung erfahren können. Außerdem werden sämtliche künstlerischen Positionen von fachkundigen Autorinnen und Autoren interpretiert. Ausführliche Autorenbiografien runden die Publikation ab.
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Das Buch dokumentiert die gleichnamige, aus drei Videoinstallationen bestehende Trilogie. In diesen Werken erforscht Niccoli in den Städten Berlin, Montreal und Istanbul den Blickwechsel zwischen einzelnen Individuen im anonymen Kontext eines U-Bahnhofes.
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„Copy and Past“ ist eine Werkschau oder besser noch ein Archiv. Künstler und Chefredakteur Lemke (1970-2006) nahm den Titel wörtlich und kopierte sein Schaffen zwischen die Titelseiten. Dabei war es ihm ein Anliegen, „an mein eigenes Werk als Kurator heranzutreten, der keinen Unterschied macht, ob nun die Arbeiten mit 12 oder mit 32 Jahren entstanden sind, und hofft, dass sie gesehen werden können als das, was sie sind. Dabei bin ich gerne und bewusst das Risiko eingegangen, dass Dinge sich vielleicht gegenseitig aufheben oder ganz einfach keinen klaren roten Faden erkennen lassen. Dies ist mir aber um einiges lieber, als mein eigenes Schaffen in irgendeiner Weise zu beschränken, nur um schneller als „Marke“ erkannt zu werden.“ (Lemke, „Copy and Past“, S. 1)
Lemke, der längst als „Marke“ in Kennerkreisen bekannt ist, zeichnet mit diesem sowohl Layout als auch Genre sprengenden Gesamtwerk das (Selbst-)Porträt des Künstlers als ein junger Mann, der außerdem noch Unternehmer, Tourist, Vertreter, Arbeiter, Philosoph … und natürlich Chefredakteur und brillanter Entertainer war.

Der Titel „Copy and Past. Nr. 1. Der Künstler als ein junger Mann“ lässt weitere Ausgaben erwarten – allein die Tatsache, dass der Künstler, Jahrgang 1970, diese Welt am 17. Februar 2006 schon als junger Mann verlassen hat, macht diese Hoffnung zunichte. Das ist schade und sehr traurig.
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Der belgische Malerstar Luc Tuymans präsentiert als neues Künstlerbuch in der EDITION EX LIBRIS: "Christopher Caudwell – Illusion and Reality (1937)". Die Edition Ex Libris hat es sich zur Aufgabe gemacht, Bücher, die für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler von Bedeutung sind, dem Vergessen zu entreissen. Durch den von Luc Tuymans entworfenen Buchumschlag wird dieser ansonsten unveränderte Reprint zu einem Künstlerbuch, das in den Bibliotheken der Sammler und Bibliophilen unter dem Namen Luc Tuymans eingeordnet werden wird und helfen wird, das Werk dieses Malers, der sich seit Jahren mit den Phänomenen der Wahrnehmung von geschichtlicher Realität und den sich daraus ergebenden Illusionen auseinandersetzt, in einem neuen Licht zu sehen.

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    [content_de] => Die Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und das Kunstmuseum Wolfsburg verbindet nicht nur ihre räumliche Nachbarschaft, sondern vor allem eine inhaltliche Nähe: ihre Konzentration auf die Gegenwartskunst.
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Die Publikation Blickfeld Gegenwartskunst versteht sich als ein Baustein in dieser lebendigen Wechselbeziehung. Sie fasst die Beiträge der Ringvorlesung zur Gegenwartskunst vom Wintersemester 2004/05 an der HBK Braunschweig zusammen, die eine breite Palette von Fragestellungen, Motivationen und Methoden im Umgang mit moderner und zeitgenössischer Kunst vorstellte. Das Kunstmuseum Wolfsburg lud mit dieser Kooperation nicht nur zum Besuch seiner Sammlung ein, sondern zur kritischen, intellektuellen und sinnlichen Auseinandersetzung mit »ihren« Künstlerinnen und Künstlern und mit dem eigenen kuratorischen Konzept.
Das vorliegende Buch hat den Anspruch eines kleinen Handbuchs: als Begleiter im realen Gang durch die Räume des Kunstmuseum Wolfsburg und im imaginären Dialog mit den Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern, die diese einmalige Sammlung zeitgenössischer Kunst ganz individuell in den Blick genommen haben.

Autoren:
Eckhard Bauer, Stephan Berg, Hannes Böhringer, Holger Broeker, Victoria von Flemming, Sabine Kampmann, Thomas Köhler, Siegfried Lang, Annelie Lütgens, Yvonne Spielmann, Katharina Sykora, Viola Vahrson.
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Die Ausstellung versteht sich weder als Rückblick, noch als repräsentative Bestandsaufnahme, eher als eine Hommage an den ältesten deutschen Kunstpreis. Die Villa Romana ist seit ihrer Bestimmung als ’Künstlerhaus’ und Atelier für deutsche Künstler unzählige Male selbst zum Motiv geworden. Die besondere Lage der Villa Romana an der Via Senese, der alten Verbindungsstraße von Florenz nach Siena macht sie zum Anlieger an einer bedeutenden Reiseroute nach Rom (Via Cassia). Die nach wie vor verkehrsreiche Ausfallstraße hat sich ihr ursprüngliches, geschäftiges Gepräge erhalten.
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Makingofilm sind freie Improvisationen zu Samuel Becketts „ Film“. „Film“ war Becketts erste cineastische Produktion, die unter seiner Direktive und unter der Regie von Alan Schneider 1964 in New York mit dem alten Buster Keaton in der Hauptrolle gedreht wurde. In einem 20- minütigen Verfolgungs und Verbergungsdialog zwischen Kamera - Auge und Keaton - Objekt thematisiert Beckett hier nicht nur die Aporie einer Flucht aus der Wahrnehmung sondern reflektiert auch auf sehr verdichtete Art und Weise die Grundkonditionen dessen was Film überhaupt ausmacht . Obgleich „ Film“ kurz nach seiner Veröffentlichung bereits auf internatonalen Festivals prämiert wurde, waren sich nahezu alle Beteiligten einig, dass er in der Realisation und Konzeption erhebliche Mängel aufwies. Es eignet ihm die Qualität einer fragmentarischen Rohheit, die Beckett selbst zu weiteren filmischen Experimenten anspornte. Makingofilm spielt als zeitgenössisches Remake, das ständig durch einen Blick hinter die Kulissen gebrochen wird, mit einer Vielzahl von Motiven aus „ Film“ ; In Bezug auf Becketts Minimalismus verhält sich Makingofilm jedoch antithetisch und überführt seine Strategie der Komprimierung in den Zustand einer operettenhaften Dispersion. Grundlagen für die fünfwöchigen Makingo- Dreharbeiten, die im Frühjahr 2004 auf dem Bahnhofsvorplatz von Göppingen stattfanden war die Begegnung zweier künstlerischer Lehrkonzepte, der plastisch- kybernetischen Kameraarbeit von Georg Winter ( UCS ) und der ambulanten Zeichenpraxis von Alexander Roob ( CS ). Es ergaben sich daraus eine Vielzahl von gruppenimprovisatorischen Variationen und individuellen Fortführungen , die das Projekt Makingofilm in einem facettenartigen Nebeneinander konstituieren . Makingofilm wurde realisiert in einer Kooperation der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart mit der Kunsthalle Göppingen und dem Kunsthaus Zug mobil. Eine erste Präsentation des Projekts fand nach des Rückkehr des Kunsthaus Zug mobil im Sommer 2004 in Zug statt, eine weitere im Frühjahr 2005 im Kunstmuseum Stuttgart Makingofilm sind : David Baur - Bettina Böhm - René Borst- Wendelin Büchler -Anna Edzgueradze - Regina Geckeler - Simone Geiger - Tobias Greiner - Eric Henzler Christoph Kappler - Tae-Young Kim - Bernd Kirschner - Nele Knatz Philip Loersch - Andreas Nickel - Sang-Ho Park - Inna Poltorychin Matthias Reinhold - Alexander Roob - Monika Schlachter Georg Winter - Tobias Zaft Schauspieler : Maatin Schmidt, sowie Fritz Barth, Manfred Schmidt, Karin Biller ,Henner Pfennig und die Makingo - Filmcrew. Gäste bei der Umsetzung des car-stunts : Hjun Joo Choi, Wolfgang Obermaier, Vanina Rodriguez, Bernhard Sailer, Michel Schmidt (Akademie der Bildenden Künste Nürnberg )

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    [content_de] => Die von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene édition séparée bietet ausgewählten Künstlern die Möglichkeit, authentische Beiträge in der Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Die Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von Autoren, die er selbst bestimmt und die den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die bisher entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Zeichnung, Theorie, Typographie und elektronischer Bildbearbeitung.
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    [content_de] => Doris Frohnapfel besuchte und fotografierte Grenzen und Grenzlandschaften des sich neu formierenden Europa in Finnland, Estland, Lettland, Litauen, Polen, Bulgarien, Türkei, Spanien, Frankreich usw. Ihre oft menschenleeren Fotos zeigen direkte, unsichtbare, sich auflösende und neu befestigte Grenzen, militärische Zeichen der Ein- und Ausgrenzung, der Bewachung und Kontrolle. Mauern, Zäune, Wachtürme, Schilder, Absperrungen, verfallende und im Bau befindliche neue Kontrollstützpunkte verbinden sich mit natürlichen Grenzen. In vielen Fotografien wird daher auch immer wieder auf die gleichen Mittel der Abgrenzung und Sicherung, die sich zu einer Grenzarchitektur zusammenfassen liessen, hingewiesen. Doris Frohnapfels Fotos beschreiben einen abstrakten Moment, Realität festzuhalten, zu dokumentieren, ein Bild zu konstruieren und Geschichten zu erzählen. Das Projekt wird von einem vielseitigen und informativen Textteil begleitet.
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    [content_de] => „Pathetischer Betrug – Romantische Atmosphären und Aggregatzustände” stellt Werke von 19 Künstlern vor, die Räume der Fiktion eröffnen, sich vielfältig von der europäischen Kunstgeschichte inspirieren lassen und keine Scheu davor haben, in Bildern Geschichten zu erzählen. Neben dem narrativen Potential stehen Auflösungen und Verdichtungen, Kreisläufe und Metamorphosen, Meere und Wälder, hermetische Universen und akribische Naturbeobachtungen für unterschiedliche Versuche, der Komplexität der heutigen, von der selbstverständlichen Nutzung auch digitaler Bildmedien geprägten Zeit mit einer neuen „Natürlichkeit” zu begegnen.

Künstler: Christoph Bannat, Rebekka Brunke, Peter Duka, Nathalie Grenzhaeuser, Beate Gütschow, Peter Heber, Jochem Hendricks, Achim Hoops, Uwe Kowski, Michael Kunze, Thomas Locher, Sebastian Ludwig, Julia Oschatz, Anke Röhrscheid, Corinna Schnitt, Studer/van den Berg, Markus Vater, John von Bergen, Heike Weber
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    [content_de] => "Aus erster Hand“ heißt die neue Doppelpublikation des Künstlerduos Lili Fischer und Georg Jappe. Zwei selbständige Kataloge sind in eine gemeinsame dunkelrote Mappe raffiniert eingesteckt. Schriftzeichnung ist das Grundthema – von Lili Fischer dargestellt vom autonomen Federzug über lebendige Tanzpartituren bis zu objekthaften Schriftrollen, die bei Performances zum Einsatz kamen, von Georg Jappe variiert als spontane AufZeichnungen auf Schreibtischblättern, Notate zwischen Lesbarkeit und Gedankenfluß. Die Ausstellung im Stadtmuseum Münster stellte bewußt die erste Schriftkultur der Karolingerzeit mit den letzten(?) Ausläufern der Handschrift in Kontext. Im Computer-Zeitalter ein betont bibliophiles Künstlerbuch „aus erster Hand“.
„Schriftbilder, Partituren und Kalligramme, deren Ästhetik die digitalen und multimedialen Kommunikationssysteme ganz schön alt aussehen läßt.“ (Westfälische Nachrichten)
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    [title] => Die Kunst - Der Körper - Das Textile
    [content_de] => Die Sammlung von unterschiedlichen Beiträgen zum Thema „Die Kunst Der Körper Das Textile“ hat ihre Basis in einer Reihe von theoretischen Vorträgen und Künstlervorträgen, die am Institut für Ästhetisch-Kulturelle Bildung der Universität Flensburg gehalten wurden.
Die Texte und Bilderessays werden als thematische Sammlung nebeneinander gestellt, so dass in den entstehenden Leerstellen zwischen den unterschiedlichen Beiträgen beim Lesen neue Verknüpfungen und Denkanregungen zur Thematik „Die Kunst Der Körper Das Textile“ möglich werden. Ausgangs- und Mittelpunkt ist der Körper, von dem aus Spuren in die Kunst, in das Textile und in die Pädagogik gelegt werden.
Der Körper – die Diskussion der Körperlichkeit gewinnt an Dynamik und an Akzentuierungen: Den menschlichen Körper korrigieren, konstruieren, manipulieren, ihn lesen und lernen oder entschönen und an seine Grenzen bringen. Mit dem Beginn der Industrialisierung wurden Kleiderpuppen in Serie angefertigt, in Schaufenstern ausgestellt und damit auch der Körper erstmals als Massenware präsentiert. In der Informationsgesellschaft erhält das Körperbild seine Konditionen durch Fotografie, Mode und digitale Medien. Der Körper wird zum Bild und hat sich dem Bild anzugleichen. Medien inszenieren ein Bezugsideal und beeinflussen unser Denken, Fühlen und Handeln über Körper und Körperlichkeit ebenso wie wir erkennen, dass unser Körper (im Sinne von Leib) als Bezugssystem für Denken, Fühlen und Handeln wirkt. Der Leib als letztes Refugium der Identität?
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In dieser von Gerhard Theewen herausgegebenen neuen Edition bekommt der Begriff "Künstlerbuch" eine neue Dimension. Der für die Edition Ex Libris eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, das er unter seinem Namen als Reprint präsentiert. So wird das "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch, das in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen dann unter seinem Namen eingeordnet werden wird. Auf diese Art werden Quellenwerke für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler in neuem Licht gesehen und dem Vergessen entrissen …

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    [title] => Neue Kunst in alten Gärten
    [content_de] => Im Südwesten Hannovers trifft man auf eine der schönsten und vielfältigsten Kulturlandschaften Niedersachsens - das Calenberger Land. In dieser ländlich geprägten Gegend liegen zahlreiche Güter mit ihren Gärten und Parks.
Im Jahre 1999 gründeten Rittergutsbesitzer, Künstler aus der Region sowie Kunstinteressierte den Verein Neue Kunst in alten Gärten e.V.. Der Verein zeichnet für das gesamte Skulpturenprojekt verantwortlich. Dieser hat die Ausstellungsidee entwickelt und stellt die Gärten als Ausstellungsorte zur Verfügung.
Als eine seiner wichtigsten Aufgaben sieht der Verein die Förderung junger Künstler. Gerade ihnen möchte er die Möglichkeit geben, zusammen mit international bekannten Künstlern auszustellen.
Die beiden für das Skulpturenprojekt ausgewählten Gärten des Ober- und Unterguts in Lenthe sind im Stil des englischen Landschaftsgartens des 18. Jahrhunderts angelegt.
Die Ausstellung unternimmt den Versuch, neue Blickbezüge in den Landschaftsgärten zu öffnen. Mit der Auswahl der eingeladenen Künstler verschiedener Altersstufen - verbunden mit den von Ihnen repräsentierten unterschiedlichen Arbeitsfeldern - geben wir der Veränderung von Begrifflichkeiten besonderes Gewicht.
Das “Kunst- und das Naturschöne" (G.W.F. Hegel), sollen in diesem Projekt in einem spannungsvollen Dialog zueinander finden.

Mit Arbeiten von Stefka Ammon, Volker Bartsch, Ilka Berndt, Riccardo Biondi, Simone Böhm, Brunner + Ritz, Ricardo Calero, Klaus Duschat, Rainer Figur, Thomas Gerhards, Yvonne Goulbier, Seontae Hwang, Azade Köker, Lothar Krüll, Sebastian Kuhn, Victor López, Hannes Malte Mahler, Hannes Meinhard, Regine Nölken, Maren Roloff, Hartmut Stielow, David Lee Thompson, Kwanho Yuh, Michael Zwingmann
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Im Zentrum dieses Bildbandes stehen Photographien von Arbeiterzeichnungen. Diese Zeichnungen befinden sich auf Oberflächen, die in der Umgebung von industriellen Prozessen zu finden sind. Metallwände, Holzkisten, gestanzte und gegossene Formen stellen nur einen Teil der Flächen dar, auf denen gezeichnet wurde. Diese Zeichnungen sind während der Arbeit entstanden und dienten wohl weitestgehend der korrekten Abwicklung von industriellen Abläufen. Weitestgehend... Zu sehen sind Kreidezeichnungen, Notizen, gesellige Mitteilungen, die von Arbeitern während oder neben der Arbeit angefertigt wurden. Diese Höhlenmalereien der zweiten Eisenzeit zeigen oftmals eine erstaunliche Ähnlichkeit zu Werken der zeitgenössischen Malerei und Zeichnung. Die für sein Projekt “Liegen Lassen” verwendeten Photographien fand Jörg Paul Janka bei seiner Recherche im Fotoarchiv Ruhrlandmuseum Essen.

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Davon ausgehend werden am Beispiel von zwei Lehrveranstaltungen in einem qualitativ-empirischen Forschungsprojekt Möglichkeiten untersucht und diskutiert, über ästhetische Verfahren in der Lehrer/innenbildung bio-grafisch zu arbeiten.
Ein Buch für alle, die an einer Qualifizierung von Lehrer/innenausbildung interessiert sind.
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    [content_de] => Mit der überblicksartig angelegten Ausstellung „Diana Thater. Keep the faith.“ präsentiert die Kunsthalle Bremen und das Museum für Gegenwartskunst Siegen eine umfassende Werkschau der kalifornischen Künstlerin Diana Thater (*1962). Sie bezieht in der noch jungen Videokunst eine höchst eigenständige Position, weil sie die Videoprojektionen mit dem Raum durch eingefärbtes Tages- und Kunstlicht verschmilzt. Ihre Themen kreisen um das Verhältnis von unberührter und kultivierter Natur, das sie am Bild des wilden oder gebändigten Tieres vorführt. Die zeitgleichen Ausstellungen in Siegen und Bremen ergänzen sich: In Bremen wird der Schwerpunkt auf die jüngeren Arbeiten seit 1998 gelegt, während das Siegener Museum sich den grundlegenden frühen Arbeiten widmet, die zwischen 1993 und 1997 entstanden sind.

Der Katalog dokumentiert umfassend mit großen Farbabbildungen die in beiden Häusern installierten Arbeiten. Erstmals ist im Buch ein Verzeichnis aller bisher entstandenen Installationen und Monitorarbeiten von Diana Thater veröffentlicht. Die Katalogtexte nähern sich dem Werk der Künstlerin aus drei unterschiedlichen Perspektiven. Diana Thater erläutert in ihrem grundlegenden Aufsatz ihre Konzepte zu den in beiden Ausstellungsteilen gezeigten Arbeiten. Sie gibt damit zugleich einen Überblick über die bisherige Entwicklung ihrer künstlerischen Interessen. Barbara Engelbach untersucht den Umgang der Künstlerin mit dem Medium Video im Kontext der Diskussionen um Medienspezifik der 1960er und 1970er Jahre. Wulf Herzogenrath entwickelt zum künstlerischen Umgang Thaters vom projizierten Bild im architektonischen Raum eine Vorge-schichte ähnlicher Auffassungen von Künstlern früherer Medien, die mit Film- und Diaprojektionen arbeiteten.
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    [content_de] => »Lo Spirito del Lago« ist ein internationales Ausstellungsprojekt, 1996 gegründet mit dem
Ziel, zeitgenössische Kunst mit der einzigartigen Ausstrahlung der Isola Bella im Lago Maggiore in eine spannungsreiche und produktive Beziehung zu setzen. Jährlich sind jeden Sommer rund ein Dutzend Rauminstallationen zu besichtigen, die thematisch in
die barocke Atmospäre dieses Ortes eingebunden sind. »Die Versuchung des hl. Antonius« war Thema der Ausstellung 2003. Seit dem 15. Jh. sind die die Grafiken und Gemälde die sich mit dieser Heiligenlegende beschäftigen weltweit bekannt. Die Rauminstallationen auf der Isola Bella greifen das Thema auf und geben ihm aktuelle Bezüge (Wiederkehr des Verdrängten, Machthunger, Größenwahn, Geldgier…). Künstler: Enrique Asensi, Lore Bert, Harald Fuchs, Francesco Garbelli, Peter Gilles, Horst Gläsker, Ferdinando Greco, Ale Guzzetti, Birgit Kahle, Ingeborg Lüscher, Apostolos Palavrakis, Antonio Riello, Cinzia Ruggeri, Giampiero Zanzi.
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    [content_de] => Humus ist allgegenwärtig, Humus bildet den Nährboden für Wachstum, Entwicklung. Das Werk der Berner Künstlerin Elsbeth Bönigers ist gekennzeichnet durch ein stetes Wachstum; Arbeiten generieren neue, bilden Keimblätter fürs Weiterkommen. Um ihr Werk in seiner ganzen Komplexität zu erfassen und ihre vielschichtigen Untersuchungen zu Malerei und Plastik in ein theoretisches Konstrukt einzubinden, sucht sie den Dialog zu verschiedenen kritischen Menschen. Aus den Gesprächen sollen fortlaufend Werke entstehen, um den Diskurs anzutreiben. Am Schluss stehen Forschungen und Kunst da – und beide sollen einem interessierten Publikum zugänglich gemacht werden. Es soll ein Panoptikum entstehen, das die Sinne anspricht. Das Projekt wird eine Baustelle, eine »Fabbrica«, ein Dokument einer »Work-in-Progress-Situation«. Fundstücke, die während der Dialoge Anregungen zu Diskursen geben, gehören gleichermassen in die Präsentation des Projektes, wie die Arbeiten der Künstlerin selbst. Es sind dies Papiere, Antiquitäten, Fotografien und Trouvaillen ihrer grossen Materialsammlung, ebenso wie kulinarische Episoden, die die Gespräche begleiten werden. Das Projekt soll zu einem Kaleidoskop werden, das Leben und Werk zu verschmelzen versucht. Eine Arbeit, in der verschiedene Ebenen zusammenfliessen, ein Werk, das keine Langeweile aufkommen lässt.
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    [content_de] => Der Band versammelt die Beiträge zum Symposium »Künstlerische Bildung und die Schule der Zukunft«, welches im Oktober 2001 an der Pädagogischen Hochschule Heidelberg und der Landesakademie Schloss Rotenfels stattfand. Im Mittelpunkt steht die Frage nach innovativen Ansätzen einer Kunstpädagogik, die die Ausbildung eines selbstbestimmungsfähigen Subjekts inmitten einer komplexen Gesellschaft und einer von den Inszenierungen der Medien geprägten Kultur verfolgt. Der Begriff der künstlerischen Bildung steht dabei für das Unternehmen, Kunstdidaktik als Kunst zu betreiben. In Abgrenzung gegenüber traditionellen Formen des Kunstunterrichts soll in künstlerischen Prozessen künstlerisches Denken und Handeln geschult werden. Die dabei zu entwickelnden Fähigkeiten sind von grundsätzlicher Bedeutung für die Lebenskunst, die Herausforderung an jeden Einzelnen, in der Vielfalt der nachmodernen Gesellschaft selbst seinem Leben Sinn und Gestalt zu geben.
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    [content_de] => Mit ihrem Ausstellungsprojekt "Zeitarbeit II" stellt Ursula Bertram die Frage der Arbeit in den Mittelpunkt. Ursula Bertram extrahiert Wirtschaftsprozesse in eine künstlerische Parallelwelt. Kooperation, Arbeitsprozess, Engagement, Fähigkeit und Zeitablauf entblößen sich visuell in der wolligen Farbmixtur von Strickwürsten, die den Museumsraum langsam einkreisen. In ihrer künstlerischen Arbeit konzentriert sie sich seit 1995 vor allem auf die Perspektive des Visual Observer. In der Dortmunder Ausstellung wird der Betrachter Zeuge eines Produktionsprozesses, dessen Endprodukt bunte Wollwürste sein werden. Während der Öffnungszeiten des Museums stricken sechs Schwarzstrickerinnen auf sechs weißen Stühlen sitzend mit sechs gleichen Stricklieseln in schwarzer Wolle. Jeder Außenstehende kann die Strickliesel für 60 Minuten übernehmen und sich in die Produktion mit farbiger Wolle einstricken. Nach einer Stunde wird der Faden durchschnitten und die Fremdarbeit auf Zeit entlohnt mit 5 Euro. Es wird 11 Tage lang unablässig gestrickt zu den Öffnungszeiten des Museums. Rund 300 Meter Strickwürste schieben sich in 6 Reihen sukzessiv über die Stahlstäbe an der Wand des Ausstellungsraums.
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    [content_de] => Das 6. Jahrbuch der HfBK Braunschweig begreift sich als Forum für bildhafte Argumentation. Es ist – zunächst und anscheinend – ein reines Bilderbuch. Die Bilder sprechen für sich: Was erzählen sie uns? Was lesen wir aus ihnen heraus? Beim Betrachten und Blättern der Seiten wird schnell »begreifbar«, dass diese quasi doppelt liegen: Je zwei Bilder bilden eine Art Schlaufe und umschliessen so die Textbeiträge. Eine Perforation an der vorderen Kante hilft, den Text durch Auftrennen der Seiten zugänglich zu machen. Diese Art der Bindung ist zugleich historisches Zitat: Früher wurden die meisten Bücher unaufgeschnitten ausgeliefert. Die besondere Form des Buches macht aber auch deutlich: Text und Bild liegen auf zwei verschiedenen Ebenen, es muss eine Schwelle überschritten werden, um sich mit dem Text auseinanderzusetzen.
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Band 5 der Reihe »Gestalt und Diskurs« der Muthesius-Hochschule für Kunst u. Gestaltung, Kiel.
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    [content_de] => Der erste Teil des Buch ist eine vollständige Dokumentation der Ausstellung 'Seeing Red – an International Exhibition of Nonobjective Painting', die im Frühjahr 2003 in den Hunter Art Galleries, New York gezeigt wurde; die Ausstellung umfasste ca. 150 rote Gemälde von 75 Künstlerinnen und Künstlern aus Europa und den USA; im zweiten Teil des Buch wird das Symposium 'Color as Experience' dokumentiert, das anlässlich der Ausstellung im Goethe-Institut, New York, stattfand.
Die Geschichte der abstrakten und nicht-gegenständlichen Malerei des 20. Jahrhundert steht zwar im engen Zusammenhang mit der Entwicklung von wissenschaftlichen Farbtheorien, doch wurden diese Beziehung kaum untersucht wie überhaupt Kunst und Wissenschaft nur selten Gegenstand einer systematischen Forschung wurden. Mit der zunehmenden Standardisierung von Farbdarstellungen in den elektronischen Medien ist jedoch das Interesse an den wissenschaftlichen Untersuchungen zur Wirkung von Farbe und dem künstlerischen Umgang mit ihr neu erwacht.
Ein wichtiger Aspekt dieser Entwicklung geht auf den Austausch zwischen amerikanischen und deutschen Künstlern und Wissenschaftlern zurück: Die Amerikaner wurden insbesondere durch die beiden deutschen Maler Hans Hofmann und Josef Albers und die Gestalttheoretiker stark beeinflusst, während die nicht-gegenständliche Malerei vor allem in den 50er und 60er Jahren von den Amerikanern vorangetrieben wurde.

Die Ausstellung Seeing Red versuchte, dieser Entwicklung mit einem speziellen Ansatz nachzugehen: Idee des Projektes war, über die Thematisierung eines Farbwertes als Malerei ein 'objektives' Kriterium für die Auswahl von Arbeiten zu schaffen. Denkbar waren dabei grundsätzlich zwei Auswahlstrategien, die in der Ausstellung miteinander verschränkt werden sollten - und mussten, weil sie in 'reiner' Form nur theoretisch denkbar sind: Die Entwicklung verschiedener Bildkonzepte und Malstile an/in einem (theoretisch einheitlichen) Farbwert Rot und die Entwicklung des Spektrums von Rot in einem (theoretisch einheitlichen) Bildkonzept oder Malstil. Die Ausstellung zielte also darauf ab, die Grenzen sowohl dessen, was als Rot, bzw. dessen, was als Malerei aufgefasst werden kann, auszuloten.
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Mit Textbeiträgen von Maria Engels (Vorwort), Karin Thomas, Kunsthistorikerin, Wilhelm Schürmann (Kunstsammler), Olaf Möller (Filmkritiker) einem Songtext von Nick Lowe (The Beast in Me) und einem Gespräch von Cony Theis mit Dr. Gisela Rascher (Psychotherapeutin).
Der Katalog zeigt eine medial komplexe Untersuchung, die auf das Thema >Verbrechen< mit seinen vielschichtigen Personalverknüpfungen und auf die Problematik der Beurteilung abzielt. Anteilnahme am Konfliktfall mischt sich mit voyeuristischer Lüsternheit, Anziehung und Abstoßung funktionieren gleichermaßen als Zugang zur beobachtenden Anteilnahme am Schock des Verbrechens. Das Buch konzentriert sich auf vier Themenbereiche: Gerichtsillustrationen aus zwei Jahrzehnten, fotografische Porträts von professionellen Geheimnisträgern (aus den Bereichen Psychologie, Kirche, Militär, Rechtswesen und Medizin) mit Auszügen aus Interviews zu ihrer Funktion, gemalten Porträts von Mord-, Attentats- und Mißhandlungsopfern und einem Essay zu True Crime im Film.
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    [content_de] => Zum Jubiläum 50 Jahre Haager Konvention hat der Retrogradist Adalbert Hoesle das Projekt »Subduktive Massnahmen / ZBOSdM052004« realisiert. 50 GegenwartskünstlerInnen wurden gebeten eine neue Arbeit zu schaffen oder eine bereits vorhandene zur Verfügung zu stellen, die in zylindrischen Edelstahlbehältern im Zentralen Bergungsort der BRD in Oberried/Breisgau eingelagert und damit für 1500 Jahre der visuellen Rezeption entzogen werden. Ohne dass alle Arbeiten jemals von jemandem (ausser vom Herausgeber) gesehen wurden, sind diese durch den Akt des Rezeptionsentzugs per definitionem zum Deutschen Kulturgut erklärt und unter Sonderschutz der UNESCO gestellt worden. Im 1. Teil des Buches werden die 50 GegenwartskünstlerInnen namentlich aufgeführt. Ihre Arbeiten werden mit einer kurzen Be- oder Umschreibung vorgestellt, so dass der Leser sich selbst ein »Bild« von den einzelnen Arbeiten machen kann. Alle 50 Behälter sind mit einem Register versehen und im Buch abgebildet. Das Register dient nach der Definition des Begriffs »Index« als »Kennzahl zur Unterscheidung gleichartiger Grössen«. Im 2. Teil des Buches stellt Adalbert Hoesle das gesamte Projekt mit dem Titel »Die Bonner Deutung« vor. Prof. Hubert Sowa, Künstler und Philosoph (PH Ludwigsburg), führt mit einer Reflexion zu S. Freuds »Jenseits des Lustprinzips« in die Überlegungen zum subduktiven Rückbau von Kunstwerken ein. Der Philosoph Robert Pfaller (Kunstuniversität Linz) ergänzt mit einem Essay »Betrachtungsunlust, Bunkersehnsucht, diebische Freude. Erscheinungsformen von Interpassivität in der aktuellen Kunst«.

50 abbildungen der stahlbehälter mit werken von: u.a.antje dorn, katharina grosse, andreas gursky, georg herold, rudolf herz, stephan huber, jörg immendorff, christoph inderwiesen, via lewandowsky, durs grünbein, jonathan meese, olaf metzel, wilhelm mundt, marcel odenbach, nana petzet, peter piller, tyyne claudia pollmann, alexander roob, thomas ruff, karin sander, christoph schlingensief, andreas slominski, georg winter, …
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    [content_de] => Sein Gefühl für Elemente der Architektur leitet den Kölner Künstler Rudolf Scholl seit Jahrzehnten. Im Rahmen zahlreicher Aufträge gelang es ihm immer wieder, Architektur in Szene zu setzen oder für den Betrachter sinnvoll in Frage zu stellen. Dabei hat Scholl einzelne Bestandteile in Bezug auf Beschaffenheit und Funktion analysiert und dem statischen, stillen Tragen durch Formenvariationen und -wiederholungen etwas wie einen Handlungsablauf hinzugefügt und damit die Architektur dynamisiert. Gerade der Dialog zwischen neu gefundener Form und Erscheinung bekannter Elemente macht die bisher vertraute Umgebung spannend und erlebnisreich, lässt Raum für Entdeckungen neuer Aspekte des scheinbar Vertrauten. Eine ähnliche Dynamisierung linearer Elemente beinhalten auch Scholls Objekte, Grafiken und Gemälde. Ausstellung und Katalog führen diese zusammen. Der Betrachter kann so ihren Wurzeln und Aussageebenen nachspüren.
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    [content_de] => Unter dem Titel »Snow on the Peaks« konzipierte der Düsseldorfer Bildhauer Johannes Lenhart eine Ausstellung in den Räumen der Stadtwerke Düsseldorf / Netzbereich, zu der diese Publikation erscheint. Der Künstler verarbeitet Eindrücke seiner Japanreise in Form eines poetischen Textes und einer Collage, in der er heterogene Fundstücke zusammenbringt. Im Aomi Contemporary Art Centre (ACAC) im Norden der japanischen Hauptinsel Honshu schuf er eine große Rauminstallation mit oben genanntem Titel. Diese Arbeit aus Stahlrohren und weißem Shojipapier korrespondiert mit der Architektur Tadao Andos. Farbfotos dokumentieren die veränderte Form der Skulptur je nach Standort. Skizzen und technische Zeichnungen Erklären die Entstehung. In einem auführlichen Text thematisiert die Kuratorin und Kunsthistorikerin Yuki Kondo die Beziehung von Raum und Skulptur. Sie verbindet Lenharts Arbeit mit seiner Gedankenwelt und seinem bisherigen Schaffen.
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2003 entstanden Kooperationen mit dem Lyriker Dieter M. Gräf (Suhrkamp), dem Schriftsteller Michael Ebmeyer (Kiepenheuer und Witsch) und der Sängerin Barbara Schachtner. Diesen Poetry Kooperationen gemeinsam war die verbindende Regie von Roland Schappert, der den medialen Transfer initiierte: von der Zeichnung zum geschriebenen Text und umgekehrt – Lyrik in Verbindung mit kurzen Videosequenzen, die wiederum zu Fotodrucken auf Büttenpapier gefrieren sowie Gesang zu elektronischen Sounds, wobei "B. Schachtner die Texte und Rhythmen Schapperts kongenial interpretiert. (Eine CD ist für 2004 geplant.) Das ist wohl das Charakteristische an Schapperts Methode: Veränderungen ursprünglicher Fassungen, die zu neuen medialen Ergebnissen hinführen – eine mit den Mitteln des Klangs geformte intermediale Sprachfindung." (Joachim Ody, der in SPEX publiziert.) Die Ausstellung "Sounds im Auge" (Schaulager Dr. Harald Falckenberg) und "Mallorca" (art & culture) sowie das aus diesem Anlass von Anne-Marie Melster herausgegebene Künstlerbuch dokumentieren diese Zusammenarbeiten erstmals.

Das Buch vereinigt neben 12 Farbabbildungen und 26 s/w Abbildungen literarische Kurztexte von Schappert, Kooperationstexte von Michael Ebmeyer und Dieter M. Gräf, einen musikkritischen Text von Joachim Ody sowie einen ausführlichen kunsthistorischen Text von Dr. Sabine Schmidt (Stiftung Wilhelm Lehmbruck, Duisburg). Sie fasst Schapperts kalkulierte "mediale Unentschiedenheit" in folgende Worte: "R. S. arbeitet an den Übergängen der Medien, an den Nahtstellen verschiedenster Informationswelten, an Situationen, die ‚kippen’."
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    [content_de] => Die Internet-Arbeit The Anthology of Art von Jochen Gerz ist ein irritierendes, sperriges Werk – trotz aller scheinbaren Zugänglichkeit im Netz. Im Verlaufe eines Jahres (2001/02) ha-ben 312 KünstlerInnen und KunsttheoretikerInnen aus der ganzen Welt, fast alle zum innersten Kreis des "Kunstsystems" gehörig, auf unterschiedlichste Weise reagiert auf Gerz' immer gleiche Frage: "Was ist, im Kontext der zeitgenössischen Kunst, Ihre Vorstellung einer noch unbekannten Kunst?". Die Antworten – Bilder und Texte, veröffentlicht im Internet unter www.anthology-of-art.net – spiegeln auf geradezu schockierende Weise die Vielfalt und Widersprüchlichkeit der heutigen "Kunstszene" – und darüberhinaus unserer Welt. Mit dem ephemeren und immateriellen Charakter der Bildschirm-Bilder, mit der kaleidoskopischen Vielfalt und der Flüchtigkeit der Wahrnehmung, die hier prädisponiert ist, macht Gerz das Internet zum zentralen Medium seines Werkes.

Mit diesem widersprüchlichen, labyrinthischen, scheinbar autorlosen Werk des vor allem durch seine Arbeiten im öffentlichen Raum international bekannt gewordenen Künstlers setzen sich die hier vorgelegten Forschungsbeiträge aus sehr unterschiedlichen Perspektiven auseinander. Untersucht werden der Entstehungsprozess der Anthology, ihre Parallelen zu anderen Werken des Künstlers im öffentlichen Raum und die spezielle Form der Reflexion des Mediums Internet, die Gerz hier entwickelt. Die Texte ziehen Vergleiche, die von Platons Utopia bis zu Internetprojekten reichen, auch heftige Kritik nicht unterschlagend. Die in einjähriger Zusammenarbeit von französischen, deutschen und ungarischen Kunstheoretikern und Künstlern erarbeiteten Beiträge nehmen Gerz' Anthology nicht ihren eigenartig irritierenden und widersprüchlichen Charakter - ermöglichen aber Annäherungen und überraschende Zugänge.

Im Jahre 2004 wird Gerz sein Internet-Opus – auf Tafeln ge-bannt – in der Akademie der Künste Berlin als Ausstellung präsentieren. Dann werden die Studies in Jochen Gerz' »Anthology of Art« ein Potential bilden gegen die Überwältigung durch die versammelten 312 Beiträge von KünstlerInnen und KunsttheoretikerInnen "from all over the globe".

Commissioned by the Institute for Art History and Theory, School of Art Braunschweig. With the support of the Culture 2000 Programme of the European Union.

The Anthology of Art Research Project: School of Art Braunschweig; University of Rennes 2 - Upper Brittany; University of Craft and Design Budapest
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Das Buch leistet einen wichtigen Beitrag zur Theorie des schöpferischen Handelns, indem es zeigt, wie man durch spontanes Spiel Verkrampfungen und Barrieren auflösen kann. Es ist für Theoretiker und Praktiker aus den Bereichen Theater, Kunst, Musik und auch Tanz von gleichem Interesse. Eine besondere Bedeutung hat es für Menschen, die mit Kunstpädagogik befasst sind, da hier improvisatorische Voegehensweisen und Strategien immer noch Stiefkinder sind. In einer zeitgemäßen Pädagogik geht es nicht mehr um Aufgaben im schulischen Sinne, sondern um offene Fragen und Probleme, die es zu lösen gilt. »Unterwerfung, Gehorsam, Starrheit, Sturheit, Panzerung, bitterer Ernst und Verbissenheit sind »Tugenden«, die ihren Sinn endgültig verloren haben. Selbstbestimmte verbindliche Regeln, Selbstbewusstsein, Beweglichkeit, Offenheit, Neugierde, Humor, Ironie und Gelassenheit werden an ihre Stelle treten.«
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Wir befinden uns mitten drin, wir sind Teil des Spiels, unsere Position ist also stets sowohl innen als auch außen. Wir wollen innerhalb dieser speziellen Positionen, innerhalb dieser speziellen Diskurse teilnehmen.
Das Buch besteht aus Analysen über die Rolle und Bedeutung von »Position« – eine Position, die offen ist und anti-essentialistisch, und damit auch entschieden nicht-universell. Dieses Konzept ist auf eine kritische, aber dennoch konstruktive Art und Weise durch Diskussion und Argumentation durchdacht, zum Beispiel anhand der Arbeiten von Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Esko Männikkö, Santiago Sierra, Matti Braun und Superflex. Das Buch versteht sich als eine Art Einladung, eine breite Spannbreite von Positionen zu vergleichen. Der Text artikuliert eine Position, die sich für eine alternative Bedeutung von »Position« einsetzt: eine neu verhandelte Version, die für Selbstkritik, Selbstreflektion und Toleranz steht. Diese Position muss auf eine radikal hermeneutische Art und Weise formuliert werden, bei der man der Erfahrung von dem, was es bedeutet, in einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Ort zu leben, Beachtung schenkt. Es ist gerade hier, wo die Praktiken der Gegenwartskunst und des selbst-reflektierenden Denkens über die Ethik sich gegenseitig beeinflussen können.
Die Behauptung ist letztendlich, dass ein sterbliches, begrenztes und situiertes Selbst – ein Selbst mit einer Offenheit gegenüber seiner Position – denken und ethisch agieren kann. Was aber hierfür benötigt wird, ist eine Sensibilität für, sowie ein Fokus auf die Komplexitäten und endlosen Konflikte und Widersprüche innerhalb der unterschiedlichen Positionen. Die Herausforderung liegt darin, den Diskurs zurück auf die lokalen Ebenen von Problemen und Herausforderungen zu bringen, d.h. zurück auf die Ebene von alltagspolitischen Argumenten und Entscheidungen.

In dem Buch wird u.a. auf die Arbeit folgender Künstler Bezug genommen: Eija-Liisa Ahtila, Ghada Amer, Matti Braun, Michael Elmgreen and Ingar Dragset, Esko Männikkö, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Santiago Sierra, Superflex und Roi Vaara.
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Die von Gerhard Theewen herausgegebene Edition Ex Libris kann man als eines der wichtigsten Editionsprojekte der letzten Jahre bezeichnen. Der für die Edition eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, für das er einen neuen Umschlag entwirft und unter seinem Namen als Reprint präsentiert. Dieses "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" wird durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch und wird in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen unter seinem Namen eingeordnet werden. Längst vergriffene Bücher werden so zu Quellenwerken und tragen zum Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler bei. So erhält der Begriff "Künstlerbuch" eine gänzlich neue Dimension.

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Die Malerei Kaplans verweist nicht auf konkrete Inhalte, sondern wird selbst zur Aussage und stellt sich selbst in ihrer Struktur dar. Kaplans durch Schichtung und Zeitverlauf definierte Malerei wird zum Symbol einer Meta-Realität, der menschliches Sein und menschliches Werden zugrundeliegt. (Angelika Nollert; »das blaue komma das sinn gibt«)
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    [content_de] => Das Buch "Das Schöpfungsprogramm", welches zur gleichnamigen Ausstellung am Landesmuseum Linz erschienen ist, wurde als eigenständige Publikation zu den Fragen menschlicher Abstammung und Existenz konzipiert.
Die zweibändige Ausgabe enthält im 1. Band neben kunsthistorischen Essays (von Peter Assmann, Martin Hochleitner, Elisabeth Vera Rathenböck und Norbert W. Hinterberger) einen Bildatlas zur Entwicklung des Menschen von niederen zu höheren Lebensformen als logische Konsequenz, dargestellt durch eine Fülle an kunsthistorischen und wissenschaftlichen Zitaten sowie Werken des Künstlers.
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Erschienen aus Anlass der Einzelausstellung im
Oberösterreichischen Landesmuseum, Linz.
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    [content_de] => Man hat mich gebeten, für eine CD mit Kompositionen von John Cage eine Biographie des Komponisten zu skizzieren. Merkwürdigerweise gerate ich beim Kommentieren, insbesondere seiner Wirkungsgeschichte in Deutschland, immer wieder in meine eigene Biographie, die zu schreiben ich wirklich nicht vorhabe. Nun gut, ich bin John Cage einige Male persönlich begegnet, und das waren für mich sehr schöne Augenblicke, die ich nie vergessen werde. Aber ich glaube nicht, dass er sich meinen Namen gemerkt hat, den Vornamen ja, aber den Nachnamen? Wozu auch?
Aber es scheint mir wichtig festzuhalten, wie es damals war, das Klima an der Hochschule in Köln, bei den Darmstädter Ferienkursen, in der Neue-Musik-Szene in Deutschland. Wo war ich damals,was habe ich mitbekommen?
Wer bin ich denn?
Manfred Niehaus.
Seit Jahren rede ich mir ein: ich bin Komponist, nicht vergessen, ich bin Komponist, was auch immer das sein mag.

1933, als John Cage sich anschickte, in Los Angeles zu Arnold Schönberg in den Unterricht zu gehen, wurde ich in Köln geboren. Weihnachten 1942 schenkte mir mein Großvater, der u. a. an einem Buch über meinen Urgroßonkel César Franck mitgewirkt hat, um u. a. zu beweisen, dass dieser eigentlich ein deutscher Komponist, ein zweiter Brahms gewesen sei, die Familie stammte nämlich aus Moresnet, das heute wieder zu Belgien gehört, 1942 schenkte mir mein Großvater eine Geige. Ich lernte die ersten Noten - geh - du - alter - Esel - und fing an zu komponieren. Op 1: Fantasie "Im Zigeunerwagen".

Aber ich will doch über John Cage schreiben!

John Cage wird am 5. Sept 1912 in Los Angeles geboren und erhält schon in jungen Jahren Klavierunterricht. Achtzehnjährig, nach seinem Abschluß an der Los Angeles High School, reist er zur Weiterbildung nach Paris. Dort begegnet er u.a. auch den Werken von Erik Satie, der zwar schon 1925 gestorben, aber noch nicht ganz vergessen war. Cage studiert Architektur bei Goldfinger, beginnt zu malen, auf Mallorca entstehen die ersten Kompositionen. 1931 kehrt er in die USA zurück. über zwei textlinien, eine werkbiographische und eine persönlich erinnernde, skizziert der kölner komponist manfred niehaus mannigfaltige einflüsse des werkes von cage auf die zeitgenössische
musikästhetik, praktiken des komponierens, aufführens, rezipierens und reflektierens. mit den temporalisierenden bezügen auf "cages 4´33´´" (1952) zeichnet sich eine hommage an "cage heute" ab. ich habe nichts zu sagen und ich sage es und das ist poesie wie ich sie brauche. (john cage "silence")
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Die folgenden Überlegungen kreisen um eine Genese des Bildes, die geeignet ist, die Geschlossenheit einer im schönen oder nicht mehr schönen Schein befangenen ästhetischen Welt aufzusprengen, so daß sowohl prä- wie postästhetische Motive der Kunst freigesetzt werden. Die Kunst verlangt nach einer Genealogie, die Nietzsches Genealogie der Moral oder Husserls Genealogie der Logik ebenbürtig ist. Die Kontingenz von Ordnungen, die „es gibt“, ohne daß sie auf einem festen Boden ruhen, weist sowohl hinter die bestehenden Ordnungen zurück wie über sie hinaus, und beides in unlöslicher Verquickung. Dem être brut entspricht eine art brut, die nicht bei sich selbst beginnt und nicht bei sich selbst endet.1 Dies lehrt nicht nur die philosophische Besinnung auf die Ordnung des Sichtbaren und Bildhaften, sondern auch die moderne Bildpraxis, innerhalb derer archaische und revolutionäre Momente sich immer wieder berühren und verstärken. Die Hoffnung auf eine zunehmende Desillusionierung, in deren Verlauf die Bilder immer mehr als Bilder durchschaut und außerästhetischer Wirkungen entledigt werden, erweist sich selbst als trügerisch. Die Frage: „Was ist ein Bild?“ stellt sich mit wachsender Dringlichkeit, je mehr neue Bildformen unsere Erfahrung in Beschlag nehmen.2 Gemessen an der Vielfalt zu berücksichtigender Aspekte sind unsere phänomenologisch inspirierten Analysen betont karg angelegt. Es geht darum, einige neuralgische Punkte zu markieren, die für eine Rückfrage nach der Genese von Bildern unerläßlich sind. Wenn es ‘das Bild’ gibt, so nur im Schnittpunkt verschiedener Bilddimensionen.3

1. Bild und Bildauffassung
Beginnen wir mit einigen minimalen Bedingungen, denen ein Bild gehorchen muß, um als Bild gelten zu können. In phänomenologischer und hermeneutischer Manier können wir Erfahrung dahingehend bestimmen, daß etwas als etwas auftritt. Diese Urdifferenz zwischen dem, was etwas ist, und der Art und Weise, wie es gegeben, gemeint oder aufgefaßt ist, bezeichne ich als signifikative Differenz.4 Sobald wir es mit einer visuellen Erfahrung zu tun haben, besagt dies, daß etwas als etwas sichtbar wird.5 Von Bilderfahrung sprechen wir, wenn etwas als etwas im Bild sichtbar wird. Das Bild ist also zunächst nicht etwas, das wir zusätzlich auch noch sehen; als Medium des Sehens gleicht es der Sonne, in deren Licht wir etwas sehen. Sonnenfinsternisse erinnern an etwas, das Platon zu so weitläufigen Gedanken angeregt hat: Wir sehen nicht einfach die Sonne, sondern sehen etwas in der Sonne, bedroht von Blendung und Erblindung, sobald wir geradewegs ins Licht schauen.
Das Bild unterliegt nun seinerseits einer ikonischen Differenz, einer Differenz zwischen dem, was bildhaft sichtbar wird, und dem Medium, worin es sichtbar wird. Ähnlich wie beim Zeichen können wir zwischen (Ab)bildendem und (Ab)gebildetem unterscheiden. Das Bild selbst verdoppelt sich. Im Falle malerischer Bildnisse materialisiert sich die Differenz zu einer pikturalen Differenz; am Bildnis sind materiale und formale bzw. funktionale Momente zu unterscheiden.6 Dreh- und Angelpunkt dieser Bildkonzeption ist das winzige Als, das weder dem intentionalen Akt des Bildherstellers oder Bildbetrachters, noch dem Bildgehalt zugerechnet werden kann. Das Als markiert den Auftritt des Bildes als Bild; ohne dieses Als gäbe es weder Bildgehalte noch Bildintentionen. Dem phänomenologischen und hermeneutischen Als, das uns bei Husserl und Heidegger begegnet, entspricht also ein ikonisches bzw. pikturales Als.
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Ausgangspunkt der Bildanalysen ist stets eine genaue Untersuchung des jeweiligen Kontextes: Die historische Situation, das Interesse der Zeitgenossen am Thema, die parallelen Bilder verwandter Thematik, der kulturelle Hintergrund des Künstlers, die konkreten Entstehungsbedingungen des Bildes. Auf diesem Hintergrund entfaltet Möller die besondere Rolle des jeweils untersuchten Bildes, das als eigenständiges, aktives Objekt stets im Mittelpunkt der Untersuchung steht. Wie die Bildaussage erzeugt wird, wie das Bild "gebaut" ist, wie der Künstler die Blicke lenkt, welche Beziehungen er zwischen den Bildelementen schafft, was er hervorhebt oder negiert, wie er reagiert auf Werke anderer Künstler oder zeitgenössische Paradigmata - bestätigend, negierend, ironisch oder fragend - das wird jeweils auf überaus präzise Weise am konkreten Objekt herausgearbeitet.

Möllers Aufsatzsammlung ist so letztlich eine Schulung in moderner kunstwissenschaftlicher Methodik, die in einem iterativen Prozess das Beziehungsgeflecht zwischen gesellschaftlich-kulturellem Kontext und konkreter Bildproduktion des individuellen Künstlers rekonstruiert. Vor den Augen des Lesers entfaltet der Autor die Macht der ... Bilder.
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    [title] => Ernst Hesse: Räume öffnen
    [content_de] => Mit seiner künstlerischen Arbeit überschreitet Ernst Hesse die gängigen
Gattungen. Er ist Bildhauer, Objektkünstler, Maler, Zeichner und er arbeitet mit dem
Medium Fotografie. Seine Arbeiten beruhen einerseits auf einem primär
elementaren Formenvokabular, andererseits lassen sie sich auf
pflanzlich-vegetative Erscheinungen zurückführen oder erinnern an Gefäße.

Ein wesentliches Moment seines gesamten Werkes bildet die Auseinandersetzung
mit unterschiedlichen Kulturen und gesellschaftlichen Systemen. In
Kooperation mit dem Goethe Institut Inter Nationes hat er seit 1989
unter dem Titel "Dialoge" Projekte in Südostasien, Afrika, den USA und in der Türkei mit
Kunststudenten sowie ortsansässigen Künstlern durchgeführt.

Das vorliegende Katalogbuch, das bei den Projekten den Zeitraum der
vergangenen zwölf Jahre umfaßt, stellt nun diese verschiedenen Aspekte vor
und belegt deren Stringenz und enge Verzahnung. Als Werkmonografie und
Dokumentation von Hesses Arbeitsaufenthalten verdeutlicht sie die
einzigartige Relevanz dieses Oeuvres.
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    [title] => Harald Fuchs: Perforierte Parallelwelten
    [content_de] => Würde man Harald Fuchs einen “Magier” nennen, wäre das, was
die Erscheinungform
seiner Rauminstallationen betrifft, einerseits wohl
zutreffend, andererseits verbindet
sich mit seinen artifiziell besetzten Räumen auch ein
intensiver aufklärerischer Aspekt. Erscheinungsformen des
Schamanismus gehen in Fuchs` Environments eine enge
Verbindung ein mit Versuchsanordnungen aus der neueren
Naturwissenschaft. in solchen gleichberechtigten,
hierarchielosen Parallelsetzungen, wie sie sich auch im
Nebeneinander der Abbildungen dieses Katalogs manifestieren,
wird Fuchs` Interesse am interkulturellen Vergleich, an den
unterschiedlichsten Versuchen, “Erkenntnis” zu erlangen, sichtbar.
Für das Museum Morsbroich hat Harald Fuchs nun eine
besonders faszinierende
Rauminstallation entworfen. Hier zeigt er die Arbeit
“Perforierte Parallelwelten”, ein
begehbares “Raumbild” aus Lichtprojektionen, Videobeamern
und farbigen Großfoto-
grafien. Harald Fuchs` mediale Installation, die mit Dia-,
Overhead- und ‘Videopro-
jektionen, Fotografien und wissenschaftlich anmutenden
Laboranordnungen, aber auch
Aquarien und Terrarien arbeiten, versetzen den Betrachter
direkt ins Bild. Sie involvieren ihn in ein optisch
suggestives und gleichzeitig irritierendes visuelles
Geflecht aus Bildern, Anschauungen und Formeln der Bereiche
Naturwissenschaft, Religion, High Tech und Mythos.
Harald Fuchs, der 1997 mit dem “Hermann-Claasen-Preis für
Fotografie und Medienkunst” ausgezeichnet wurde, arbeitet
virtuos mit den unterschiedlichsten Lichtquellen und
-projektionen. Seine Kosmogenien leben von starken Licht-
und Schattenkontrasten, vor allem aber vom Durchscheinen der
einen Darstellung in andere Werkbereiche, von Diaphanien,
von Durchdringungen, und ebenso überraschenden wie
irritierendenBewegungselementen. Ein poetischer Zauber,
gelegentlich gebrochen durch krude Elemente der
Wirklichkeit, aber doch immer präsent, liegt über diesen
(fotografierten) Inszenierungen, die das “Magische” nutzen,
um damit zur reinen Form vorzustoßen.
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Braunschweig beschäftigt sich mit
›fragen‹. Befragt werden künstlerische
Lehr- und Lernprozesse innerhalb
der Hochschule und in zahlreichen
ähnlichen Arbeitsfelder
außerhalb der Hochschule. Dabei
geht es sowohl um die institutionellen
und strukturellen Bedingungen
dieser Prozesse als auch um
ihre Ziele, Inhalte und Methoden.
Die Autoren stellen ihre Fragen aus
der Sicht der Lehrenden und
Lernenden. Oder sie beschäftigen
sich selbstreflexiv mit ›fragen‹. Die
Fragehaltung, die in den Beiträgen
des Jahrbuchs deutlich wird, ist
nicht von der Suche nach vorschnellen
Antworten motiviert.
Was Lehrende und Lernende vielmehr
interessiert, was ihre Neugier
weckt, ist die forschende und
experimentierende Haltung des
Fragens, das künstlerische und
wissenschaftliche Suchen nach
Bedeutungen, dort wo sie nicht
von vornherein feststehen. Künstlerische
und wissenschaftliche
Arbeit, die von dieser fragenden
Haltung ausgeht, bringt festgestellte
und feststehende Bedeutungen
in Bewegung, führt im besten
Fall zu produktiver Verwirrung
und stößt neue Fragen an. Sie
schließt die Haltung des ›sich
Wunderns‹ und ›Staunens‹ ein und
auch die Fähigkeit, Fragen
unbeantwortet zu lassen, den Prozess
des Fragens zu respektieren.« Beiträge von Silvia Beins, Hannes Böhringer, Manfred Bremeier, Carl-Peter Buschkühle,
Karl-Heinz Eden, Henning Freiberg, Gruppe Gemeinschaftspraxis: Ute Helmbold, Ulrike
Stoltz und Klaus Paul, Christoph Goritz, Ute Helmbold, Ulrike Hentschel, Harald Hilpert,
Konrad Jentzsch, Manfred Kästner, Thomas Kapielski, Joachim Kettel, Karen Kipphoff,
Marie-Luise Lange, Volker Latermann, Jan Märgier, Heino Möller, Petra Otto, Ute Pinkert,
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Boom, Gerd-Peter Zaake.
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Nora Schattauer setzt als Material für ihre Kunst die Form- und Musterbildung des Minimalen ein.
Ihr achtseitiger Bildbeitrag "prima materia II" präzisiert den vorliegenden Text.
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Der nun vorliegende Katalog dokumentiert das Projekt mit seinen unterschiedlichen Bestandteilen, der Ausstellung von Silke Leverkühne und Peter Mell, dem zweiwöchigen Workshop mit den beiden öffentlichen Veranstaltungen, den Vorträgen von Franz Ackermann und Dr. Michael Glasmeier, sowie der Präsentation der während der Sommerakademie entstandenen Arbeiten."
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    [content_de] => Thomas Virnich - Professor an der Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig - konzipierte den "Kunstblock" als kontinuierliche Fortsetzung seiner Heinsberger Ausstellung. Das vom Künstler maßgeblich mitgestaltete Buch ermöglicht einen Einblick in die Komplexität und Vielseitigkeit seiner phantasievollen Erfindungen. Über mehrere Seiten kann man z.B. das "Wachsen" einer Großskulptur nachvollziehen.
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    [content_de] => Das Buch enthält einige Übungen zu den Themen Kartographie, Peripherie, Kunstbetrieb, zu Medien wie Fotografie, Camera obscura, Kopie sowie einigen grundsätzlichen Texten zu Kunstzeitschriften und Kunstpolitik. Die Texte entstanden in den letzten Jahren als Auftragsarbeiten für Kataloge oder Zeitschriften wie Daidalos und Bauwelt. Die einzelnen Essays sind in sich abgeschlossene Exerzitien wilden Denkens, das Kunst, Literatur und Musik miteinander auftreten läßt, nicht um bestimmte Beweise, Meinungen oder Ergebnisse zu sanktionieren, sondern um den Prozeß des schreibenden Überlegens offen zu legen. Schriftsteller wie Mallarme, Carroll, Melville oder Perec bilden den Generalbaß, über dem die einzelnen Denkfiguren ihr Thema finden.
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    [content_de] => In diesem "Brevier für Jedermann" versammelt der Herausgeber Aussagen von Poeten, Wissenschaftlern, Psychologen, Künstlern und nicht zuletzt Sammlern, um unterschiedlichste Aussagen zur Leidenschaft des Sammelns zu präsentieren. In diesem Lesebuch kann der Sammler Spiegelbilder seiner persönlichen Leiden(schaft) finden und Einblick in die unbekannten Abgründe seines Tuns nehmen. Texte von z.B. Goethe, Balzac, Benjamin, Lenz, Warhol, Eichendorff, Brock, Pomian, Foucault, Walser,... Man unterscheidet zwischen der Unfähigkeit, etwas wegzuwerfen und der Leidenschaft, etwas gezielt zu sammeln wie etwa Briefmarken oder Parfümflacons. Der Sammler versucht immer wieder, das Chaos zu ordnen und im Überfluß den Überblick zu behalten.
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    [content_de] => Der Kunstraum Wuppertal fand in der ehemaligen Versandhalle der größten Weinhandlung des Deutschen Reiches ein Domizil, das mit gekachelten Wänden, umlaufender Galerie und Glasdach alles andere als geeignet für diesen Zweck scheint. Dennoch haben die Künstler diesen Raum angenommen: u.a. Walter Dahn, Henk Visch, Terry Fox, VA Wölfl, Klaus Richter, Klaus G. Gaida, Anne Loch, Boris Nieslony, Sery C., Thomas Lehnerer, Rudolf Herz, Johannes Brus, Leni Hoffmann, Mischa Kuball, Klaus vom Bruch...
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    [content_de] => In dieser "Publikation" legt der Autor adäquat zum Thema seiner Arbeit über das Ding im Kunstmuseum ebenfalls ein Ding, nämlich ein Mikrofiche Faktor X vor. Auf über 230 Seiten sind u.a. Informationen über Kunst- und Wunderkammern, Andre Bretons "Exposition surrealiste d´Objets", Ready-mades, Marcel Broodthaers, Joseph Beuys "Wirtschaftswerte", Christian Boltanskis "Inventaires", Claes Oldenburgs "Mouse Museum", das Regal als Ort der Sammlung, Multiples, Daniel Spoerris "Fallenbilder" gespeichert. Erst durch das Aufsuchen einer Bibliothek mit Lesegerät läßt sich die Fülle an Informationen erfahren.
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    [content_de] => Der Deutsche Künstlerbund präsentiert sich im Kunstsommer 1997 im Zeughausund der Altstadt von Wismar sowie in der Kunsthalle Rostock. Der Ausstellungstitel "Was ist" soll Momentaufnahme und Feststellung sein. Der dreiteilige Ausstellungskatalog widmet sich den Themen: "Materialökonomie - Gehen, Sehen, Zitate und andere Beweglichkeiten -", dem Stadtraum von Wismar und der "Präsens/z der Form". Beteiligte Künstler: Joseph Beuys, B.J. Blume, Bogomir Ecker, Robert Filliou, Rolf Glasmeier, Bruno Goller, Erwin Heerich, Georg Herold, Jürgen Klauke, Imi Knoebel, Thomas Lehnerer, Olaf Nicolai, Hermann Pitz, Tynne Claudia Pollmann, Heinz-Günther Prager, Gerhard Richter, Reiner Ruthenbeck, Thomas Schütte, Helmut Schweizer, Martin Schwenk, Rosemarie Trockel, Thomas Virnich....
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    [content_de] => Der thailändische Künstler Rirkrit Tiravanija bezieht sich in seinen Projekten auf die menschlichen Grundbedürfnisse und so nutzte im Winter 1996 während sechs Wochen den Kölnischen Kunstverein als Asyl für jedermann. Er schuf für seine Ausstellung kein herkömmliches Kunstwerk, sondern einen Tag und Nacht geöffneten Raum im Herzen Kölns. Dieser Raum entsprach in den Maßen genau dem New Yorker Appartement des Künstlers und enthielt alle Funktionen wie Wohnzimmer, Diele, Schlafraum, Küche, Bad, WC. Jeder konnte dieses Raumangebot rund um die Uhr kostenlos benutzen. Es wurde gekocht, gegessen, getrunken, diskutiert und auch geschlafen...
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    [content_de] => Hinrich Sachs benutzt die unterschiedlichsten Gestaltungsmittel um seine Kunst unter die Leute zu bringen. Seine Arbeiten begegnen einem dort, wo man sie gar nicht erwartet oder vermutet: auf Einladungskarten, Plakaten, Handzetteln, Faltblättern, in Anzeigen und in Zeitschriftenbeiträgen, in Faltmappen und Copyzeitungen, auf Visitenkarten, Postkarten, Einladungskarten und Textblättern, auf Aufklebern und in Büchern... In diesem ersten Werkkatalog der druckgrafischen Arbeiten seit 1986 sind alle diese Arbeiten verzeichnet und noch etliche mehr.
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    [content_de] => Ein anläßlich der Großausstellung im Kunstmuseum Düsseldorf entstandenes Zeitdokument, das deutlich zeigt, daß es in dieser Klasse keinen Klassen-Stil geben konnte, weil der Lehrer die nötigen Freiheiten gewährte. Dieses Buch dokumentiert ein möglichst ehrliches Bild einer Klasse an einer Kunstakademie. Neben Fotografien von Arbeitssituationen und frühen Ausstellungen wird auch das Lebensgefühl und der Spaß bei gemeinsamen Festen festgehalten. Der biographische Teil verdeutlicht, daß das Studium der Kunst später keinesfalls hinderlich bei der Ausübung "solider" Berufe wie Holzgroßhändler, Kunsthallendirektor, Stadtverordnete, Verleger, Spediteur etc. ist...
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    [content_de] => Zu den bedeutendsten und reichsten Sammlungen des Museum Kurhaus Kleve zählt die Sammlung Ackermans, eine der großen Sammlungen zeitgenössischer Kunst in Deutschland. Der Akzent liegt auf der internationalen Gegenwartskunst der 80er und 90er Jahre. Die Sammlung umfaßt ca. 70 raumgreifende Arbeiten aus den späten 60er Jahren bis heute. Den Ausgangspunkt der Sammlung bildet ein imposantes Ensemble von Künstlern der Arte Povera, wie Mario Merz, Jannis Konnellis, Giuseppe Penone und Michelangelo Pistoletto sowie Werke von Reinhard Mucha, Jeff Wall, Christian Boltanski, Juan Munoz, Anselm Kiefer, Georg Herold, Martin Kippenberger, Albert Oehlen, Katharina Fritsch, Sigmar Polke, Gilbert 8c George, Wilhelm Mundt, Robert Gober, Claes Oldenburg, Julian Schnabel, Cindy Sherman, Andy Warhol, Fischli & Weiss, Thomas Schütte, Hermann Pitz
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    [content_de] => Der Maler Ingo Meller hat in seinem Beitrag für die von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene Künstlerbuch-Reihe "édition séparée" das System seiner Malerei in einem Künstlertext erläutert.
Mit der "édition séparée" ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!
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Pressestimmen:
„Faktenfundgrube" (art)
„Kein Methodenbuch sondern Vielfalt der Äußerungen und Möglichkeiten" (Kunst-Bulletin)

Directors of exhibition institutes, an auctioneer, art historians and curators, on exhibitability, financing and the importance of art and on the aura of a place.

'Treasure-trove of facts' (art);
'No methodological textbook, but a myriad array of statements and possibilities' (Kunst-Bulletin)

Gespräche mit:

Olaf Nicolai
Gérard A. Goodrow
Markus Brüderlin
Henrick Hanstein
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Anne Rorimer
Friedhelm Mennekes
Pontus Hulten
Zdenek Felix
Udo Kittelmann

Künstlerbeitrag:
Bernd Jansen
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Mit der "édition séparée" ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!
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Mit der Édition Séparée ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!

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    [content_de] => More than any other artist, Andy Warhol had a knack for elevating the images and objects of ordinary life into artifacts of a collective consciousness. In the early 1980s, Warhol produced a series of paintings separately depicting guns and knives. As critic Robert Rosenblum notes in his introduction, such works reflected the dark side of Warhol's mirror of America: "[...] while creating an inventory of [...] superstars and supermarket favorites, [Warhol] also compiled an anthology of the American way of death, from car crashes and race riots to the electric chair itself". Seen together, the knives are hunting and seductive.
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    [content_de] => Der englische Maler, Performer und Komponist hat ein Buch geschrieben, das in syntaktischer Art und Weise Phrasen aneinanderreiht, die er während der 90er Jahre notiert hat. Diese Phrasen haben die Qualität von Bildern und sind fest und flüssig zugleich. Insofern ist sein Buch eine Abfolge von spontanen Einfallen, die in Folge gelesen »kleine harte Dinge weich und kontinuierlich machen« (Chris Newman). Was zuerst im Sprachgebrauch zu beginnen scheint, wird in Wlrklichkeit in die Realität zurückgeholt, wie z. B. »Steal your own bag if you remember that we dreamed & we were always separate«.

In this book written by the English painter, performer and composer Chris Newman, he strings together in a syntactical manner phrases that he noted down during the 90's. These phrases have an image-like quality and are somehow both solid and fluid at the same time. In this respect, his book represents a sequence of spontaneous ideas, which, read in succession, make little hard things soft and continuous". (Chris Newman)
What at first seems to begin by playing with language usage, is then brought back to reality, such as, for example: "Steal your own bag if you remember that we dreamed & and we were always separate.""
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Man sieht neben diesen schemenhaft sich andeutenden „Entzugserscheinungen” auch Linien und Chiffren, die für nichts als sich selbst stehen und anscheinend aus spontanen, freien Bewegungen des Pinsels heraus entstanden sind. Man wäre geneigt, von Gesten, oder Notationen mit einem gewissen „Ausdruck” zu sprechen, wenn man nicht wüsste, dass Bertenburg den alt gedienten Kategorien der „Unmittelbarkeit”, „Spontaneität” oder gar „Expressivität” als Grundlage für zeitgenössische Malerei skeptisch gegenüber steht.

Und doch entdecken wir in einigen Bildern Striche, Bögen, Schlieren oder breitere Farbbänder, die keinem imaginierten Bildraum, keinem angedeuteten Gegenstandsbezug mehr, sondern nur noch sich selbst verpflichtet sind. Bisweilen werden aber auch diese rein „abstrakten” Elemente Unschärfen unterworfen und die Klarheit ihres Verlaufes auf einer andersfarbig kontrastierenden Grundfläche scheint sich allmählich wie in Nebel aufzulösen.

Lässt man sich bewusst auf das Mit- und Nebeneinander einander widersprechender Bilderfahrungen ein, beginnt man zusammen mit der Malerei auch die eigenen Wahrnehmungen zu reflektieren. Denken, Sehen, Erinnern, Imaginieren und Malen sind im Idealfall eins.
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Deutsche Erstausgabe
aus dem Französischen von Ignaz Knips und Joan-Catharine Ritter
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    [content_de] => Die Vielfalt der Erscheinungsformen und Medien von Künstlerpublikationen seit den 1960er Jahren - Bücher, Zeitschriften, Schallplatten, Multiples, Plakate und Ephemera - stellt besondere Anforderungen an die archivarische und museologische Praxis sowie die kunst- und kulturwissenschaftliche Aufarbeitung. Neben dem Versuch einer Eingrenzung des Genres und den Problemen der Archivierung und des Zugänglich-Machens derart heterogener Sammlungsbestände geht es in diesem Band um die Fokussierung bestimmter Charakteristika der publizierten Kunstwerke. Die Beiträge behandeln übergreifende Themenstellungen oder widmen sich einzelnen Kunstwerken und Künstlern, so George Brecht, Jean-Frédéric Schnyder, Allan Kaprow, Daniel Spoerri, Ed Ruscha, Dieter Roth und Hanne Darboven.
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    [content_de] => Als einflussreicher antirepublikanischer Propagandist und ehemaliger Militär- und Rüstungsexperte des Herzogtums Sachsen-Weimar nahm der Dichter Goethe 1792 am Feldzug der monarchistischen Allianz gegen das revolutionäre Frankreich teil. Wenige Monate darauf war er als Begleiter preußischer Truppen Augenzeuge der Niederschlagung der Mainzer Republik, des ersten demokratischen Staatswesens auf deutschem Boden, das mit Unterstützung der französischen Revolutionsarmee etabliert worden war.

Seine Berichte über die turbulenten Ereignisse verfasste Goethe erst 30 Jahre später, in der Ära der nachnapoleonischen Restauration. Als wesentliche Gedächtnisstütze fungierte dabei sein immenses Bildarchiv, in dem sich auch etliche Blätter aus eigener Hand befanden.

Die vorliegende Publikation analysiert die vom Ideal einer heroischen Landschaft geprägten Kriegszeichnungen Goethes so wie die Arbeiten der ihn begleitenden Künstler vor dem Hintergrund barocker Ereignisgrafik, früher topographischer Aufzeichnungspraktiken und der aufkeimende pittoresken Bewegung. Sie stellt Bezüge her zwischen der Leitmotivik seiner Bildproduktion und seiner späten Dichtungen, zwischen seinen Ansichten und seinen realpolitischen Aktivitäten, die ihn als einen wichtigen Repräsentanten der Metternich´schen Repressionspolitik auswiesen.

Das Bild vom Geheimrat von Goethe als einem moderaten Diener eines friedlichen Musenstaates scheint (...) dringend einer Korrektur zu bedürfen. Und mit dieser Korrektur zeichnet sich im Zusammenhang mit seinem sozialutopischen Spätwerk auch ein viel plastischeres Bild ab von dem, was die geistige Schirmherrschaft des Dichters über der Gründung des neuen Wilhelminischen Reichs tatsächlich bedeutet hat und was sie vor allem in der Kontinuität deutscher Geschichte mit dem darauf folgenden 'Dritten Reich' verbindet.""
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    [content_de] => Dieses Künstlerbuch von Chris Newman erscheint anlässlich seiner beiden Berliner Ausstellungen „Away Installation – Installed Paintings & Drawings + Video“ (Guardini Galerie) und „Home Installation – Uninstalled Paintings + Video“ (7hours Haus 19).
Das Buch enthält „Rhymed Poems (Untreated) 1991-95“ als Faksimile aus seinen Notizbüchern.

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    [content_de] => Der Künstler Pierre Granoux zeigt seinen Basar der modernen Kunst als Ort produktiven Handelns: Kunststücke und Gebrauchsgegenstände, Antikes und Modernes, Banales und Bedeutendes sind Treibgut, das wie von einer Überschwemmung aus Museen und Galerien, Magazinen und Kaufhäusern in die Straßen und auf den Markt geschwemmt wurde. Mit hintergründigem Humor liest der französische Künstler solches Treibgut auf, bearbeitet es und schickt es dem Betrachter in Form einer gewitzten Flaschenpost zurück. (Darin enthalten: künstlerische Reflexionen und Verweise auf Werk und Person von Marcel Duchamp und Constantin Brancusi).

Für dieses blaue Künstlerbuch greift Pierre Granoux auf sein eigenes Fotoarchiv und eigene Dokumentationen einer langjährigen Spurensuche zurück. Konzept ist aber auch die Beauftragung anderer mit der Erstellung von Fotos und Texten zu von Granoux vorgegebenen Aspekten. Das Ergebnis ist weit mehr als eine Dokumentation – es ist selbst ein "Bazar Moderne", ein "automobil" im buchstäblichen Sinne des Wortes. Fahren muss man es allerdings selbst.
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    [title] => Die Brett-Bilder
    [content_de] => Kurz vor dem Tod von Bernhard Johannes Blume (1937–2011) wurde der Kunsthalle Bremen das Konvolut der Brett-Bilder geschenkt.

In den 1980er Jahren fertigte Bernhard Johannes Blume aus alten Billig-Möbeln, im Stil kleinbürgerlicher Wohnzimmerkultur, eine Anzahl von Brett-Bildern an, deren Pseudo-Furnier er mit philosophischen Begriffen versah. Das Zusammenspiel von Text und Bild-Struktur verrät sinnfällig Blumes ironisch-poetischen, wie humorvollen Umgang mit dem metaphysisch-religiösen Erbe des Abendlandes. Zusammen mit seiner Frau Anna bildete Bernhard Johannes Blume ein Künstlerpaar, welches vor allem für ihre meist in Serien ausgeführten großformatigen Fotografien bekannt ist.

„Es sind Bretter, die er aus jenen Alt-Möbeln zurechtsägte, die in unseren gemeinsamen Foto-Inszenierungen während der späten 1970er bis Mitte der 1980er Jahre eine bildgebende Rolle spielten. Bernhard Johannes Blume recycelte diese Pressspan-Möbel-Reste zu handlichen Bild-Objekten, indem er ihre ‘Echtholz’-Imitationen ‘Eiche’-, ‘Buche’- oder ‘Birke-Natur’ zur ‘sporadischen Fortschreibung seiner Malerei’ nutzte. Im provisorischen Stil naiver selfmade-Typografie sprayte er seine ‘quasiphilosophischen Begriffe’ durch zuvor geschnittene Klebeschablonen auf diese Bretter…“ (Anna Blume in: „Wunderkammermusik“, 2011)
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    [content_de] => Mit dem Künstlerbuch "Bildlabor" öffnet Nora Schattauer ein optisches Notizbuch, das Materialien zur Formbildung des Mikrokosmischen zeigt und ihre Originalarbeiten mit chemischen Salzlösungen, Zeichnungen, Rasterelektronenmikroskop-Aufnahmen sowie Fundstücke aus dem niologisch-naturwissenschaftlichen Feld versammelt. Mit ihrem künstlerischen Konzept bewegt sich Nora Schattauer zwischen Kunst, Botanik und chemischem Experimentieren. Sie untersucht verborgene Strukturen des Minimalen und macht anhand ihrer Rasterelektronenmikroskop- Aufnahmen von Blütenpollen sichtbar, was an Musterbildung in der Natur für das bloße Auge nicht sichtbar ist. Mäandernd folgt die Künstlerin auf verschlungenen Pfaden ihrem Weg in Richtung einer Synthese von Kunst und Natur-Wissenschaft.

Das neue Künstlerbuch von Nora Schattauer gewährt dem Betrachter Einblicke in ein spannendes künstlerisches Konzept: Wer das Buch öffnet, meint direkt im Atelier zu stehen, denn die Bildkompositionen wurden an der Wand des Ateliers realisiert. Mäandernd über die Wände bringt Nora Schattauer Fotografien und Fundstücke aus dem biologiosch-wissenschaftlichen Feld in unmittelbare optische und inhaltliche Nähe zu den eigenen Arbeiten. An feinen Nadeln hängen z.B. Unikate aus der Werkgruppe der „Salts“ (in Wasser gelöste mineralische Salze auf Chromatographiepapier oder auf mit Kieselgel beschichteten Folien) neben Kohlestiftzeichnungen. Abbildungen aus den Bereichen Chaosforschung und frühe Mikroskopie (z.B. Radiolarien und Foraminiferen) treten in Dialog mit Darstellungen aus der Zellbiologie. Die Bandbreite des Gezeigten wird erweitert um Lilienpollen-Vergrößerungen als Ergebnis der eigenen Untersuchungen am Rasterelektronenmikroskop. Treffend ist dieser faszinierende Kosmos aus Materialien zur Formbildung des Mikrokosmischen und Minimalen mit „Bildlabor“ benannt.

„Ich sehe was, was Du nicht siehst“ – mit diesem spielerisch-experimentellen Ansatz lädt Nora Schattauer ein, dem Verborgenen auf die Spur zu kommen. Das „Abbild“ von existenten, von unseren Sinnen jedoch nicht erfahrbaren Grundstrukturen, wird in Nora Schattauers „Bildlabor“ zum Bild – zum Bilderreigen.« (Valerian Maly) So folgt sie auf verschlungenen Pfaden ihrem eigenen Weg in Richtung einer Synthese von bildender Kunst und Naturwissenschaft."
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    [content_de] => Dieser Essay hat das Ziel einer phänomenologischen Analyse der Moderne: Am Beispiel des Projektes der modernen Architektur bei Le Corbusier wird versucht, eine Sicht der Moderne zu entwickeln, die sie nicht auf den Ausdruck eines Funktionalsismus oder Rationalismus reduziert. Die Moderne wird vielmehr als Bruch mit der traditionellen Innerlichkeit und als dynamische Bewegung hin zu einer offenen Welt beschrieben. Der Abstand von antimodernen Positionen führt dazu, die Moderne in vielen Aspekten zu würdigen, dies aber nicht unkritisch zu tun. So sind die Radikalisierungen der Moderne, ihr Mythos des Neuen, ihre antimetaphysische Ausrichtung auf die reine Weltlichkeit des Menschlichen zurückzuweisen. Gegen die Exzesse der Moderne ist eine ethisch gedachte Innerlichkeit zu verteidigen, die jedoch das Projekt der Moderne nicht einfach negieren soll, sondern korrektiv zur Moderne treten soll.
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Die AutorInnen des ersten Bandes untersuchen das Verhältnis von Buch und Fotografie im Medium Künstlerpublikation. Die Diskussionen umfassen Avantgarde- und Mediendiskurse, die Konzeptualität des Fotografischen sowie Narrationen und narrative Strategien in verschiedenen Künstlerbüchern. Der Begriff »Medium« wird als Scharnier aufgefasst, über das sich unterschiedliche Fragen an Künstlerbücher miteinander verknüpfen lassen.
Die Beiträge behandeln Arbeiten von Carl André, Mel Bochner, Katharina Bosse, Michel Duquette, György Galántai, Nan Goldin, Delia Keller, Martin Kippenberger, Jaroslaw Kozlowski, Zoe Leonhardt, Sol LeWitt, Richard Long, Katharina Meyer, Józef Robakowski, Zbigniew Rybczynski, Ed Ruscha u.a.

mit Texten von Klaus Honnef, Barbara Lange, Lech Lechowicz, Robert Rainwater, Sigrid Schade, Abigail Solomon-Godeau, Anne Thurmann-Jajes und Herta Wolf.
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Candida Höfer hat für die Edition Ex Libris den von K. von Spaner herausgegebenen "Historisch-Geographischen Schul-Atlas" (1860) ausgewählt. Als Künstlerin, die sehr viel auf Reisen ist, schien ihr dieser historische Atlas mit seinen alten Karten das ideale Buch zu sein, für dessen Umschlag sie ihre Aufnahme aus einem Florentiner Palazzo mit Globus sowie in die Wandvertäfelung eingelassenen Landkarten bestimmt hat.

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Die vorliegenden Radiovorträge stammen aus dem Jahre 1948. Sie erschienen, als der Autor seine beiden großen Erstlingswerke „Die Struktur des Verhaltens“ und „Phänomenologie der Wahrnehmung“ vorgelegt hatte und mit seinen Essays aus „Humanismus und Terror“ und „Sinn und Nicht-Sinn“ bis in den politischen Bereich hinein für Aufsehen sorgte.

Die offene Art der Darstellung könnte nicht nur Philosophen ansprechen, die sich einen geduldigen Blick für die Sachen selbst und den Sinn für ein fragendes Denken bewahrt haben; sie dürfte bei all denen, die sich mit aktuellen Themen wie Leiblichkeit, Bild und Medien beschäftigen, auf lebendigen Widerhall stoßen. Es sind lebendige Denkproben, die Geschmack auf mehr machen. Die Publikation findet in einem durch die Kunst geprägten Umfeld einen durchaus passenden Ort. Ihr sind aufmerksame Leserinnen und Leser zu wünschen, deren Sinne noch nicht durch eine Überfülle von Reizen und durch ein Überangebot an Sinn abgestumpft sind.

Bernhard Waldenfels
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Die Galerie »art intermedia«, eine der progressivsten Kölner Galerien, existierte nur fünf Jahre (1967 bis 1972). Dieser „Aktionsraum”, wie ihn der Avantgardegalerist, politische Journalist und Kunstkritiker Helmut Rywelski (1928 bis 1998) nannte, befand sich in der Domstraße 8, nur wenige Minuten vom Hauptbahnhof entfernt. Der feuchte und nur provisorisch weiß getünchte Kellerraum, der den antielitären Bestrebungen Rywelskis entsprach und mit einiger Berechtigung als „westdeutsches Zentrum für Aktionskunst” bezeichnet wurde, war eine erste Plattform für junge Aktionskünstler, insbesondere auch der Happening- und Fluxus-Bewegung, die inzwischen zur internationalen Spitze dieses Genres gezählt werden. Eine Auswahl der Veranstaltungen: Jörg Immendorf mit »Vietnam«, 23. April 1966; Hans Peter Alvermann mit »Politische Objekte«, 21. Mai 1966; Franz Erhard Walther mit »Leihobjekte«, 3. September 1966; Nam June Paik und Charlotte Moorman mit »So langweilig wie möglich«, 25. Juli 1966; Alison Knowles, Al Hansen, Emmet Williams, Dick Higgins, Wolf Vostell und andere mit »Juxtapositionen«, 25. September 1966; Jörg Immendorf, Chris Reinecke, Per Kirkeby, Björn Noergaard mit »Deutsch-Dänische Tage«, 15. bis 22. April 1967. Hier entstanden auch die ersten charakteristischen Vitrinen von Joseph Beuys.

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Meist ist es der erste Blick, der bei Doubrawa zählt und später auch das bleibende Foto wird. Er benennt sie mit einfachen, beschreibenden Begriffen, ein Prinzip der Zuordnung und Erinnerung, das spontan und intuitiv abläuft. In alphabetischer Reihenfolge entstehen so Nachbarschaften und Dialoge, die sich jedweder gezielten Anordnung, persönlicher Vorlieben und Chronologie entziehen.
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- Maria Anna Tappeiner -
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Die vorliegende Ausgabe ist eine Übersetzung und Erweiterung des englischen Originals von Craig Dworkin, Simon Morris und Nick Thurston, das 2012 im Independent-Verlag information as material erschien. Mit der Ergänzung um Beispiele aus der deutschen Literaturgeschichte verortet Annette Gilbert das Projekt als mikropolitisches Phänomen und erweitert sein kritisches Konzept. Damit setzt sie die Arbeit von Carlos Soto fort, der seiner spanischen Übersetzung bereits Beispiele der chilenischen Geschichte hinzugefügt hat. Eine französische und italienische Ausgabe sind in Vorbereitung, so dass das Buch in einem kollektiven Schreibprozess von Ausgabe zu Ausgabe schneeballartig anwachsen wird.
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Das den Ausstellungsraum des Kunstvereins Ruhr prägende architektonische Inventar lässt sich einfach beschreiben: Typischer innerstädtischer Nachkriegsbau, ehemaliges Ladenlokal, 85 m² Grundfläche, große Schaufensterfront, drei Türen, eine runde Säule, zwei quadratische Pfeiler und drei lange, parallel zueinander verlaufende Reihen Leuchtstoffröhren unter der Decke – die Wände sind weiß gestrichen, der Betonfußboden grau. Die architektonischen Konzepte, die den Hintergrund dieser so nüchtern gehaltenen Raumbeschreibung bilden, werden für Christian Helwing, unter Hinzunahme weiterer raumbildender Strategien der Moderne, zum Material der in enger Korrespondenz mit den vorhandenen räumlichen Gegebenheiten entwickelten Arbeit EAT.

Farbkonzepte von Bruno Taut und "De Stijl", das Verständnis der Konstruktivisten von Architektur als einem Vermittler zwischen Kunst und täglichem Leben, die ins Raster gesetzten Pfeiler Le Corbusiers, das zeichenhafte Verständnis von Architektur von Venturi / Scott Brown ("Learning from Las Vegas") sind einige der sich in Christian Helwings Arbeit zu einem gesamten Raumkonzept überlagernden und verdichtenden Ideen. Diese werden die Bewegungsmuster der Besucher innerhalb des Raums radikal verändern. Und auch der Name der Londoner Sandwich Kette findet in dem Ausstellungstitel und in Anlehnung an deren minimalistische Corporate Identity, in Essen (!) ihren richtigen Ort.
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    [content_de] => Mit seinem „Curriculum vitae“ (1995) hat Blalla W. Hallmann (1941 – 1997) gegen Ende seines Lebens eine schonungslose Beschreibung in Wort und Bild geliefert. Es ist die Innenschau eines Künstlerlebens im Grenzbereich von Kunst und Krankheit, Erfolglosigkeit und später Anerkennung, Provokation und Poesie. Vergleichbar, wenn auch ohne Texte, ist lediglich die bildnerische Autobiographie von Frans Masereel.

Blalla W. Hallmann war kein „Outsider“, kein „Art brut Künstler“, sondern ein sicherlich außergewöhnlicher, aber professioneller Künstler, der eine schizophrene Psychose durchlitten und überwunden hat. Nach Überwindung der Erkrankung hatte er mit seinen Bildern großen Erfolg auf dem Kunstmarkt, u.a. zeigte ihn die Galerie Zwirner in Köln 1989 und 1991.

Erstmalig werden alle 149 Linolschnitte und Texte seines „Curriculum vitae“ ausgestellt und im begleitenden Katalog veröffentlicht. Eine bereits 1995 erfolgte Publikation im „Verlag der Buchhandlung Walter König“ zeigte lediglich eine Auswahl von 99 der 149 Linolschnitte. Zeichnungen, Gemälde, Druckgraphiken und eine Skulptur des Künstlers aus der Kölner Sammlung Kraft ergänzen die Ausstellungen.
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    [content_de] => Zwischen 1996 und 2006 erschienen die 49 (von 50 geplanten) Künstlerbücher der édition séparée. Dieses Buch dokumentiert auf jeweils einer Doppelseite alle erschienenen Ausgaben der Reihe mit beispielhaften Seiten aus dem Inhalt sowie Beispielen für die von den eingeladenen Künstlern zur Verfügung gestellten Editionen zur jeweiligen Vorzugsausgabe.

Die Texte der beiden Herausgeber der édition séparée werfen einen Blick auf die Geschichte des Künstlerbuchs und geben Einblick in die Entstehungsgeschichte der Reihe.

Die beteiligten Künstler: Anderson, Anzinger, Asher, von Biel, Bittermann & Duka, Bohnenberger, Boltanski, Bömmels, Bonfert, Braun, Dion, Dahn,Dorn, Droese, Feldmann, Förg, Gaida, Gilles, Herold, Huber, Ikemura, Kahle, Kuball, Lempert, Mahn, Meller, Münch, Newman, Noble, Noël, Oroschakoff, Paas, Pierson, Roob, Ruff, Sal, Sauer, Schappert, Schattauer, Schön, Schwenk, Schwontkowski, Sery, Trockel, Weiner, Wüthrich, Yediler.
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(aus Clemens Meyer: Wo begann es?)
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( Hans-Michael Koetzle).

Im ersten Teil dokumentiert diese Publikation 21 Fotoinstallationen aus den Jahren 2003 – 2010. Die aktuelle Arbeit "KdeE", eine Fotoinstallation zur Rekonstruktion des Merzbaus von Kurt Schwitters im Sprengel Museum Hannover, wird im zweiten Teil des Kataloges auf 28 Seiten in einem Ausschnitt im Maßstab 1:1 abgebildet.
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    [content_de] => Das Buch erscheint im Kontext der von Erwin Wortelkamp im Jahr 2009 begonnenen Ausstellungsfolge „hier und dort“. Wie in den drei Auflagen zuvor markiert das „hier“ die beiden Ausstellungsgebäude der „im Tal – Stiftung Wortelkamp“ in Hasselbach und Weyerbusch. Das „dort“ steht diesmal für „Haus Beda“ und „Schloss Hamm“ in Bitburg.

Das Buch verhält sich zu den vier Ausstellungsorten nicht wie ein klassischer Katalog, obwohl im hinteren Teil bereits einige Installationsansichten der jeweiligen Situationen zu sehen sind. Der Verzicht auf eine lückenlose Dokumentation der in Westerwald und Eifel gezeigten Arbeiten führt im Buch zu einer Konzentration der Bildstrecke auf eines der zentralen Motive im Œuvre von Erwin Wortelkamp: das Stehen und das Gehen.

Vielleicht erstmals wird so der innere Zusammenhang der bisher immer nur getrennt wahrgenommenen Werkphasen von den frühen 1960er Jahren bis heute für den Leser nachvollziehbar. Selbst für denjenigen, der das Werk seit Jahren verfolgt, dürfte die zwingende Stringenz, die sich hier zwischen klassischer Skulptur und hochpolitisierten Aktionen zeigt, überraschen. Allein nur der Blick auf die radikal konzentrierte Gegenüberstellung einer einzelnen Holzskulptur mit einer „Meditationskabine“ im „Haus für die Kunst“ kann das belegen.

Wortelkamps Arbeit der letzten Jahrzehnte erweist sich als nicht weniger politisch aufgeladen als seine Aktivitäten der frühen 1970er Jahre. Die Zeichnungen, Plastiken und Aktionen der frühen Jahre gewinnen heute eine neue Aktualität und werten den Blick auf die jüngsten Arbeiten um. Damit reiht sich Wortelkamp ein in die Folge der ‚Wiederentdeckungen‘ von künstlerischen Positionen, deren Ausgangspunkt in den frühen 1970er Jahren liegt und deren Relevanz für die aktuelle junge Künstlergeneration erst in den letzten Jahren erkannt wurde. (Jörg van den Berg)
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    [content_de] => Seine (Erwin Wortelkamps) „Orangen“ schweifen nicht ab, halten sich an das, was der Titel ansagt, rufen die Erinnerung an Marées Orangen wach und an die große Konzeption von dessen Malerei, sie gehen durch diese Erinnerung hindurch und lassen sie hinter sich. Sockellos liegen sie auf dem Boden uns zu Füssen. Buchstäblich ‚verkörperte’ Elemente von Bildern, systematisch so angeordnet, dass alle gleichwertig scheinen, und doch sind sie individuell, lauter gleichstarke Charaktere. Dabei kommt es auf diese Besonderung gar nicht so an. Es ging nicht vorrangig um die Herstellung von möglichst unterschiedlich gestalteten Orangen, wenn sie auch alle verschieden sind, wirkliche Einzelstücke, handgemacht, wie es das heute eben nur noch in der Kunst gibt. Es geht, glaube ich, vor allem darum, sie ohne viel Federlesens zu machen, also spontan, direkt, unverkrampft, elementar, als Folge eines einfachen Handelns und Formens. Das heisst: Abschalten, los- und geschehenlassen, ein Minimum von Gestaltungszwang. Das passt weder zum frühen Erwin Wortelkamp, noch zum mittleren mit seiner strikten Latinität, aber die Gelassenheit, mit der er hier Marées’ ausgefeilte Kompositionssysteme fast ignoriert, das hat auch was leise Widerborstiges, Eigensinniges. Er sagt, so was ist vorbei. Und sagt es sehr höflich und knapp.

Die Oberfläche von Erwin Wortelkamps plastischen Orangen hat wenig zu tun mit der Oberfläche der von Hans von Marées gemalten Orangen. Wortelkamp imitiert nicht, imitiert auch nicht Marés Modelle, die Orangen. Sondern er vermittelt das Griffige ihrer plastischen Form, so wie Marées das gemalt hat. Und er intendiert so eine Rückführung zum einfach Anfassen.
(Karlheinz Nowald)
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    [content_de] => Das vorliegende Buch ist das fünfte in der erst 2010 begonnenen Reihe ›hier und dort‹. Die Buchreihe begleitet eine Ausstellungsreihe, die sich in loser Folge einzelnen Facetten des Werks von Erwin Wortelkamp widmet. Den Anlass dazu gaben und geben jeweils Kooperationen zwischen der ›im Tal – Stiftung Wortelkamp‹ und externen zweiten Ausstellungsorten. In diesem Band rückt eine der für die Werkentwicklung vermutlich prägendsten Facetten seiner Biografie in den Blickpunkt: sein Verhältnis zur zisterziensischen Klosterkultur. In den fünfziger Jahren war er selbst Schüler am Gymnasium der Zisterzienserabtei Marienstatt, die von daher folgerichtig neben der Ruine Heisterbach, neben Cîteaux und Cluny das ‚dort‘ für diesen fünften Band liefert, während zwei umfangreiche Präsentationen in den Ausstellungshäusern, dem ›Haus für die Kunst‹ und dem ›Depositum‹ das ‚hier‘ markieren.
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Abbildungen von Ton- Lehm- und Ziegelarbeiten aus den siebziger und achtziger Jahren finden einen formalen Kontrast in filigranen, bemalten Eisenarbeiten von 1985. Prägedrucke aus den neunziger Jahren ergänzen den optischen Zusammenhang. Alte Terrakotten aus der Sammlung Wortelkamp und mehrere Beiträge zeitgenössischer Künstler aus dem Senegal intensivieren den Gesamteindruck.

Der besondere Reiz des Buches liegt in den Bildern, die mehrere „in situ”-Arbeiten in Dakar oder in der Landschaft zeigen. Darüber hinaus gibt das Buch den afrikanischen Künstlern, die Erwin Wortelkamp geholfen und im Kontext seiner Konzeption eigene Werk geschaffen haben, besonderen Raum.
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    [content_de] => 1) Philosophische Weisheit gründet der Sache nach auf dem Bewußtsein der Endlichkeit unseres Ausgriffs auf die ersten und grundlegenden Fragen.

2) Die Frage der Konvergenz ist die Frage nach den Bedingungen, unter denen Wissen erzeugt wird. Im Konvergenzmodell lassen sich diese nach Art von Grenzwertannahmen rekonstruieren, die bezogen auf das jeweilige epistemische Feld der Erkenntnisoperation ihre Zielrichtung innerhalb der damit zugleich vorgegebenen Schranken verleihen.

3) Die Philosophie ist gerade durch das definiert, dessen sie entbehrt. Allenfalls als ein sie selbst übersteigendes Ideal weist ihr die Weisheit die Richtung.
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Abbildungen aus alten Büchern, Magazinen, Heftchen, Comics und von Platten-Covern können zu seinen Vorlagen werden. In seinem bildhauerischen Werk sind es Dinge des Alltags, die er im wahrsten Sinne des Wortes ‚vermöbelt‘, früher mit eher brachialem Gestus, heute eher im Modus des ‚Aufmöbelns‘ für die Integration der Dinge in ausgeklügelt installative Gesamtinterieurs.

Zeichnet Franz Burkhardt, so führen seine Vorlagen in mehr oder minder erotische, häusliche – damit eben auch triviale – Szenen, die so unaufregend und aufregend sind wie das tägliche Ankleiden, Abwaschen und Ausziehen. Und so durchzieht alle Blätter eine augenzwinkernde Auseinandersetzung mit Intimität und Privatheit, mit den Normen, Sehnsüchten und Ängsten, die an den Ausstaffierungen unserer individuell arrangierten Repräsentationsräume hängen. Dabei geht es auch um sein eigenes Zuhause, um Meuschemen, um den kleinen belgischen Ort, in dem er lebt und arbeitet. Der Rückgriff auf altes Bildmaterial lässt zweifelsohne immer eine Prise Nostalgie auffahren. Sie holt die Dinge in wehmütig-erinnernder Betrachtung in die Gegenwart und entrückt sie zugleich.“ (Annett Reckert, „Formerinnerungsvermögen“, 2011)
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Das Buch ist dem Philosophen Hannes Böhringer gewidmet.

Zu den Autoren gehören unter anderen Karlheinz Barck, Miriam Cahn, Thomas Huber, Thomas Kapielski, Gabriele Knapstein, Eva Meyer, Michael Mönninger, Werner Oechslin, Eran Schaerf, Katharina Sykora.
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Glas fasziniert die Künstlerin vor allem durch seine kristalline, transparente, Licht reflektierende und zugleich brüchig-fragile Materialität. Immer geht es ihr dabei um Ambivalenzen des Materials, um Übergänge, mögliche und tatsächliche Veränderungsprozesse, die eingeleitet und veranschaulicht werden. Ein wichtiger Aspekt dabei ist dabei die Zerstörung des splitternden Stoffes durch Fragmentierung und seine Neustrukturierung. Alles das gerät innerhalb dieser minimalistischen Installation im wörtlich zu nehmenden White Cube (weiße Decke, Wände, Boden) zu einem ästhetischen Ereignis besonderer Art. Tagsüber wird der glitzernde Glasberg durch den natürlichen Lichteinfall von außen stimuliert. Abends und nachts kann durch das Schaufenster des Raumes bis 23 Uhr das Video erlebt werden, während der schimmernde Glastumulus durch einen Spot hervorgehoben wird.
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Der Düsseldorfer Künstler Hans-Peter Feldmann widersetzt sich seit vielen Jahren den Mechanismen des Kunstmarktes. So verzichtet er konsequent auf Signatur und Limitierung. Seine Entscheidung, sein für die Edition Ex Libris ausgewähltes Buch ohne individuell gestaltetes Ex Libris und ohne selbst entworfenen Umschlag zu realisieren, ist daher genauso konsequent wie der Verzicht auf eine "Luxus"-Edition. Diese Ausgabe bekommt ihre besondere Note durch die Bearbeitung des Originalumschlags (Tilgen des ursprünglichen Verlagsnamens und Ersetzen duch "Salon"). Es versteht sich von selbst, daß Hans-Peter Feldmann ein bereits existierendes Ex Libris (Motiv: weiblicher Akt auf Stuhl) in das Buch kleben lässt.

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    [content_de] => The publication is in part an archival document to a Situationist Intervention that took place sometime during the summer months of 1997 – an intervention with specific interior / exterior locations within the centre of London. This artistic/political gesture was carried out during a long-running political debate over the obtrusive and ever growing number of CCTV surveillance cameras being installed within public spaces within the capital, which were disputed as an infringement upon rights to privacy of the individual citizen.
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    [content_de] => Die erste Monographie über Heiner Blumenthals Arbeiten zeigt großformatige Malereien, parallel neben kleinformatigen Zeichnungen und S/W Fotografien. Es geht in den Arbeiten um die Definition des Bildes als Ort und um die Frage nach der Sichtbarkeit und der Erscheinung des Bildes aus der spezifischen Sprache des jeweiligen Mediums heraus.
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Die kahlen Baumgerüste gegen den Himmel, die baren Linien gegen die Leinwand. Beides gegen die Leere. Klarheit und Heiterkeit der Reduktion. Eine neue, pure Faktizität: das, was der Fall ist. Malerei, organische Prozesse. Das Drama des Wachstums, zur Ruhe gebracht. Zur Anschauung."

(Matthias Bärmann)
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„hier und dort“ greift drei dieser besonderen Raumsituationen auf: Zum einen ist es das Arp Museum Bahnhof Rolandseck und zum anderen die Stiftung Erwin und Ulla Wortelkamp mit dem „Haus für die Kunst“ und dem neuen „Depositum“, ein Schaulager für die Arbeiten des Stiftungsgutes von Erwin Wortelkamp, das anlässlich der Ausstellung eingeweiht wurde.

Die Auswahl der Arbeiten eröffnet dem Betrachter dabei grundlegende Fragestellungen im Hinblick auf Erwin Wortelkamps vielfältiges skulpturales Schaffen und greift Kernthemen auf wie die der Fragilität, der Stabilität, der Balance, der Ruhe und der Lebendigkeit. Ebenso spannend wird die Frage nach dem Verhältnis von Skulptur und Raum, Skulptur und Architektur, Skulptur und Betrachter thematisiert und inszeniert.
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Intensivierung des Seins im Dasein durch Nullwerdung des Ichs (erste Reflexion am Strand)
Ich bin Dasein, aber das Sein ist Dasein + Nicht-Ich (zweite Reflexion auf dem Dach)
Mehr Sein als Dasein
Franko Bollos erster Spagetti-Raum
Entwurf für zerzausten Guckkasten
Modell zur Erweiterung des Atomiums
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Der 1 ist es egal, ob wir zittern oder nicht
Der 1 ist es egal, ob wir traurigen Paradoxa verfallen oder nicht
Fehlt die 1, dann fehlt das Leben
Löchriges Sein (Josef Schlecht interviewt Stefan Bohnenberger, Seiten 27 & 28 im Büchlein)
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ERRATUM: Fälschlicherweise wird unter “Lektorat/Proofreading” Joan-Catharine Ritter genannt!

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Actor Channing Tatum was portraited by Jack Pierson for the signed and numbered Ex Libris print. „I chose this old fan magazine as my book project because I like everything about it--the design, the printing and the photography. I love the subject matter--the stars we remember and the ones we do not. Men, who obviously held a place for a while in the evanescence of Hollywood and youth. I seek to preserve, come what may, the ephemeral.“ (Jack Pierson)  

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    [content_de] => "Bauspiele": mit diesem vieldeutigen Titel lädt Joachim Manz im Themenjahr "Architektur" des Arp Museums Bahnhof Rolandseck dazu ein, seine verschiedenartigen Miniaturarchitekturen zu entdecken. Er nutzt die Räume des spätklassizistischen Bahnhofs Rolandseck als Bezugsgröße, um dort mit Wirklichkeiten, Dimensionen und Ausdehnungen baukünstlerischer Welten zu spielen. Die von ihm entwickelten Skulpturen besitzen eine strenge und schnörkellose architektonische Sprache. Dabei verwendet Joachim Manz Baustoffe wie Feinbeton, Glas, Ziegel und Fliesen, die ebenso in der realen Architektur eine bedeutende Rolle spielen.
Mit Hilfe feinster Armierungen und geringster Abstützungen entstehen u.a. hauchdünne Architekturen – ähnlich instabiler Kartenhäuser – die man gerne vor dem Einstürzen bewahren möchte. Joachim Manz’ "Bauspiele" sind zweckfreie Architekturen, die sich zu autonomen Skulpturen erheben und ihre besonderen Qualitäten gerade im Zusammenspiel mit dem historischen Bahnhof Rolandseck und der modernen Baukunst Richard Meiers entfalten.
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Neben grundsätzlichen Dingen, denen sich heute Malerei immer wieder von neuem aussetzt, wie der Frage nach der Stabilität einer Haltung, ihrer Verankerung im Jetzt der (Pop)Kultur, der Integration von altem Wissen, formulieren sich hier in einer Art Alchemie des Tuns.
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Für ihre Fotoinstallation hat die Künstlerin Katharina Gaenssler mit akribischer Sorgfalt den Depotraum des Fotomuseums im Münchner Stadtmuseum in wochenlanger Arbeit digital fotografiert und regelrecht seziert. Produkt dieses Prozesses sind ca. 10.000 Einzelaufnahmen, die, zu einer Art Wandteppich vereint, das Innenleben des Archivs nach Außen stülpen und den Museumsbesuchern die Begegnung mit jener Sphäre möglich macht, die der Öffentlichkeit gewöhnlich entzogen ist. Das aus Tausenden von Einzelteilen zusammengesetzte Wandbild erinnert an eine kubistische Zerlegung des Bildraumes, die keine Rücksicht auf zentralperspektivische Ordnungsgesetze nimmt. Auf den ersten Blick scheint das Bild des Depotraums wie bei einer gewaltigen Explosion in zahllose Bilddetails zerborsten, bevor die einzelnen Wahrnehmungssplitter sich mit zentrifugaler Kraft wieder zu einem Gesamtbild gefügt haben. Die enorme Verdichtung von Details lässt das Auge nie zur Ruhe kommen, fordert unablässig neue Sehbewegungen. Hier ist das Bild regelrecht aus den Fugen geraten. Sämtliche Einzelbilder der Fotoinstallation sind in Buchform archiviert"."
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1971 in Köln geboren. Studierte ein Semester an der Kunstakademie Düsseldorf und absolvierte ab 1991 eine Ausbildung zum Tätowierer. Neben Performances, diversen Einzelausstellungen und verschiedenen Ausstellungsbeteiligungen erschienen ab 1996 zahlreiche Veröffentlichungen über Grundmann in internationaler Fachliteratur zum Thema Tattoo. Seit 1991 bei Dieter Zalisz “Elektrische Tätowierungen“ in Köln als Tätowierer tätig.
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14 Bilder (gemalt mit einem Harz-Ölfarbengemisch, welches auf Holz-Bildträger aufgetragen und der Schwerkraft überlassen wurde, von schwarzen Rahmen gefasst, mit den Ziffern I – XIV untertitelt) und ein helles gleißend-changierendes fünfzehntes, weiß gerahmtes Bild mit dem Titel ZWEI FARBEN SÜDEN bilden die Malerei-Installation KREUZWEG von Ulrich Moskopp. Wegen der spezifischen Fließeigenschaften des Harzes trocknet die Farbmasse derart, dass Naturassoziationen hervorgerufen werden, die an Landschaften, Höhlen, Adern, aufsteigenden Nebel im Gebirge oder elektrische Entladungen erinnern. Der Blick gelangt über die glänzende Oberfläche der Bilder, durch die Farbschicht, zu einer Tiefe, aus der das Geheimnis des Lichts heraus leuchtet.
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    [content_de] => Nora Schattauers Arbeiten sind zweifelsohne Malereien. Wenn sie verschiedene in Wasser gelöste Mineralsalze mit der Pipette auf Papier, Folie oder speziell präparierte Leinwand tropft und dort miteinander reagieren lässt, so ist diese individuelle malerische Praxis sicher eine randständige im Spektrum zeitgenössischer Kunst. Und doch resultieren aus dieser fundamentalen, die Formkräfte ihrer Stoffe erkundenden Recherche – Nora Schattauer betreibt sie nicht als systematisch-wissenschaftliche Untersuchung, wohl aber auf Grundlage umfangreicher Versuche, die ihren Niederschlag in zahlreichen Unikatbüchern gefunden haben – genuin malerisch zu nennende Bilder. Dies trifft besonders für die seit 2005 entstehenden vor allem von einem reich differenzierten Grün-Blau-Spektrum geprägten Arbeiten mit ihren die gesamte Bildfläche gleichmäßig überziehenden Gewebe- oder Netzstrukturen zu. Der Vergleich mit einer Knotenkonstruktion Leonardos macht augenfällig, wie frei, gleichsam organisch Nora Schattauer ihre Bildgewebe entwickelt. Es kristallisiert sich nicht als erstarrtes Gefüge, vielmehr bleibt in allen diesen Arbeiten in je eigener Weise eine Möglichkeit zur Verwandlung gewahrt. Übergänge, Mischungen – mithin ein Moment der Transformation – kennzeichnen das Malerische, sind aufgehoben in einer malerischen Malerei. Die Bilder Nora Schattauers halten dieses Im-Fluß-Sein fest, indem die von ihr zur Reaktion gebrachten Stoffe ihre eigene Prozessualität – ihr Vermögen, immer neue Form- und Farbnuancen zu zeitigen – präsent halten.
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Erstmals widmet sich das Arp Museum Bahnhof Rolandseck in einer Überblicksschau dem ungarischen Künstler Lajos Barta (1899–1986). Die Ausstellung erinnert an den charismatischen Menschen und Künstler – sowie an dessen spannende, durch die Geschichte des 20. Jahrhunderts tief geprägte Vita. Die rund 40 Plastiken und 90 Zeichnungen entstammen überwiegend den 1940er und 1950er Jahren. Sie lassen die surrealistischen Ansätze Bartas und seinen Weg in die Abstraktion erkennen und dokumentieren die repressiven Jahre des Stalinismus in Ungarn. Die Ausstellung hebt besonders die Modelle seines bildhauerischen Œuvres heraus, die in Ungarn und in Bartas Wahlheimat am Rhein als Monumentalplastiken im öffentlichen Raum realisiert wurden. Einige dieser Werke entstanden im Bahnhof Rolandseck, wo Barta von 1965 bis 1967 lebte und arbeitete. Die Ausstellung wird in Kooperation mit dem Donauschwäbischen Zentralmuseum Ulm realisiert.

Mit freundlicher Unterstützung der Martin-Lantzsch-Nötzel-Stiftung für die Kunst der 50er Jahre.
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"Geschlossene philosophische und ästhetische Systeme." (Badisches Tagblatt)

Das Buch erscheint u. a. aus Anlaß der Verleihung des GWK Förderpreises der westfälischen Wirtschaft, des Stipendiums Junge Kunst der Stadt Lemgo und in Zusammenarbeit mit der Fruitmarket-Gallery, Edinburgh.
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"I have chosen to have Marcel Duchamp's book, 'Opposition and Sister Squares' re-printed quite simply because I love both Duchamp and chess. In it's original printing, it didn't fare too well selling-wise and Duchamp apparently had a closet full of the books which he gave to friends as gifts whenever they came over to his home. Regarding the book's failure to sell, he has been quoted as saying: '... that the problem it poses only comes up once in a lifetime, even for chess masters". I also like this quote by Ernst Strouhal: '"Opposition and Sister Squares" is an artist's book for chess players and a chess book for artists.'"

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    [content_de] => Der Buchtitel Es geht nicht nur ums Ganze ist in leicht gewandelter Form einer Schrift Herbert Marcuses entliehen, die Ende der 1960er Jahre die Sozial- und Kulturwissenschaften intensiv beschäftigte. Seine kritische Betrachtung der Gesellschaft bezieht sich auf die Gesamtheit der Individuen, Gruppen und Institutionen und ihre Funktionsweisen – es ging ihm ums Ganze.

Mia Unverzagts hier versammelte künstlerische Arbeiten lassen sich Einerseits in Marcuses’ Tradition einer kritischen Theorie der 1960er Jahre verorten und aktualisieren andererseits feministische Ansätze, die insbesondere in den 1970er Jahren prägend waren. Ihre fotodokumentarischen Projekte, inszenierten Fotoarbeiten, Zeichnungen und Rauminstallationen verbindet der Versuch, gesellschaftliche Bruchstellen zu visualisieren, den Blick auf die Irrationalität des Ganzen zu richten und die Konventionen der fotografischen Bilder zu testen.
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„Müde Bücher“ enthält Fotos einzelner Bände aus der Installation „I SOLITI TITOLI“ mit Büchern aus dem Nachlass eines Architekten, ein Querschnitt durch eine bildungsbürgerliche Bibliothek der 1950er bis 1980er Jahre. Das Buch erscheint anlässlich der Ausstellung „animalibri“ (15.3.-15.4.2012) im Kunstverein Tiergarten Berlin.
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    [content_de] => Despite all abstraction, this Cologne painter and draftsman must still be characterized as a representational artist. One of the remarkable features of his landscapes, city views (especially panoramas) and architectonic details is a high degree of reduction to essentials. Some of his pictures have the character of a "quotation". In this respect, his models would be William Turner, Claude Monet, Vincent van Gogh and the photographer August Sander. As in Asian calligraphy, the seemingly spontaneous drawings and paintings are actually the result of long periods of mental preparation and concentration.
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    [title] => Nachdenken über ein totes Pferd.
    [content_de] => Vom 7.Juli bis 29.September 2007 zeigte das Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven die Ausstellung Norbert Schwontkowsk: Nachdenken über ein totes Pferd". Die noch zu Lebzeiten des Künstlers geplante Publikation versammelt Abbildungen der damals ausgestellten 10 Bilder der Ausstellung: 1 um 90° gegen den Uhrzeigersinn gedrehtes Ölbild, das die markante Fensterfront des Kabinetts zeigt (die für Blinky Palermo 1969 übrigens Vorbild seiner Wandmalerei im Kabinett war) sowie 9 Ölportraits, Blinky Palermo darstellend."

Die Ausstellung war eine Verneigung vor dem Werk und der Person Blinky Palermos - durch den plötzlichen Tod Norbert Schwontkowskis ist diese Publikation eine Verneigung vor Werk und Person zweier viel zu früh verstorbener Künstler geworden: Blinky Palermo ( 2.Juni 1943 – 17.Februar 1977) und Norbert Schwontkowski (29.April 1949 – 14.Juni 2013)."
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    [title] => Neue KUNST für ALLE! in deutschen Editionen 1961 – 1975
    [content_de] => Alles, was gut und preiswert ist! Nach diesem Motto ließ sich Kunst in den 60er und 70er Jahren sammeln. Es war eine „Neue KUNST für ALLE!“. Sie war an neuen künstlerischen und gesellschaftlichen Ideen, ungewohnten Materialien und Formen interessiert. Heute weltberühmte Künstler wie Joseph Beuys, Dieter Roth, Daniel Spoerri, Klaus Staeck, Wolf Vostell u.v.a. haben seinerzeit Multiples produziert. Es war eine bewusst sehr preisgünstig kalkulierte Kunst zum Anfassen, zum täglichen Gebrauch und zur kritischen Auseinandersetzung für Schüler, Studenten, Hausfrauen, Arbeiter und Angestellte – und all diejenigen, die nur über ein schmales Budget verfügten. Und ganz nebenbei führten die Künstler vor Augen, dass Multiples im „Zeitalter ihrer technischen Reproduzierbarkeit“ die Theorien eines Walter Benjamin links überholen konnten, indem z.B. „Unikate in Serie“ entstanden.

Die Ausstellung, die auf einer Privatsammlung basiert, gibt einen kritischen Überblick zum Boom der Multiples in deutschen Editionen von 1961 bis 1975. Gemeinsamkeiten, Unterschiede und Einzelpositionen werden vorgestellt. Neben den altbekannten Namen des internationalen Kunstmarkts gibt es Künstler zu entdecken, die die Kunst jener Zeit maßgeblich mit geprägt haben, z.B. Gernot Bubenik, Siegfried Kischko, Ferdinand Kriwet, Werner Nöfer oder Wolfgang Oppermann.

Der Katalog ist analog der Ausstellung thematisch in acht Gruppen gegliedert:
- 1.: Editionen / Multiples zum Anfassen (z.B. VICE Versand mit dem Multiple „Intuition“ von Joseph Beuys)
- 2.: Editionen / Multiples auf neuen Vermarktungswegen (z.B. Pläne des Hochbauamtes der Stadt Köln und andere Dokumente zum 1. Kölner Kunstmarkt 1967)
- 3.: Editionen / Multiples zum Lesen (z.B. Luchterhands Loseblatt Lyrik)
- 4.: Editionen / Multiples im Widerspruch: Unikate (z.B. edition MAT mit ihren „Unikaten in Serie“ von Arman, Horst Antes, Daniel Spoerri u.a.)
- 5.: Editionen / Multiples „Do it yourself“ (z.B. „Shoot it yourself picture“ von Niki de Saint Phalle 1964)
- 6.: Editionen / Multiples aus neuen Materialien (z.B. Editionen der eat art Galerie mit dem „Karnickelköttelkarnickel“ von Dieter Roth)
- 7.: Editionen / Multiples mit Licht und Bewegung (z.B. die Meditationsspirale von Heinz Mack)
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    [content_de] => Seit mehreren Jahren sammelt der in München und London lebende Künstler Carsten Recksik die Pressetexte der von ihm besuchten Kunstausstellungen. Die Texte, die von Galerien und Museen veröffentlicht werden, um Presse, Ausstellungsbesucher und Interessierte über Künstler und Kunstwerke zu informieren, dienten Carsten Recksik schon des öfteren als Grundlage für seine Werke. In "New Release!" fügt er diese lose Sammlung nun nicht nur zu einem Ganzen zusammen, sondern ersetzt nebenbei auch noch die Namen der Künstler durch seinen eigenen.

"New Release!" erweitert sich ständig, denn Carsten Recksik addiert die jeweils zuletzt besuchte Ausstellung zu seinem "Opus".
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    [title] => Noam Chomsky - Sprache und andere kognitive Systeme / Die Entfaltung der globalen Ordnung
    [content_de] => Noam Chomsky, 1928 in Philadelphia (Pennsylvania, USA) geboren, lehrt seit 1961 als Professor für Linguistik am Massachusetts Institute of Technology (MIT). Durch seine linguistischen und sprachphilosophischen Arbeiten von paradigmatischer Bedeutung und aufgrund seines politischen Engagements zählt Noam Chomsky zu den herausragenden Intellektuellen der Gegenwart, dessen Schriften ebenso wie seine öffentlichen Interventionen eine weltweite Aufmerk-samkeit und Rezeption erfahren haben.
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11.09. bis 13.11.2011 im Kulturforum Alte Post Neuss / Städtische Galerie stattfand. Das außergewöhnliche der Ausstellung war, dass die gesamten Innenräume der Galerie in Stadtraum verwandelt wurden, in dem die Streetart-Künstler ihre Werke inszenierten! Dabei trafen sowohl lokale Heroes, wie KJ263, Magic, London Inc. auf internationale Größen wie L’Atlas, Tasek, Flying Förtress, M-City und die bildenden Künstler Martin Mele und Krišs Salmanis. Das reich bebilderte Buch gibt in seiner aufwendigen, künstlerischen Gestaltung einen lebendigen Eindruck der Ausstellung wieder, die es in dieser Form im Bereich Streetart noch nicht gegeben hat. Ein Sammlerbuch!
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Parole #1: The Body of the Voice / Stimmkörper" ist die erste Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Stimme und ihrer "Körperlichkeit". Dies umfasst zum einen die Beziehung der Stimme zu dem Körper, der sie gebildet hat und den sie im Sprechvorgang verlässt, zum anderen geht es um die Frage, inwieweit sich die Stimme zu einem eigenständigen Körper formt oder in einen neuen Körper schlüpft. Der Band ist eine Sammlung von Texten und Arbeiten internationaler Künstler und Wissenschaftler, die sich mit diesem "flüchtigen Stoff" Sprache beschäftigen und versuchen ihn zu fassen, sichtbar zu machen und ihm einen Körper zu verleihen. In 24 Beiträgen umkreisen die Autoren dieses interdisziplinäre Thema und beleuchten verschiedene Facetten. Es ergibt sich ein neuer, anregender Blick auf das wichtigste Kommunikationsmittel, die Sprache, und ihre Visualisierung und "Materialisierung". "

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»Parole #2: Phonetic Skin / Phonetische Haut« ist die zweite Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Haut und ihrer Beziehung zur Sprache. Der Begriff »Haut« wird dabei als Metapher benutzt. Sie steht für die Oberfläche, die beschützende Hülle, nicht nur des menschlichen Körpers, sondern auch anderer Körper, wie die Wände eines Hauses, die Verpackung eines Produktes, die Oberfläche der Erde etc. Sie bezeichnet die Grenze zwischen Innen und Außen und ist gleichzeitig ein sensibles Kommunikationsinstrument, das Informationen von außen nach innen leitet und innere Zustände äußerlich erkennbar machen kann. »Phonetic Skin« ist ein poetischer Begriff, der als Ausgangspunkt diente, sich mit dieser Verbindung zwischen Kommunikation/Sprache und Haut auseinanderzusetzen. 18 internationale Wissenschaftler und Künstler stellen in der zweiten Ausgabe von »Parole« Projekte vor, die verschiedene Facetten dieses Themas beleuchten. Dabei wird es bspw. um die Stimme als vibrierendes Phänomen zwischen Innen und Außen gehen, um sprechende Trommeln, um Schrift auf Architektur, Kleidung oder Haut.

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2021 stieß Albert Coers auf einen Karton alter Tischtennisschläger, bei einem Stipendienaufenthalt im Künstlerdorf Schöppingen, und war von dem Fund begeistert – gerade jenseits der Verwendung als Sportgerät: Die Schläger tragen die Spuren jahrzehntelangen Gebrauchs, erzählen Geschichten, ebenso wie die Steinplatten auf dem Boden des ehemaligen Bauernhofs. Platten und Schläger finden in einer Installation zusammen. Die funktionalen Objekte werden zu etwas Anderem, bekommen etwas Malerisches. Aus Fotos der Schläger wird ein Künstlerbuch, wobei sich Vorder- und Rückseite, Rot und Schwarz gegenüberstehen.

Doch in den Sujets steckt noch mehr: Es lassen sich Parallelen ziehen zwischen der Sportart und künstlerischer Praxis, der Reaktion auf eine Vorgabe („Angabe“), dem Zurückspielen eines Balles („Ping-Pong“). Von diesem Modus ausgehend involvierte Coers Mitstipendiaten, und lud sie ein, autobiographische, fiktionale oder wortkünstlerische Texte zum Thema „Tischtennis/Schläger“ beisteuern. So kommen ganz unterschiedliche Sprachen, Situationen und soziale Erfahrungen zusammen.
Die Texte sind als eigener Bestandteil, auf separatem Papier und in schmalerem Format, in der Mitte des Buchs in die Fotoserie eingefügt. Die Gegenüberstellung von Originaltext und Übersetzung auf einer Doppelseite lässt ebenfalls an ein Hin- und Herspielen denken. In einem Essay reflektiert Coers den Zusammenhang von Tischtennis und Kunst.
Mit Beiträgen von Rudi Beutinger, Albert Coers, Sandra Rosas, Crauss, Ksenya Kumm, Carsten Lisecki, Cornelia Hülmbauer, Asja Schubert.

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In 2021, Albert Coers came across a box of old table tennis bats, during a scholarship stay in the artists' village of Schöppingen, and was thrilled by the find - just beyond its use as sports equipment: the bats bear the traces of decades of use, tell stories, just like the stone slabs on the floor of the former farm. Slabs and rackets come together in an installation. The functional objects become something different, take on a painterly quality. Photos of the rackets become an artist's book, with front and back, red and black facing each other.
 
But there is more to the subjects: parallels can be drawn between the sport and artistic practice, the reaction to something given, the playing back of a ball ("ping-pong"). Taking this mode as a starting point, Coers involved fellow scholarship holders, inviting them to contribute autobiographical, fictional, or poetical texts on the theme of "table tennis/bat." Thus, very different languages, situations, and social experiences come together.
The texts are inserted into the photo series in the middle of the book as a separate component, on different paper and in a narrower format. The juxtaposition of original text and translation on a double-page spread also suggests a back-and-forth play. In an essay, Coers reflects on the connection between table tennis and art.
With contributions by Rudi Beutinger, Albert Coers, Sandra Rosas, Crauss, Ksenya Kumm, Carsten Lisecki, Cornelia Hülmbauer, Asja Schubert.

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Verbindet man mit Photographie die Vorstellung, dass schneller auf den Auslöser gedrückt wird und der Apparat schneller belichten kann, als der Mensch denkt, so setzt Bonfert der Schnelligkeit Denkleistung und Wille zur Konzentration entgegen. Die „Photosynthese“ ist das Ergebnis genauen Abwägens. Und einer Vorstellung, die zum Bild gerinnt, die auch nur als Bild existieren kann.

Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.

 

ERRATUM: Fälschlicherweise wird unter “Lektorat/Proofreading” Joan-Catharine Ritter genannt!
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"Das Titelverzeichnis seiner Readyweb-Archivierung bildet als Magazin-Katalog einen Index für leere Trockenlager – aber auch eine Checkliste für die Kunst der Zweckentfremdung. Seit Duchamp einen Flaschentrockner in Form eines Readymades in die Kunst einführte, sagt jede Variation der Ausstellung eines Readymades: Dies ist kein Flaschentrockner. Seit Granoux Readymades in Form gelesener Flaschentrockner in die Kunst einführte, sagt jede Variation künstlerischer Bearbeitung eines Flaschentrockners: Dies ist kein Readymade.

"Granoux ist kein Modernist. Und das Künstlerbuch von Pierre Granoux zeigt als Werk zeitgenössischer Kunst, dass Sammlungen der Moderne doch noch mehr sind als ein Aufbewahrungsort für geleerte und bis auf den letzten Rest leergelaufene Flaschen." (Robert Krokowski)
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Die Konkrete Poesie kann zum einen als eine erste globale Literatur auf der Basis ästhetischer Prinzipien und zum anderen als Kunstströmung der 1950er bis 1980er Jahre bezeichnet werden. Unter Konkreter Poesie als Oberbegriff werden in diesem Zusammenhang alle Formen experimenteller, visueller, auditiver und radiophoner Poesie subsumiert, die seit den 1950er Jahren bis zum Ende des Bielefelder Colloquiums 2002 entstanden sind. Als künstlerische Grenzüberschreitungen sind sie zwischen Text, Bild und Musik zu verordnen, über die verschiedenen Formen der Künstlerpublikationen fand eine Verbreitung und Vernetzung statt. Mit ihrer Vielseitigkeit entzogen sich die Künstler nicht nur jeglicher Kategorisierung, sie schufen zugleich ein enorm umfangreiches und vielschichtiges Œuvre.
Der erste von zwei Schwerpunkten der hier zusammengestellten Texte des Symposiums bezieht sich auf die gegenseitige internationale Beeinflussung der Künstler der konkreten Poesie, auf ihre Beziehungen untereinander, die Verbreitungen der Kunst und die verwendeten Medien und Techniken.
Der zweite Schwerpunkt thematisiert die theoretischen, die kunst- und kulturwissenschaftlichen Grundlagen sowie gesellschaftliche und politische Einflüsse.
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anlässlich der Ausstellung „The Production Line of Happiness”
im Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven.

Bildnachweis / List of works
One of 406 Ceiling Panels
(23 3/4 x 23 3/4 inches each)
Covered on the back with striped paper
(green and white)
Each Stripe is 8,7 cm
From “Frost and Defrost: A Work In Situ by Daniel Buren“
Otis Art Institute Gallery, 2401 Wilshire Blvd.,
Los Angeles, California,
January 28 - March 4, 1979
Hal Glicksman, Gallery Director;
Christopher D‘Arcangelo,
Assistant to Daniel Buren
Photography by the Douglas M. Parker
Studio, Glendale, California, May 4, 2006
Chormogenic Print
60 x 59,7 cm (paper)
107 x 105,5 cm (framed)
Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln
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Wer bei Google nach den Stichwörtern „Bohnenberger” und “Pommes” sucht, erzielt ca. 13.700 Ergebnisse. Vor allem sind es Presseberichte über den Prozess vor dem Münchener Landgericht. Darin wird die auch vom Landgericht offen gelassene Frage, ob ein Kreuz aus zwei vertrockneten Pommes Frites Kunst sei, in der Regel nicht direkt erörtert.
Bohnenberger dreht die Schraube eine Umdrehung weiter. Nicht mehr das mehr oder minder aufgeladene Ready Made und die um es herum geschaffenen Zeichnungen und original Pommeskreuze allein sind das Kunstwerk, sondern es wird gerade auch die Diskursivierung der alten Fragen – was ist Kunst und welche Ansprüche und Pflichten kann der Künstler haben – im juristischen Verfahren zur Kunst gemacht. Der Rahmen, sprich der räumliche und inhaltliche Kontext, in dem Gegenstände gezeigt werden, macht es einmal mehr aus: was eben noch die bloße Reproduktion der Prozessakten war, ist jetzt Kunst – als Installation an der Wand hängend und in einer Edition in Form einer Kassette, die eben die kopierten Prozessakten und ein Exemplar eines „Pommeskreuzes“ aus echten Pommes Frites in einer Blechschachtel enthält.
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    [content_de] => Die New York Times nannte ihn „den berühmtesten unbekannten Künstler in New York“. Und in der Tat ist Ray Johnson (1927-1995) lange Zeit ein Geheimtipp geblieben, obwohl er mit den bedeutendsten Künstlern seiner Zeit, von John Cage bis Andy Warhol, in regem Gedankenaustausch stand und der Einfluss seines Werkes auf die Kunst unserer Zeit gar nicht hoch genug eingeschätzt werden kann.

Ray Johnson gilt als Vater der mail-art, als Meister der Collage und als Vorläufer der pop-art. Aber all diese Etikettierungen vermögen nicht, diesen unbändigen Künstler zu fassen, der wie kaum ein anderer seiner Grundidee treu blieb, Kunst als kommunikativen Prozess jenseits der etablierten Institutionen zu begreifen und zu leben.

Die Ausstellung in der Weserburg stellt Ray Johnson mit ca. 170 Werken aus der Sammlung Maria und Walter Schnepel, Bremen, vor, die zu den bedeutendsten Sammlungen des Werkes in Europa zählt.
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Gregor Jansen, Direktor der Kunsthalle Düsseldorf
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    [content_de] => Roland Schappert (*1965, lebt in Köln) führt "in seinen Arbeiten klassische Medien an ihre Grenzen, dehnt ihren Erfahrungsraum durch das 'Verstreichen' von Zeit. Diese zeitliche Erfahrung bestimmt wesentlich den Wahrnehmungshorizont der Werke. Malerei, Zeichnung und Skulptur werden mit zeitbasierten Medien – Video, Klang, Lichtinstallationen... – zusammengeführt und an ihren Berührungspunkten zu grundlegenden, erkenntnistheoretischen Fragestellungen verdichtet." (Stefanie Kreuzer, in: "Á rebours")

"Höchstens einzelne Buchstaben sind noch zu erkennen, der Rest ist Geste und Wink, Bild und Struktur. Indem diese Auslöschungen auf das Auftragen von Firnis zurückzuführen sind, kehrt sich die Intention des Bewahrens um. Der schützende Überzug verwandelt sich hier in ein zerstörerisches und zersetzendes Element." (Arne Zerbst, in: "Das helle Dunkel")
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    [content_de] => Reinhard Doubrawa arbeitet seit 1997 an seiner „News“-Serie, einer fortlaufenden Reihe von Freihandzeichnungen, die nach Fotos des Nachrichtenmagazins Der Spiegel entstehen. Es erscheint zunächst als ein Widerspruch, vergängliche Medienbilder, die meist dazu dienen, eine inhaltliche These zu stützen oder auf einen Text aufmerksam zu machen, mit Feder und Tusche abzuzeichnen. Reinhard Doubrawa enthebt sie ihrer Natur als vergängliche Massenware und übersetzt sie in eine künstlerische Form. Die Motive bilden einen Querschnitt durch die Gesellschaft und jüngere Zeitgeschichte, Politiker und Prominente tauchen ebenso auf wie anonyme Laborarbeiter oder Konsumenten, spektakuläre Motive wechseln sich mit weniger ausdrucksstarken ab. Es gelingt es Doubrawa, das Wesentliche einzufangen und führt uns damit unsere mediale Zeitzeugenschaft vor Augen.
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    [content_de] => Roland Schappert geht dorthin, wo es wehtut, an einen Ort, wo wir unsere Zukunft ausbilden – zumindest die Zukunft, die darüber entscheiden wird, wie wir uns wirtschaftlich entwickeln, die Einfluss nimmt auf unser zukünftiges Leben. (…) Zeichen auf einer langen orangefarbenen Wand, die zu Buchstaben werden – Buchstaben, die sich schließlich zu einem Satz fügen: LOTSENSCHAFT HAT GRENZEN, DAS OFFENE MEER. (…) In deutlichem Kontrast zu den Wandarbeiten stehen die Arbeiten des Künstlers auf Leinwand und Papier. Schemenhaft anmutende Porträtzeichnungen, kombiniert mit den Kernaussagen der Ausstellung. Hervorgehoben sei hier das zentrale Werk, der Titelgeber der Ausstellung: REISE FIBER. Ein Schiff, Wolken, die keine Wolken sind, Wellen, die keine Wellen sind – ein Schiff, frei segelnd im offenen Meer, das kein Meer ist. Ein Fieber, das wir alle spüren und doch ein ‚Fiber‘ – eine virtuelle Interpretation. (Dr. Stefan Hortshemke)
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    [content_de] => Alexander Braun (geb. 1966 in Dortmund), war im Jahr 2000 als Stipendiat in Lemgo tätig. Zuvor hatte er ein Stipendium als Artist in Residence in Marfa, Texas. Hier entwickelte sich sein grundsätzliches Interesse für den mexikanischen Kulturkreis, das in der Werkgruppe der “Retablos” seinen Ausdruck findet.

Das Retablo ist die mexikanische Variante des Votivbilds. Der (katholische) Gläubige möchte sich bei einer/einem bestimmten Heiligen für ein persönlich empfangenes Glück bzw. die Überwindung eines individuellen Schicksalsschlags bedanken. Zu diesem Zweck gibt es in Mexiko die sogenannten Nachbarschaftsmaler, künstlerische Dienstleister, die die geschilderte Szene mit Ölfarbe auf Blechtafeln malen und mit einem entsprechenden Widmungstext versehen. Der Gläubige trägt die Tafel dann in eine Kirche seiner Wahl und befestigt sie dort mit Nägeln an der Wand.

Alexander Braun gab in Mexiko City bei Lateinamerikas berühmtester Retablo-Malerfamilie, Afredo Vilchis Roque und seinem Sohn Hugo Alfredo Vilchis Fernandez, spezielle Retablos in Auftrag. Thema und Widmungstext wurden vom Künstler in Auftrag gegeben; die Vilchis waren allerdings angehalten, Thema und sprachliche Diktion nach eigenem Verständnis zu interpretieren. Als Protagonisten tauchen in der Serie ein Filzmann und seine Frau, ein Skelett, auf. Figuren, die in seinem Oeuvre immer wieder auftreten, werden diesmal allerdings in Alltagssituationen gezeigt und mit einem Privatleben ausgestattet. Hinzu tritt als versteckter Voyeur oftmals der Künstler selbst.

Alexander Braun transformiert mit diesen 18 verspielten und zugleich anrührend ernsthaften Votivtafeln das klassische Retablo in einen neuen, irritierenden Kontext.
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    [content_de] => Das Bild badet uns in Aufschriften so gut wie in farbiger Materie. Auf der Suche nach einem Motiv aber geht es in die Irre. Wie zum Ausgleich findet es in der Sprache und ihren Zeichen etwas, das konkret und abstrakt zugleich ist und auf etwas jenseits seiner selbst hinweist. Ist das nicht auch bei der Rede von einem "Nabel der Welt" der Fall? Gibt es ihn wirklich oder ist er nur eine Metapher? Ist er ein Bild, das spricht, oder Teil einer Sprache, die mit Bildern arbeitet? Offenbar liegt im Spiel mit Materie und Geist immer etwas Melancholisches."
Thomas Wagner

"Auf eine eigentümlicheWeise, die zu erklären nicht gelingen will, erscheinen die in die Kupferplatte geritzten Buchstaben und Worte plausibel. Und wie bei diesem speziellen Blatt mit dem suggestiven Titel LONELY – den man auch LOVELY lesen könnte, – ist es immer wieder das Ausschnitthafte, das Unzusammenhängende oder eine irritierende Satz- und Wortkonstruktion, die den Betrachter nicht so leicht loslässt."
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    [content_de] => In der von Gerhard Theewen herausgegebenen Edition Ex Libris bekommt der Begriff des Künstlerbuchs eine neue Dimension. Die Kölner Künstlerin und documenta-Teilnehmerin Rosemarie Trockel hat für die Edition Ex Libris ein für ihre künstlerische Arbeit bedeutendes Buch aus ihrer eigenen Bibliothek ausgewählt und präsentiert es unter ihrem Namen als Reprint. So wird ein Buch aus der Bibliothek der Künstlerin zum Kommentar der Arbeit Pierre Klossowskis und durch den von Rosemarie Trockel gestalteten Buchumschlag zu einem neuen Künstlerbuch."
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Vom Sammeln, Sortieren und Orientieren. Wie passt alles in einen Raum – die ganze Welt in einen Raum? Das vorliegende Buch ist eine Wunderkammer, welche die Künstlerin Claudia van Koolwijk mit ihren Nachforschungen angereichert hat. Das Material folgt einer Suche nach der Verschränkung von Kunst, Kultur, Religion und Naturwissenschaft, nach dem Bezug vom Materiellen wie Naturalien, Steinen oder Muscheln zum Übermenschlichen wie Leid, Tod und Glaube. 

Man mag die Aufgabe als zu umfangreich ansehen, doch aus welcher Sichtweise lassen sich die Phänomene am besten betrachten; sicher aus der einer forschenden Künstlerin. Zeitgleich zu ihrem Studium an der Kunstakademie Düsseldorf studierte Claudia van Koolwijk Biologie. Die Schule des freien Betrachtens einerseits, das genaue, akribische Beobachten auf der anderen Seite. Diese Verstrickung überträgt sich in ihre Serie von Stickereien. Es sind Momentaufnahmen, detailreich aber eben keine Abbildungen – weder lässt die Technik es zu, noch ist es das Ziel. Perfektion kann es nur in der Natur geben. Gefundenes Material ist der Ausgangspunkt, die Annäherung und Deutung folgt in Form einer Strichzeichnung. Ein zusätzliches Aquarell geht der Farbgebung nach. Die händische Zeichnung wird ins Digitale übersetzt, gefiltert und maschinell auf den Grundstoff gestickt. Sowohl der Ansatz als auch das Resultat sind analog und doch wird die Arbeit digital erzeugt, der Prozess dazwischen ist eine Wunderkammer in sich selbst. Material wird zu Materialität.
 
Yanik Hauschild 
 
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Schnelles und wildes Denken fordert dem entsprechendes Arbeiten. Czarnetta sieht zusammen, was er findet und bringt es schnell und instinktiv in Form. Dabei ist das Atelier des Künstlers eine ideale Fundgrube. Harz, Humor, Klebstoff, Spielzeug, Trödelgut, Beton, Philosophie, Holz, Nägel, Scherben, Fotos, alte Zinnfiguren, Assoziationen, Strandgut oder Dosen sind der Stoff aus dem die Seitensprünge gemacht sind. Kein Ding hat nur eine Identität, alles kann etwas anderes sein."
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Sery C. zeigte sechs Hauptpositionen aus den letzten 20 Jahren seiner künstlerischen Arbeit. Seine Werke umreißen Bildfindungsprozesse auf der Grundlage von Architektur und deren Systeme. Martina Jess entwickelte aus ihren Malereien („written paintings“ und „systematics“) und grafischen Installationen („modul als modus“) eigens für diese Ausstellung die Filme „moving paintings I und II“, die auf zwei einander gegenübergestellten Monitoren gezeigt wurden. In der Filmprojektion to be shaken before taken”, schweben die weißen Figuren im schwarzen Raum über eine Projektionsfläche in die nächste, tauchen in der zweiten Projektionsfläche ab um in der dritten wieder aufzutauchen.
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    [content_de] => Die Kraft, die von den Märchen ausgeht, ist ungebrochen und wuchert in den merkwürdigsten Zusammenhängen. Sie ertragen es verstümmelt, zensiert, zitiert, verkitscht, analysiert, psychologisiert zu werden, und doch ist es immer wieder erstaunlich, welche Wirkmächtigkeit sie entfalten, wenn wir ihnen in ihrer originalen Gestalt und Sprache begegnen. Über Generationen inspirieren sie in der jeweiligen Zeitgenossenschaft die Wissenschaften und die Künste, sich in Beziehung zu ihnen zu setzen und einen eigenen Weg zu ihnen zu finden. Ihre Vieldeutigkeit und exemplarische Offenheit, ihre Konsequenz und Unbekümmertheit, ihre Brutalität und ihr Humor ermöglichen eine ständige Auseinandersetzung voller Widersprüche, ideologischer, methodischer oder medialer Ausformungen.

Die beiden Vorträge, die Michael Glasmeier auf Einladung der Universität der Künste Berlin (2002) und der Justus-Liebig-Universität Gießen (2004) im Rahmen der von der Märchen-Stiftung Walter Kahn geförderten Ringvorlesungen erarbeitet hatte, stellen den Aspekt der zeitgenössischen Kunst in den Mittelpunkt. Sie sind der Versuch, märchenhafte Elemente", bzw. Märchenmotive in der heutigen Kunstproduktion auszuspüren und vorzustellen. Ausgangspunkt war dabei die Frage nach einer visuellen Transformation der Texte jenseits von Illustrationen, die es natürlich in Fülle gibt und mit denen sich die Märchenforschung natürlich auch beschäftigt.

Überrascht ist man dann doch über die Qualität und Stringenz der künstlerischen Arbeiten, die Michael Glasmeier vorstellt. Gleichzeitig ist er sich aber auch sicher, viele andere künstlerische Werke zum Märchen übersehen zu haben. Einiges, das er zur Kenntnis genommen hat, wurde von ihm aus Qualitätsgründen nicht weiter diskutiert. So sind diese Vorträge natürlich auch Ausdruck seiner Vorlieben und seines methodischen Hangs zu Digression."
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Farben und Formen finden wohlüberlegt zueinander. Die Dinge selbst sind zwar aus ihrem eigentlichen Funktionskontext befreit, bei der Betrachtung gibt es ein jeweiliges Erkennen, das sich dann wieder vom Gegenstand löst und im Zusammenhang mit den Form- und Farbnachbarn auf einer sinnlich-sinnigen Ebene die Lust am Schauen zurückkehren lässt.

Nur wenige Künstler vermögen den Betrachter auf diese Weise visuell als auch gedanklich anzuregen.“ (Dr. Isa Bickmann, www.Faust-Kultur.de)
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    [title] => Sound Art
    [content_de] => Die Publikation „Sound Art – Zwischen Avantgarde und Popkultur“ dokumentiert die internationale Tagung, die vom 30. September bis 2. Oktober 2005 im Rahmen des Ausstellungsprojektes zur Sound Art im Neuen Museum Weserburg Bremen stattfand. Dieses umfasste, neben der Ausstellung „Vinyl. Records and Covers by Artists”, eine Film- und Konzertreihe zum Thema Klangkunst.

Die Tagung diente der wissenschaftlichen Aufarbeitung des Sujets „Sound Art“, die sich, laut des Vorworts der Herausgeber „im Grenzbereich von Literatur, Kunst, Musik, Radio und Film“ bewegt. Der Band enthält elf Beiträge international renommierter Musik-, Kunst- und Medienwissenschaftler, Radioredakteure und Komponisten zum Thema Klangkunst. Die Autorinnen und Autoren reflektieren in unterschiedlichen Ansätzen die interdisziplinären Aspekte der Sound Art, die in Form der Medien Schallplatte und Tonbandaufzeichnung, Partituren, Radio- und Fernsehsendungen sowie Internetstreams die Öffentlichkeit erreicht. Dabei zeichnen sie die Entwicklung der Klangkunst zur Zeit der Russischen Avantgarde, des Futurismus und Dadaismus am Anfang des 20. Jahrhunderts nach. Sie untersuchen auch den Zusammenhang der Sound Art mit den intermedialen Tendenzen von Fluxus, der Neuen und Elektronischen Musik, Konkreten Poesie, der Klanggestaltung im Film sowie ihren Einfluss auf das in den 1990ern viel diskutierte Crossover von Musik und Kunst. Herausgeber des Buches sind Anne Thurmann-Jajes, Leiterin des Studienzentrums für Künstlerpublikationen im Neuen Museum Weserburg Bremen, die Berliner Radioredakteurin und Kuratorin Sabine Breitsameter sowie Winfried Pauleit, Kunst- und Filmwissenschaftler an der Universität Bremen. Dem Buch „Sound Art“ liegt eine Audio-CD mit 17 ausgewählten Hörbeispielen bei. Z. B. Auszüge aus Vladimir Majakovskijs Gedichtdeklamationen, Kurt Schwitters Vortrag seiner „Ursonate“, aktuelle Klangexperimente aus dem Bereich der Radiokunst sowie Ausschnitte aus Luc Bessons Film „The Fifth Element“ von 1997.

Die Textbeiträge diskutieren die Stellung der Klangkunst im musikwissenschaftlichen Diskurs, der Entschlüsselung von Signalen zwischen Bild und Klang, geben einen Einblick in Kunstwerke, die allein für das Radio konzipiert wurden und zeugen von einem erweiterten Verständnis dieses Mediums und seinen Möglichkeiten. Sound Art wird als „die permanente Erweiterung der Wahrnehmung akustischer Phänomene und Experimente, die sich jeder Zuordnung entziehen“ definiert.

Hörbeispiele auf der CD / Audio Examples on CD

l Vladimir Majakovskij: Hören Sie zu!, 0'59
2 Alexander Blok: Tapferkeit, Siege und Ruhm..., 1'48"
3 Kurt Schwitters: Ursonate, 1922-1932, Einleitung, 0'43"
4 Kurt Schwitters: Ursonate, Teil 3, 2'44"
5 Raoul Hausmann: Soundrel, 1919, 4'23"
6 Raoul Hausmann: Conversation imagee avec les lettristes, 7'05"
7 Antonin Artaud: Pour en finir avec le jugement de dieu/
Schluss mit dem Gottesgericht, 1947, Ausschnitt, 2'20"
8 Herbert Eimert: Epitaph für Aikichi Kuboyama, 1'34"
9 Sten Hanson: Dance Figure (for EP), 1969, 1'57"
10 Sten Hanson: OUHM, 1973, 1'08"
11 Horizontal Radio: Ausschnitt, Mix von Rupert Huber, 2'21"
12 Andrew Garton: The Spectrum Wars, 3'07"
13 Radioqualia: Radio Astronomy, 3'01"
14 Re-Inventing Radio: Streams from the Network, Mix von Rupert Huber, 2'41"
15 Audiomobile Vienna 05: Mix von Matt Smith, 3'34"
16 The Fifth Element: Ausschnitt I, Regie: Luc Besson, 1997, Musik: Eric Serra, Sound Design: Mark A. Mangini, 2'35"
17 The Fifth Element: Ausschnitt II, 0'19"

Gesamtdauer: 42'28""
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Man betrachtet die Welt immer aus der Perspektive des Einsamen und immer mit Distanz. Bei der Fotografie ist die Distanz im Bezug auf die Nähe zur Wirklichkeit am größten. Man sieht, dass sie da ist, aber sie ist nur ein Bild. Reinhard Doubrawas Fotografien, die die überscharfe Wahrnehmung des Reisenden verraten, bringen all diese Ebenen auf einer zusammen..."
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    [content_de] => Für kurze Zeit gehörte der Architekt und Stadtplaner Attila Kotányi (1924-2003) zum innersten Kreis der Internationalen Situationisten. Kotányi macht Guy Debord mit Raoul Vaneigem bekannt. Für kurze Zeit war Kotányi Anfang der 60er Jahre Redakteur der legendären Zeitschrift der Situationisten. Dann überwarf er sich mit Debord. Warum? Wer war Attila Kotányi? Woher kam er? Was tat er nach dem Bruch mit den Situationisten? Das Buch geht diesem Leben zwischen Ost und West nach. Autoren aus Ungarn und Deutschland untersuchen die Facetten dieses komplexen Denkers, Künstlers und Lehrers. Zugleich versammelt das Buch einige wichtige unveröffentlichte und schwer zugängliche Texte von Kotányi selbst.
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    [content_de] => Thomas Böing (1963 geboren) studierte Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde 1993 dort Meisterschüler. Im Zentrum seiner künstlerischen Interessen stehen im weitesten Sinne immer Raum und Räumlichkeit. Die Monografie „cut out” widmet sich seinen geschnittenen Fotoarbeiten. Böing entfernt in ihnen Durchblicke durch Tür-oder Fensteröffnungen oder Gegenstände wie Bilder an den Wänden oder Objekte in Museen, und öffnet so die fotografische Fläche in den Raum, der sich aus den anwesenden oder abwesenden Körpern in ihm definiert: „Der seltsam indefinite Raum in den ausgesparten Flächen, einerseits spartanischer, andererseits ganz notwendigerweise tiefer als der der Photographien, führt in das Bild hinter dem Bild, den Raum in der Figur, ein Innen, ein Durchblick, ein Leuchten zugleich. In dem, was es ist, so unmöglich wie wahr." (Gerhard van der Grinten)
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Thomas Struth hat für die Edition Ex Libris die „Deutsche Stadtbaukunst der Gegenwart” (1921) von A. E. Brinckmann ausgewählt. Als Fotograf, der sehr viel auf Reisen ist, schien ihm dieser historische Band mit seinen acht eingehängten Städtekarten das ideale Buch zu sein, für dessen Umschlag er eine Straßenansicht aus dem Tokioter Stadtteil Bunkyo (1999) bestimmt hat, die auch das Motiv seines „Ex Libris“ geworden ist.

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    [content_de] => Die Publikation „Title Suspended“ erscheint anlässlich der Präsentationen von Anri Sala im Kabinett für aktuelle Kunst in Bremerhaven sowie im MMK || Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main. Als Mischung aus Künstlerbuch und Dokumentation liefert sie den Kontext für das neuste Werk von Anri Sala, bei dem es sich um die erste „skulpturale“ Arbeit des international gefeierten Künstlers handelt. Ausgehend von Michelangelos bekannter Darstellung der „Erschaffung Adams durch Gottvater“ zeigt sie die äußerst poetische Konstruktion und Destruktion eines Momentes bzw. eines Bildes.
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Beim Netzwerk der Mail Art handelt es sich um das erste World Wide Web, lange bevor es das Internet gab. Die Post wurde als weltweites Kommunikationssystem genutzt. Es entwickelte sich aus einem kunstgeschichtlichen Kontext heraus und brachte ein neuartiges Beziehungsgeflecht von Kunst, Kultur und Gesellschaft hervor. Zum einen stellte es eine der sich mit der Grenzüberschreitung der Kunst entwickelnde neue Produktions-, Kommunikations- und Vermittlungsform dar. Zum anderen wurde mit ihm die bisherige Funktionsweise von Kunst kritisch hinterfragt, vor allem deren Warencharakter bzw. deren ideologische Vereinnahmung wie in Osteuropa. Es warf grundlegende Fragen nach dem Stellenwert von Original und Autorenschaft auf, denn an die Stelle der Genialität des einzelnen Künstlers trat das Gemeinschaftswerk. Ob Künstler oder Laie, jeder konnte sich an Projekten beteiligen und selbst neue initiieren. Mit dem Netzwerk der Mail Art entwickelten sich spezifische Ausdrucksformen wie Postkarte, Assemblings, Rubber Stamps, Künstler-Briefmarke und Magazine, die zugleich den Vernetzungsprozess beförderten. Es kann als Erscheinungsform einer sich in den 1960er Jahren entwickelnden Bewegung zur Demokratisierung der Kunst angesehen werden. Aufgrund der speziellen gesellschaftlichen Rahmenbedingungen gewann es für die Länder Osteuropas eine spezifische Bedeutung. Es bot eine der wenigen Möglichkeiten, weltweit und über die Systemgrenzen hinaus, Ideen und Kunst auszutauschen und die Verbindung zum internationalen Kunstgeschehen während der Zeit des Kalten Krieges aufrecht zu erhalten. Initiativen von osteuropäischen Künstlern und Mailartisten stehen im Mittelpunkt. Deren Dokumentation trägt dazu bei, einen differenzierteren Blick auf die Kunst, die bis zur Öffnung der Grenzen im Jahr 1989 entstand, zu entwickeln und fokussiert künstlerische Leistungen, die es vor dem Vergessen zu bewahren gilt.

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Jedes Bild ist auch ein Körper. Die Linien, die Günter Tuzina mit Kreide zuerst tastend, suchend und damit organisch setzt, sind das Skelett. Sie sind das Gitter, das man mit Konzept und Ratio assoziiert. Dann folgt die Materie, die Ankleidung mit Fleisch, die Bedeckung mit Haut. Das ist die Farbe, das Gefühl. Der Maler bringt sie in mehreren Schichten auf, transparent oder opak, aber immer atmend. Und so, dass die Materie, die Farbe, entsprechend dem Wunder der Malerei am Ende in Raum und Geist umgesetzt wird. Es ist eine große Leistung, dass es Tuzina gelungen ist, eine Verbindung zwischen den beiden Polen Ratio und Gefühl herzustellen, ohne sie zu verschmelzen, sondern indem er sie klar nebeneinander stellt.
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Der Ulivogel auf seiner Reise des Lebens. Ziel ist die Öffnung in eine andere Welt, die in diesem Buch auch ganz real wird… In vier Jahren schuf der Maler Ulrich Moskopp ein Kinderbuch für alle Liebhaber von Buchmalerei, also für 0 bis123-Jährige. Mit diesem liebevoll „illuminierten“ Bilderbuch wendet sich der international anerkannte Künstler erstmalig an Kinder und Jugendliche. Aber auch deren Eltern werden den Reiz, der in intensivster Aquarelltechnik ziselierten, lustigen und freundlichen Protagonisten zu schätzen wissen. Zusammen mit dem roten Männchen und dem blauen Mädchen entdeckt der Ulivogel das Ziel der Ziele.

Das Buch ist aufwendig und mit großer Liebe zum Detail realisiert worden. So wurde besonderer Wert auf ein Naturpapier gelegt, das den Seiten einen schönen und angenehm „griffigen“ Charakter verleiht. Die überraschend im Buch und auf dem Buchdeckel erscheinenden Stanzungen katapultieren die Geschichte jeweils in neue Dimensionen. Der an den Anfang gesetzte Text hilft dabei, die Geschichte durch ihre Bilder lesen zu lernen.

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Auch in seinem zweiten Künstlerbuch WIE WAR LAS VEGAS führt Volker Renner, der an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg bei Peter Piller studierte und anschließend sein Meisterschüler an der Hochschule für Graphik und Buchkunst Leipzig wurde, seine fotografische Sammlung von Wirklichkeit konsequent fort. Er organisiert sie in Paaren, Reihen und Serien. Die Kategorien, nach denen seine Fotografien entstehen, erschließen sich erst nach eingehender Betrachtung, zu subtil sind die Verbindungslinien zwischen den einzelnen Bildern gezogen. Sie weisen über die Grenzen des Bildes hinaus und stellen Bezüge her zu den großen Ikonen der fotografischen Erfassung von Las Vegas wie Venturi und Scott Brown oder Ed Rusha. Trotz Renners streng dokumentarischer Vorgehensweise und der Absurdität seines Gegenstandes strahlen seine Fotografien eine fragile Poesie und pastellfarbene Melancholie aus und verdichten sich zu einem eindringlichen Gesamtbild. (Stephanie Bunk)
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Die Installation erzeugt in der Verknüpfung von Gesicht, Raum und Klang, gleich einem Gewebe, eine Transponierung der unerschöpflichen Wahrnehmungsmöglichkeiten des Tuches. Sie ist Nachdenken über ein einmaliges Bild in einer Verschränkung aus Dokumentation, Licht und Klang. Zusammen mit einem Essay von Ulrich Moskopp ist eine Art Parallelwelt zur metaphysischen Aura der Installation entstanden. Alle Abbildungen entstammen der Realisation in der Krypta von St.Gereon, Köln im Jahr 2007.
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(Joachim Geil)
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Inkl. Werkverzeichnis aller Arbeiten der Werkgruppe bis 2007.

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(Rudolf Bartsch, Goethe-Institut Bulgarien)
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Das von Wolfgang Tillmans ausgewählte englischsprachige Taschenbuch enthält Transskriptionen von Vorträgen des indischen Philosophen Krishnamurti (1895-1986). Das Motiv des von Wolfgang Tillmans gestalteten Schutzumschlags übernimmt die Typographie des Originalumschlags und schützt so das auf diesem abgedruckte Portraitfoto, das Sir Cecil Beaton 1971 von Krishnamurti photographiert hat.

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Die Bonner Ausstellung wirft einen Blick hinter die Kulissen, gewährt einen ‚regard oblique‘ auf 25 Jahre Schaffen. Die gezeigten Zeichnungen sind keineswegs alle dazu gedacht, ausgestellt zu werden, entstanden sie doch vor, nach, neben, gegen andere(n) bildnerische(n) Tätigkeiten, zuweilen aber auch als ‚Hauptwerk‘, dem die ganze gestalterische Aufmerksamkeit galt. Die Ausstellung wagt ein Experiment und präsentiert ‚Privates‘ und ‚öffentliches‘ und stellt die Frage, ob diese Trennung überhaupt sinnvoll ist/sein kann? Gilt Zeichnung doch als unmittelbarster, intimster Ausdruck einer künstlerischen Persönlichkeit, und haftet ihr doch stets eine erhöhte Authentizitätsgarantie an.“ (Anne-Marie Bonnet)
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Die Fotografie ist immer zuerst da.
Wie eine Flutwelle verändert der Pinselstrich die Landschaft und die Kanäle, die sich bei Flut mit Wasser füllen.
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Wie eine Wetterfront verwandelt der Pinselstrich die Fassade der Häuser - ihre Fenster liegen jetzt im Dunst der Farbe.
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Ein Dammarölfarbengemisch mit hohem Harzanteil dient dem Künstler als Malmaterial mit zäher Fließeigenschaft, die in allen Farbschichten sichtbar bleibt und anschließend hochglänzend trocknet. Die Struktur der Oberfläche und die Farbdichte ist so weitestgehend dem Zufall überlassen und ergibt sich aus der Materialität des zähfließenden glänzenden Dammarfarbgemischs. Der Blick des Betrachters kann sich über die feucht schimmernde Oberfläche tasten und in und durch die Farbschichten dringen. Das Sehen wird zu einem sinnlichen Akt. Farbe und Licht leuchten und spiegeln, auch der Betrachter findet zuweilen den Umriss seines Körpers auf der monochromen Farbfläche wieder. "[...] Farbe und Licht bleiben bei Moskopp auch in der Reduktion Medium für emotionale Befindlichkeit und malerische Subjektivität." (Georg Imdahl)
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Caro Bittermann greift in ihrem Projekt "Jardins d’amis" die in "Die Dritte Kammer" vollendete Gedankenschleife wieder auf und präsentiert ihre über 100 Gouachen umfassende Porträtserie sowie einen Film über ihr Garten-Kunstwerk in Südafrika. Peter Dukas vorlagenfreie Malereiserien verfolgen den Gedankenkomplex der Ruinenmalerei im romantischen Kontext weiter, welcher ebenfalls bereits in der Gemeinschaftsarbeit als Künstlerpaar eine Rolle spielte. Auf verschiedenen Ebenen kann in der gesamten Ausstellung Geheimes enträtselt werden – einige Dinge bleiben wiederum "geheim" und lassen Spielraum für die eigene Imagination.
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The Arp Museum Bahnhof Rolandseck presents the first survey exhibition dedicated to the work of the Hungarian artist Lajos Barta (1899–1986). The exhibition pays homage to the charismatic personality and artist – as well as to his exciting life, which was profoundly marked by the history of the 20th century. The approx. 40 sculptures and 90 drawings were created predominantly in the 1940s and ‘50s. They provide insight into the Surrealist roots of his work and illustrate his path towards abstraction, while at the same time documenting the repressive years of Stalinism in Hungary. A special focus is laid on the models of his sculptural oeuvre, which were realized as monumental sculptures in public spaces both in Hungary and in Barta’s adopted home on the Rhine. Several of these works were created in the Bahnhof Rolandseck, where Barta lived and worked from 1965 through 1967. The exhibition was realized in cooperation with the Donauschwäbisches Zentralmuseum in Ulm.

With the friendly support of the Martin Lantzsch-Nötzel Foundation for the Art of the 1950s.

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    [content_de] => 2004 präsentierte das Museum Baden neue Malerei von Ulrich Moskopp (*1961), der sein Studium von 1983 bis 1991 bei Gotthard Graubner an der Kunstakademie in Düsseldorf absolvierte. Moskopp thematisiert in seinen oft monochromen Bildtafeln die Farbe und das Licht. Die Struktur der Farboberfläche, ihre Transparenz und Beschaffenheit sind wesentliche Bildschaffende Elemente. "Moskopps Bilder feiern das Licht und das Antlitz der Farbe, lassen seidigen Glanz auf transparenter Farbhaut schimmern, motivieren das Auge, auf Tuchfühlung zu gehen mit scheinbar flüssiger, fließender Farbe, der auf den Holz- und Kunststofftableaux eine effektvolle Bühne geboten wird." (Georg Imdahl, "Bischof auf Urlaub").

Ein Dammarölfarbengemisch mit hohem Harzanteil dient dem Künstler als Malmaterial mit zäher Fließeigenschaft, die in allen Farbschichten sichtbar bleibt und anschließend hochglänzend trocknet. Die Struktur der Oberfläche und die Farbdichte ist so weitestgehend dem Zufall überlassen und ergibt sich aus der Materialität des zähfließenden glänzenden Dammarfarbgemischs. Der Blick des Betrachters kann sich über die feucht schimmernde Oberfläche tasten und in und durch die Farbschichten dringen. Das Sehen wird zu einem sinnlichen Akt. Farbe und Licht leuchten und spiegeln, auch der Betrachter findet zuweilen den Umriss seines Körpers auf der monochromen Farbfläche wieder. "[...] Farbe und Licht bleiben bei Moskopp auch in der Reduktion Medium für emotionale Befindlichkeit und malerische Subjektivität." (Georg Imdahl)
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    [content_de] => ENDE ist die Dokumentation der gleichnamigen Ausstellung 2007 im Kabinett für Aktuelle Kunst, Bremerhaven. Luc Tuymans hat dort eine Wand-/Bodenmalerei ausgeführt, die das Licht, das durch die Schaufensterfront in den Raum fällt, konserviert. Die vom Künstler angefertigten Polaroids dokumentieren die Arbeit bei Tag und Nacht von innerhalb und ausserhalb des Raumes. Das Buch wird ergänzt durch eine Einführung von Moritz Wesseler, einem Statement von Anri Sala und einem ausführlichen Gespräch von Udo Kittelmann mit Luc Tuymans.
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»Parole #2: Phonetic Skin / Phonetische Haut« ist die zweite Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Haut und ihrer Beziehung zur Sprache. Der Begriff »Haut« wird dabei als Metapher benutzt. Sie steht für die Oberfläche, die beschützende Hülle, nicht nur des menschlichen Körpers, sondern auch anderer Körper, wie die Wände eines Hauses, die Verpackung eines Produktes, die Oberfläche der Erde etc. Sie bezeichnet die Grenze zwischen Innen und Außen und ist gleichzeitig ein sensibles Kommunikationsinstrument, das Informationen von außen nach innen leitet und innere Zustände äußerlich erkennbar machen kann. »Phonetic Skin« ist ein poetischer Begriff, der als Ausgangspunkt diente, sich mit dieser Verbindung zwischen Kommunikation/Sprache und Haut auseinanderzusetzen. 18 internationale Wissenschaftler und Künstler stellen in der zweiten Ausgabe von »Parole« Projekte vor, die verschiedene Facetten dieses Themas beleuchten. Dabei wird es bspw. um die Stimme als vibrierendes Phänomen zwischen Innen und Außen gehen, um sprechende Trommeln, um Schrift auf Architektur, Kleidung oder Haut.

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Die beiden Vorträge, die Michael Glasmeier auf Einladung der Universität der Künste Berlin (2002) und der Justus-Liebig-Universität Gießen (2004) im Rahmen der von der Märchen-Stiftung Walter Kahn geförderten Ringvorlesungen erarbeitet hatte, stellen den Aspekt der zeitgenössischen Kunst in den Mittelpunkt. Sie sind der Versuch, märchenhafte Elemente", bzw. Märchenmotive in der heutigen Kunstproduktion auszuspüren und vorzustellen. Ausgangspunkt war dabei die Frage nach einer visuellen Transformation der Texte jenseits von Illustrationen, die es natürlich in Fülle gibt und mit denen sich die Märchenforschung natürlich auch beschäftigt.

Überrascht ist man dann doch über die Qualität und Stringenz der künstlerischen Arbeiten, die Michael Glasmeier vorstellt. Gleichzeitig ist er sich aber auch sicher, viele andere künstlerische Werke zum Märchen übersehen zu haben. Einiges, das er zur Kenntnis genommen hat, wurde von ihm aus Qualitätsgründen nicht weiter diskutiert. So sind diese Vorträge natürlich auch Ausdruck seiner Vorlieben und seines methodischen Hangs zu Digression."
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In her own project „Jardins d’amis“, Caroline Bittermann once again picks up on the concepts laid out in “Die Dritte Kammer” and presents her portrait series comprised of more than 100 gouaches, as well as a film on her garden artwork in South Africa. Peter Duka’s series of paintings not based on any particular source materials carries on the tradition of rendering images of ruins within a romantic context – a strategy that already played a role in the works created together with Caroline Bittermann. Throughout the entire exhibition, secrets can be unraveled on various levels – nevertheless, some things remain “secret” and thus leave space for the viewer’s own imagination.
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Nora Schattauer hat für ihre Ausgabe der Edition Ex Libris "Werner's Nomenclature of Colours" ausgewählt und mit einem eigenen Schutzumschlag versehen. Außerdem liegt dem Reprint ein von der Künstlerin gestalteter ferbiger Pigmentdruck als persönliches Ex Libris bei.

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Nora Schattauer selected "Werner's Nomenclature of Color" for her edition ex Libris and provided its own dust jacket. The reprint also includes a pigment pressure designed by the artist as a personal ex Libris.

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"Quick and wild thinking demands a corresponding working method. Czarnetta pulls together everything he finds and brings it quickly and instinctively in form. In this respect, the artist’s studio is an ideal treasure trove. Resin, humour, glue, toys, rummage from the flea market, concrete, philosophy, wood, nails, shards, photos, antique pewter figures, associations, stranded goods or cans are the materials, from which the "Seitensprünge" (affairs) are made. Nothing has but one identity; everything can be something else."

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Jedes Bild ist auch ein Körper. Die Linien, die Günter Tuzina mit Kreide zuerst tastend, suchend und damit organisch setzt, sind das Skelett. Sie sind das Gitter, das man mit Konzept und Ratio assoziiert. Dann folgt die Materie, die Ankleidung mit Fleisch, die Bedeckung mit Haut. Das ist die Farbe, das Gefühl. Der Maler bringt sie in mehreren Schichten auf, transparent oder opak, aber immer atmend. Und so, dass die Materie, die Farbe, entsprechend dem Wunder der Malerei am Ende in Raum und Geist umgesetzt wird. Es ist eine große Leistung, dass es Tuzina gelungen ist, eine Verbindung zwischen den beiden Polen Ratio und Gefühl herzustellen, ohne sie zu verschmelzen, sondern indem er sie klar nebeneinander stellt.
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Die Ausstellung war eine Verneigung vor dem Werk und der Person Blinky Palermos - durch den plötzlichen Tod Norbert Schwontkowskis ist diese Publikation eine Verneigung vor Werk und Person zweier viel zu früh verstorbener Künstler geworden: Blinky Palermo ( 2.Juni 1943 – 17.Februar 1977) und Norbert Schwontkowski (29.April 1949 – 14.Juni 2013)."
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Gregor Jansen, Direktor der Kunsthalle Düsseldorf
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The present edition is a German translation and expansion of the English original, written by Craig Dworkin, Simon Morris und Nick Thurston, which was printed and distributed by the independent publishers ‘information as material’ in 2012. With the addition of examples from German literary history, Annette Gilbert positions this project as a micro-political phenomenon and expands upon its critical concept. She thus continues the work of Carlos Soto, who already added examples from Chilean history to his Spanish translation of the essay. French and Italian editions are in preparation, so that the book will continue to grow exponentially as a collective writing process from edition to edition.

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Like a tidal wave, the brushstroke alters the landscape and the canals, which fill up with water at high tide.
With the skyscrapers of New York, which she photographs from below with central perspective, the contemporary brushstroke lies over the black-and-white photograph from the past.
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Black-and-white is part of the photographic moment, colour of that of the gesture of the paintbrush - layer for layer.
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It is usually the first glance that counts with Doubrawa and later becomes the shot that becomes a printed photograph. He titles these with simple, descriptive terms, a process of classification and memory, which takes place spontaneously and intuitively. Arranged in alphabetical order, proximities and dialogues emerge, which evades any preconceived arrangement based on personal preferences or chronology.

The depot as a virtual storage facility, but also as a fund, which serves Reinhard Doubrawa time and again as an source of inspiration for his installations and objects.

(Maria Anna Tappeiner)
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anlässlich der Ausstellung „The Production Line of Happiness”
im Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven.

Bildnachweis / List of works
One of 406 Ceiling Panels
(23 3/4 x 23 3/4 inches each)
Covered on the back with striped paper
(green and white)
Each Stripe is 8,7 cm
From “Frost and Defrost: A Work In Situ by Daniel Buren“
Otis Art Institute Gallery, 2401 Wilshire Blvd.,
Los Angeles, California,
January 28 - March 4, 1979
Hal Glicksman, Gallery Director;
Christopher D‘Arcangelo,
Assistant to Daniel Buren
Photography by the Douglas M. Parker
Studio, Glendale, California, May 4, 2006
Chormogenic Print
60 x 59,7 cm (paper)
107 x 105,5 cm (framed)
Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln
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These interventions were an endeavour to integrate an applied form that would, over a period of time, become part of the structure it had been applied to. And, by incorporating a mock prosthesis to such public spaces, would endeavour to claim part of a specific public space, which would represent a specific moment frozen in time.
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With the help of the finest reinforcements and the least amount of supports, he creates extremely thin architectural structures – similar to instable houses of cards – which one is tempted to save from collapsing. Joachim Manz’s "Bauspiele" are buildings without purposes, which are raised to the status of autonomous sculptures and demonstrate their special qualities especially in the interplay between the historic train station in Rolandseck and the modern extension created by Richard Meier.
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    [content_de] => Stefan Bohnenberger‘s so-called "Pommeskreuze" (French Fry Cross) and the "Pommes d’Or" (Golden French Fry) have written history: art history and legal history.

A Google search using the key words "Bohnenberger" und "Pommes" leads to c. 13,700 results. These are especially press reports on the process before the Bavarian District Court in Munich. The question left open by the, as to whether a cross comprised of two dried-out French fries is or is not art, is generally not discussed here directly.

Bohnenberger goes one step further. It is no longer the more or less symbolically loaded readymade – the drawings and original crosses made of French fries – which alone comprise the work of art here, but also and especially the discourse surrounding the old questions – what is art and what claims and responsibilities does the artist have – are transformed into art as a result of the legal process. The frameworks, i.e. the spatial and thematic context, in which objects are displayed, are once again central: What was once a mere reproduction of the records of a legal case is now itself art – as an installation hanging on the wall, as well as in the form of an edition with the title “Pommeskreuz”, consisting of a copy of the records of the case and real French fries in a tin box.
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    [content_de] => Chris Newmans neues "Buch Drawing Strings & Writing Thing" ist eine Art Installation aus zwei Medien – Zeichnungen und Prosa – die gleichzeitig in Buchform präsentiert werden.
Die zwölf "Drawing Strings" bestehen aus jeweils 10 bzw. 12 Zeichnungen aus den letzten 10 Jahren, die alle zerschnitten, neu geordnet und anschließend zusammengenäht wurden. Die Bedeutung der Zeichnungen hat sich durch die Neupositionierung verändert, während die Oberfläche der Zeichnungen dieselbe geblieben ist. Jeder "Drawing String" wird im Raum des Buches über drei Doppelseiten reproduziert.
Die 121 Kapitel des Prosastücks "Writing Thing" – dessen Quellenmaterial aus Notizbüchern der letzten acht Jahre "aufgelesen" wurde – wurden ähnlich wie die Zeichnungen bearbeitet, so daß die Verwendung von Sprache vertraut bleibt, während die Bedeutung in ihrer Beziehung zur Sprache einen neuen Ort zugewiesen bekommen hat.
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(Rudolf Bartsch, Goethe-Institut Bulgaria)
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"Geschlossene philosophische und ästhetische Systeme." (Badisches Tagblatt)

Das Buch erscheint u. a. aus Anlaß der Verleihung des GWK Förderpreises der westfälischen Wirtschaft, des Stipendiums Junge Kunst der Stadt Lemgo und in Zusammenarbeit mit der Fruitmarket-Gallery, Edinburgh.
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(Joachim Geil)
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    [content_de] => Die von Gerhard Theewen herausgegebene Edition "Ex Libris" kann man als eines der wichtigsten Editionsprojekte der letzten Jahre bezeichnen. Der für die Edition eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, für das er einen neuen Umschlag entwirft und unter seinem Namen als Reprint präsentiert.

Dieses "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" wird durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch und wird in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen unter seinem Namen eingeordnet werden. Längst vergriffene Bücher werden so zu Quellenwerken und tragen zum Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler bei. So erhält der Begriff "Künstlerbuch" eine gänzlich neue Dimension.

Auflage: 200 (signiert, nummeriert)
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Mit diesem Reprint aus der Bibliothek des amerikanischen Künstlers Mark Dion startet die Edition "Ex Libris". Den Interessen und Forschungen des Künstlers entsprechend wurde das 1704 verfasste und (Paul Jacob Marperger zugeschrieben) anonym erschienene Buch über Kunst- und 30kammern neu aufgelegt und steht damit sowohl dem Kunsthistoriker als auch dem Künstlerbüchersammler als unveränderter Reprint zur Verfügung. Das vorliegende Buch enthält neben zahlreichen Kupferstichen und dem Plan des »idealen 30hauses« auch ein umfangreiches Verzeichnis europäischer Kunst- und Wunderkammern mit Beschreibung der jeweiligen Besonderheiten. In dieser von Gerhard Theewen herausgegebenen neuen Edition bekommt der Begriff "Künstlerbuch" eine neue Dimension. Der für die Edition Ex Libris eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit, sein Kunstverständnis, bedeutendes Buch aus, das er unter seinem Namen als Reprint präsentiert. So wird das "Buch aus der Bibliothek des jeweiligen Künstlers" durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch, das in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen dann unter seinem Namen eingeordnet werden wird. Auf diese Art werden Quellenwerke für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler in einem neuen Licht gesehen und dem Vergessen entrissen...

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Der Düsseldorfer Künstler Hans-Peter Feldmann widersetzt sich seit vielen Jahren den Mechanismen des Kunstmarktes. So verzichtet er konsequent auf Signatur und Limitierung. Seine Entscheidung, sein für die Edition Ex Libris ausgewähltes Buch ohne individuell gestaltetes Ex Libris und ohne selbst entworfenen Umschlag zu realisieren, ist daher genauso konsequent wie der Verzicht auf eine "Luxus"-Edition. Diese Ausgabe bekommt ihre besondere Note durch die Bearbeitung des Originalumschlags (Tilgen des ursprünglichen Verlagsnamens und Ersetzen duch "Salon"). Es versteht sich von selbst, daß Hans-Peter Feldmann ein bereits existierendes Ex Libris (Motiv: weiblicher Akt auf Stuhl) in das Buch kleben lässt.

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The first section of this publication documents 21 photo-installations from the years 2003 through 2010. The most recent work, “KdeE”, a photo-installation on the reconstruction of Kurt Schwitters’ “Merzbau” in the Sprengel Museum in Hanover, is illustrated in the second section on a total of 28 pages on a 1:1 scale.
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Für dieses blaue Künstlerbuch greift Pierre Granoux auf sein eigenes Fotoarchiv und eigene Dokumentationen einer langjährigen Spurensuche zurück. Konzept ist aber auch die Beauftragung anderer mit der Erstellung von Fotos und Texten zu von Granoux vorgegebenen Aspekten. Das Ergebnis ist weit mehr als eine Dokumentation – es ist selbst ein "Bazar Moderne", ein "automobil" im buchstäblichen Sinne des Wortes. Fahren muss man es allerdings selbst.
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"As a warehouse catalogue, the registry of titles in his “Readyweb Archives” comprises an index for empty bottle racks – but also a checklist for the art of misappropriation. Since Duchamp introduced a bottle rack into the canon of art in the form of a ready-made, every variation of the exhibition of a ready-made says: This is not a bottle rack. Since Granoux introduced ready-mades into the canon of art in the form of scanned bottle racks, every variation of the artistic processing of a bottle rack says: This is not a ready-made.

"Granoux is not a Modernist. And the artist book by Pierre Granoux demonstrates as a work of contemporary art that modern collections are more than a mere depot for completely drained and emptied bottles.” (Robert Krokowski)
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1971 in Köln geboren. Studierte ein Semester an der Kunstakademie Düsseldorf und absolvierte ab 1991 eine Ausbildung zum Tätowierer. Neben Performances, diversen Einzelausstellungen und verschiedenen Ausstellungsbeteiligungen erschienen ab 1996 zahlreiche Veröffentlichungen über Grundmann in internationaler Fachliteratur zum Thema Tattoo. Seit 1991 bei Dieter Zalisz “Elektrische Tätowierungen“ in Köln als Tätowierer tätig.
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Das den Ausstellungsraum des Kunstvereins Ruhr prägende architektonische Inventar lässt sich einfach beschreiben: Typischer innerstädtischer Nachkriegsbau, ehemaliges Ladenlokal, 85 m² Grundfläche, große Schaufensterfront, drei Türen, eine runde Säule, zwei quadratische Pfeiler und drei lange, parallel zueinander verlaufende Reihen Leuchtstoffröhren unter der Decke – die Wände sind weiß gestrichen, der Betonfußboden grau. Die architektonischen Konzepte, die den Hintergrund dieser so nüchtern gehaltenen Raumbeschreibung bilden, werden für Christian Helwing, unter Hinzunahme weiterer raumbildender Strategien der Moderne, zum Material der in enger Korrespondenz mit den vorhandenen räumlichen Gegebenheiten entwickelten Arbeit EAT.

Farbkonzepte von Bruno Taut und "De Stijl", das Verständnis der Konstruktivisten von Architektur als einem Vermittler zwischen Kunst und täglichem Leben, die ins Raster gesetzten Pfeiler Le Corbusiers, das zeichenhafte Verständnis von Architektur von Venturi / Scott Brown ("Learning from Las Vegas") sind einige der sich in Christian Helwings Arbeit zu einem gesamten Raumkonzept überlagernden und verdichtenden Ideen. Diese werden die Bewegungsmuster der Besucher innerhalb des Raums radikal verändern. Und auch der Name der Londoner Sandwich Kette findet in dem Ausstellungstitel und in Anlehnung an deren minimalistische Corporate Identity, in Essen (!) ihren richtigen Ort.
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    [content_de] => "...the lineaments of the trunks and branches and the empty space challenge each other, make each other alternately visible. A trunk, with the emptiness as its robe; the bright space with dark bones, spine, skeleton, structure.

The bare structure of the trees against the sky, the empty lines against the canvas. Both against the emptiness. The clarity and serenity of the reduction. A new, pure factuality: that, which is the case. Painting, organic processes. The drama of growth, brought to rest. To contemplation."

(Matthias Bärmann)
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    [content_de] => The book "In Limbo, Where Else" strives to balance an intermediate state of a book that can both be read and viewed as a conceptual reversed object. The book is camouflaged as a notebook. It contains nine short stories whose narrator is characterized as an anti-flaneur driven by his restlessness and ambiguity. The non-linear narrations of his dystopian journeys obviously deny certain laws of fiction writing. The narrative continuously follows a different junction, thus evoking a constantly changing focus in order to trigger the flow of inner images. Deception, paranoia and absurdity are woven into the text like ornaments. Interlaced are also the titles of the author's artistic oeuvre emphasizing the self-referential nature of the book.
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    [content_de] => Thomas Huber hat für die Edition Ex Libris das 2004 von seinem Vater, dem Architekten Benedikt Huber im Eigenverlag herausgegebenen Materialienband zum Haus Huber ausgewählt. Das 1929 von den Architekten Artaria und Schmidt in Riehen bei Basel für die Großeltern des Künstlers erbaute Haus ist ein architektonisch bedeutendes Bauwerk, das den Künstler, der hier aufwuchs, merklich beeindruckt und als Maler geprägt hat.
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    [content_de] => Ursula Wevers (*1943) has been working intensively with film, video and photography since the late 1960s. In addition to her artistic work, she was also active for more than 30 years as a professor, first at the Academy of Art in Düsseldorf and later at the University of Wuppertal. Ursula Wevers’ comprehensive oeuvre, which is represented in the exhibition by approximately 40 works, lies somewhere between the genres of photography and film. Her photographic works are often characterized by cinematic considerations, whereas her work in film is clearly influenced by photography. Wevers’ works oscillate between reality and imagination. The poetic motifs, created by the melting together of various photographic moments, transport the viewer to somnambulistic settings. The artist’s video works are also characterized by a meditative atmosphere; the motion sequences shot in real time appear decelerated and thus encourage a more intensive perception and analysis. 
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    [content_de] => Mit seinem „Curriculum vitae“ (1995) hat Blalla W. Hallmann (1941 – 1997) gegen Ende seines Lebens eine schonungslose Beschreibung in Wort und Bild geliefert. Es ist die Innenschau eines Künstlerlebens im Grenzbereich von Kunst und Krankheit, Erfolglosigkeit und später Anerkennung, Provokation und Poesie. Vergleichbar, wenn auch ohne Texte, ist lediglich die bildnerische Autobiographie von Frans Masereel.

Blalla W. Hallmann war kein „Outsider“, kein „Art brut Künstler“, sondern ein sicherlich außergewöhnlicher, aber professioneller Künstler, der eine schizophrene Psychose durchlitten und überwunden hat. Nach Überwindung der Erkrankung hatte er mit seinen Bildern großen Erfolg auf dem Kunstmarkt, u.a. zeigte ihn die Galerie Zwirner in Köln 1989 und 1991.

Erstmalig werden alle 149 Linolschnitte und Texte seines „Curriculum vitae“ ausgestellt und im begleitenden Katalog veröffentlicht. Eine bereits 1995 erfolgte Publikation im „Verlag der Buchhandlung Walter König“ zeigte lediglich eine Auswahl von 99 der 149 Linolschnitte. Zeichnungen, Gemälde, Druckgraphiken und eine Skulptur des Künstlers aus der Kölner Sammlung Kraft ergänzen die Ausstellungen.
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    [content_de] => The present book is the fifth publication in the series “hier und dort” (here and there), initiated in 2010. The publications accompany a series of exhibitions dedicated in loose order to individual aspects of the work of Erwin Wortelkamp. The books are published in conjunction with the respective double exhibitions between the foundation “im Tal – Stiftung Wortelkamp” and an external second venue.

The focus of the present publication is that aspect of his biography, which is probably most important for the development of his work in general: his relationship to Cistercian monastic culture. In the 1950s, he was a pupil of the secondary school of the Marienstatt Cistercian abbey, which, in addition to the ruins in Heisterbach, as well as Cîteaux and Cluny, thus provides the “there” of this fifth volume in the series. The two comprehensive presentations in the respective institutions, the “Haus für die Kunst” and the “Depositum”, represent the “here”.
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„Durch die Rückverwandlung seiner Malereien ins Dreidimensionale konkretisiert Zumbé die Transformation und formt tatsächlich Räumliches: eine Abstraktionswelt in Keramik. Deren Materialität wird zum neuen Hauptcharakter von Zumbés Werken. Der Begriff „Muster“ kann als etwas Unbewusstes, Psycho- analytisches betrachtet werden. In Zumbés Arbeit werden Muster aber auch tatsächlich aus den Vorlagen aus Katalogen, von Inneneinrichtungen und Tapeten aus verschiedenen Jahrzehnten entnommen — häusliche Dokumente von Lebenseinstellungen, Betrachtungsweisen und Perspektiven. Zumbé ordnet sie neu und belegt sie mit neuen Formen und Eigenschaften. Er ver- sucht, das Abstrakte erkennbar zu machen und das Reale zu abstrahieren — und spricht damit ein zutiefst menschliches Bedürfnis an: Die Übertragung von sich selbst auf seinen Wohnraum, der Versuch sich selber räumlich zu verkörpern, mit seiner Umwelt zu identifizieren, sie zu ästhetisieren und zu kuratieren.“

Auszug aus dem Katalogtext „Irritation und Transformation“ von Dora Cohnen

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"By transforming his paintings back into the three-dimensional, Zumbé concretises the transformation and actually forms the spatial: an abstraction world in ceramics. Its materiality becomes the new main character of Zumbé's works. The term "pattern" can be seen as something unconscious, psycho-analytical. In Zumbé's work, however, patterns are actually taken from templates in catalogues, from interior decorations and wallpapers from different decades - domestic documents of attitudes to life, ways of looking at things and perspectives. Zumbé rearranges them and gives them new forms and characteristics. He tries to make the abstract recognisable and to abstract the real - and thus addresses a profoundly human need: The transference of oneself to one's living space, the attempt to embody oneself spatially, to identify with one's environment, to aestheticise and curate it."

Excerpt from the catalogue text "Irritation and Transformation" by Dora Cohnen

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The “Ulivogel” on its journey of life. The goal is the entrance into another world, which, in this book, becomes more than real… Over the course of four years, the painter Ulrich Moskopp created a children’s book for all lovers of illustrated books, i.e. for readers from 0 to 123 years of age. With this lovingly “illuminated” picture book, the internationally acclaimed artist addresses for the first time an audience of children and youths, whereby their parents will also enjoy the charm of the humorous and friendly protagonists painted in an intensive watercolour technique. Together with the red "boy" and the blue "girl", the Ulivogel discovers the goal of goals…

The elaborate book has been created with great attention to detail. Special attention has thus been given to the choice of natural paper, which lends the pages an attractive and pleasantly “haptic” character. The surprising perforations in the book and its cover catapult the story into ever new dimensions. The introductory text helps readers to understand the story by interpreting images the pictures.
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“New Release!” is constantly growing, since Carsten Recksik continually adds the new press texts of exhibitions he visits to his “opus”. 

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Glas fasziniert die Künstlerin vor allem durch seine kristalline, transparente, Licht reflektierende und zugleich brüchig-fragile Materialität. Immer geht es ihr dabei um Ambivalenzen des Materials, um Übergänge, mögliche und tatsächliche Veränderungsprozesse, die eingeleitet und veranschaulicht werden. Ein wichtiger Aspekt dabei ist dabei die Zerstörung des splitternden Stoffes durch Fragmentierung und seine Neustrukturierung. Alles das gerät innerhalb dieser minimalistischen Installation im wörtlich zu nehmenden White Cube (weiße Decke, Wände, Boden) zu einem ästhetischen Ereignis besonderer Art. Tagsüber wird der glitzernde Glasberg durch den natürlichen Lichteinfall von außen stimuliert. Abends und nachts kann durch das Schaufenster des Raumes bis 23 Uhr das Video erlebt werden, während der schimmernde Glastumulus durch einen Spot hervorgehoben wird.
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    [content_de] => The New York Times dubbed him “the most famous unknown artist in New York”. And Ray Johnson (1927-1995) has in fact remained an insider tip for many years, although he participated in an intensive dialogue with the most important artists of his day, from John Cage to Andy Warhol, and the influence of his work on contemporary art cannot be underestimated.

Ray Johnson is considered the father of Mail Art, a master of the collage and a precursor of Pop Art. Yet all these labels do no justice to this relentless artist, who like no other remained true to his own fundamental concept of understanding and practicing art as a communicative process beyond the constraints of established institutions.

The exhibition in the Weserburg Museum in Bremen presented approximately 170 works by Ray Johnson from the collection of Maria and Walter Schnepel, Bremen, considered one of the most important collections of his work throughout Europe.
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    [content_de] => Für kurze Zeit gehörte der Architekt und Stadtplaner Attila Kotányi (1924-2003) zum innersten Kreis der Internationalen Situationisten. Kotányi macht Guy Debord mit Raoul Vaneigem bekannt. Für kurze Zeit war Kotányi Anfang der 60er Jahre Redakteur der legendären Zeitschrift der Situationisten. Dann überwarf er sich mit Debord. Warum? Wer war Attila Kotányi? Woher kam er? Was tat er nach dem Bruch mit den Situationisten? Das Buch geht diesem Leben zwischen Ost und West nach. Autoren aus Ungarn und Deutschland untersuchen die Facetten dieses komplexen Denkers, Künstlers und Lehrers. Zugleich versammelt das Buch einige wichtige unveröffentlichte und schwer zugängliche Texte von Kotányi selbst.
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    [content_de] => Noam Chomsky, 1928 in Philadelphia (Pennsylvania, USA) geboren, lehrt seit 1961 als Professor für Linguistik am Massachusetts Institute of Technology (MIT). Durch seine linguistischen und sprachphilosophischen Arbeiten von paradigmatischer Bedeutung und aufgrund seines politischen Engagements zählt Noam Chomsky zu den herausragenden Intellektuellen der Gegenwart, dessen Schriften ebenso wie seine öffentlichen Interventionen eine weltweite Aufmerk-samkeit und Rezeption erfahren haben.
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    [content_de] => This book has been published in conjunction with the series of exhibitions initiated by Erwin Wortelkamp in 1009 and title “hier und dort” (here and there). As with the three previous editions, the “here” refers to the two exhibition halls of the “im Tal – Wortelkamp Foundation” in Hasselbach and Weyerbusch. The “there” stands this time for “Haus Beda” and “Hamm Castle” in Bitburg.

The book is not to be understood as a classical exhibition catalogue, although it does in fact include several installation views from each venue. The fact that it does not represent a complete documentation of the works displayed in the Westerwald and Eifel regions means that greater attention can be paid to one of the central motifs in the work of Erwin Wortelkamp, namely standing and walking.

For perhaps the first time ever, the intrinsic links between the work phases of the early 1960s hitherto perceived as separate and distinct from one another can now be clearly discerned. Even for those who have followed the artist’s works for many years will be surprised by the coherency of the combination of the classical sculptures and highly politicized actions presented here, as is evidenced by the radical juxtaposition of a single wooden sculpture with a “Meditational Cabin” in the “House for Art”.

Wortelkamp’s work of the past decades proves to be no less politically informed than his activities of the early 1970s. The early drawings, sculptures and actions take on new meaning in the contemporary context and lead to a reinterpretation of his most recent works. Wortelkamp thus takes his place among other “rediscoveries” of artistic positions from the 1970s, whose relevance for contemporary artists has only been recognized in the past few years. (Jörg van den Berg)
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    [content_de] => Shortly before Bernhard Johannes Blume died in 2011, the Kunsthalle Bremen was given a donation of a large group of so-called “Brett-Bilder” (Board Pictures).

In the 1980s, Bernhard Johannes Blume produced a number of “board pictures”, created in the style of petty bourgeois living room culture, from used inexpensive furniture, the pseudo veneer of which he complemented with philosophical terminology. This juxtaposition of text and pictorial surface structure reveals Blume’s ironically poetic and humorous way of dealing with the metaphysical-religious heritage of Western culture. The artist team of Johannes Bernhard Blume and his wife Anna is known more than anything else for its series of generally multi-panelled, large-scale photographs.

“He cut these boards from old pieces of furniture, which played a central role in our staged photographs from the late 1970s through the mid 1980s. Bernhard Johannes Blume recycled the odds and ends of these pieces of furniture made of particle board and created handy pictorial objects by using the ‘genuine wood’ imitations of oak, beech and birch for the ‘sporadic updating of his painting’…” (Anna Blume in: “Wunderkammermusik”, 2011)
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“Müde Bücher” (Tired Books) contains photographs of individual volumes used in the installation “I SOLITI TITOLI”, comprised of books from the estate of an architect, a cross-section of a library from the educated middle-class of the 1950s through the 1980s. The books has been published in conjunction with the exhibition “animlibri” (March/April 2012) in the Kunstverein Tiergarten in Berlin.

 
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“Colours and forms come together deliberately. The things themselves have been taken out of their context and denied their original function; the viewer is tempted to recognize something, but cannot put his finger on just what it is and, in the context of the forms and colours of the other works within the same space, takes pleasure in the act of seeing itself on a sensual, witted level.

“Very few artists are capable of visually and intellectually stimulating the viewer in such a manner.” (Isa Bickmann, www.Faust-Kultur.de)
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Katalog zur Ausstellung in der Stadtgalerie Sundern 27. März bis 28. Mai 1998
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Catalogue for the exhibition in Sundern, Germany (March 28 - May 28, 1998)
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    [content_de] => Den Ausgangspunkt dieser Monographie bildet Tobias Hantmanns Ausstellung im Oldenburger Kunstverein 2014. Einem Rundgang durch die Ausstellung gleich, zeigt der erste Teil Raumansichten und Reproduktionen einzelner Arbeiten. Im zweiten Teil führen Abbildungen in nicht chronologischer Reihenfolge, durchsetzt von Textteilen durch das bisherige Werk. Installationsfotos, Atelier-Aufnahmen, Referenzbilder und begleitende Skizzen machen Bezüge und Verbindungen, der sich oft über Jahre hinweg entwickelnden Werkreihen, sichtbar.
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Illustrations from old books, magazines, brochures, comics and record covers are all potential source images. In his sculptural work, it is once again things taken from everyday life, which, in his earlier works, he ‘thrashed’ in the truest sense of the word with a more or less brutal gesture; today, it is more a kind of ‘refurbishing’, with which he integrates the objects in cleverly installed interiors.

When Franz Burkhardt draws, his source images lead to more or less erotic, domestic – and thus trivial – scenes, which are as simultaneously boring and exciting as the daily acts of dressing, washing up and undressing. Throughout all of his works on paper one thus finds a tongue-in-cheek treatment of intimacy and privacy, of norms, desires and fears, which hang on the accoutrements of our individually furnished representational spaces. At the same time, he also makes reference to his own home in Meuschemen, the small Belgian town where he lives and works. The use of old visual material undoubtedly leads to a dash of nostalgia. With his wistfully evocative view of such objects and images, he brings them into the present while simultaneously robbing them of their original context.” (Annett Reckert, „Formerinnerungsvermögen“, 2011)
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More being than existence
Franko Bollo’s first spaghetti-space
A design for rumpled peepshow boxes
A model for the expansion of the Atomium
The SELF = NON-SELF:1
It doesn’t matter to the 1 if we tremble or not
It doesn’t matter to the 1 if we fall for sad paradoxes or not
If the 1 is missing, life is missing
Porous self
(Josef Schlecht interviews Stefan Bohnenberger, pages 27 & 28 in the booklet)
The poetisation of the world
S.B.’s art lies somewhere between Karl Valentin’s humour and Columbo’s detective logic.
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The monographic publication focuses not only on the artist’s paintings, but also discusses the various aspects of Goffin’s creative work, including photography, film, furniture and prints.
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Erwin Wortelkamp’s oranges do not digress; they stick to what the title proclaims, are reminiscent of Marées’ oranges as well as of the grand concept behind his painting; they pierce this reminiscence and leave it behind them. They lie on the floor at our feet, without plinths. Literally “embodied” elements of paintings; systematically arranged in such a way that they all seem to be the same, and yet remain individual, equally strong characters. But this “specialness” is actually not what it is all about. It was not first and foremost about creating individualized oranges, even though they are indeed all different, truly individuals, hand-made, in a way that is only done today in the context of art. The goal was, in my opinion, more than anything else to make them with relative ease, i.e. spontaneously, directly, uninhibitedly, elementarily, as the result of a simple act of forming. This means: switching off, letting go and letting happen, with a minimum of forming and shaping according to preconceived notions. This does not make sense in the context of Erwin Wortelkamp’s early work, neither does it correspond to the strict Latinity of his mid-career oeuvre; but the equanimity, with which he almost ignores Marées’ sophisticated compositional system, has something quietly rebellious about it, something stubborn. He says, this kind of thing belongs to the past. And he says it very politely and briefly. The surfaces of Erwin Wortelkamp’s sculptural oranges have little to do with the surfaces of Hans von Marées’ painted oranges. Wortelkamp does not imitate – he does not even imitate Marées’ models, namely the oranges themselves. Instead, he transmits the haptic nature of their sculptural form, in the same way that Marées painted this. And his ultimate goal is thus to lead the viewer back to a simple act of touching. (Karlheinz Nowald)

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His pictures always function with a latent complementarity, a simultaneity of the present and the absent.
By refusing a linguistic or otherwise recognizable categorization, they give birth to a non-conclusive process and thus address the act seeing itself as an independent activity.
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    [content_de] => At first glance, Achim Bertenburg’s paintings appear to consist of monochrome surfaces with fogged-over or smudged structures. On closer inspection, however, one seems to find suggestions of forms with the painterly texture – shadows or contours of objects or even landscapes that disappear into the diffuse colour mist. Nevertheless, this impression never becomes certainty, since the brushwork and the ambiguous, overlapping colour shapes, which seem to merge into each other, ultimately prove to be the actual motif and motivation of these paintings.

In addition to these schematically suggested “apparitions”, one also sees lines and ciphers that represent nothing except themselves and seem to have emerged out of the spontaneous, free movement of the paintbrush. One would be tempted to speak of gestures or notations with a certain “expression”, were it not for the fact that Bertenburg is highly sceptical of the traditional categories of “immediacy”, “spontaneity” and even “expressiveness” as the basis of contemporary painting.

And yet, in various paintings, we discover strokes, arches, streaks or broad bands of colour, which serve no imaginary pictorial space, no implied reference to an object, but rather refer only to themselves. At times, however, even these purely “abstract” elements are subjected to blurriness and the clarity of their progression along a differently coloured, contrasting surface appears to gradually dissolve as though it were being swallowed by fog.

If one accepts the coexistence of contradictory pictorial experiences, one begins to reflect not only upon the painting, but also on one’s own perception. Ideally, thinking, seeing, remembering, imagining and painting are all one.
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Illustrations of works from the 1970s and ‘80s made with clay, loam or bricks are contrasted on a formal level with delicate painted iron works from 1985. Embossed prints from the 1990s complement the optical context. Antique terracotta vessels from the Wortelkamp collection and several contributions by contemporary artists from Senegal intensify the total impression.

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    [content_de] => “Sculptures search for and find their own sites.” This artistic credo of the sculptor Erwin Wortelkamp (b. 1938) is the starting point for the exhibition “hier und dort” (here and there). The artist constantly “re-arranges” his sculptures and drawings outdoors and indoors. In doing so, he creates surprising and exciting sculptural statements, which take over the respective spaces and cover them with a delicate network of interrelationships.

“hier und dort” addresses three of these special spatial situations: One is the Arp Museum Bahnhof Rolandseck and the other two the Erwin and Ulla Wortelkamp Foundation with its “Haus für die Kunst” (House for Art) and its new “Depositum” (Depot), a “Schaulager” for the works owned by the foundation, which was inaugurated in the occasion of the exhibition.

The selection of works reveals fundamental questions revolving around Erwin Wortelkamp’s highly diverse sculptural oeuvre and addresses central themes, such as fragility, stability, balance, tranquility and vitality. An equally exciting topic revolves around the question of the relationship between the sculpture and the space in which it is installed, between the sculpture and the architecture, the sculpture and the viewer.
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    [content_de] => Den Ausgangspunkt dieser Monographie bildet Tobias Hantmanns Ausstellung im Oldenburger Kunstverein 2014. Einem Rundgang durch die Ausstellung gleich, zeigt der erste Teil Raumansichten und Reproduktionen einzelner Arbeiten. Im zweiten Teil führen Abbildungen in nicht chronologischer Reihenfolge, durchsetzt von Textteilen durch das bisherige Werk. Installationsfotos, Atelier-Aufnahmen, Referenzbilder und begleitende Skizzen machen Bezüge und Verbindungen, der sich oft über Jahre hinweg entwickelnden Werkreihen, sichtbar.
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The exhibition in Bonn provides a glance behind the scenes and offers a regard oblique onto 25 years of artistic work. The drawings on view were by no means all intended to be exhibited, since they were in many cases produced before, after, parallel and even in opposition to other artistic activities, although in some cases they were also created as the “primary work”, to which he directed his complete artistic attention. The exhibition ventures an experiment and presents both the “private” and the “public” and raises the question of whether this distinction is or can be meaningful, since drawings are considered the most immediate, intimate expression of an artistic personality and they are also associated with an increased guarantee of authenticity. (Anne-Marie Bonnet)
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Ulrich Moskopp’s painting installation is comprised of 14 pictures (each painted with a mixture of resin and oil paint, which was applied to the wooden picture carrier and subjected to gravity, and set in black frames and subtitled with the Roman numerals I – XIV) and one light, glistening- iridescent picture in a white frame titled ZWEI FARBEN SÜDEN (Two Colours South). As a result of the specific flow properties of the resin, the colour mass dries in such a way that associations to nature are evoked, which are reminiscent of landscapes, caves, veins, mist rising in the mountains or electrical discharges. The viewer’s gaze passes over the shiny surface of the paintings, through the layers of colour and into a pictorial depth, out of which the mystery of light radiates.
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The world is always observed from the perspective of loneliness and always from a distance. In photography, the distance is greatest in relation to the closeness to reality. We can see it is there, but it is only a picture. Reinhard Doubrawa‘s photographs reveal the overly keen perception of a traveller and bring all of these levels together…” (Franz van der Grinten)
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    [content_de] => The “Volto Santo” installation, realised for the first time in 2007, takes as its theme the mollusk silk cloth of Manoppello. In the transposition and representation of the possible interpretations of this legendary image, documentation, light, sound and space are all intertwined. Contact can thus be established to that which tradition calls the true image (the “Vera icona”) of Christ. Historical-theological texts, an interview with the artist and statements from visitors are juxtaposed with photographs of the video and sound installation, which takes as its motif the “image and gazes of love”.
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Herausgegeben und verlegt von Gerhard Theewen. Alle 12 erschienenen Hefte aus den Jahren 1977 – 1993. Sämtliche Künstlerbeiträge wurden speziell für dieses legendäre Magazin gemacht (u.a. Hans Peter Adamski, Walter Dahn, Robert Barry, Lawrence Weiner, Jochen Gerz, Giulio Paolini, Mimmo Paladino, Hans-Peter Feldmann, Chris Burden, Antonius Höckelmann, Yuji Takeoka, Reinhard Mucha, Markus Oehlen, Helmut Federle, Matin Disler, David Askevold, Robert Winnewisser, Didier Bay, Bernhard Johannes Blume, Ernesto Tataoire). Die Bildmotive für alle Umschläge – auch für die Umschläge der beiden Reprint-Bände und den Schmuckschuber – wurden von Hans-Peter Feldmann ausgewählt.

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Whereas we generally associate photography with the notion that one can push the shutter button and thus exposes the film faster than a normal person can even think, Bonfert confronts this velocity with cognition and the will to concentrate. His “Photosynthesis” is the result of a precise evaluation – as well as of a concept, which leads to an image that can only exist as just such an image.

Supported by the Stiftung Kunstfonds with funds from VG Bild-Kunst, Bonn.

 

ERRATUM: In the imprint, Joan-Catharine Ritter was incorrectly noted under the heading “Lektorat/Proofreading”!
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    [content_de] => This catalogue of works by Jörn Stoya provides insight into the development of the artist’s work over the past few years. With carefully arranged and spaciously laid out image sequences, the catalogue not only sheds light on the most important aspects in the work of this fascinating artist, but also provides information on the essential and distinctive elements of his pictorial language. His drawings, photographs and film stills, pieced together according to the principle of the collage, are extraordinarily open and, in some cases, consciously contradictory.

In addition to some of the fundamental aspects which contemporary painting continues to address time and again, including the question of the stability of an approach, its anchoring in the „now“ of (pop) culture and the integration of time-honoured knowledge, a kind of “alchemy of action” is also formulated here.
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Including a catalogue raisonné all works from the series through 2007.

See also the corresponding artist book also published by Salon Verlag: Alexander Braun – “Life in the Woods”.
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In its coupling of face, space and sound, the installation, like a piece of woven fabric, leads to a transposition of the inexhaustible ways of perceiving and interpreting the shroud. It is a contemplation of the unique image in a clever combination of documentation, light and sound. Together with an essay by Ulrich Moskopp, a kind of parallel world to the metaphysical aura of the installation takes form. All illustrations are from the realization of the installation in the crypt of the Church of St. Gereon in Cologne in 2007
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A “retablo” is a Mexican votive picture. The (Catholic) believer uses this to show his or her gratitude to a particular saint for his or her help in bestowing personal fortune or overcoming an individual stroke of fate. In Mexico, retablos are painted by so-called neighborhood painters, artistic service providers, who paint the requested scene with oil paint onto a metal sheet, including the corresponding dedication text. The believer the carries the retablo into a church and nails it onto the wall.

In Mexico City, Alexander Braun commissioned Latin America’s most famous retablo-painter family, Afredo Vilchis Roque and his son Hugo Alfredo Vilchis Fernandez, to create special retablos for him. The artist determined the subjects and provided the dedication texts; the Vilchis were asked, however, to interpret the subject matter and the diction of the texts according to their own understanding. In this series, felt man and his wife, a skeleton, appear as the main protagonists. Figures, which appear time and again in his works, are now presented in everyday situations in scenes from their own private lives. In addition, the artist himself also often makes an appearance as a hidden voyeur.

With these 18 playful and at the same time touchingly earnest votive images, Alexander Braun transforms the classical retablo into a new and irritating context.
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    [content_de] => Not only was the Peter Wenzel Collection featuring works by Nam June Paik the source of the first large-scale solo exhibition after the death of the “Godfather of Video Art”, who described himself as the “first artist of the 21st century”, the comprehensive exhibition in the Museum Bochum also marked the first time that the collection was made available to the public. In addition to approximately 80 works on paper, beginning with the “Necktie Drawing” from 1961 and leading up to the last pastel chalk works created after the year 2000, rare documents from the early 1960s as well as documentation of the collaboration with the cellist Charlotte Moorman and several sculptural works were also on view. The exhibition was especially interesting because of the fact that, as opposed to earlier Paik exhibitions, the focus was laid on the artist’s works on paper. This is also the first time that a Paik exhibition and accompanying catalogue were compiled solely on the basis of one single collection.
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Einen Überblick über seine Tätigkeit gibt neben dem aktuellen Katalog, seine Webseite: www.adrianschoormans.de wieder.
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Actor Channing Tatum was portraited by Jack Pierson for the signed and numbered Ex Libris print. „I chose this old fan magazine as my book project because I like everything about it--the design, the printing and the photography. I love the subject matter--the stars we remember and the ones we do not. Men, who obviously held a place for a while in the evanescence of Hollywood and youth. I seek to preserve, come what may, the ephemeral.“ (Jack Pierson)  

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In addition to this catalogue, an overview of Schoormans' work can also be found on his website: www.adrianschoormans.de.
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In this, his second artist book, Volker Renner continues to expand upon his photographic collection of ‘reality’. The artist studied with Peter Piller at the Hamburg University of Fine Arts (HFBK) and completed his studies as a master student at the Academy of Visual Arts (HGB) in Leipzig. He arranges the photos in pairs, groups or series. The categories, according to which his photographs are grouped, can only be truly grasped after more precise observation, since the connections between the individual images are extremely subtle. They refer to things far beyond the borders of the images themselves and make reference to the great photographic icons of Las Vegas, such as those shot by Robert Venturi and Denise Scott Brown or Ed Rusha. Despite Renner’s strictly documentary working method and the absurdity of his motifs, his photographs radiate a fragile poesy and pastel-coloured melancholy and condense to form a haunting overall image of the city. (Stephanie Bunk)
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    [content_de] => Der Katalog „lipstick traces-re.cover / to be shaken before taken” ist entstanden zur Austellung von Sery C. und Martina Jess im Festspielhaus Hellerau – Europäisches Zentrum der Künste Dresden, bei der raumgreifende und Architektur bezogene Arbeiten der beiden Künstler gezeigt wurden.

Sery C. zeigte sechs Hauptpositionen aus den letzten 20 Jahren seiner künstlerischen Arbeit. Seine Werke umreißen Bildfindungsprozesse auf der Grundlage von Architektur und deren Systeme. Martina Jess entwickelte aus ihren Malereien („written paintings“ und „systematics“) und grafischen Installationen („modul als modus“) eigens für diese Ausstellung die Filme „moving paintings I und II“, die auf zwei einander gegenübergestellten Monitoren gezeigt wurden. In der Filmprojektion to be shaken before taken”, schweben die weißen Figuren im schwarzen Raum über eine Projektionsfläche in die nächste, tauchen in der zweiten Projektionsfläche ab um in der dritten wieder aufzutauchen.
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    [title] => Edition Séparée und Vorzugsausgaben 1996--2006
    [content_de] => Zwischen 1996 und 2006 erschienen die 49 (von 50 geplanten) Künstlerbücher der édition séparée. Dieses Buch dokumentiert auf jeweils einer Doppelseite alle erschienenen Ausgaben der Reihe mit beispielhaften Seiten aus dem Inhalt sowie Beispielen für die von den eingeladenen Künstlern zur Verfügung gestellten Editionen zur jeweiligen Vorzugsausgabe.

Die Texte der beiden Herausgeber der édition séparée werfen einen Blick auf die Geschichte des Künstlerbuchs und geben Einblick in die Entstehungsgeschichte der Reihe.

Die beteiligten Künstler: Anderson, Anzinger, Asher, von Biel, Bittermann & Duka, Bohnenberger, Boltanski, Bömmels, Bonfert, Braun, Dion, Dahn,Dorn, Droese, Feldmann, Förg, Gaida, Gilles, Herold, Huber, Ikemura, Kahle, Kuball, Lempert, Mahn, Meller, Münch, Newman, Noble, Noël, Oroschakoff, Paas, Pierson, Roob, Ruff, Sal, Sauer, Schappert, Schattauer, Schön, Schwenk, Schwontkowski, Sery, Trockel, Weiner, Wüthrich, Yediler.
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    [content_de] => Roland Schappert (*1965, lebt in Köln) führt "in seinen Arbeiten klassische Medien an ihre Grenzen, dehnt ihren Erfahrungsraum durch das 'Verstreichen' von Zeit. Diese zeitliche Erfahrung bestimmt wesentlich den Wahrnehmungshorizont der Werke. Malerei, Zeichnung und Skulptur werden mit zeitbasierten Medien – Video, Klang, Lichtinstallationen... – zusammengeführt und an ihren Berührungspunkten zu grundlegenden, erkenntnistheoretischen Fragestellungen verdichtet." (Stefanie Kreuzer, in: "Á rebours")

"Höchstens einzelne Buchstaben sind noch zu erkennen, der Rest ist Geste und Wink, Bild und Struktur. Indem diese Auslöschungen auf das Auftragen von Firnis zurückzuführen sind, kehrt sich die Intention des Bewahrens um. Der schützende Überzug verwandelt sich hier in ein zerstörerisches und zersetzendes Element." (Arne Zerbst, in: "Das helle Dunkel")
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Es handelt sich um ein Reprint des Buches "The Wonders of Ski-ing" aus dem Jahre 1932, das Peter Doig als ein für ihn und seine Arbeit bedeutendes Buch ausgewählt hat. Aus diesem Anlaß hat er einen neuen Umschlag für das Buch und ein Ex Libris gestaltet.
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Dieses vortrefflich gelungene Untenehmen des Klaus G. Gaida, ein Oeuvre von 41 Bildern zu schaffen, welches sich hochklassiger Modelle bedient um damit nicht weniger hochklassig eine vollkommen andere Sehweise des Themas erlaubt.
Die Bilder ergeben eine geschlossene Serie von anmutiger Heiterkeit. Jedes Exponat, streng reduziert auf immer variierend Farbtriolen, greift sich stets ein wesentliches Detail aus einer unendlichen Fülle des antiken Materials. Das Kunstwerk entspringt einem inneren visuellen Ballast abwerfens, um sodann in klarer unbeschwerter Form auf der Leinwand zu erscheinen. Der nüchterne Bildtitel streng auf das Gemälde plaziert, verschärft den optisch sachlichen Eindruck ganz bewusst, um dem spielerischen Umgang mit der Materie eine Fasson zu gewährleisten. Keineswegs wird hier Altehrwürdiges in Frage gestellt, oder gar als unzeitgemäß abgetan, sondern eine Betrachtungsweise neu formuliert.

 

Das Seidengewebe und sieht man es als Metapher für vergangene Kunstleistungen, ist heute so legitim wie damals, verhilft man ihm in adäquater Weise zu einer frischen ungewohnten Gestalt. Auf wunderbare Weise bewirkt dies der Bilderzyklus Sericon.
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Dieses vortrefflich gelungene Untenehmen des Klaus G. Gaida, ein Oeuvre von 41 Bildern zu schaffen, welches sich hochklassiger Modelle bedient um damit nicht weniger hochklassig eine vollkommen andere Sehweise des Themas erlaubt.
Die Bilder ergeben eine geschlossene Serie von anmutiger Heiterkeit. Jedes Exponat, streng reduziert auf immer variierend Farbtriolen, greift sich stets ein wesentliches Detail aus einer unendlichen Fülle des antiken Materials. Das Kunstwerk entspringt einem inneren visuellen Ballast abwerfens, um sodann in klarer unbeschwerter Form auf der Leinwand zu erscheinen. Der nüchterne Bildtitel streng auf das Gemälde plaziert, verschärft den optisch sachlichen Eindruck ganz bewusst, um dem spielerischen Umgang mit der Materie eine Fasson zu gewährleisten. Keineswegs wird hier Altehrwürdiges in Frage gestellt, oder gar als unzeitgemäß abgetan, sondern eine Betrachtungsweise neu formuliert.

 

Das Seidengewebe und sieht man es als Metapher für vergangene Kunstleistungen, ist heute so legitim wie damals, verhilft man ihm in adäquater Weise zu einer frischen ungewohnten Gestalt. Auf wunderbare Weise bewirkt dies der Bilderzyklus Sericon.
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Neben den 2009 erstmals auf der 53. Biennale in Venedig gezeigten Skulpturen, werden in der Ausstellung auch Bronze-, Marmor-, und Glasarbeiten zu sehen sein.
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Neben den 2009 erstmals auf der 53. Biennale in Venedig gezeigten Skulpturen, werden in der Ausstellung auch Bronze-, Marmor-, und Glasarbeiten zu sehen sein.
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»o. T. (ohne Titel)« dient als Arbeitstitel sowie als Platzhalter für entstehende Kunstwerke, und greift im besonderen Fragen des aktuellen Diskurses über die Grenzen und Möglichkeiten des Mediums Malerei auf. Was passiert mit einem Kunstwerk, wenn es das Atelier verlässt und im Museum ausgestellt wird? Was bedeutet es für Künstler, im Museum auszustellen? Fragen, die auch für den Kurator gelten, denn »o. T. (ohne Titel)« wurde vom Stipendiaten Arne Reimann erarbeitet.
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Berlinde De Bruyckere: "When I received the book 'The Legend of Saint Julian The Hospitaler' from my youngest son Andreas, I read it in one sitting. At that time, he himself wasn't able to read  yet. I told him the story with the same passion and in the impressive words I found in the Gustave Flaubert novel, during a walk in the woods. I couldn't have found a better place, a better time to do so. I cherished this experience such, that it may well have inspired me to translate it into the small woolen blanket covering the book. It was a unique experience to read the book in this archaic version of the Dutch language, beautifully documented with woodcut illustrations. It almost seems disrespectful to make sloppy notes in such a precious book, but  for me this is the only way to appropriate a book. To find the quotes that I find crucial. "The maddened stags fought,  reared, climbed on each other's back; and their bodies, with their antlers entangled, formed a great mound, crumbling and shifting. At length they died, lying on the sand with slavering muzzles, disembellowed, the heaving of their bellies growing less and less by dregrees. Then all was still." This quote has been an important inspiration for the sculptures and the drawings titled 'Romeu my deer' and later on for the sculptures titled 'Actaeon'. Never literally, but figuratively." (April 4, 2014)

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Dennoch ist meist ein erzählerisches Bildprogramm durchgehalten, in dem Vergangenheit allgegenwärtig scheint und historische Referenzen parat stehen: So zum Beispiel in den Barock-Geschöpfen der letzten Bilder oder den neuerdings auftretenden geometrisch-konstruktiven Figuren, die zwischen den quasi schon kubistisch gebauten Gestalten des Manieristen Giovanni-Battista Bracelli aus dem frühen 17. Jh. und farbigen Bauhausabstraktionen hin und her oszillieren oder einfach wie kindliche Laubsägearbeiten erscheinen.

 

 

 
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    [content_de] => Das Ergebnis einer jahrelangen Recherche zu dem sehr weit gefassten Konzept des Gartens, als sowohl realem als auch abstraktem Ort, ist nun die Geburt des vorliegenden Künstlerbuches. Der Aufbau des Buches spielt dabei eine besondere Rolle, indem es beide Phänomene - Bild und Text - freundschaftlich vereint. Dabei ist der erläuternde Teil im Herzen des Buches angesiedelt. Ummantelt wird diese „theoretische“ Mitte von den nach außen sich auffächernden Dokumentations-Photos der besuchten realen „Gärten“. Ihnen gegenüber stehen, unkommentiert, Porträt-Malereien. Die Malerei übernimmt dabei eine Vermittlerrolle; sie ist die „Linse“, durch die wir blicken. In den Freundschaftsporträts sind Menschen dargestellt, die in direkter familiärer, freundschaftlicher oder beruflicher Verbindung mit Bittermann stehen. Daneben gibt es die „Wahlverwandtschaften“: (historische) Personen, deren Ideale und Ziele das Denken Bittermanns präg(t)en. Ein fiktiver Stammbaum bzw. eine „Ahnenkoralle“ ergibt sich. Bittermanns Porträts sind geheime Fensterausblicke auf die mannigfaltigen Phantasielandschaften und utopischen Inseln der Porträtierten. (Lucia Schreyer)
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Seit Jahren beschäftigt sich Klaus G.Gaida in seiner bildnerischen Arbeit mit der Untersuchung altherge-brachter Zeichen- und Schriftsysteme und transformiert die Erkenntnisse in neue Bildsprachen. Um für die Werkgruppe Zeitvertreib zu einem kohärenten Zeichensystem zu gelangen, dienten Gaida Felszeichnungen mit ihren Kratzern und Riefen hilfreich als Ausgangspunkt zu weiterführenden Überlegungen. In diesen »gezeichneten Gedächtnisstützen«, auf das Wesentliche reduziert, tauchen immer wieder gleiche Zeichen auf, die verschlüsselt komplexe Botschaften in einfachen Zeichensystemen darstellen. Bei der Entwicklung der Bilder für die Serie Zeitvertreib stand im Vordergrund einfache Linien- beziehungsweise Strichzeichnungen in ein spielbares Kartenblatt umzusetzen. Hier griff er die beiläufigen oft »sinnlosen« Stricheleien und Kritzeleien auf, die in Gesprächsrunden oder auch beim Telefonieren entstehen, sozusagen »gedankenverlorene Aufzeichnungen«. Die Faszination dieser spontanen ungegenständlichen Darstellungen findet sich im Strichduktus, und sie eigneten sich für seineArbeitsweise zur schematischen Codierung herkömmlicher Kartenmotive. Nach einer Anzahl von Entwürfen »kontrollierter gedankenverlorener Beiläufigkeit« entstanden die 32 Zeichnungen, als Vorgabe für die ausgeführten »Karten Bilder«. Den drei »Jolly Jokers« der Werkgruppe liegen lineare Holzdrucke aus dem 16.Jahrhundert zu Grunde. Zur damaligen Zeit wurden fabelhafte Reisebeschreibungen oder deren humorvolle Verspottung mit derartigen Holzschnitten illustriert. Nach Fertigstellung der Bilder und Realisierung des Kartenspiels wurden in einem Wirtshaus von einer zusammengewürfelten Spielerrunde die Kartenwerte zu vorgegebenen Ausführungen in Gesten symbolisch dargestellt. (Max Otto Schürmann)

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    [content_de] => Das vorliegende Buch erscheint als Band VI der von Erwin Wortelkamp 2009 begonnenen Ausstellungs- und Buchreihe ›hier und dort‹. Wie in den vorherigen Bänden auch, markiert das ›hier‹ die Ausstellungsgebäude der ›im Tal – Stiftung Wortelkamp‹ in Hasselbach bzw. Weyerbusch, ergänzt um Werke auf dem Arbeitsplatz und in der Anlage ›im Tal‹. Letzteres ist wichtig zu betonen, denn ›Figur, Form, Landschaft‹ will u.a. auch die Verschränkungen zwischen Zeichnung, Skulptur und Objekt mit der Anlage ›im Tal‹, als genuinem Bestandteil des OEuvre von Erwin Wortelkamp aufzeigen.

Das ›dort‹ bezeichnet erstmals nicht einen einzigen Ort. Es steht hier vielmehr für eine Mehrzahl konkreter Orte, an denen Wortelkamp seine Skulpturen verortet hat; im Senegal, auf Bali, in der Schweiz und in Deutschland. Neben diesen ortspezifischen Arbeiten dokumentiert das Buch vor allem eine Vielzahl von Papierarbeiten, Objekten, Skulpturen und Plastiken. Allen gemein ist ein sehr spezifisches Verhältnis zur Landschaft. Die Auseinandersetzung mit Landschaft und Natur markiert eines der zentralen Motive im OEuvre von Erwin Wortelkamp. Mehr noch, es markiert neben der Auseinandersetzung mit dem menschlichen Körper und seinen Haltungen das zweite große Leitmotiv für sein Werk. Wieder also eine Monografie, die sich nicht auf eine Werkphase bezieht, sondern die einen vertikalen Schnitt durch das OEuvre legt. Der Band zeigt eine Bilderfolge – beginnend Ende der 1960er Jahre mit einer Serie kleinformatiger Landschaftszeichnungen und endend mit Papierarbeiten und Holzreliefs aus dem Jahr 2014 – die selbst für denjenigen, der das Werk seit Jahren verfolgt, Überraschungen bereit hält. Nicht mehr überraschen kann die Stringenz, die sich durch die Jahrzehnte und auch durch die unterschiedlichen bildkünstlerischen
Gattungen hindurch zeigt. Wieder treffen exzellente Beispiele einer politischen Kunst der 1970er Jahre auf ›klassische‹ Eisenplastik und Holzskulptur, trifft feinste Ironie auf expressive Geste, sensibles Miteinander auf radikale Entgegensetzung. Dabei erweist sich Wortelkamps Arbeit der letzten Jahrzehnte ebenso politisch aufgeladen wie seine Aktionsskulpturen und Schaukästen der 1970er Jahre. Diese explizit agierenden Werke der frühen Jahre wiederum gewinnen gerade in der Kontextualisierung mit den Werken der letzten Jahrzehnte eine gültige Aktualität und erweitern zugleich den Blick auf die jüngeren Werkphasen radikal. Damit reiht sich Wortelkamp in die Folge der ›Wiederentdeckungen‹ künstlerischer Positionen ein, deren Ausgangspunkt in den frühen 1970er Jahren liegt und deren Relevanz für eine junge Künstlergeneration vermehrt erkannt wird. Die Texte des Bandes sind ausnahmslos auszugsweise Wiederabdrucke.

Sie stammen von Autoren, die das Werk Erwin Wortelkamps zum Teil über Jahrzehnte begleitet haben und weiter begleiten. Wir haben diese Textauszüge gemäß ihres Veröffentlichungsdatums in die ebenfalls chronologische Folge der Werkabbildungen integriert mit Ausnahme des Beitrags von Frank Fehrenbach, der den Band abschließt. (JvdB)
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Mamma Andersson: "In gewisser Weise war dies das naheliegendste Buch für mich. 1983 begann ich während meines Kunststudiums als Wächter im Moderna Museet in Stockholm zu arbeiten. Ich liebte meine Nebenarbeiten, ging in der Kunstgeschichte herum, phantasierte" und vegetieren. Der Buchladen wurde zu einer Goldmine, wo man alle möglichen interessanten Sachen finden konnte. Dieser Katalog/Buch war damals brandneu. Dick Bengtssons Ausstellungen waren eine der ersten, die ich beaufsichtigte, keine sehr großen Ausstellungen, Aber ich fand es spannend. Es dauerte ein paar Jahre, bis mich seine Bilder wirklich faszinierten, aber als es passierte, geschah es mit einem großen Rummel. Man könnte sagen, dass seine Arbeit die Grundlage für viele meiner Arbeiten ist. In den 90er Jahren dies Buch wurde für mich zu einer Art Bibel, ich begann jeden Tag mit einer Tasse Kaffee und dem Dick Bengtsson-Katalog. Manchmal habe ich Bilder kopiert, die ich später übermalte, manchmal habe ich Elemente daraus für meine eigene Arbeit gestohlen. Deshalb ist es so abgenutzt aus und befleckt Manchmal, wenn ich einen sehe Bei seinen Werken denke ich für eine Sekunde, dass es eines von mir ist. So sehr habe ich seine Bildsprache verinnerlicht. Seltsamerweise gab es vor dieser keine Veröffentlichung über seine Kunst, und es dauerte mehr als 20 Jahre, bis eine neue herauskam. Die nächste fand 2005 in Verbindung mit einer großen Dick Bengtsson-Ausstellung statt, auch diese im Moderna Museet, diese Ausstellung war viel größer und enthielt die meisten seiner Werke. Er galt viele Jahre als Außenseiter, als Künstler für Künstler, er war Autodidakt. Seine Produktion war nicht sehr groß, dafür wurde er aber auch nicht sehr alt, er starb 1989 nur 53 Jahre alt. Heute ist seine Position eine andere, jeder, der sich am wenigsten für schwedische Maler interessiert, kennt ihn und seine Bilder werden zu sehr hohen Preisen verkauft. Ich freue mich sehr, die Chance zu bekommen, dieses Projekt zu machen, damit das Buch auch außerhalb Schwedens bei mehr Kunstseelen verbreitet werden kann.“ 

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Mamma Andersson: "In a way this was the most obvious book for me to choose. In 1983 I started working extra as a watchman at Moderna Museet in Stockholm, while studying art. I loved my bywork, walked around in the art history, fantasizing and vegetating. The book shop became a gold mine, where you could find all kinds of interesting stuff. This catalogue/book was brand new at the time. Dick Bengtsson's exhibitions was one of the first I watched over, not a very big exhibitions, but I found it exciting. It took a few years before I was really taken by his paintings, but when it happened it was with a great hullabaloo. One could say that his work is the foundation for much of my work. During the 90's this book became a sort of bible for me, I started every day with a cup of coffee and the Dick Bengtsson catalogue. I sometimes copied paintings that I later painted over, sometimes I stole elements from them to my own work. That's why it's so worn out and stained. Sometimes when I see one of his works I think for a second that it's one of mine. That's how much I have internalized his imagery. Weirdly enough, there was no publication about his artistry before this one, and it was more than 20 years until a new one came out. The next one was done in 2005, in conjunction with a large Dick Bengtsson exhibition, also this one at Moderna Museet, this exhibition was much larger, containing most of his works. For many years he was seen as an outsider artist, an artist for artists, he was an autodidact. His production wasn't very large, but on the other hand he didn't become very old, he died in 1989 only 53 years old. Today his position is something else, everyone with the least interest in Swedish painters know about him and his paintings are sold at very high prices. I'm very happy to get the chance to do this project, so that the book can spread to more art souls, also outside of Sweden.“

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Als Geschichte ist die Vergangenheit Gegenwart. Die Falten unserer Haut verweisen auf das Geheimnis und die Vergänglichkeit alles Körperlichen. Im Werk von Alexandra Hopf verweisen sie auf die Biegsamkeit des Materials und eine Möglichkeit zeitgenössischer Kunst, zu Fragen der Darstellung sich zu verhalten. Es scheint, als suchte in ihrer Arbeit die Kunst nach einer Möglichkeit, sich mit der Welt zusammendenken zu können – mit einer Welt, die Natur und Gesellschaft nicht im Bruch, sondern in ihren Übergängen wahrnehmbar werden lässt.
(Marc Wrasse)
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(Marc Wrasse)
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eine Art "real life"- Kompendium cooler Tatoos/tags/tracings/brandmarks/raw notes...
aber auch Künstlerbuch, Faksimile, Partitur, Stundenbuch par excellence."

(Marcus Neufanger)
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eine Art "real life"- Kompendium cooler Tatoos/tags/tracings/brandmarks/raw notes...
aber auch Künstlerbuch, Faksimile, Partitur, Stundenbuch par excellence."

(Marcus Neufanger)
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Unter dem »Prinzip Collage« versammelte Gerhard Meerwein Kunstwerke beginnend mit der klassischen Form des »Papier collé«, dem geklebten Papier. Dieses wurde von George Braque und Pablo Picasso um 1912 im Zuge des Kubismus in die Malerei eingeführt. Aus dieser Frühform entwickelten sich Anfang des 20. Jahrhunderts vielfältige Spielarten. Vor allem in der Kunst des Dadaismus waren Collage-Techniken ein wichtiges Ausdruckmittel.

Das Sammeln und Finden, die Dekonstruktion und Rekombination von unterschiedlichen Alltagsmaterialien sind zentrale Merkmale der Collage als geklebter Bildkomposition. Die charakteristische experimentelle und offene Herangehensweise – geleitet durch den Zufall und das Unterbewusstsein – schuf die Basis für zukünftige Generationen von Künstlerinnen und Künstlern, Kunst und Wirklichkeit einander durchdringen zu lassen.

Die Sammlung Meerwein umfasst neben Papier- und Materialcollagen, auch Decollagen, Assemblagen, Montagen und Reliefs bis hin zu freien Gruppierungen. Gerade diese Werke machen den weitgefassten Begriff der »Collage« von den Anfängen bis in die Gegenwart anschaulich und verdeutlichen die Relevanz des Mediums bis in die zeitgenössische Kunst.

Der Erste Ausschnitt bildet den Auftakt der Sammlungspräsentation Meerwein im Arp Museum Bahnhof Rolandseck. Diese erste Ausstellung würdigt Gerhard Meerwein als Sammlerpersönlichkeit und hebt thematische Schwerpunkte der Sammlung hervor, die der Architekt, Innenarchitekt und emeritierte Professor für »Farbe im Raum« der Hochschule Mainz über fast vier Jahrzehnte zusammengetragenen hat. Anordnungen von Collagen, so wie er sie in seiner Wohnung in der Mainzer Altstadt gruppiert hatte, werden in der Ausstellung rekonstruiert, um dem Interesse des Sammlers nachzuspüren.

Prof. Gerhard Meerwein begründet seine Konzentration auf diese besondere künstlerische Technik: »In der Collage sind für mich sowohl die Aspekte des Skizzenhaften, Entwurfskonzeptuellen vertreten, als auch das ausformulierte, ausgereifte, kompositorisch abgeschlossene Werk. Häufig ist es auch das scheinbar spontane Arrangement, was noch die Frische des Experiments beinhaltet, welches aber »fertig« ist.«
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Unter dem »Prinzip Collage« versammelte Gerhard Meerwein Kunstwerke beginnend mit der klassischen Form des »Papier collé«, dem geklebten Papier. Dieses wurde von George Braque und Pablo Picasso um 1912 im Zuge des Kubismus in die Malerei eingeführt. Aus dieser Frühform entwickelten sich Anfang des 20. Jahrhunderts vielfältige Spielarten. Vor allem in der Kunst des Dadaismus waren Collage-Techniken ein wichtiges Ausdruckmittel.

Das Sammeln und Finden, die Dekonstruktion und Rekombination von unterschiedlichen Alltagsmaterialien sind zentrale Merkmale der Collage als geklebter Bildkomposition. Die charakteristische experimentelle und offene Herangehensweise – geleitet durch den Zufall und das Unterbewusstsein – schuf die Basis für zukünftige Generationen von Künstlerinnen und Künstlern, Kunst und Wirklichkeit einander durchdringen zu lassen.

Die Sammlung Meerwein umfasst neben Papier- und Materialcollagen, auch Decollagen, Assemblagen, Montagen und Reliefs bis hin zu freien Gruppierungen. Gerade diese Werke machen den weitgefassten Begriff der »Collage« von den Anfängen bis in die Gegenwart anschaulich und verdeutlichen die Relevanz des Mediums bis in die zeitgenössische Kunst.

Der Erste Ausschnitt bildet den Auftakt der Sammlungspräsentation Meerwein im Arp Museum Bahnhof Rolandseck. Diese erste Ausstellung würdigt Gerhard Meerwein als Sammlerpersönlichkeit und hebt thematische Schwerpunkte der Sammlung hervor, die der Architekt, Innenarchitekt und emeritierte Professor für »Farbe im Raum« der Hochschule Mainz über fast vier Jahrzehnte zusammengetragenen hat. Anordnungen von Collagen, so wie er sie in seiner Wohnung in der Mainzer Altstadt gruppiert hatte, werden in der Ausstellung rekonstruiert, um dem Interesse des Sammlers nachzuspüren.

Prof. Gerhard Meerwein begründet seine Konzentration auf diese besondere künstlerische Technik: »In der Collage sind für mich sowohl die Aspekte des Skizzenhaften, Entwurfskonzeptuellen vertreten, als auch das ausformulierte, ausgereifte, kompositorisch abgeschlossene Werk. Häufig ist es auch das scheinbar spontane Arrangement, was noch die Frische des Experiments beinhaltet, welches aber »fertig« ist.«
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"Erdrandbewohner"
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    [content_de] => Auf den Siegeszug von Konsumgesellschaft und Populärkultur antwortet die Kunst in den 1950er-Jahren zunächst in Großbritannien, dann in den USA mit der Pop-Art. Nach der Vorherrschaft von Abstraktion und Informel öffnete die neue Kunstrichtung auch in Deutschland den Blick für neue Realitäten. In besonderer Weise hat sie das Verhältnis von Kunst und Massenmedien verändert und zur Demokratisierung beigetragen: »Kunst für Alle!« lautete ein Schlagwort dieser Jahre. Innovativ zeigt sich Pop-Art da, wo sie – wie in Grafiken oder Multiples – mit modernen Techniken und Materialien wie Schablonendruck, Collage, Spritztechnik oder auch Kunststoffen und Folien experimentiert. Die Ausstellung mit Werken aus der Kölner Sammlung Kraft und aus der Sammlung des Kunstmuseums fragt nach medialen Wechselwirkungen und ermöglicht somit auch den Blick zurück auf die Anfänge unserer heutigen Kultur der Massenkommunikation.[…]
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Faksimile einer von Sigmar Polke 1979 bearbeiteten Ausgabe des italienischen Kult-Comics „Diabolik“. Durch das Collagieren von Text- und Bildelementen wurde aus dem Comic ein typisch polke’sches Künstlerbuch. Der farbige Schutzumschlag dient nur als Verpackung und ist kein Entwurf von Polke.

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Eingeladen von Clegg & Guttmann entwickelten sie in sieben leerstehenden Ladenlokalen eine Fülle von Aktivitäten, unzensiert und ohne kuratorische Vorgaben.

Das Buch erzählt die Geschichte dieses seltsamen Wagnisses. Zwei Künstler öffnen ihre Kunst vorbehaltlos, ohne jeden Filter, den Hoffnungen, den Konflikten und den Eigenheiten einer sozialen Gemeinschaft. In Zeiten sozialer Medien und globaler Vernetzung beschwören sie fast trotzig die Bedeutung eines selbstentworfenen und ungeschönten Bildes unserer Gemeinschaft.

 

 

 
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Eingeladen von Clegg & Guttmann entwickelten sie in sieben leerstehenden Ladenlokalen eine Fülle von Aktivitäten, unzensiert und ohne kuratorische Vorgaben.

Das Buch erzählt die Geschichte dieses seltsamen Wagnisses. Zwei Künstler öffnen ihre Kunst vorbehaltlos, ohne jeden Filter, den Hoffnungen, den Konflikten und den Eigenheiten einer sozialen Gemeinschaft. In Zeiten sozialer Medien und globaler Vernetzung beschwören sie fast trotzig die Bedeutung eines selbstentworfenen und ungeschönten Bildes unserer Gemeinschaft.

 

 

 
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„Die in Kurt Pinkus’ Publikation MENSCHHEITS-DÄMMERUNG zusammengetragene Dichtung war für mich eine kraftvolle sprachliche Gegenwelt zu der als flau empfundenen Sprache der fünfziger Jahre. Sie enthielt überraschende, assoziationsreiche Sprachbilder und ihre Kraft prallte gegen die als müde und auch gesucht empfundenen Formen der damaligen Zeit. Es war auch ein Wiederanknüpfen an die Geschichte mit ihrem Mythos Expressionismus und ich konnte dessen Sprachradikalität mit der Gegenwart verbinden. Wie frisch wirkten etwa jakob von Hoddis’ „Weltende“ und August Stamms Sprachstakkato. Auch Kurt Schwitters hatte sich dem nicht entziehen können!“ (Franz Erhard Walther)

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Franz Erhard Walther: "For me, the poetry compiled in Kurt Pinthus’ publication TWILIGHT OF MANKIND was a powerful linguistic counter-world to what we felt was the weak language of the fifties. It contained surprising verbal imagery rich in associations, and its force collided with the forms of the time, which we felt were weary and so sought after. It was also a return to history with its myth of expressionism, the radicalism of which I could link to the present. How fresh Jakob von Hoddis’ ‘End of the World’ and August Stramm’s verbal staccato seemed. Even Kurt Schwitters would not have been able to evade this!"

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Fast vierzig Jahre sind vergangen, seit Gerhard Theewen das Salon Magazin mit originellen Beiträgen junger, einiger bekannter und einiger berühmter Künstler gründete. Zwischen 1977 und 1982 erschienen elf Hefte – sowie eine spezielle, retrospektive 12. Ausgabe 1992 und 2008 ein kompletter Neudruck (2 Bände im Schuber). Im März 2016 wurde das Salon Magazin wiederbelebt – und ist wieder offen für zeitgenössische Kunst. Alle Beiträge werden wieder in Form von Doppelseiten erstellt. Die Beiträge werden ausschließlich in schwarz-weiß gedruckt und alphabetisch nach Künstlernamen geordnet. Das Salon Magazin enthält wieder keine Essays und keine redaktionellen Artikel. Jedes Jahr erscheinen 3-4 Ausgaben. Alle Beiträge werden im Maßstab 1:1 speziell für das Magazin als digitalisierte Werke für ein analoges Medium erstellt! Dieses Magazin ist nicht hochglänzend und hochwertig, sondern ein wenig rau wie in den 70er Jahren. Salon war und ist ein Kunstmagazin nicht ON art sondern AS art! Heft Nr. 1 zeigt eine Sammlung von Originalbeiträgen von Walter Dahn, Piotr, Dluzniewski, Reinhard Doubrawa, Pierre Granoux, Tobias Hantmann, Mischa Kuball, Talisa Lallai, Marcus Neufanger, Chris Newman, Peter Piller, Volker Renner, Patrick Rieve, Karin Sander , Roland Schappert, Dana Sherwood, Marcel van Eeden und Ecki Vespa. Heft Nr. 2 zeigt eine Sammlung von Originalbeiträgen von Curtis Anderson, Gerd Bonfert, Natascha Borowsky, Julia Bünnagel, Peter Buggenhout, Amadeus Certa, Mark Dion, Horst Münch, Hartmut Neumann, Marcel Odenbach, Werner Reiterer und Nora Schattauer. Heft Nr. 3 zeigt eine Sammlung von Originalbeiträgen von Heiner Blumenthal, Franz Burkhardt, Thimo Franke, Manor Grunewald, Lenia Hauser, Lukas Heerich, Tess Hurrell, Johanna Jaeger, Andy Kassier, Michaela Melián, Klaus Rinke, Daniel Roth, Natascha Schmitten, Johannes Wohnseifer. 

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Nearly forty years have passed since Gerhard Theewen founded Salon Magazin with original contributions by young, some well-known and a few famous artists. Between 1977 and 1982, eleven issues were published – as well as a special, retrospective 12th issue in 1992 and in 2008 a complete reprint (2 volumes in a slipcase). In March 2016, Salon Magazin was revived – and is open again for contemporary art. All contributions will again take the form of double page spreads. The contributions will be printed in black-and-white only and arranged alphabetically by artist names. Salon Magazin again includes no essays and no editorial articles. Each year, 3–4 issues will be published. All contributions are created in 1:1 scale especially for the magazine as digitalized works for an analogue medium! This magazine is not glossy and high-end but a little rough as it was in the 70’s. Salon was and again is an artmagazine not ON art but AS art! Issue No.1 shows a collection of original contributions by Walter Dahn, Piotr, Dluzniewski, Reinhard Doubrawa, Pierre Granoux, Tobias Hantmann, Mischa Kuball, Talisa Lallai, Marcus Neufanger, Chris Newman, Peter Piller, Volker Renner, Patrick Rieve, Karin Sander, Roland Schappert, Dana Sherwood, Marcel van Eeden and Ecki Vespa. Issue No.2 shows a collection of original contributions by Curtis Anderson, Gerd Bonfert, Natascha Borowsky, Julia Bünnagel, Peter Buggenhout, Amadeus Certa, Mark Dion, Horst Münch, Hartmut Neumann, Marcel Odenbach, Werner Reiterer und Nora Schattauer. Issue No.3 shows a collection of original contributions by Heiner Blumenthal, Franz Burkhardt, Thimo Franke, Manor Grunewald, Lenia Hauser, Lukas Heerich, Tess Hurrell, Johanna Jaeger, Andy Kassier, Michaela Melián, Klaus Rinke, Daniel Roth, Natascha Schmitten, Johannes Wohnseifer.   

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Nearly forty years have passed since Gerhard Theewen founded Salon Magazin with original contributions by young, some well-known and a few famous artists. Between 1977 and 1982, eleven issues were published – as well as a special, retrospective 12th issue in 1992 and in 2008 a complete reprint (2 volumes in a slipcase). In March 2016, Salon Magazin was revived – and is open again for contemporary art. All contributions will again take the form of double page spreads. The contributions will be printed in black-and-white only and arranged alphabetically by artist names. Salon Magazin again includes no essays and no editorial articles. Each year, 3–4 issues will be published. All contributions are created in 1:1 scale especially for the magazine as digitalized works for an analogue medium! This magazine is not glossy and high-end but a little rough as it was in the 70’s. Salon was and again is an artmagazine not ON art but AS art! Issue No.1 shows a collection of original contributions by Walter Dahn, Piotr, Dluzniewski, Reinhard Doubrawa, Pierre Granoux, Tobias Hantmann, Mischa Kuball, Talisa Lallai, Marcus Neufanger, Chris Newman, Peter Piller, Volker Renner, Patrick Rieve, Karin Sander, Roland Schappert, Dana Sherwood, Marcel van Eeden and Ecki Vespa. Issue No.2 shows a collection of original contributions by Curtis Anderson, Gerd Bonfert, Natascha Borowsky, Julia Bünnagel, Peter Buggenhout, Amadeus Certa, Mark Dion, Horst Münch, Hartmut Neumann, Marcel Odenbach, Werner Reiterer und Nora Schattauer. Issue No.3 shows a collection of original contributions by Heiner Blumenthal, Franz Burkhardt, Thimo Franke, Manor Grunewald, Lenia Hauser, Lukas Heerich, Tess Hurrell, Johanna Jaeger, Andy Kassier, Michaela Melián, Klaus Rinke, Daniel Roth, Natascha Schmitten, Johannes Wohnseifer.   To be continued in 2017 (No. 4 April, No. 5 August, No. 6 December).…      

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Das vorliegende Buch erscheint als Band VII der 2009 begonnenen Ausstellungs- und Buchreihe »hier und dort«. Wie in den vorherigen Bänden auch, markiert das ›hier‹ die Ausstellungsgebäude der ›im Tal – Stiftung Wortelkamp‹. Das ›dort‹ bezeichnet erstmals nicht einen zweiten aktuellen Ort, sondern eine historische Ausstellung, nämlich die Einzelausstellung von Erwin Wortelkamp in der Kunsthalle Mannheim 1976. Auch die Konzeption des Bandes ist ein Novum innerhalb der Reihe, denn erstmals wird der vertikale Schnitt durch mehr als fünfzig Jahre künstlerischen Tuns nicht über ein Thema gesetzt, sondern anhand eines Sujets. 

Die Mannheimer Ausstellung trug den lapidaren Titel »Bäume und Blätter« und markiert im Rückblick zweifellos einen ersten Höhepunkt im Oeuvre des Künstlers. Der damals erschienene, längst vergriffene Katalog klärt bildlich wie textlich in beeindruckender Form das Verhältnis zwischen Wortelkamps ›Bäumen‹ und ›Blättern‹ und deren natürlichen ‚Vorbildern’. Konsequenterweise und nur dank der freundlichen Zustimmung von Ulrike Lorenz, der aktuellen Direktorin der Kunsthalle Mannheim, eröffnet das vorliegende Buch mit einem leicht überarbeiteten Reprint des Mannheimer Katalogs. In einem zweiten Teil zeigt das Buch eine fotografische Dokumentation der Mannheimer Ausstellung von 1976. Es folgen Dokumentationen der beiden aktuellen Ausstellungsinszenierungen in Hasselbach bzw. Weyerbusch, die den Titel »Blätter, Bäume – vielleicht« trugen. Ein aktueller Textbeitrag von Katja Behrens, der gerade im Verhältnis zu den beiden historischen Texten von Heinz Fuchs und Karlheinz Nowald erspüren lässt, wie sich nach vierzig Jahren Perspektiven auf Thema und Werke verschieben können, schließt den Band ab.

Die beiden Ausstellungen im Depsoitum und im Haus für die Kunst zeigten eindrücklich wie das Sujet Wortelkamp bis in die aktuellste Produktion hinein begleitet. Wieder einmal öffneten die Inszenierungen einen Einblick in die Konsistenz des Œuvres, das einen Künstler zeigt, der sich selbst, seiner künstlerischen Geste und Haltung jederzeit treu bleibt, ohne dabei Redundanzen zu produzieren.

So treffen in der aktuellen Ausstellung »Blätter, Bäume – vielleicht« wieder Werke aus mehr als vier Jahrzehnten Kunst-Machens aufeinander, die bei allen Differenzen in den Erscheinungsformen einen beeindruckenden inneren Zusammenhang vermitteln. In den Papierarbeiten wie den Holzskulpturen erweitert sich Wortelkamps Geste beispielsweise ins Spielerisch-Leichte, was sich in einen zugespitzten Dialog mit der Schwere der frühen Eisenarbeiten setzt. Das Existenzielle geht dabei aber keinesfalls verloren. Wortelkamps ›Blätter‹ und ›Bäume‹ sind und waren immer nur ›vielleicht‹ Blätter und Bäume. Sicher waren sie von Anfang an auch Synonyme für den menschlichen Körper. Sie stehen, liegen, lehnen oder hängen den Körpern der Betrachter gegenüber und entgegen. (JvdB)

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A collection of artist's original contributions made especially for Salon: Curtis Anderson, Gerd Bonfert, Natascha Borowsky, Julia Bünnagel, Peter Buggenhout, Amadeus Certa, Mark Dion, Horst Münch, Hartmut Neumann, Marcel Odenbach, Werner Reiterer, Nora Schattauer.

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Karin Sander: "Warum das Kinderbuch von Dieter Roth? Auf der Suche nach einem bestimmten Material, stieß ich auf die kleinen bunten Pompons und erinnerte mich an Bommelmützen und Murmelspiele, vor allem aber an ein Kinderbuch von Dieter Roth, das mich 2003 auf meiner ersten Reise nach Reykjavik begeistert hatte. Dieter Roth selbst meinte zwar: „Jedes Kind würde sich langweilen“. Für mich wäre es aber sicher mein Lieblingsbuch gewesen. Die Seiten sind mit roten, blauen und gelben Rechtecken und Kreisflächen bedruckt, geometrisch abstrakt wie bei einem Brettspiel.Edition zum Buch: Meine rot-weißen, blau-weißen und gelb-weißen Wollkugeln also, die ganz einfach auf das Blatt fallen und dort, wo sie hinfallen, mit Heftklammern befestigt werden, könnten für die Edition zur Neuauflage des Kinderbuches für den Salon-Verlag, so dachte ich, zum Buch eine Weiterführung ins Dreidimensionale sein. Das Ex libris im Buch: In dem neuen weißen Cover wird mit einem Locher ein kleines, kreisrundes Papierstück ausgestanzt, das irgendwo in das Innere des Buches fällt und dort auf der Umschlagrückseite fixiert und signiert als Ex libris seinen Platz findet. Wie durch einen Türspion kann man nun durch das kleine Loch schon in das Innere des noch geschlossenen Buches sehen. Die Farbe der dahinterliegenden Farbfläche dringt nach außen und so leuchtet das Loch durch das neue Cover hindurch rot, dreht man den Buchdeckel – weil spiralgebunden – nach hinten, erscheint es blau. Dazu kommt die Schrift für Titel, Name und Herausgeber, die sich aus weiteren 1540 sehr kleinen Löchern zusammensetzt und den neuen Umschlag für das Kinderbuch wie durchsichtig macht."
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 Im Dada-Jahr 2016 wird mit der Ausstellung »Andere Wirklichkeiten« Kunst in den Fokus gerückt, die jenseits der etablierten Strukturen des Kunstsystems entsteht. Denn es waren keine geringeren als die Dadaisten, die 1916 den traditionellen Kunstbegriff in Frage stellten und begannen, diesen zu »entgrenzen« und künstlerische Ausdrucksformen außerhalb des bisher Dagewesenen zuzulassen. Gezeigt werden Werke von 51 Künstlerinnen und Künstlern aus sechs Ateliers der Lebenshilfen in Rheinland-Pfalz und dem Kloster Ebernach in Cochem. Die Ausstellung greift das Interesse an der unverbildeten schöpferischen Kraft von Menschen mit geistigen oder psychischen Beeinträchtigungen auf, das bis in das frühe 20. Jahrhundert zurückgeht. In seinem wegweisenden Buch »Bildnereien der Geisteskranken« aus dem Jahr 1922 versammelte der Psychiater und Kunsthistoriker Hans Prinzhorn wahre »Wunderwelten« aus Farbe, Linie, Form und Schrift, die als Ausdruck der inneren Wirklichkeit seiner Patienten entstanden waren. Die Entdeckung der Psyche und des Unterbewussten hatte großen Einfluss auf Kunstströmungen wie den Dadaismus und den Surrealismus. In der bildnerischen Auseinandersetzung mit der eigenen inneren Verfasstheit steht nicht der Patient, sondern vielmehr der Künstler im Menschen im Vordergrund. Die Ausstellung widmet sich diesen Erlebniswelten in Malerei, Zeichnung und Skulptur und umspannt Themen wie beispielsweise Ich und die Anderen, Sexualität und die freie gestische Form.
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Vor mehr als dreißig Jahren nahm ich unweit meiner Berliner Hinterhofwohnung das Buch Cendrars Gedichte aus dem Regal meiner damaligen Lieblingsbuchhandlung Krakehler. Warum ich es getan habe, ist mir entfallen, doch ich sehe es noch vor mir, Bücherregal, Hand und Buch. Gerade ein paar Jahre war ich da aus einem niedersächsischen Dorf nach Berlin gezogen, war junger Kunststudent. Die große Stadt, eine Menge Wünsche, mächtige Gefühle und Träume.

Cendrars Reimworte des Hymnus Ostern in New York trafen mich mit voller Wucht.

Sein flehentliches Selbstzeugnis gesprochen mit den Reimen der Kindheit. Choräle von Bach und Händel klingen mit, schmerzliche Ferne der Erlösung. Weltgefühl und Alleinsein, so sehr empfänglich war ich dafür.

Cendrars hat den Zauber des Reims nach Ostern in New York verlassen. Auf einem zwei Meter langen Faltblatt schrieb er seine Prosa vom Transsibirischen Express. Karge Sprache Zeile um Zeile, brüchig wie monumental seine Worte.

Alle paar Jahre lese ich sein Ostern in New York. Es berührt mich immer noch. Manchmal kullern Tränen.

Im Februar 2016

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Gewaltmotiviken in der bildenden Kunst geht, dann vornehmlich
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Marcel van Eeden stellt für die 1. Ausgabe der neuen Künstlerbücher-Reihe “carte blanche” 6 unveröffentlichte Zeichnungsserien unter dem Titel “Short Stories” zusammen. Wie immer in seinem Werk geht es um die Themen Spionage, bildende Kunst, Auftragsmord und die Zeit vor der Geburt des Künstlers die er zu den verwirrenden und unheimlichen “Erzählungen” ausarbeitet, für die er bekannt ist.

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Marcel van Eeden has put together 6 unpublished series of drawings for this 1st issue of artist’s-book-series “carte blanche” as “Short Stories”. As allways he focuses on the time befor his own birth and themes as murder, espionage, fine art and collecting which he elaborates to the bewildering and uncanny “stories” for which he is known.  

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Salon No. 4 contains a collection of original contributions by FORT, Stephen Gill, Robert Haiss, Ilana Halperin, Diango Hernández, Sofia Hultén, Bartek Juretko, Alwin Lay, Jochen Lempert, Christine Moldrickx, Kai Richter, Erik Steinbrecher.

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Bei der Aufnahme einer der Fotosequenzen, Was kaufen wir: ein Boot, ein Zelt? begleitete  ich meinen Vater. Es handelte sich sich um den Eingang zur U-Bahnstation Neumarkt, von der Dachterrasse des damaligen Kaufhaus Hertie aus gesehen. Mein Vater und ich waren damals auf der Suche nach einem Geschenk zu meinem Geburtstag und ich konnte mich nicht so recht entscheiden, ob ich mir ein Boot oder ein Zelt aussuchen sollte. Nach einigem Hin-und Her habe ich mich für das Zelt entschieden und nachdem Generationen von Pfadfindern, Schulfreunden und Freundinnen darin geschlafen haben, besitze ich es immer noch. Das Zelt ist hoffnungslos veraltet und das gelborangene Tuch ist löchrig, mehrfach geflickt und regendurchlässig, die dicken Zeltstangen aus unverwüstbarem Aluminium; viel zu schwer, aber wir bauen es immer noch auf und mittlerweile schlafen meine Kinder und deren Freundinnen und Freunde darin.

Ein Boot habe ich mir inzwischen selbst gekauft, es stammt aus der gleichen Zeit und seine Farbe erinnert mich sehr an das 70er Jahre Orange dieses Zeltes, das seinerzeit auf der Dachterrasse der Campingabteilung von Hertie aufgebaut war. (Boris Becker, 21.3.2017)
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Parole #3: The Writing Hand / Handschrift ist die dritte Ausgabe der Schriftenreihe Parole, die sich mit der Materialität und Körperlichkeit von Sprache beschäftigt. In dieser Ausgabe geht es um den körperlichen Akt des Schreibens, um die Bewegung von Schrift, das Schreiben mit der Hand, der Pfote, der Feder, dem Blatt, um die Visualisierung von Gedanken durch Schrift, die Beziehung von Schreiben und Erinnern, um die Schrift als Spur, als Berührung, als Einritzen, als Verletzung, um das Schreiben mit Tinte, mit Wasser, mit Blut und nicht zuletzt das Überschreiben und Unlesbarmachen von Schrift. Der Band ist eine Sammlung von 18 Arbeiten und Texten internationaler Künstler und Wissenschaftler, die verschiedene Facetten dieses Themas untersuchen. Mit Beiträgen von Oswald Egger, Theresa Georgen, Philip Guston, Helmut Pfotenhauer, Dirk Hartwig, Maria M Schwaegermann, Kasper Andreasen, Sandra Vásquez De La Horra, Paz Guevara, Gisela Steinlechner, Manfred Sommer, Annette le Fort, Pierre Jaquet-Droz, Stelarc, Jane Goodall, Marcus Coelen, Ricarda Denzer, Ines Lindner, Walter Pamminger, Marcel Broodthaers und Mark Schreiber.

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Werner Klotz' »Wahrnehmungsinstrument« Father's window im Festsaal des Bahnhofs Rolandseck eröffnet den Besuchern bereits seit 2004 einen ganz besonderen Blick auf die gegenüberliegende Rheinseite. An dieses komplexe Spiel mit überraschenden wie irritierenden Seherfahrungen anknüpfend, inszeniert Klotz nun in der Ausstellungsetage des Bahnhofs Rolandseck mit seinen rotierenden Spiegeln und »Wahrnehmungs-instrumenten« einen interaktiven Erlebniskosmos.

Auf der Schnittstelle von Außen- und Innenraum lässt er die Umgebung – den Rhein sowie den Zug- und Schiffsverkehr – durch Einspiegelungen Teil seiner installativen Arbeit werden. Die Besucher lösen mit den eigenen Bewegungen das Rotieren der Spiegel aus und beleben damit immer wieder aufs Neue die Szenerie der Spiegelbilder.

Diesen mechanischen wie physikalischen Prozessen stellt Werner Klotz u.a. seine »Wasser- und Lichtfotografien« zur Seite, bei denen er Fotografien formen- und farbenprächtiger Steine unter der Wasseroberfläche eines kanadischen Bergflusses in den Fokus rückt. Minutiös erarbeitet er die sich stetig verändernde Wechselbeziehung zwischen dem Fließen des Wassers und den damit einhergehenden Reflexionen, zu den unterschiedlichsten Tages- und Jahreszeiten.

Mit diesen poetisch-spirituellen Bildwelten fordert Werner Klotz unser Wahrnehmungsvermögen ein weiteres Mal heraus und setzt die schier unerschöpfliche Welt der Seherfahrungen, die die Ausstellung bestimmen, damit weiter fort.

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    [content_de] => Die hier versammelten Essays geben einen Teil der von Andreas Kreul in den letzten Jahren veröffentlichten und unveröffentlichten Beitrage zur Kunst wieder. Der Band faits divers ist der Nachfolger des 2004 im Salon Verlag erschienen Buches air flow. Die Aufsätze eröffnen auf höchst unterschiedliche Weise Einsichten und Analysen zur Kunst vom Barock bis zur heutigen Zeit. Sie reichen von einem Bildessay zu Johann Bernhard Fischer Erlach, über Werkanalysen (Wolf Vostell, Wolfgang Hainke, Horst Müller, Jörg Sasse, Georg Parthen), Untersuchungen zu verschiedenen Filmen (Alfred Hitchcock, Ridley Scott, Bjørn Melhus, Sidney Lanfield) bis hin zur erstmaligen und umfassenden Darstellung des Songs Boulevard of Broken Dreams aus dem Film Moulin Rouge (1934) oder der Betrachtung von Familienfotografien in amerikanischen Filmen.
Andreas Kreul (*1961) war von 1989 bis 2012 Kustos der Kunsthalle Bremen und ist heute Direktor der Sammlung der Karin und Uwe Hollweg Stiftung in Bremen und Honorarprofessor für Kunstgeschichte an der Universität Bremen. Er hat zahlreiche Bücher, Beiträge und Ausstellungen zum Barock, zu japanischen Farbholzschnitten, zur klassischen Moderne und zeitgenössischen Kunst vorgelegt, unter anderem zu John Cage, Lovis Corinth, Johann Bernhard Fischer von Erlach, Joseph Emanuel Fischer von Erlach, Luca Giordano, Morris Graves, Wolfgang Hainke, Richard Hamilton, Martin Honert, Ilya Kabakov, William Kentridge, Max Liebermann, André Masson, Gordon Matta-Clark, Bjørn Melhus, Horst Müller, Richard Oelze, Nam June Paik, Georg Parthen, Rainer Maria Rilke, Jörg Sasse, Erik Satie, Mark Tobey, Günther Uecker, Karl Valentin, Bill Viola, Wolf Vostell, Emmett Williams und Wols.
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Peter Piller hat für seine Ex Libris-Ausgabe den Vortrag von Gottfried Benn aus dem Jahre 1954 ausgewählt und schreibt dazu: "Als Schüler hätte ich 'Altern als Problem für Künstler' wahrscheinlich nicht gelesen. Dazu musste ich schon der Zielgruppe etwas entgegenaltern. Mit Überraschung entdecke ich einen anderen im vertrauten Benn. Einen, der Sätze schreibt, die man nicht mehr vergessen möchte, wie: 'Sich irren und doch seinem Inneren weiter Glauben schenken müssen, das ist der Mensch und jenseits von Sieg und Niederlage beginnt sein Ruhm." Und daneben einen unbekannten, den mit Humor, der nicht für sich schreibt, sondern sich vortragend an den Zuhörer wendet.'"

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    [content_de] => In der von Gerhard Theewen im Kölner Salon Verlag herausgegebenen Künstlerbuchreihe "EDITION EX LIBRIS" erscheint eine neue Edition mit dem Bremer Maler Norbert Schwontkowski (1949 – 2013).

Es handelt sich um ein Reprint des Buches "Der Kapitän" des italienischen Autors Roberto Bazlen, das Norbert Schwontkowski als ein für ihn und seine Arbeit bedeutendes Buch ausgewählt hat. Aus diesem Anlaß hat er einen neuen Umschlag für das Buch und ein Ex Libris gestaltet.
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    [content_de] => Der schwedische Maler, Zeichner und Plastiker Jockum Nordström hat für die Edition Ex Libris als sein „favourite book“ die schwedische Ausgabe des 1959 in Prag erschienenen Buches „Kinderzeichnungen und Gedichte aus Teresienstadt 1942-1949“ ausgewählt. Dieses erschütternde Zeugnis des Schicksals unzähliger von den Nazis ermordeter Kinder aus dem Ghetto Threseienstadt wurde in viele Sprachen übersetzt. Unserem Reprint liegt die schwedische Ausgabe zugrunde. Die englische Übersetzung ist als Heft beigefügt.
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(Marcel van Eeden)
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Für die Edition Ex Libris hat der New Yorker Konzeptkünstler Lawrence Weiner drei seiner eigenen frühesten Künstlerbücher ausgewählt und diese als neues Künstlerbuch unter dem Titel BREMERHAVEN" zusammengefasst: "Within Forward Motion"/"Innerhalb vorwärtsgerichteter Bewegung"(1973), "Towards A Reasonable End"/ "Auf ein vernünftiges Ende zu" (1975), "With A Touch Of Pink"/"Mit einem Hauch von Rosa"(1978). Die ursprünglich jeweils englisch/deutsch publizierten Künstlerbücher erscheinen jetzt als ein Buch jeweils englisch und deutsch in chronologischer Abfolge und getrennt durch die ursprünglichen Umschläge der Weiner- Künstlerbücher. Der von Weiner neu gestaltete Umschlag fasst diese drei äußerst gesuchten Bücher zu einem neuen Künstlerbuch zusammen und setzt es durch den Titel "BREMERHAVEN" in Bezug zum Entstehungsort in den 70er Jahren. (Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven).

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„An meine frühste Kindheit habe ich kaum Erinnerungen. Da gibt es ein paar Zeichnungen und Kinderbücher. Mein erster Brockhaus ist eines der wenigen Bücher, das mir in Erinnerung geblieben ist. Mein EX LIBRIS ist mein unmöglicher Versuch, sich an die eigene Kindheit zu erinnern.“ (Gregor Schneider)

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    [content_de] => Die in Rumänien aufgewachsenen Zwillingsbrüder Gert & Uwe Tobias haben für die Edition Ex Libris das von Herta Wilk zusammengetragene und in einer Mappe zusammengefasste Werk "Siebenbürgisch- sächsische Leinenstickereien aus Tartlau" (1975) ausgewählt. Durch die typografische (außen) und zeichnerische Gestaltung (innen) der Mappe, sowie durch den Eindruck eines Details einer Schreibmaschinen-Korrekturband-Zeichnung als "Ex Libris", wird dieses Reprint zum Künstlerbuch und hilft gleichzeitig, das auf Holzschnittmodule aufbauende Werk der Brüder vor dem Hintergrund der Rasterfunktion der Leinenstick-Mustertafeln in einem neuen Licht zu sehen.
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Peter Buggenhout: „With the rise of Romanticism in the early 19th century, people became aware of the fact that it was almost impossible to truly understand the complex world in which they were living. The unique and individualistic world view (both on a sensory and a cognitive level) that was so typical for this era seemed to be the only way to deal with this complexity. Not much has changed since then. In a way, the Romantic era has not yet come to an end; we are still struggling with a sense of powerlessness and the incapability of profoundly understanding our surroundings. More than 100 years after Melville's ‚Moby Dick’, the French author Georges Perec wrote the astonishing novel ‚La vie: mode d’emploi’. In timing and approach, these two novels could not be more different - whereby the contents reveal a remarkable resemblance. Melville, writing at the beginning of a new era, begins with a whale and ends up in an impressive analysis of life, death, infinity and the unaccountable nature of what surrounds us. Perec derives his views on topics such as infinity, death and the incapability to understand life's complexities from an endless summary of details from everyday life. Regardless of the differences in approach, the contents of both novels are highly analogous and I personally feel a strong affinity between these themes and the essence of my own work.“ (20.2.2014)

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„The Observer’s Book of Pond Life“ von John Clegg ist ein Buch, das ich als Kind in einer öffentlichen Bibliothek in Patchway, Bristol, um 1979 entdeckte. Ich habe es über lange Zeiträume hinweg immer wieder ausgeliehen. Die Bilder suggerierten eine für meine Umgebung unsichtbare eine Parallelwelt. Bilder von Wasserkäfern, Wassermilben und Libellen schlugen einen Akkord an mit den graphischeren Zeichnungen von Diatomeen und anderen einzelligen Tieren, die abstrakter aussahen. Es war ein erstaunliches Buch für mich und machte mich neugierig, ob mein kleiner Gartenteich auch solche Leben enthielt. Dies führte zu einer neuen Besessenheit, Stunden damit zu verbringen, in Mikroskope zu starren, während ich den 7″ Schallplatten meiner Eltern lauschte. Als Kind die Weite in einem einzigen Tropfen Wasser zu erforschen, war wie in den Weltraum zu reisen. Die gedruckten Maßangaben in Zoll und Zentimetern auf dem hinteren Buchdeckel sind mir über all die Jahre in Erinnerung geblieben. “ (Stephen Gill)

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Salon = Ein Kunstmagazin ALS Kunst und nicht ÜBER Kunst.

Salon No. 6 enthält eine Sammlung von Originalbeiträgen von Felix Adam, Martin Assig, Johannes Brus, Marcel Dzama, Sveinn Fannar Jóhannsson, Sharon Kivland, Jürgen Klauke, Maik & Dirk Löbbert, Imke Lohmann, Steffen Missmahl, Ulrike Möschel, Ulrich Moskopp, Ulrich Pester, Eva-Maria Schön.

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Salon No. 6 shows a collection of original contributions by Felix Adam, Martin Assig, Johannes Brus, Marcel Dzama, Sveinn Fannar Jóhannsson, Sharon Kivland, Jürgen Klauke, Maik & Dirk Löbbert, Imke Lohmann, Steffen Missmahl, Ulrike Möschel, Ulrich Moskopp, Ulrich Pester, Eva-Maria Schön

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Vor zwei Jahren wurde dem Arp Museum Bahnhof Rolandseck die umfangreiche Schenkung des Mainzer Sammlers Gerhard Meerwein von nahezu 400 Collagen übergeben. Die Sammlungspräsentation Erster Ausschnitt bot hierzu einen Überblick, konzentrierte sich auf die Persönlichkeit des Sammlers und bildete thematische Schwerpunkte der Sammlung ab. Diese hatte der Architekt, Innenarchitekt und emeritierte Professor für »Farbe im Raum« der Hochschule Mainz über fast vier Jahrzehnte zusammengetragen.

Der Zweite Ausschnitt lenkt nun den Blick auf die Beziehung Gerhard Meerweins zu einzelnen Künstlerinnen und Künstlern und hebt damit Positionen aus der räumlichen und persönlichen Nähe des Sammlers hervor. Dabei spielt die enge Verbundenheit zu Rheinland-Pfalz eine bedeutende Rolle – im Besonderen der über Jahre fortwährende, intensive Austausch mit den befreundeten Künstlerinnen und Künstlern.

»Aus direkten Käufen entstanden verschiedentlich Freundschaften und intensive Bekanntschaften. In solchen Fällen ergab sich auch, dass über Jahre immer wieder Arbeiten aus aktuellen Werkgruppen erworben wurden, sodass verschiedene Ausdrucksformen aus einem Werk vertreten sind.« Gerhard Meerwein

Diese Beziehung zwischen Künstler und Sammler sowie den Umgang mit dem Medium Collage spiegeln die zeitgenössischen Positionen von Gloria Brand (*1943), Sara Focke-Levin (*1963), Jürgen Möbius (*1939), Jürgen O. Olbrich (*1955) und Paul Stein (1949-2004) auf unterschiedliche Weise. Den ausgewählten Positionen aus der Sammlung werden gewidmete Einladungskarten, Mail Art und private Korrespondenz sowie begleitende Kataloge und Buchobjekte zur Seite gestellt. Diese stammen aus der parallel zur Sammlung gewachsenen und ebenfalls dem Museum gestifteten Bibliothek Meerwein. Sie vermitteln einen tiefergehenden Einblick in das Œuvre der beteiligten Künstlerinnen und Künstler.
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Jochen Lemperts Fotografien setzen sich mit unseren Sehgewohnheiten und dem “Erkennen” auseinander. Nicht alles, was wir auf den ersten Blick zu verstehen meinen und nicht alles, was uns natürlich erscheint, stimmt so. Insofern ist seine Adaption von Rousseaus “Botanischen Lehrbriefen” für die Edition Ex Libris ein spannendes Beispiel für “Mimikry”.

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Jochen Lempert's photographs deal with our viewing habits and "cognition". Not everything that we at first glance think to understand and not everything that seems natural to us is correct. In this respect, his adaptation of Rousseau's "Botanical Lehrbriefen" for Edition Ex Libris is an exciting example of "mimicry".

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„The Observer’s Book of Pond Life“ von John Clegg ist ein Buch, das ich als Kind in einer öffentlichen Bibliothek in Patchway, Bristol, um 1979 entdeckte. Ich habe es über lange Zeiträume hinweg immer wieder ausgeliehen. Die Bilder suggerierten eine für meine Umgebung unsichtbare eine Parallelwelt. Bilder von Wasserkäfern, Wassermilben und Libellen schlugen einen Akkord an mit den graphischeren Zeichnungen von Diatomeen und anderen einzelligen Tieren, die abstrakter aussahen. Es war ein erstaunliches Buch für mich und machte mich neugierig, ob mein kleiner Gartenteich auch solche Leben enthielt. Dies führte zu einer neuen Besessenheit, Stunden damit zu verbringen, in Mikroskope zu starren, während ich den 7″ Schallplatten meiner Eltern lauschte. Als Kind die Weite in einem einzigen Tropfen Wasser zu erforschen, war wie in den Weltraum zu reisen. Die gedruckten Maßangaben in Zoll und Zentimetern auf dem hinteren Buchdeckel sind mir über all die Jahre in Erinnerung geblieben. “ (Stephen Gill)

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Stephen Gill belongs to the most interesting British artists of a younger generation working with photography. For many years he lived in Hackney, North/East London, a borrough which in its diversity of urban and cultural aspects became a source of artistic inspiration for him and his works ranging from a documentary to an experimental language. It’s the first publication on Stephen Gill presenting selected series extracts published on the occasion of the first larger German survey exhibition of the artist at Museum für Photographie in Braunschweig.

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    [content_de] => Nora Schattauer deals with painting on paper and makes pictures that represent nothing but themselves and raise questions due to the unusual procedure.
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These are chemical reactions within the paper fibers that, alternating with artistic settlements, create a front and back image body: the image does not manifest itself but in the sheet. The colored picture drawings follow indirect methodologies, which make a research in the picture vivid. The plot remains contained in its presence, the slow genesis of the image process is based on an innovative technique with mineral salts, which deals with questions of development, delimitation and interaction.
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Stipendiatinnen und Stipendiaten des Künstlerhauses Schloss Balmoral und des Landes Rheinland-Pfalz arbeiteten 2017/18 an ihren Projekten in Deutschland sowie in Seoul, Paris und New York und stellen nun die in dieser Zeit entstandenen Arbeiten aus. In ihren Werken befragen sie globalisierte Gegenwart und technologisierte Zukunft, arbeiten mit alten und modernen Mythen, mit der Geschichte der Ideen und Formen, gehen auf politische Themen ein und machen zwischenmenschliche Kommunikation sichtbar. Darüber hinaus stand dieses Jahr die künstlerische Keramik im Fokus der ufenthaltsstipendien im Künstlerhaus Schloss Balmoral. In diesem Material tritt der titel-gebende Dreiklang mit besonderer Deutlichkeit hervor: der Ton ist ein sehr zeitintensives wie risikoreiches künstlerisches Material. Er muss mehrere langwierige Produktionsstufen – Modellieren, Trocknen, Brennen, Glasieren – durchlaufen, die jede für sich mit der Zerstörung drohen, bis es zu einem fertigen Objekt kommt, das für immer erhalten bleiben kann. Keramik ist reich an Ausdrucksformen – sie variiert in Haptik, Farbigkeit und Stil enorm, kann andere Materialien imitieren oder eine ganz eigene Ästhetik entwickeln. Die acht tipendiatinnen und Stipendiaten experimentierten mit diesem Medium drei bis neun Monate lang, sowohl im Künstlerhaus selbst, als auch in den Partnerinstitutionen Ebinger-Schnaß Keramik in Bad Ems und im Institut für Künstlerische Keramik und Glas (IKKG) in Höhr-Grenzhausen. Um diese wichtigen Verbindungen sichtbar zu machen, wurden die Partner als Gäste in die Ausstellung mit eigenen Beiträgen eingeladen. Die Ausstellung wird kuratiert von der Kuratoren-stipendiatin Olga Vostretsova. Aspekte der Zeit, des Risikos und der Dauerhaftigkeit stehen im Fokus der Ausstellung und kommen hier auf mehreren Ebenen zusammen: auf der Ebene der Produktion und des Materials, auf thematischer Ebene, als Arbeitsmethoden und schließlich auch auf Ebene der Rezeption. Eine besondere Brisanz bekommen diese drei Aspekte, wenn es sich um Arbeiten handelt, die frisch aus den Kunstateliers in die Öffent-lichkeit wandern, keine lange Ausstellungsgeschichte hinter sich haben und noch viele Szenarien ihres Fortbestehens in sich bergen.

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Andere Werkgruppen beschäftigen sich mit stehenden oder sitzenden, selten liegenden Figuren. Eine kleine Gruppe von Halbfiguren mit weit ausladenden Schultern wird von Hede Bühl als »Wächter« betitelt. Weniger bekannt als die Skulpturen sind die – oft großformatigen – Zeichnungen der Künstlerin, mit denen sie ihre skulpturalen Themen vorbereitet, variiert oder unabhängig von einer drei­dimensionalen Realisation frei gestaltet.

Die Künstlerin, die von 1958 bis 1963 bei Sepp Mages und Joseph Beuys an der Kunst­akademie Düsseldorf studierte, ist für ihr über Jahrzehnte konsequent entwickeltes Werk mit vielen Preisen geehrt worden, zuletzt 2007 mit dem Käthe-Kollwitz-Preis der Akademie der Künste in Berlin. Zahlreiche Ihrer Skulpturen befinden sich in privaten und öffentlichen Sammlungen. (Hartmut Kraft)
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Chris Newman has dared to make an experiment for CARTE BLANCHE and painted pictures with acrylic on paper with the brush. Both the process of painting on paper, rather than canvas, and the tiny format of Newman's, have created "paintings" that are both intimate and monumental.

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(Endlich lieferbar!) Nora Schattauer legt seit vielen Jahren Hefte an, in denen sie die Entwicklung von Arbeitsabläufen untersucht. Für die CARTE BLANCHE hat sie mit Faserstiften in ein Heft hineingearbeitet. Die Farblösungen dringen in das Papier ein und zeigen beim Umblättern ein spiegelbildliches "Nachbild" der vorherigen Seite.

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(Now available!) For many years Nora Schattauer has been creating booklets investigating the development of work processes. For CARTE BLANCHE she has worked with fiber pens into a booklet. The color solutions penetrate the paper and show a mirror image of the previous page when turning over.

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(Endlich lieferbar!) "The Observer’s Book of Pond Life" von John Clegg ist ein Buch, das ich als Kind in einer öffentlichen Bibliothek in Patchway, Bristol, um 1979 entdeckte. Ich habe es über lange Zeiträume hinweg immer wieder ausgeliehen. Die Bilder suggerierten eine für meine Umgebung unsichtbare eine Parallelwelt. Bilder von Wasserkäfern, Wassermilben und Libellen schlugen einen Akkord an mit den graphischeren Zeichnungen von Diatomeen und anderen einzelligen Tieren, die abstrakter aussahen. Es war ein erstaunliches Buch für mich und machte mich neugierig, ob mein kleiner Gartenteich auch solche Leben enthielt. Dies führte zu einer neuen Besessenheit, Stunden damit zu verbringen, in Mikroskope zu starren, während ich den 7" Schallplatten meiner Eltern lauschte. Als Kind die Weite in einem einzigen Tropfen Wasser zu erforschen, war wie in den Weltraum zu reisen. Die gedruckten Maßangaben in Zoll und Zentimetern auf dem hinteren Buchdeckel sind mir über all die Jahre in Erinnerung geblieben. " (Stephen Gill)

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(Available!) The “Observer’s Book of Pond Life” by John Clegg was a book I discovered as a child in a public library in Patchway, Bristol, around 1979. I kept borrowing and renewing it over long periods of time. The images it contained suggested a parallel world invisible to the one that surrounded me. Pictures of water beetles, water mites, and dragonflies struck a chord along with the more graphic images of diatoms and other single celled animals more abstract in appearance. It was an astonishing book for me and made me curious to know if my small garden pond was also teaming with such life. This led to a new obsession of spending hours peering into microscopes often whilst listening to my parent’s 7” records. As a kid exploring the vastness within a single drop of water was like travelling into space. The printed measuring rule in inches and centimetres on the back book cover has remained in my mind all these years later.” (Stephen Gill)

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Die Idee zu einem Re_Print von ‚die Photographie des Unsichtbaren‘ Band 31/32 aus der Schriftenreihe ‚okkulte Welt‘ (mit so sich selbst beschrei-benden Titeln wie ‚Fernfühlen und Fernwirken‘ (Bd. 8), sowie ‚der Seelenspiegel‘ Bd. 35) wurde angeregt durch die kritischen Beobachtungen von Galileo im Kontext seiner Sonnenscheiben von um 1617 und durch die aktuellen Fragestellungen an ein Ab_BILD.
Die Rolle der Fotografie zu Beginn des 20. Jahrhunderts war unbeabsichtigt künstlerisch – konzeptualisiert durch Okkultismus und Symbolismus – so schrieb man der Rolle des Apparatus ‚Kamera‘ (vergl auch Roland Barthes: Helle Kammer, La chambre claire, Paris 1980) auch die Bedeutung und Fähigkeit zu – das Metaphysische, das für das menschliche Auge nicht abbildbare, zeigen zu können.
Eine Art Vertrauen in einen alchemistischen Prozess, der sich Teillogiken zu entziehen vermag und eine eigene Wesenhaftigkeit erschafft. So ist es konkret in dem RE_Printband ‚die Photographie des Unsichtbaren‘ die Vorstellung, dass zwei Menschen zur selben Zeit, an die ein und dieselbe Person denken – und sie sich durch die Mittel der Fotografie verstetigen lässt. Diese Gedanken fallen nicht zufällig in die Zeit der Sinnsuche – zw zerfallenden Kaiserreichen und ausgerufenen Republiken, und zwischen den Kriegen – die die Seelen traumatisieren und die Bedeutung der psychologischen Annäherung wachsen lassen – eine Zeit nicht unähnlich der Heutigen.
(Mischa Kuball, 11.2.2019)

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The idea for a re_print of The Photography of the Invisible – vol. 31/32 in the series Occult World, with such self-descriptive titles such as Remote Sensing and Remote Effecting (vol. 8) and Mirror of the Soul (vol. 35) – was inspired by the critical observations of Galileo in the context of his solar disks from around 1617, as well as by contemporary debates regarding the concept of the simulacrum.
The role of photography at the beginning of the twentieth century was unintentionally artistic – conceptualized by occultism and symbolism – and the role of the apparatus ‘camera’ (see also Roland Barthes: Die helle Kammer / La chambre claire, Paris 1980) was thus also attributed the meaning and ability to depict the metaphysical, that which was not visible to the human eye.
A sense of trust, so to speak, in an alchemical process which is capable of eluding partial logic and which creates its own essentiality. In the re_printed volume The Photography of the Invisible, it is the concrete idea that two people simultaneously think of one and the same person and can be made permanent through the means of photography.
It is no coincidence that these thoughts emerge in an era marked by a search for meaning – between tumbling empires and proclaimed republics, as well as between the wars – which traumatize souls and increase the importance of psychological convergence: an era not unlike our own.
(Mischa Kuball, 11.2.2019)

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Salon No.10 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: Jonathan Bragdon, Jochen Gerz, Pierre Granoux, Almut Hilf, Regine Kolle, Maurizio Nannucci, Hartmut Neumann, Maximilian Rossner, Sophie Ullrich, Marcel van Eeden.

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Salon No.10 has pictoral essays by the following artists made especially for the magazine:Jonathan Bragdon, Jochen Gerz, Pierre Granoux, Almut Hilf, Regine Kolle, Maurizio Nannucci, Hartmut Neumann, Maximilian Rossner, Sophie Ullrich, Marcel van Eeden.

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Stipendiatinnen und Stipendiaten 2018/19 des Künstlerhauses Schloss Balmoral Wir leben in einer Zeit, in der von großen Begriffen wie »gesellschaftlicher Umbruch«, »technologischer Fortschritt« und »ökologischer Wandel« die Rede ist. Wie steht es also um die Zukunft unseres Planeten? Wie steht es um die Zukunft der Menschheit? Die Stipendiatinnen und Stipendiaten des Künstlerhauses Schloss Balmoral setzten sich 2018 mit dem Thema »Gestaltung der Zukunft. Wie wollen wir leben, lieben und arbeiten?« auseinander. Auch die künstlerischen Positionen der Stipendiatinnen und Stipendiaten des Landes Rheinland-Pfalz, die in ihrer Themenwahl frei waren, beschäftigten sich mit relevanten Fragen unserer Zeit. Ausgehend davon, was jetzt (noch nicht) ist, entspringen unsere Träume, Ideen, Fantasien, Wünsche, Bedürfnisse genauso wie unsere Ängste, Aversionen und Zweifel. Die Ausstellung versteht Zukunft als etwas, das durch die tägliche Lebenspraxis hervorgebracht wird, durch unseren Blick auf die Wirklichkeit, unser Handeln und unsere Emotionen. Ausgangspunkt vieler künstlerischer Positionen ist die Überlegung, wann Zukunft eigentlich anfängt. Verbunden mit der relativ überschaubaren Dauer der eigenen Lebensspanne rückt die Beschäftigung mit den Möglichkeiten individueller Lebensgestaltung im Hier und Jetzt in den Vordergrund. Andere Künstlerinnen und Künstler betrachten die Zukunft als etwas, das weit über uns hinausgeht und daher eine globalere Betrachtungsweise erfordert. Die präsentierten Werke beruhen auf persönlichen Erfahrungen, fundierten Recherchen sowie auf der Auseinandersetzung mit verschiedenen gesellschaftlichen Debatten. In den Medien Malerei, Skulptur, Performance, Video, Fotografie, Zeichnung und Installation beleuchten die Kunstschaffenden eine Vielzahl von Themen: mögliche Formen des Zusammenlebens, das Verhältnis zwischen Mensch und Maschine, der Umgang mit Krankheit und Tod, Mobilität, die Erschließung neuer (Lebens-)Räume, das Verhältnis zwischen Individuum und Gesellschaft. Die künstlerischen Ergebnisse münden in die grundlegende Frage, wie der umfassende Wandel unserer Epoche das gegenwärtige und zukünftige Menschensein prägt und transformiert. Kuratorin der Ausstellung ist Lotte Dinse, wissenschaftliche Mitarbeiterin, Künstlerhaus Schloss Balmoral. Ausstellende Künstlerinnen und Künstler: Laura Eckert, Florian Graf, Andrea Éva Győri, René Hüls, Ruth Hutter, Soyoung Kim, Rieke Köster, Björn Kühn, Gregory Olympio, Nelmarie du Preez, Max Ruf, Lisa Marie Schmitt, The liveloveworkCollection, Konstantin Voit, Till Wyler von Ballmoos

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Sanierung und Weiterentwicklung des Wohn- und Atelierhauses von Ada und Emil Nolde.

Die klare denkmalpflegerische Haltung äußert sich im Fokus auf Intimität und Weite – mit der Intention, die Atelier- und Wohnatmosphäre zu Lebzeiten von Ada und Emil Nolde wieder erlebbar zu machen. Soweit es in Bezug auf die Nutzung als Ausstellungsgebäude möglich ist, wird der bauzeitliche Zustand wieder hergestellt (Leitschicht 1937).

Das Gebäudevolumen wird wieder auf seine ursprünglichen Proportionen zurückgeführt. Die Silhouette der Zisterne und der beiden Schornsteine werden rekonstruiert. Noldes Farbgestaltungskonzept für den Wohntrakt wird gemäß der Erstfassung rekonstruiert und macht wie die funktionale Geometrie der Wohnräume Noldes Anlehnung an die Architektursprache des „Neuen Bauens“ deutlich. Die Treppe im Zwischentrakt wird zurückgebaut und die historische Verbindungstreppe zwischen den Wohngeschossen in der Diele wird in zeitgemäßer Gestaltung wieder eingefügt. Die räumlichen Proportionen und Lichtverhältnisse in Emil Noldes Atelier werden wieder hergestellt, indem der Boden auf die originale Höhe angehoben wird und die Fensteröffnungen wieder eingesetzt werden. Durch die Öffnung in eine zeitgemäße Raumsequenz und die Formulierung einer neuen subtilen Schicht in reduzierter Formensprache wird das Wohn- und Atelierhaus subtil und zugleich kraftvoll transformiert.

Zentraler Ansatz der Sanierung und Weiterentwicklung durch Kirsch Bremer ist es, die Aufarbeitung der nationalsozialistisch geprägten Vergangenheit Noldes durch die Stiftung in den vergangenen Jahren, die offene Kommunikation in das Konzept für die Neufassung des Hauses zu übertragen und weiterzuführen: die Räume werden geöffnet, der Blick wird freigestellt, bisher verdeckte Bezüge werden transparent und offengelegt, eine neue Schicht wird etabliert. Das Noldesche Wohn- und Atelierhaus bleibt atmosphärisch authentisch und wird gleichzeitig zu einem Museum der Zukunft transformiert.

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Salon No.18 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: Martin Assig, Stephan Baumkötter, Boris Becker, Julia Bünnagel, Moritz Frei, Claus Dieter Geissler, Ilana Halperin, Lenia Hauser, Sveinn Fannar Jóhannsson, Mischa Kuball, Christine Moldrickx, Horst Münch, Chris Newman, Peter Piller, Uwe Rachow.

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Salon No.17 Salon shows a collection of original pictoral essays made especially for the magazine by Martin Assig, Stephan Baumkötter, Boris Becker, Julia Bünnagel, Moritz Frei, Claus Dieter Geissler, Ilana Halperin, Lenia Hauser, Sveinn Fannar Jóhannsson, Mischa Kuball, Christine Moldrickx, Horst Münch, Chris Newman, Peter Piller, Uwe Rachow.

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MUSIK VERWANDELT SICH UNMITTELBAR IN RAUM – eine Vision von der schon das antike Griechenland träumte. Dieses künstlerische Leitmotiv verfolgte Thomas Stammer seit seinem Projekt "9.81 – Musik und Architektur". Im Jahr 2001 führte eine Begegnung mit Michael Wertmüller in Los Angeles zur Idee der dreidimensionalen Musikvisualisierung. Fast zwanzig Jahre später, gab der Künstler Albert Oehlen zusammen mit Rainald Götz den Impuls für das Opernprojekt mit dem Buch D • I • E abstract reality (Holzwarth Publications, 2010). Daraus entstand die Konzeption der JETZTSCHEIBE für die Aufführung der Oper D • I • E bei der Ruhrtriennale im September 2021.

Die JETZTSCHEIBE präsentiert eine bewusst heterogene Sammlung von Texten, E-Mails mit ersten Ideen, Konzepten, Arbeits-berichten, Essays, Fotografien und Grafiken, mit der Grundidee die Tiefenschichten der Zeit zu erforschen und zu gestalten.

Die unterschiedlichen Momente und Begegnungen schaffen einen reichen inhaltlichen Rahmen für die Kapitel des Buches und ermöglichen den Lesern, die Entstehung der holografischen Musikvisualisierung und des Opernprojekts D • I • E nachzuvollziehen. Das Buch JETZTSCHEIBE enthält ein zweisprachiges Textbuch (Deutsch/Englisch) mit 112 Seiten und 20 Abbildungen und enthält zwei Leporellos. Das erste der 180cm langen 8teiligem grafischen Leporellos zeigt die grafische
Gesamtkonzeption der Oper und die Entwicklung der musikalischen Visualisierung. Das zweite fotografische Leporello ist eine künstlerische Umsetzung des Raumkonzepts der Oper für das Buchmedium, das die Lichtskulpturen und die Ensembleperfor-mance in einem 360-Grad-Raum präsentiert.


Das Buch JETZTSCHEIBE bietet den Lesern einen inspirierenden Einblick in dieses faszinierende Konzept und will zu weiteren Entwicklungen für die Musikvisualisierung beitragen.

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In the book JETZTSCHEIBE, author Thomas Stammer takes the readers on a fascinating journey that traces the development of
holographic music visualization and the opera project D • I • E. MUSIC IMMEDIATELY TRANSFORMS INTO SPACE – a vision that
even ancient Greece already dreamed of. Thomas Stammer pursued this artistic motif since his project 9.81 – Music and Architecture. In 2001, an encounter with the Swiss percussionist and composer Michael Wertmüller in Los Angeles led to the idea of threedimensional music visualization. Almost twenty years later, artist Albert Oehlen, along with Rainald Götz, provided the inspiration for the opera project with the book D • I • E abstract reality (Holzwarth Publications, 2010). From this, the concept of JETZTSCHEIBE emerged for the conceptualization and performance of the opera D • I • E at the Ruhrtriennale in September 2021. JETZTSCHEIBE presents a deliberately heterogeneous collection of texts, emails with initial ideas, concepts, work reports, essays, photographs, and graphics, with the fundamental idea of exploring and shaping the deeper layers of time. The various moments and encounters create a rich thematic framework for the chapters of the book, allowing readers to trace the development of holographic music visualization and the opera project D • I • E.

The book JETZTSCHEIBE contains a bilingual text book (German/English) with 112 pages and 20 illustrations and additionally holds two accordion-fold inserts. The first of the 180cm long, 8-part accordion-fold inserts showcase the overall graphic concept of the opera and the evolution of musical visualization. The second photographic accordion-fold is an artistic adaptation of the opera's spatial concept for the book medium, presenting the light sculptures and ensemble performance in a 360-degree space.

JETZTSCHEIBE provides readers with an inspiring insight into this fascinating concept and aims to contribute to further developments in music visualization.

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Wolfgang Ullrich, 26.11.2019
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Die englische Bildhauerin Rachel Whiteread präsentiert als neues Künstlerbuch in der Edition Ex Libris „M. Sasek – Mike and the Modelmakers” (1970). Das erste Londoner Atelier von Rachel Whiteread lag gegenüber der Firma Lesney, die bis in die 1970er Jahre Hersteller der „Matchbox“-Autos war. Das von M. Sasek geschrieben und gezeichnete Buch “Mike and the Modelmakers” war die 1970 von Lesney herausgegebene Jubiläumsfestschrift. Die Edition Ex Libris hat es sich zur Aufgabe gemacht, Bücher, die für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler von Bedeutung sind, dem Vergessen zu entreißen. Durch den von der Künstlerin entworfenen Schutzumschlag wird dieser ansonsten unveränderte Reprint zu einem Künstlerbuch, das in den Bibliotheken der Sammler und Bibliophilen unter dem Namen Rachel Whiteread eingeordnet werden wird und helfen wird, das Werk dieser Bildhauerin, die sich seit Jahren mit dem Abgießen und Abformen und mit dem Begriff des Modells auseinandersetzt, in einem neuen Licht zu sehen.

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"In Zeiten wie diesen zeigt sich einmal mehr, dass die Rede von der Autonomie der Kunst angesichts der Realität an ihre Grenzen stößt. Ein Umstand, der einem der interessantesten Vertreter der Konzept- und Aktionskunst in Deutschland, Helmut Schweizer, stets bewusst war. Seine Fotografien, Filme, Installationen, Skulpturen, Collagen und Graphiken, in denen er eine persönliche Bildwelt von einzigartiger Ästhetik erschuf, sind von tiefem Respekt gegenüber der Natur geprägt und setzen sich auf subtile Weise mit den Bedrohungen technischer Entwicklung und wissenschaftlichen Fortschritts auseinander. Dabei lässt er in seinen Werken die Interaktion von Mensch und Schöpfung, von Natur und Kultur erfahrbar werden. Das vorliegende Künstlerbuch, dem ein Text des Autors Stefan Oehm beigefügt ist, der sein Schaffen ideengeschichtlich einbettet, lässt den Leser auf 164 Seiten durch fünf Jahrzehnte wie durch das Gedicht einer lebenslangen künstlerischen Einlassung von 1968 bis 2019 flanieren, dessen Titel eine beredte Hommage an T.S. Eliots epochemachendes Langgedicht ‚The Waste Land‘ ist."

Stefan Oehm
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    [content_de] => Betrachtet man die Entwicklung des Kunstmarktes der vergangenen 20 Jahre, lässt sich daran nicht nur die inzwischen erhebliche wirtschaftliche
Bedeutung von Kunst ablesen, sondern auch die breite gesellschaftliche Relevanz, die Kunst heute erfährt. Die Anzahl an Kunstmessen, Galerien
und privaten Museen hat sich vervielfacht. Nicht nur Wirtschafts-, sondern auch Tageszeitungen berichten heute regelmäßig über den Kunstmarkt.

Kunst wird inzwischen explizit als Kapitalanlage verstanden.Während früher vorwiegend Händler auf Auktionen einkauften, bieten heute in großer Zahl auch Privatpersonen mit. Kunst ist längst in der Mitte der Gesellschaft angekommen. Ein Kunstwerk hat mehr denn je nicht nur einen emotionalen, sondern auch einen wirtschaftlichen Wert. Dies betrifft nicht nur Galeristen, Händler oder professionelle Sammler.

Es geht gerade und vor allem auch den Privatsammler etwas an. Viele Haushalte beherbergen heute Kunstwerke und beachtliche Kunstsammlungen,
die über viele Jahre hinweg mit Enthusiasmus und Leidenschaft zusammengetragen wurden. Sie werden bei der Nachlassplanung oft vernachlässigt oder ganz übersehen, was zu gravierenden Folgen führen kann, die bei vorausschauender Nachlassplanung hätten vermieden werden können. Denn Kunst unterliegt, wie andere Vermögenswerte auch, der Schenkung- und Erbschaftsteuer.

Kunstgegenstände müssen in der Erbschaftsteuererklärung angegeben werden und gehören in das Nachlassverzeichnis. Gerade bei Kunst bietet es sich im Hinblick auf steuerliche Aspekte an, sich frühzeitig Gedanken darüber zu machen, was mit einzelnen Kunstwerken oder einer ganzen Sammlung später
geschehen soll. Denn es besteht die Möglichkeit, Kunstwerke schon zu Lebzeiten steuerfrei zu verschenken oder mit einer Steuerbefreiung von 60% oder gar 100% zu vererben und zu erben.
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Es ist eine  Collector's Edition erschienen: Archivbox (31 x 44 x 4 cm), nummeriert und signiert, Auflage 20.
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Im Zuge der Demokratisierung und Popularisierung von Mode und Schmuck sind aktuell nicht nur die Grenzen zwischen Kommerz und künstlerischer Praxis fließender geworden, sondern auch die zwischen den sozialen Systemen, in die diese eingebettet sind. Ausgehend vom Jahresthema »Luxus und Glamour? Künstlerische Perspektiven in Mode und Schmuck«, das für die Balmoral-Stipendien 2019/20 ausgeschrieben war, beleuchtet die Ausstellung die ästhetischen, materiellen, performativen, sozialen und kulturellen Implikationen von Mode und Schmuck. Im Fokus steht die Auseinandersetzung mit deren identitätsstiftendem Faktor sowie Mode und Schmuck als Ausdruck gesellschaftlicher Macht- und Geschlechterverhältnisse. Das formale und konzeptuelle Ausloten medialer Möglichkeiten, das Experimentieren mit Materialien und Techniken sowie die künstlerische Befragung relevanter Fragestellungen im Spannungsfeld von Luxus, Glamour, Globalisierung, Transkulturalität und Nachhaltigkeit spielen dabei eine zentrale Rolle.
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Das Heft bietet eine Bearbeitung dieser Bläserstimme für eine Sopranblockflöte und kann als Korrektiv zu einer einseitigen Deutbarkeit der Ode speziell von Kindern erlernt werden. Die Partitur wird komplettiert durch kulturgeschichtliche und musikwissenschaftliche Betrachtungen.

 
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    [content_de] => 2020 fand Albert Coers ein 30 Jahre altes Vokabelheft aus seinem Englischunterricht wieder. Es erschien so interessant, dass er es fotografierte und jetzt als Künstlerbuch vorlegt.

Die Wörter, links englisch, rechts deutsch, lassen in ihrer Abfolge Themen erahnen, Wortfelder, Geschichten. Sie fügen sich assoziativ aneinander und ergeben dadaistisch anmutende Verbindungen, z.B. „dream“, „tree“, „head“ oder „dial“, „toothpaste“, „handsome“. Die Themen sind von erstaunlicher Aktualität, was die Gegenwart der USA 2020/21 angeht: auf der ersten Seite „president“, auf der letzten „civil rights“ und „trial“ – siehe der Wahlkampf zwischen Trump und Biden. Die Farben des Heftes lassen sich ebenfalls mit der USA und ihrer politischen Symbolik in Verbindung bringen: Das Blau des Einbands kann als Verweis auf die Demokraten gelesen werden; blau ist auch die Tinte. Rot ist der Titel „Englisch-Wörter“ geschrieben, weiter hinten eine grotesk anmutende Zeichnung gekritzelt, auf weißem Grund, so dass sich die Farben der USA ergeben.

Im Rückblick ist es erstaunlich, was man als Schüler damals alles nicht wusste und aufschreiben musste: Dass „ocean“ „Ozean“ heißt, „follow“ „folgen“? 2020 kaum zu glauben, wo Englisch heute für viele zur selbstverständ-lichen Zweitsprache geworden ist. Somit ist das Heft auch eine Reflexion über Sprache und Sprachbiographien.

Das Heft ist in Originalgröße, aber nicht als Faksimile reproduziert, als fotografiertes Objekt mit einem deutlichen Rand. Kanten und Schatten sind so mit abgebildet und die Materialität, aber auch der Charakter des Heftes als Reproduktion betont. Auf dem Cover sind die Hände von Coers zu sehen, die das Objekt halten.
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    [content_de] => In 2020 Albert Coers found a 30-year-old exercise book from his English lessons. This booklet seemed so interesting that he photographed it and now presents it as an artist's book.

The words, English on the left, German on the right, and their sequence give us a sense of the themes, word fields and stories. They join together associatively and result in Dadaistic-looking connections, e.g. „dream“, „tree“, „head“ or „dial“, „toothpaste“, „handsome“. The words are of astonishing topicality as far as the present of the USA 2020/21 is concerned: on the first page "president", on the last page "civil rights" and "trial" – see the election campaign between Trump and Biden.

The colours of the booklet can also be associated with the USA and its political symbolism: The blue of the cover can be read as a reference to the Democrats; blue is also the ink. The title "English words" is written in red, and further back a grotesque drawing is scribbled on a white background, giving the colours of the USA.

Looking back, it is astonishing what one did’nt know at that time and had to write down: That "ocean" means in German "Ozean", "follow" "folgen"? This is hard to believe in 2020, where English has become a natural second language for many people. Thus the booklet is also a reflection on language and language biographies.

The booklet is in original size, but not reproduced as a facsimile, as a photographed object with a clear margin. Edges and shadows are thus also reproduced and the materiality, but also the character of the booklet as a reproduction is emphasised. The cover shows the hands of Coers holding the object.
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Jean Rouch, bekannt für seine ethnografischen Filme, ist gemeinsam mit Pierre Ponty und Jean Sauvy der Autor des Kinderbuches „Le Petit Dan“ (1948). Die farbigen Zeichnungen stammen von Oumarou Osmane. Dieses Buch befand sich in meinem Bücherregal eingeordnet zum Thema „Afrika“. Tatsächlich ist es das einzige Buch dieser kleinen Sammlung, welche die Grundlage für das Buch „Canon“ (2014) bildete, von dem ich nicht weiß, wie ich daran gelangt bin. Normalerweise besitze ich eine gute Erinnerung darüber wo und wann ich Bücher gekauft habe. Als ältestes Buch der Büchersammlung steht es zudem am Anfang von „Canon“, dem Buch über Bücher über Afrika. Detailaufnahmen seines Einbandes wurden für den Umschlaggestaltung von „Canon“ verwendet. Es nimmt daher in dieser Reihe eine Sonderstellung ein. Das Buch erzählt folgende Geschichte. Nach dem Tod seines Vaters Haouta wird der kleine Dan von seiner Schwester Sara aufgezogen. Sie hat versprochen, daß Dan nie traurig sein werde und kann ihrem kleinen Bruder deshalb keinen Wunsch abschlagen. Im Verlauf der Geschichte wird Dan ihr Haus in Brand stecken, alle Lebensmittelvorräte zerstören, dem Sohn des Königs ein Auge ausstechen und seine Schwester versehentlich fast umbringen. Die Geschichte wendet sich als er einen bösen Drachen tötet. Diese heldenhafte Tat gibt ihm die Gunst des Königs zurück. Am Ende der Geschichte ist er der Thronfolger, mit Hawa, der jüngsten Tochter des Königs, verlobt und lebt von da an ein glückliches Leben. Die Umschlaggestaltung zeigt die schematische Darstellung der Skulpturenserie „Das Afrikanische Viertel“ (2009-2019) . Ein gleichnamiges Künstlerbuch mit den Bauplänen der 19 Skulpturen, die jeweils nach Straßennamen des Afrikanischen Viertels in Berlin-Wedding benannt sind, ist 2019 erschienen. Bei diesen Arbeiten wurden die einzelnen Elemente des „Berliner Stuhls“ (1923) von Gerrit Rietveld immer wieder neu kombiniert und in unterschiedlichen RAL-Farben lackiert.

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Jean Rouch, known for his ethnographic films, is the author, together with Pierre Ponty and Jean Sauvy, of the children's book "Le Petit Dan" (1948). The colour drawings are by Oumarou Osmane. This book was on my bookshelf classified under the theme "Africa". In fact, it is the only book in this small collection that formed the basis for the book "Canon" (2014), which I don't know how I got. I usually have a good memory of where and when I bought books. As the oldest book in the book collection, it is also at the beginning of "Canon", the book about books about Africa. Detailed photographs of its cover were used for the cover design of "Canon". It therefore occupies a special position in this series. The book tells the following story: After the death of his father Haouta, little Dan is brought up by his sister Sara. She has promised that Dan will never be sad and therefore cannot refuse her little brother any wish. In the course of the story, Dan will set fire to their house, destroy all the food supplies, gouge out the king's son's eye and almost kill his sister by mistake. The story turns when he kills an evil dragon. This heroic act returns him to the king's favour. At the end of the story, he is the heir to the throne, betrothed to Hawa, the king's youngest daughter, and lives a happy life from then on. The cover design shows the schematic representation of the sculpture series "The African Quarter" (2009-2019) . An artist's book of the same name with the construction plans of the 19 sculptures, each named after street names in the African Quarter in Berlin-Wedding, was published in 2019. In these works, the individual elements of Gerrit Rietveld's "Berlin Chair" (1923) were repeatedly recombined and painted in different RAL colours.

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Oskar Holweck, bekannt als Pionier der Papierkunst und engagierter Grundlehre-Verfasser, hat noch eine andere, bislang unentdeckte Seite: Von Anfang an gehörte er zum Kern der zero-Avantgarde-Bewegung, die mit ihrer Kunst im Sturm ganz Europa eroberte. Heinz Mack und Otto Piene begegneten Holwecks außergewöhnlichem Werk mit höchster Wertschätzung, so dass seine Papierarbeiten während der aktiven zero-Zeit, 1958 – 1966, bei keiner wichtigen Ausstellung fehlen durften. Holweck war so mit seinen Werken in ganz Europa und den usa vertreten. Erst nach vielen Jahren kam es zu einer ersten persönlichen Begegnung der Künstler, da private und berufliche Gründe Holweck am Reisen hinderten und er das Saarland so gut wie gar nicht verließ.
Anhand der heute noch in verschiedenen Archiven verfügbaren Originaldokumente soll im Folgenden rekonstruiert werden, wie es den Künstlern dennoch gelang, den Kontakt aufzubauen und ihn zu halten, und welche Rolle Holweck in diesem weit verzweigten internationalen zero-Netzwerk spielte.

Ulrike Schmitt-Voigts

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Oskar Holweck, known as a pioneer of paper art and a committed author of basic teachings, has another, previously undiscovered side: from the very beginning, he was part of the core of the zero avant-garde movement, which took all of Europe by storm with its art. Heinz Mack and Otto Piene held Holweck's extraordinary work in the highest esteem, so that his works on paper could not be missing from any important exhibition during the active zero period, 1958 - 1966. Holweck was thus represented with his works throughout Europe and the usa. Only after many years did the artists meet in person for the first time, since private and professional reasons prevented Holweck from traveling and he hardly ever left the Saarland.
Using original documents still available in various archives, the following will reconstruct how the artists nevertheless succeeded in establishing and maintaining contact, and what role Holweck played in this widely ramified international zero network.

Ulrike Schmitt-Voigts

 

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UNCONCERNED BUT NOT INDIFFERENT, Grabinschrift von Man Ray Man Ray, ein von Neugierde Getriebener, fantastisch visionär. Werk wie Bildtitel: elektrisierend.

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Salon No.16 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: Are Blytt, Manuel Boden, Natascha Borowsky, Jochen Flinzer, Xenia Fumbarev, Bärbel Messmann, Achim Riechers, Bodo Rott, Kerstin Rupp, Volker Saul, Mona Schulzek, Heike Weber.

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Salon No.16 shows a collection of original pictoral essays made especially for the magazine by Are Blytt, Manuel Boden, Natascha Borowsky, Jochen Flinzer, Xenia Fumbarev, Bärbel Messmann, Achim Riechers, Bodo Rott, Kerstin Rupp, Volker Saul, Mona Schulzek, Heike Weber.

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Jochen Gerz, 1.5.2021
Tahilla Sneem Co. Kerry
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Im Sommer 2021 eröffnete der Künstler Tim Berresheim sein Ausstellungsprojekt „Tim Berresheims Bilderreise“, welches sich als permanente Kunst- und Fahrradroute auf dem neuesten Stand der Technik durch das Heinsberger Land, der westlichsten Region Deutschlands, erstreckt.
An verschiedenen Orten entlang dreier Routen-Optionen können Radfahrer*innen, Spaziergänger*innen und Kunstinteressierte mit der neuen Augmented-Reality-App „TB – Bilderreise AR“ digitale Kunst im öffentlichen Raum entdecken. Mit diesem neuen Projekt unterstreicht Berresheim die Auseinandersetzung seiner Bildwelten mit dem, was im Digitalen aktuell machbar ist, und dem Versuch, sie stets weiter auszubauen und zu entwickeln.
Diese 14 neuen Kunstwerke, plus drei gesonderte Augmented-Reality-Objekte, sind die neuesten Arbeiten des Künstlers, der sich seit den 2000er Jahren mit computergenerierter Kunst und ihren Möglichkeiten beschäftigt.
In dem Buch fi nden sich auf 110 Seiten 71 Abbildungen inkl. Reproduktionen der 14 Kunstwerke der Bilderreise, Fotografi en und der Essay „Krass reale Gegenwart“ des Kunsthistorikers und Kurators Hans-Jürgen Hafner. Zusätzlich enthält es eine Augmented-Reality-Faltkarte der Route mit 24 Abbildungen und Texten zum Künstler und dem Projekt.
Mit der Bilderreise ist Tim Berresheim dank Hochtechnologie eine persönliche und künstlerische Auseinandersetzung mit seiner Heimat gelungen. Auf der von ihm entwickelten Route mischen sich Teile seiner künstlerischen Beobach tung und Erinnerungen aus der eigenen Vergangenheit mit zeitgenössischer Kunst und Natur sowie mit neuesten Augmented-Reality- und Computer-technologien. Ganz bewusst lädt Berresheim sowohl Besucher*innen als auch Einheimische ein, sich ein neues Bild von ver-schiedenen Orten zu machen und eigene, individuelle Perspektiven auf seine dort platzierten digitalen Kunstwerke zu erarbeiten.

Tim Berresheim wurde 1975 in Heinsberg geboren. Der Künstler beschäftigt sich seit Beginn der 2000er Jahre mit der bildenden, computergenerierten Kunst. Mit der neuesten Hard- und Software entwickelt er Modelle, die einerseits eine zeitgenössische Bildproduktion ermöglichen, andererseits aber keinen Bruch zur traditionellen Kunstherstellung bedeuten. Der Künstler lebt und arbeitet in Aachen. Sämtliche seiner Arbeiten werden dort in den Studios New Amerika realisiert: von der Konzeption über die ersten Skizzen bis hin zur Endproduktion.
Ein zentrales Moment seiner Bildwelten ist die Auseinandersetzung mit dem digital Machbaren. Seine Werke, die als Fotografi en, Siebdrucke, Skulpturen oder Computerprints realisiert werden, zeigen Szenerien im dreidimensionalen, illusionistischen Raum. Sie entstehen bei seiner Arbeit mit den neuesten Techniken der Bildherstellung wie dem 3D- und Laserscan, der Hochleistungsfotografi e und der erweiterten Computerprogrammierung. Augmented Reality ist seit 2015 ein essentieller Bestandteil seiner Kunstvermittlung und nun zum ersten Mal auch als Kunstwerk erfahrbar.

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Thanks to high technology, Tim Berresheim (* 1975) succeeded in a personal and artistic examination of his homeland in the summer of 2021 with the “journey through pictures”. On the art route he developed in the westernmost district of Germany, the Heinsberger Land, parts of his artistic observation and memories of his own past mix with contemporary art, nature and the latest augmented reality and computer technologies. In addition to 14 works of art by Berresheim, the book contains the essay “Krass real present” by the art historian and curator Hans-Jürgen Hafner as well as reproductions, image studies, photographs and an augmented reality folding map. 

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Es handelt sich um ein Faksimile des Retablo #12 von 2004 (im Original Ölfarbe auf Blech). Das Trägermaterial ist ein kräftiges, unverbiegbares Stahlblech. Beim Siebdruck handelt es sich um die technisch neueste Generation, bei der Rasterpunkte so gut wie nicht zu erkennen sind. Die Farbe ist eine Zweikomponentenfarbe, die sich fest mit dem Untergrund verbindet und lichtresistent ist.

Die Edition erscheint nachträglich zur Ausstellung in der Kunsthalle Bielefeld 2007 und der Publikation »Alexander Braun – Das Retablo-Projekt and other works« (Salon Verlag, Köln 2007), die die gesamte Werkgruppe dokumentiert, die in Zusammenarbeit mit Votiv-Malern in Mexiko-Stadt entstanden ist.

Die Übersetzung des spanischen Textes auf der Tafel lautet: »Ich danke dem Heiligen Kind von Atocha dafür, dass es den Hund der Wehmut, der Sehnsucht und des Verlangens geschickt hat in dem günstigen Moment, als ich am wenigsten damit gerechnet habe. Voller Dankbarkeit. Herr Filz, Mexiko D.F., 2004«
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Farbige Pinselzeichnung für "Nähe Ferne Weite Raum"

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Wie bewahren wir die Lebenswerke bildender Künstler:innen der Gegenwart? Seit geraumer Zeit gewinnt diese Frage an Relevanz und Dringlichkeit. Denn allen Akteuren des Kunstbetriebs ist bewusst, dass nicht jedes zeitgenössische künstlerische Gesamtwerk für die Nachwelt erhalten werden kann: Museen, Galerien, Archive und Lager sind voll. Doch wer entscheidet, was bleibt? Gemeinsam mit der Akademie der Künste Berlin hat die Stiftung Kunstfonds Anfang 2021 einen Diskussionsprozess gestartet, der die Perspektive von Künstler:innen in den Mittelpunkt stellt. Die begleitende Publikation mit mehr als 30 Künstler:innen-Statements erscheint jetzt im Salon Verlag. Mit dabei sind:

Rosa Barba, John Bock, Monika Brandmeier, Mariola Brillowska, Lutz Dammbeck, Tatjana Doll, Arnold Dreyblatt, Thomas Florschuetz, Mechthild Frisch, Else Gabriel, Tamara Grcic, Ulrike Grossarth, Katharina Grosse, Monika Grzymala, Stephan Huber, Magdalena Jetelová, Harald Klingelhöller, Raimund Kummer, Bjorn Melhus, Nanne Meyer, Christiane Möbus, Norbert Radermacher, Thomas Rentmeister, Ulrike Rosenbach, Karin Sander, Jörg Sasse, Thomas Scheibitz, Pia Stadtbäumer, Dorothee von Windheim, Georg Winter

Flankiert werden die Statements mit Autorenbeiträgen u.a. von Robert Kudielka, Kunstheoretiker, Simone Schimpf, Direktorin Neues Museum Nürnberg, Beate Söntgen, Professorin für Kunstgeschichte Leuphana Universität, Kolja Reichert, Kurator für Diskurs an der Bundeskunsthalle Bonn, sowie von den Künstlern Bogomir Ecker, Jochen Gerz und Frank Michael Zeidler.

 

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48 Faksimiledrucke in Kassette

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Die Bildmotive für alle Umschläge wurden von Hans-Peter Feldmann ausgewählt.

Format der Magazine: 21 x 14,8 cm. Insgesamt über 1.000 Seiten mit über 1.200 s/w Abbildungen.

Version A) Komplett in mit Siebdruck bedruckter Holzbox (gestempelt) und ergänzt um ein Buchobjekt mit Zeichnung (signiert, datiert 1982)
€ 1.200,00 (Auflage 12. Noch 3 Exemplare lieferbar!)

Version B) Salon 1-12 komplett.
€ 800,00 (nur noch 2 komplette Sätze vorhanden!)

"Salon 1, April 1977"
Originalbeiträge von Hans Peter Adamski, Bernhard Johannes Blume, Walter Dahn, Hel. M. (= Helmut) Federle, Hans-Peter Feldmann, Falko Marx, Markus Oehlen, Giulio Paolini, Klaus Richter, Gerhard Theewen,
Heinz Zolper jr.

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Die geöffnete Raritäten- und Naturalienkammer, worinnen der galanten Jugend, anderen Curieusen und Reisenden gewiesen wird, wie sie Kunst- und Raritätenkammern mit Nutzen besehen und davon raisoniren sollten. Wobey eine Anleitung, wie ein vollständigens Raritätenhaus anzuordnen und einzurichten sey. samt angeführten sehr nützlichen Observationibus vor die Anfänger dieses Studijums verfertiget von einem Liebhaber curieuser Sachen.

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Kassette mit Buch und einem beigelegten signierten und datierten Aquarell, 2003

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In dieser von Gerhard Theewen herausgegebenen neuen Edition bekommt der Begriff "Künstlerbuch" eine neue Dimension. Der für die Edition Ex Libris eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, das er unter seinem Namen als Reprint präsentiert. So wird das "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch, das in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen dann unter seinem Namen eingeordnet werden wird. Auf diese Art werden Quellenwerke für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler in neuem Licht gesehen und dem Vergessen entrissen …

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Collector's Edition: Künstlerbuch mit Originalsiebdruck (Din A0) in Kassette.

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Es erscheint eine Sammleredition.

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cast: ca. 32 x 30 x 7 cm
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inside a loose 2-colour-print (signed, numbered, titled) as a certificate
snakestone-item is monogr., titled, numbered in white on the backside
box with label

Snakestone is wrapped in a woven cotton blanket.
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Woven blanket in Jacquard technique. After a watercolour from 2014. Blanket in clamshell box (48 x 36,5 x 7 cm) Size of blanket: ca. 170 x 130 cm There is a separate label with a unique drawing on linen, signed, numbered and dated by Marcel van Eeden which can be sewn to the back of the blaNKET. Size of drawing: ca. 12 x 18 cm The collector may stretch the blanket to a frame if he likes.

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("my most priceless treasure is the unicorn horn which doth sweat in the presence of poison and when touched to any venomous material doth have the power of transmuting them. NICCOLO NICCOLI DE UZZANO 1461").
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(Gips, gegerbter Kuhmagen, Multiplex, Eisennadeln) ca. 38 × 26 × 25 cm

Auflagengröße: je 6 signiert und nummeriert unter dem Sockel.

Zusammen mit Künstlerbuch und Exlibris (Offsetdruck) im Karton. 

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(plaster, cow stomach-leather, multiplex, iron pins) ca. 38 × 26 × 25 cm
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Together with artist`s book and bookplate (offset print) in a box.

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1 b&w silkscreen print (30 x 20 cm) and 4 handpainted plastercasts (wrapped in parafine-paper) in a black cardboardbox (40 x 30 x 6 cm) with label. The print ist titled “Emanations Of the Earth”, dated, signed and numbered. Edition of 16 unique.
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Fotografie (Silbergelatine-Handabzug) 20 x 30 cm, rückseitig signiert und nummeriert.

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Der Künstler Reinhard Doubrawa legt mit diesem Künstlerbuch eine umfangreiche Sammlung von eigenen Fotografien vor,
die er Abbildungen eigener Arbeiten gegenüberstellt, wodurch sich interessante Konstellationen ergeben.

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Der Text von Stephan Rößler (deutsch, englisch) beschreibt Motive und Entstehung dieser Serie zu Texten von Marcel Proust und Jorge Louis Borges über Phänomene des „Verschwindens“ und „Auflösens“.  Der in einem in Offset gedruckte Buchteil dokumentiert darüber hinaus die Ausstellungsräume mit Werken Bunks.  

Gestaltung Gabriele F. Götz, Fotografie Bernhard Kahrmann und Johannes Schwartz 

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A previously unpublished series of images entitled "DUNST" was the centrepiece of the exhibition "UND JETZT ... Holger Bunk" at the Städtische Galerie Villingen-Schwenningen 2023, which was accompanied by this artist's book with large-format risographs.
The text by Stephan Rößler (German, English) describes the motifs and creation of this series on texts by Marcel Proust and Jorge Louis Borges on phenomena of "disappearance" and "dissolution".  The book section, printed in offset, also documents the exhibition rooms with works by Bunk.

Translated with www.DeepL.com/Translator (free version)

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The handcrafted box with golden-letterpress title on the box's lid contains an original, signed drawing (8.5 x 19 cm) after Jan van Goyen mounted on acidfree cardboard in an archival transparent sleeve, an artist's booklet about mechanical instruments made of brass, and a numbered and monographed drawing pen made of brass. Total edition: 100 Boxes of which Salon Verlag gots 34 Boxes The other drawings can be seen here: www.64studios.com

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    [title] => Afrikanische Strasse
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1 reflektierend beschichtetes Aluminium-Straßenschild "AFRIKANISCHE STRASSE" (90 x 15 x 1,5 cm). Auflage 20 (12 plus 5 A.P. plus 2 H.C. plus 1 E.P.)

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A collectors edition is available: 1 reflective road sign "AFRIKANISCHE STRASSE" (90 x 15 x 1,5 cm), verso signed, dated and numbered. Edition of 20 (12 plus 5 A.P. plus 2 H.C. plus 1 E.P.)

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    [title] => Électricité
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Farbiger C-Print (30 x 24 cm), rückseitig signiert und nummeriert. Auflage 40, von dwnen die geraden Nummern für den Handel bestimmt sind.

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C-Print (30 x 24 cm), verso signed and numbered. Edition of 40, of which the even numbers are for trade.  

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Lead on heavy paper, 21 x 15 cm. Signed.

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Zusammengezählt in einer Auflage von 15 wählen Sie Motiv A oder Motiv B:

Motiv A: NEBELKUSS, 44,5 x 31,5 cm. Lichtechter Print auf Aluminium, 440,00 Euro

Motiv B: TOTAL, 50 x 35,5 cm. Lichtechter Print auf Aluminium, 520,00 Euro

 
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Pigmentdruck auf Glanzkarton, 21 x 30 cm

Auflage: 30, signiert und nummeriert

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Pigment print on glossy cardboard, 21 x 30 cm 

Edition of 30, signed and numbered

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    [title] => Kostbare Sockel für seltene Dinge
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Die Beuys-Schülerin Ruth Weber ist auf verschiedenen Gebieten aktiv. Sie widmet sich u.a. dem Aufbau einer Mineraliensammlung; Studien zur Geologie, Mineralogie, Paläontologie, Astronomie; einer Sammlung zur Zahl 23 sowie seit vielen Jahren dem Aufbau einer Kunstkammer mit Mineralien, Plastiken aus Keramik, Wachs, Pappmaché und gefundenen Objekten. Das vorliegende Buch zeigt eine eindrucksvolle Auswahl ihrer „Wunderkammer“-Objekte.

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Die Beuys-Schülerin Ruth Weber ist auf verschiedenen Gebieten aktiv. Sie widmet sich u.a. dem Aufbau einer Mineraliensammlung; Studien zur Geologie, Mineralogie, Paläontologie, Astronomie; einer Sammlung zur Zahl 23 sowie seit vielen Jahren dem Aufbau einer Kunstkammer mit Mineralien, Plastiken aus Keramik, Wachs, Pappmaché und gefundenen Objekten. Das vorliegende Buch zeigt eine eindrucksvolle Auswahl ihrer „Wunderkammer“-Objekte.

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Salon No.17 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: GERD BONFERT, JÖRG BRODDE, ALBERT COERS, REINHARD DOUBRAWA , TOBIAS HANTMANN, ALMUT HILF, KRISTINA JUROTSCHKIN, HARTMUT NEUMANN, KNUT SENNEKAMP, CARO SUERKEMPER, MARCEL VAN EEDEN, FRIEDEMANN VON STOCKHAUSEN

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Salon No.17 shows a collection of original pictoral essays made especially for the magazine by GERD BONFERT, JÖRG BRODDE, ALBERT COERS, REINHARD DOUBRAWA , TOBIAS HANTMANN, ALMUT HILF, KRISTINA JUROTSCHKIN, HARTMUT NEUMANN, KNUT SENNEKAMP, CARO SUERKEMPER, MARCEL VAN EEDEN, FRIEDEMANN VON STOCKHAUSEN

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Der deutsche Maler Albert Oehlen hat für seine Ausgabe in der Edition Ex Libris ›Gespräche mit Cézanne‹ ausgewählt. Das Buch enthält alle wichtigen Äußerungen von Cézanne über seine eigene Malerei, über Holbein, Veronese, Poussin, Chardin, Delacroix, Courbet sowie über seine Begleiter im Impressionismus: Monet, Renoir, Pissarro, Redon, Gauguin. Diese Äußerungen hat er vor Besuchern aus Frankreich und aus dem Ausland gemacht, vor Malern, Dichtern, Kritikern.

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German artist Albert Oehlen has selected ›Conversations with Cézanne‹ for his edition in the Edition Ex Libris. The book contains all the important statements by Cézanne about his own painting, about Holbein, Veronese, Poussin, Chardin, Delacroix, Courbet and about his companions in Impressionism: Monet, Renoir, Pissarro, Redon, Gauguin. He made these statements to visitors from France and abroad, to painters, poets and critics.

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Der 1938 in Hamm/Sieg geborene Erwin Wortelkamp studierte von 1960 bis 1965 Bildhauerei und Kunstpädagogik an der Akademie für Bildende Künste in München bei Professor Robert Jacobsen. Nach einer Tätigkeit als Kunsterzieher erhielt er im Jahr 1973 die Stelle eines Lehrbeauftragten an der Pädagogischen Hochschule in Freiburg im Breisgau. 1975 richtete er sich im Alten Schulhaus in Hasselbach ein, legte dann im Jahre 1980 seine Arbeit als Assistent nieder, und begann im Jahre 1986 mit dem faszinierenden Projekt “im TAL”. Hierbei handelte es sich um die skulpturale Gestaltung eines Landschaftsgartens, an dem über 30 Kollegen teilnahmen. Das Projekt wird auch heute noch auf einem vergrößerten Gelände von 10 ha weitergeführt. Es ging, und geht heute noch, um das Wechselspiel von Kunst und Natur. Dabei steht eine grundsätzliche Frage im Mittelpunkt: Unterscheidet sich eine Skulptur, die für eine landschaftliche Situation angefertigt wird, von einem musealen Objekt? Grundsätzlich nicht, da die Gestaltungsinteressen im Vordergrund stehen. Es geht also um das Suchen und Finden einer bestimmten, den sinnlichen Erfahrungen adäquaten Form.

Für Wortelkamp ist es das Holz, das es zu bearbeiten gilt. Hier findet er zunächst seinen eigenen Formenwuchs, den er, parallel zur Natur, als künstlerisches Naturobjekt oder naturhaftes Kunstobjekt – wie auch immer – präsentieren möchte. Der Künstler selbst sieht diesen Prozess der Gestaltung noch viel differenzierter.

Dieser Band beschließt die 10-bändige monographische Reihe zum Werk des Bildhauers.

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Der 1938 in Hamm/Sieg geborene Erwin Wortelkamp studierte von 1960 bis 1965 Bildhauerei und Kunstpädagogik an der Akademie für Bildende Künste in München bei Professor Robert Jacobsen. Nach einer Tätigkeit als Kunsterzieher erhielt er im Jahr 1973 die Stelle eines Lehrbeauftragten an der Pädagogischen Hochschule in Freiburg im Breisgau. 1975 richtete er sich im Alten Schulhaus in Hasselbach ein, legte dann im Jahre 1980 seine Arbeit als Assistent nieder, und begann im Jahre 1986 mit dem faszinierenden Projekt “im TAL”. Hierbei handelte es sich um die skulpturale Gestaltung eines Landschaftsgartens, an dem über 30 Kollegen teilnahmen. Das Projekt wird auch heute noch auf einem vergrößerten Gelände von 10 ha weitergeführt. Es ging, und geht heute noch, um das Wechselspiel von Kunst und Natur. Dabei steht eine grundsätzliche Frage im Mittelpunkt: Unterscheidet sich eine Skulptur, die für eine landschaftliche Situation angefertigt wird, von einem musealen Objekt? Grundsätzlich nicht, da die Gestaltungsinteressen im Vordergrund stehen. Es geht also um das Suchen und Finden einer bestimmten, den sinnlichen Erfahrungen adäquaten Form.

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The object artist, draftsman and sculptor Joel Fisher (participant in Documenta 5 in Kassel in 1972) created a series of soft-colored drawings for his edition of CARTE BLANCHE, which run through the artist’s book as a sequence, separated by black “dots”.

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Thomas Ruff hat für seine Ausgabe der carte blanche Pressefotos von Queen Elizabeth II und Familie aus den 40er Jahren mit vollflächig rosa bedruckten Seiten kombiniert. Diese Pressephotos aus einer Epoche ohne Photoshop wurden von Hand oft retuschiert. Bei manchen Bildern muß man fast von Be- oder Übermalung sprechen kann. Beim Betrachten dieser Auswahl zieht eine ganze Familiensaga an uns vorbei mit all ihren tragischen Fällen bis hin zur Erinne-rung an den jüngst verstorbenen Prinzgemahl Philip.

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Tim Scott (* 1937 in Richmond/London) gehört zu den herausragenden Bildhauern seiner Generation in England. Weltweite Anerkennung erhält er bereits in den 1960er Jahren als Protagonist der “Young Generation”, die mit neuen Materialien polychrome stereometrische Objekte von teils monumentaler Größe entwickelt. Mit seinen Stahlplastiken beeinflusst Scott, der als Professor an der St. Martin’s School of Art und der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg gelehrt hat, mehrere Generationen von Bildhauern. Seine Werke befinden sich u.a in der Tate Gallery, Museum of Contemporary Art Sydney, Museum of Modern Art New York, Albertinum Dresden. Die Monographie liefert erstmals einen Überblick über das gesamte plastische Werk von Tim Scott und enthält das Werkverzeichnis.

 

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Tim Scott (*1937 in Richmond/London) is one of the outstanding sculptors of his generation in England. He received worldwide recognition as early as the 1960s as a protagonist of the "Young Generation", which developed polychrome stereometric objects of sometimes monumental size using new materials. Scott, who taught as a professor at St. Martin's School of Art and the Academy of Fine Arts in Nuremberg, influenced several generations of sculptors with his steel sculptures. His works can be found in the Tate Gallery, Museum of Contemporary Art Sydney, Museum of Modern Art New York, Albertinum Dresden, among others. For the first time, the monograph provides an overview of Tim Scott's entire sculptural work and contains the catalog raisonné.

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Salon No. 20 ist die erste von einem Gast kuratierte Ausgabe des Magazins. Nora Schattauer hat während ihrer Lehrtätigkeit seit 2019 an der Kunstakademie Münster mit den Studierenden u.a. das Thema Künstlerbuch behandelt. Die in dieser Ausgabe enthaltenen Bildessays entstanden im Wintersemester 2021/22 und wurden von TOBIAS BERTZ, RONJA EISELT, LISA FELDEN, ADRIAN FERDINAND, WOORIM HA, JONATAN HINZ, SUYEON KIM, JANA NESTLER, LEILA ORTH, HYESUNG RYU, GLADYS WIERZ-BIBIAN speziell für Salon entwicklelt.

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Salon No.19 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: Matthias Beckmann, Franz Burkhardt, Timo Franke, Dieter Glasmacher, Pierre Granoux, Kocheisen & Hullmann, Alwin Lay, Ingo Meller, Petruschk Möhrer, Marcus Neufanger, Thomas Nolden, Patrick Rieve.

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Under the title "Instabiles" this narrow artist’s book brings together a series of still lifes that have taken shape in a nocturnal twilight zone. Not only are these blossoms, leaves, capsules and fruits unstable and changing, but so is the nature that produced their forms.

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Das Künstlerbuch WAITING FOR NOTHING zeigt Abbildungen von 94 Zeichnungen mit Ölfarbe auf Papier (jeweils im Format 51 x 44 cm). Es handelt sich um eine Auswahl aus einem Konvolut von nahezu 180 Arbeiten aus dem Jahr 2021. Die Zeichnungen sind eigenständig bzw. teilweise auch in Sets kombinierbar. Die Motive vereinigen erstmals die Küchenmotive von Schappert mit Portraits und seinen spezifischen Bildwerdungen der Schrift.

 
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Salon N0.21 enthält eine Sammlung von speziell für das magazin realisierten Bildessays von Maja Behrmann, Jonathan Bragdon, Ralf Brög, Dominik Geis, Gunther Keusen, Claudia von Koolwijk, Thomas Musehold, Oliver Schuß, Susanne Themlitz, Claudia de la Torre, Laude Yu
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Salon N0.21 contains a collection of pictoral essays especially made for the magazine by Maja Behrmann, Jonathan Bragdon, Ralf Brög, Dominik Geis, Gunther Keusen, Claudia von Koolwijk, Thomas Musehold, Oliver Schuß, Susanne Themlitz, Claudia de la Torre, Laude Yu
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"Zu Bildern kommen" ist Franziska Reinbothes erste Monographie. Sie gibt einen detaillierten Überblick über ihr künstlerisches Schaffen von 2008 bis heute.

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"Zu Bildern kommen" is Franziska Reinbothe's first monograph. The book gives a detailed overview of her artistic work from 2008 to the present day.

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Salon No. 23 enthält eine Sammlung von Bildessays (speziell für Salon gemacht) von Anna-Maria Bogner, Walter Dahn, Hörner/Antlfinger//CMUK, Marjorie Jongbloed, Johannes auf der Lake, KONSORTIUM, Aino Nebel & Tomasz Niedziółka, Kerstin Rupp, Roland Schappert, Julia Werhahn, Peter Wü̈thrich

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Salon No. 23 contains a collection of pictoral essays (especially made for Salon) by Anna-Maria Bogner, Walter Dahn, Hörner/Antlfinger//CMUK, Marjorie Jongbloed, Johannes auf der Lake, KONSORTIUM, Aino Nebel & Tomasz Niedziółka, Kerstin Rupp, Roland Schappert, Julia Werhahn, Peter Wü̈thrich

 

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Der Autor Dirk Lehr hat in jeweils 10 „Kurzgeschichten“ in informativer, wie auch unterhaltsamer Weise, die wichtigsten Punkte besprochen, die Kunstinteressierte vor einem Kunstkauf beachten sollten. 

Dirk Lehr ist Rechtsanwalt u.a. für Kunst- und Urheberrecht, Autor mehrerer Bücher sowie von Beiträge in Zeitungen und Künstlermonografien. Er sammelt seit seinem 18. Lebensjahr Kunst, verantwortete zahlreiche Kunstausstellungen und kuratiert solche. Seine über 30-jährige Erfahrung und seine Involvierung in den Kunstmarkt sowie in das Betriebssystem Kunst, wie insbesondere die Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstler, Institutionen, Kuratoren, Galerien, Händler und Auktionshäuser bilden die Basis für seine „10 Gebote.“ 

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Der Autor Dirk Lehr hat in jeweils 10 „Kurzgeschichten“ in informativer, wie auch unterhaltsamer Weise, die wichtigsten Punkte besprochen, die Künstlerinnen und Künstler beachten sollten. 

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In den letzten 6 Jahren befasste sich Daniel Karrer schwerpunktmässig mit der Technik der Hinterglasmalerei. In dem Buch werden ausgewählte Arbeiten aus dieser Periode vorgestellt.In einem Essay von Claudia Blank und einem Gespräch zwischen den Malerkollegen Francisco Sierra und Daniel Karrer wird über die Malerei und die Eigenheiten dieser Hinterglasmalerei reflektiert.

Wo immer in der Kunst ein gerahmtes Glas oder ein gemaltes Fenster auftaucht, wird von der Theorie der Vergleich des Huma-nisten und Architekten Leon Battista Alberti aus dem 15. Jahrhundert bemüht, der besagt, ein Gemälde eröffne die Illusion des Blicks durch ein Fenster. Während in der Antike das architektonische Fenster als Bild gepriesen wurde, kehrte Alberti die Glei-chung kurzerhand um: Bei ihm wird das gemalte Bild zum Fenster, welches Ein- oder vielmehr Ausblick in eine jenseitige Welt erlaubt. Auf diese vielzitierte Fenster-Metapher wurde selbst die Bezeichnung «Windows» für Bill Gates’ Software zurückgeführt. In Daniel Karrers Hinterglasgemälden klingen beide dieser so unterschiedlichen Assoziationen an. Karrers Bildinhalte sind vielfältig und seine Technik erinnert ästhetisch an digitale Medien, dennoch bleiben seine Werke immer ausgesprochen malerisch. Auch wenn die Glasscheibe das Oberflächenrelief konventioneller Malerei negiert, werden Pinselstrich und Geste durch die Transparenz des Bildträgers sichtbarer. Es ist, als würden wir durch ein Fenster auf die Malerei an sich blicken.

(Claudia Blank )

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2 x 16 Gedanken zur Kunst von Holger Bunk und Markus Vater lässt sich der verloren geglaubten Gattung der Emblemata zurechnen. Ihr in der europäischen Renaissance liegender Ursprung der meist in Buchform veröffentlichten obskuren Bild-Text-Verbindungen legt gern einen verborgenen Sinn hinter dem verrätselten ersten Eindruck frei. Die Künstler Bunk und Vater lassen uns tief in den Maschinenraum von Wortwahn und Bildwitz blicken. Intelligenten Sittengemälden gleich erzählen sie uns vom Zustand im Betriebssystem Kunst und eröffnen Antworten zu nicht gestellten Fragen. Ernsthaft melancholisch bisweilen, aber immer amüsant forschen sie nach dem Sinn von Missverstand und Moral. Das ist Kunst und kann ganz sicher nicht weg.       Gregor Jansen

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Durch sein Interesse an Überresten, an oft unterschwelligen Fundstücken, wirft Ben Greber einen Blick von außen auf unsere Gesellschaft, in der viele Lebensprozesse unsichtbar geworden sind. Angesichts dieser "Repräsentation" schafft er Erinnerungsmaschinen, Skulpturen mit industriellem und sakralem Charakter, die seine Gedanken über die Auswüchse der Digitalisierung unserer Gesellschaft mit uns teilen.

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Through his interest in remains, in often subliminal finds, Ben Greber takes an outside look at our society, in which many life processes have become invisible. In view of this "representation", he creates memory machines, sculptures with an industrial and sacred character that share his thoughts on the excesses of the digitalization of our society.

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Der Autor Dirk Lehr hat in jeweils 10 „Kurzgeschichten“ in informativer, wie auch unterhaltsamer Weise, die wichtigsten Punkte besprochen, die Sammler beim Kunstverkauf beachten sollten. 

Dirk Lehr ist Rechtsanwalt u.a. für Kunst- und Urheberrecht, Autor mehrerer Bücher sowie von Beiträge in Zeitungen und Künstlermonografien. Er sammelt seit seinem 18. Lebensjahr Kunst, verantwortete zahlreiche Kunstausstellungen und kuratiert solche. Seine über 30-jährige Erfahrung und seine Involvierung in den Kunstmarkt sowie in das Betriebssystem Kunst, wie insbesondere die Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstler, Institutionen, Kuratoren, Galerien, Händler und Auktionshäuser bilden die Basis für seine „10 Gebote.“ 

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Salon No. 24 enthält eine Sammlung von Bildessays (speziell für Salon gemacht)  von Jonathan Bragdon, Karlheinz Deutzmann, Stephan Hörnig, Gunther Keusen, Karin Kutsch, René Luckhardt, Claudia Mann, Franziska Reinbothe, Wolfgang Schäfer, Helmut Schweizer, Susanne S.D.Themlitz, Ruth Weber

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Salon No. 24 contains a collection of pictoral essays (especially made for Salon) by Jonathan Bragdon, Karlheinz Deutzmann, Stephan Hörnig, Gunther Keusen, Karin Kutsch, René Luckhardt, Claudia Mann, Franziska Reinbothe, Wolfgang Schäfer, Helmut Schweizer, Susanne S.D.Themlitz, Ruth Weber

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Blackbook ist Objekt und Dokumentation, Denkraum, Sammlung und Präsentation. Das Künstlerbuch Blackbook von Kriz Olbricht verschränkt Ansichten seiner künstlerischen Arbeiten mit seinen fotografischen Notizen alltäglicher Beobachtungen. Die Publikation bildet eine visuelle Topologie, die über eine ausschließliche Dokumentation hinausgeht und Prozesse darstellt, in denen Entwurf und fertige Arbeit gleichwertig sind. Das Blackbook – unter Graffiti-Writer:innen ein Buch, das Skizzen und Entwürfe wie auch Fotografien von bestehenden Werken vereint – dient damit Reflexion und Präsentation gleichermaßen. So versteht sich Kriz Olbrichts Buch als erweiterter Denk- und Bezugsraum, als Momentaufnahme zwischen vergangenen Arbeiten und neuen Ansätzen. Die Gestaltung von Blackbook entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Grafiker Marius Schwarz und betont die Handhabung als Objekt. Sieben Essays von Dietrich Roeschmann ergänzen die visuelle Gestaltung um gedankliche Räume und setzen die künstlerischen Arbeiten ins Verhältnis zueinander und zur Umwelt.

Realisiert mit einer Förderung der Kunststiftung NRW.

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Blackbook is an object and documentation, the room, collection and presentation. The artist book Blackbook by Kriz Olbricht entitled views of his artistic work with his photographic notes of everyday observations. The publication forms a visual topology that goes beyond an exclusive documentation and represents processes in which design and finished work are equivalent. The BlackBook-under graffiti writer: inside a book that combines sketches and designs as well as photographs of existing works-thus serves reflection and presentation alike. Kriz Olbricht's book sees himself as an extended thought and reference room, as a snapshot between past work and new approaches. The design of Blackbook was created in close cooperation with the graphic artist Marius Schwarz and emphasizes the handling as an object. Seven essays from Dietrich Roeschmann complement the visual design with intellectual spaces and put the artistic work in relation to each other and the environment.

Realized with a promotion of the NRW art foundation.

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Michael von Biel (geb. 1937) gehört zu den herausragenden Komponisten- und Künstlerpersönlichkeiten seiner Generation. Sowohl in der Neuen Musik als auch seinen konzeptuellen Zeichnungen und Gemälden ist er ein Grenzgänger zwischen U und E, konkret realistisch und abstrakt und gegenstandsfrei. In der bildenden Kunst wurde der Teilnehmer an der documenta 1977 vor allem mit seinen Paraphrasen nach Malern wie Böcklin und Turner und bildnerischen Kommentaren zum Bauhaus und zur Postmoderne bekannt. Bildende Kunst ist für Michael von Biel, der über Jahrzehnte in Köln ansässig war, ehe er sich 2005 nach Tübingen zurückzog, Medium der Aneignung, Selbstvergewisserung und Erkundung von Orten und Zeit. Das Verfahren der Zeichnung erweist sich für ihn – mit seinen Worten – als “Steckenpferd”, als Verfahren der Unmittelbarkeit und Authentizität: als bevorzugtes Ausdrucksmittel. Das nun erschienene Buch liefert erstmals einen Überblick über seine Werke auf Papier, der sechs Jahrzehnte umfasst und vergleichend einzelne Gemälde mit den gleichen Motiven einbezieht. Für das Buch hat Michael von Biel im Frühjahr und Sommer 2023 zwei Zeichnungsblöcke geschaffen, die es über die historische Entwicklung hinaus in der Gegenwart verankern. “Michael von Biel. Papierarbeiten” schließt in Konzept, Aufmachung und Umfang an das vor zwei Jahren erschienene Buch “Michael von Biel. Illustre Malerei” an.

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Als Vorlage diente ein Fundstück; Wespen hatten an einer Deckenlampe ein Nest gebaut. Diese von den Tieren hergestellte Montage aus einem natürlichen und einem technischen Gegenstand erinnert entfernt an Joseph Beuys‘ Capri-Batterie (1985). Dort entsteht durch die Zusammenfügung einer gelben Glühbirne in einer Steckerfassung und einer Zitrone aufgrund der Säure ein minimaler Stromfluss, der die Glühbirne – zumindest in der Vorstellung – erleuchten könnte. Vor dem Hintergrund zunehmender ökologischer Krisen appelliert Boscher Theodors hybrides Objekt in ähnlicher Weise an die Vorstellungskraft. Durch das digitale Reproduktionsverfahren – das allein die Abformung des fragilen, papierartigen Wespennests    ermöglicht – ist ein Objekt entstanden, das den Blick auf die symbiotische Beziehung zwischen einem von Menschen und einem von Tieren gemachten Ding lenkt: Die Unterscheidbarkeit zwischen Kultur- und Naturobjekt ist aufgehoben, stattdessen treten ihre nahtlosen Übergänge und Möglichkeiten der Koexistenz in den Vordergrund. (Barbara Hess)

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Subskriptionspreis für € 338,00 (bis 30.4.), danach € 398,00

Vorwort von Jean Tulard

Die deutschsprachige Augenzeugenliteratur der Napoléonischen Kriege 1804 - 1815.
Kritische Bibliographie zur Gedächtnisgeschichte mit Bibliotheks-Nachweisen und Online-
Ressourcen.

Mit dieser kritischen Bibliographie legt Dr. Eckhard M. Theewen erstmals ein Vollständigkeit
anstrebendes Verzeichnis der Memoiren, Tagebücher, Selbstbiographien und
Augenzeugenberichte über die Napoléonischen Kriege von 1804 bis 1815 vor, die in
deutscher Sprache oder Übersetzung veröffentlicht wurden. Die über 4200 erfassten Titel
werden weitestgehend von einer kritische Würdigung begleitet, besitzende Bibliotheken
nachgewiesen und Online-Ressourcen angegeben. Dieser „Deutsche Tulard“ ist das
unverzichtbare Referenzwerk für Bibliotheken, Wissenschaft und Sammler.    
With this critical bibliography, Dr. Eckhard M. Theewen presents for the first time a
comprehensive list of memoirs, diaries, self-biographies and eyewitness reports about the
Napoleonic Wars from 1804 to 1815, which were published in German or in translation. The
over 4,200 titles recorded are largely accompanied by a critical appraisal, libraries are
identified and online resources are provided. This “German Tulard” is the indispensable
reference work for libraries, science and collectors.

Avec cette bibliographie critique, Dr. Eckhard M. Theewen présente pour la première fois une
liste exhaustive de mémoires, journaux intimes, autobiographies et témoignages oculaires sur
les guerres Napoléoniennes de 1804 à 1815, publiés en allemand ou en traduction. Les plus de
4 200 titres répertoriés sont largement accompagnés d'une évaluation critique, les
bibliothèques sont identifiées et des ressources en ligne sont proposées. Cette « Tulard allemand
» est l’ouvrage de référence indispensable pour les bibliothèques, les scientifiques et les
collectionneurs.

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Subskriptionspreis für € 338,00 (bis 30.4.), danach € 398,00

Vorwort von Jean Tulard

Die deutschsprachige Augenzeugenliteratur der Napoléonischen Kriege 1804 - 1815.
Kritische Bibliographie zur Gedächtnisgeschichte mit Bibliotheks-Nachweisen und Online-
Ressourcen.

Mit dieser kritischen Bibliographie legt Dr. Eckhard M. Theewen erstmals ein Vollständigkeit
anstrebendes Verzeichnis der Memoiren, Tagebücher, Selbstbiographien und
Augenzeugenberichte über die Napoléonischen Kriege von 1804 bis 1815 vor, die in
deutscher Sprache oder Übersetzung veröffentlicht wurden. Die über 4200 erfassten Titel
werden weitestgehend von einer kritische Würdigung begleitet, besitzende Bibliotheken
nachgewiesen und Online-Ressourcen angegeben. Dieser „Deutsche Tulard“ ist das
unverzichtbare Referenzwerk für Bibliotheken, Wissenschaft und Sammler.    
With this critical bibliography, Dr. Eckhard M. Theewen presents for the first time a
comprehensive list of memoirs, diaries, self-biographies and eyewitness reports about the
Napoleonic Wars from 1804 to 1815, which were published in German or in translation. The
over 4,200 titles recorded are largely accompanied by a critical appraisal, libraries are
identified and online resources are provided. This “German Tulard” is the indispensable
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Avec cette bibliographie critique, Dr. Eckhard M. Theewen présente pour la première fois une
liste exhaustive de mémoires, journaux intimes, autobiographies et témoignages oculaires sur
les guerres Napoléoniennes de 1804 à 1815, publiés en allemand ou en traduction. Les plus de
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bibliothèques sont identifiées et des ressources en ligne sont proposées. Cette « Tulard allemand
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