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A small wax sculpture. Engraved on the back with the signature stamp and numbered. Each copy has a unique character.Different shades of wax and small variations in detail. Each sculpture is wrapped in green tissue paper and lies in a laser-milled foam board in an embossed cardboard box together with the artist book "Ears of my Heart".

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Die SX-70 ist ein Kultobjekt - spielerisch, spontan, malerisch, poetisch, erotisch. Die Bilder überraschen und beglücken durch ihre ganz eigene Qualität, die sich aus ihrer Farbigkeit, der Bildoberfläche, der leichten Unschärfe und dem fast quadratischen Format in dem weissen Bildrahmen zusammensetzt. Und außerdem sind sie auch noch Unikate.
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(Michael Glasmeier)
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Auf ein Jahr konzipiert, trugen in zehn Veranstaltungen neunzig in Deutschland lebende Künstler und Künstlerinnen zum Programm des MÖMAs bei.

Gefördert durch die Kunststiftung NRW
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    [content_de] => Monika Bartholomé reflektiert künstlerisch die Gemäldegalerie der Bremer Kunsthalle. Ein spannender Bildkosmos, in dem sie das Gesehene unter dem Titel Vorbilder ebenso hintersinnig wie augenzwinkernd umformulierte und erweiterte. Mit diesem Zusammenspiel aus Erinnerung, Assoziation und Vorstellungskraft kam sie einmal mehr dem zentralen Anliegen ihrer Kunst nach, die geheimnisvollen Wege der Wahrnehmung ins Bild zu setzen. (Nachwort Anne Buschhoff)

Beigelegt ist ein farbiger Bogen mit 92 Abbildungen in Farbe.
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Mit der Melancholie sind unterschiedlichste Arten von Sehnsuchtsgehalten verbunden, die jeweils emotionale Befindlichkeiten einer Zeit widerspiegeln. Sie ist von Weltschmerz geprägt, einer starken Emotionalität, die durch Resignation aber gleichzeitig auch von einer tatkräftigen Aufbruchstimmung bestimmt wird. Der hier angedeuteten Ambivalenz des Melancholischen wird in der Ausstellung ein Hauptaugenmerk gewidmet, mit Werken von Diana Al-Hadid, Abel Auer, Matthew Barney, Matthew Benedict, Walter Dahn, Sven Drühl, Jürgen von Dückerhoff, Melissa Gordon, Nschotschi Haslinger, Dorota Jurczak, Douglas Kolk, Ján Mancuska, Christof Mascher, Julian Rosefeldt, Astrid Sourkova, Tal R und Fabian Weinecke.
Das Genie-Konzept, das einem allgemeinen Verständnis nach eng mit dem der Melancholie verknüpft war, wurde in der Moderne ad absurdum geführt bzw. relativiert. Der in sich gekehrte, intellektuelle Künstler, der an der Welt verzweifelt und keinen Ausweg findet, wird durch einen aktiven Künstler ersetzt, der sich aus den Fesseln der Handlungshemmung befreit. Dieser Wandel bedeutet aber nicht, dass bisher vorherrschende Ansichten der Melancholie bedeutungslos geworden sind, vielmehr hat eine Akzentverschiebung stattgefunden, die stärker das kreative Potential des Melancholischen betont. Die ausgewählten Künstlerinnen und Künstler verdeutlichen, dass es dabei nicht nur um Perfektionierung, Harmonisierung oder Glättung geht. Ein wichtiges Kriterium von jeglicher Erfahrung ist auch das Misslingen, das Unangenehme, worüber man lieber schweigen würde, etwas was häufig auch als negative Erfahrung bezeichnet wird. Diese Diskrepanz zwischen angenehm und unangenehm, zwischen positiv und negativ ist Kennzeichen der Melancholie.
Begleitend zur Ausstellung erscheint im Salon-Verlag Köln ein 80 Seiten umfangreicher Katalog in deutscher und englischer Sprache, mit Textbeiträgen von Britta Stinn und Oliver Zybok.
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Ein wesentlicher Bestandteil dieses Projektes ist das Einbeziehen von Oberschulklassen und Studenten aus Deutschland und Rußland in einem Workshop. Das ist auch ein Versuch ohne hierarchische Ordnung Disziplinen, Menschen und Orte miteinander zu verbinden und die begrenzte Perspektive des ich-zentrierten Künstlerindividuums als Mediator zu durchbrechen.
Gestartet im Herbst 2007 in St. Petersburg und fortgesetzt im Sommer 2008 in Köln, sind als weitere Stationen des Projektes Hamburg, Istanbul, Tel-Aviv, Prag etc. geplant. Dabei dient das vorliegende Buch als Arbeitsgrundlage für die weitere Entwicklung des Projektes, wobei die Teilnehmer das Buch nach ihrem Belieben frei weitergestalten können. "The result is dead, long live process!" -Sacharow-Ross.
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Festeinband im PE-Getränkefolienumschlag.

Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.
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In Köln erinnerte er beispielsweise mit einer 400 Meter langen Strassenzeichnung mitten durch den Vorgebirgspark an den geplanten Autobahnbau aus den 60er Jahren, er stellte den 4466 Sprossenfenstern des Münsteraner Schlosses entsprechend viele Rasensitzplätze entgegen und mähte 2005 in Leipzig einen ganzen Skulpturenpark mit Denkmälern für Menschen, die ihm von Passanten während der Aktion vorgeschlagen worden sind.

Der in Köln lebende Künstler ist in Bad Oeynhausen geboren worden und studierte an den Hochschulen in Bielefeld, Enschede, Berlin und Hamburg. In dem Katalog werden die Projekte, die u.a. mit dem Goethe-Institut Rotterdam, mit den Kunstverein Siegen oder am Karlsruher Schloss realisiert wurden, dokumentiert.
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    [content_de] => Ein Buch mit Texten des konkreten Poeten Eugen Gomringer (* 1925) für den Kölner Bildhauer Heinz-Günther Prager (* 1944). Aus langjähriger Freundschaft heraus hat Gomringer in den letzten 30 Jahren immer wieder Texte (Texte, Ausstellungseröffnungsreden, Briefe, Gedichte) zum Werk Pragers verfasst. Das Buch vereint beides und zeigt Dialoge von Text und Bild.
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    [content_de] => Sonja Vordermaiers Skulpturen und Installationen sind „Möglichkeitsformen“ eines Zusammentreffens von Gegensätzen, sind Versuche, deren Spannungskraft, Widerstand und Irritationspotential auszuloten. Zustände im Raum werden umgekehrt. Ein Schatten nimmt dreidimensionale Gestalt an, Schweres vermag zu schweben, künstliche Materialien wachsen nach natürlichen Prinzipien.

Ihre Skulptur „Schatten 2“, entstanden 2007 im Rahmen des Werkstattpreises der Kunststiftung Erich Hauser, verkörpert solche grenzgängerischen Wandlungsprozesse. Diese setzen ein kreatives Potential frei, das fiktive Möglichkeiten des Materials und der Form vorstellbar macht, so z. B. Immaterialität und Wachstum. Das lichtschluckende Material (Basotect) im Licht erstrahlen lassen, dem Unsichtbaren im Sichtbaren eine überraschende Präsenz verschaffen, an sich statische Dinge in Bewegung versetzen – dies sind Möglichkeiten der Auseinandersetzung mit Wirklichkeit und Vision, die Sonja Vordermaier in ihren Arbeiten erforscht.
(Heiderose Langer)
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Foma Jaremtschuk wurde 1907 in einem abgelegen sibirischen Dorf geboren und starb 1986. Er hatte nie speziell zeichnen gelernt (er schloss lediglich die 3. Klasse einer dörflichen Grundschule ab). Sein weiteres Schicksal bis zum 29. Lebensjahr ist unbekannt. 1936, unter Stalin, wurde er der "Verleumdung der UdSSR" beschuldigt und in ein Arbeitslager eingewiesen. 1947 wurde er im Lager für wahnsinnig befunden und in eine geschlossene Psychiatrieanstalt überwiesen, wo er die Jahre 1947-1963 verbrachte. In dieser Zeit entstanden etwa 500 seiner Zeichnungen. 1963 wurde er in eine andere Klinik überführt, wo er bis 1974 blieb. Es wurden keine Zeichnungen aus dieser Zeit gefunden (wahrscheinlich wurden sie von den Mitarbeitern der Klinik vernichtet). 1974 wurde der Künstler aufgrund einer Verschlechterung seines Zustands in eine Klinik für besonders schwer kranke und tobsüchtige Patienten überführt, wo er schließlich 1986 starb.

Bisher gab es keine Publikation über Jaremtschuk. Es gibt auch kaum Literatur über russische Art Brut und man kennt die Arbeiten aus den russischen Psychiatrien hier kaum, da sie ganz lange unter Verschluss Gehalten wurden. Durch das Buch werden die Arbeiten dieses großartigen, authentischen Künstlers einer großen Öffentlichkeit vorgestellt und dem Vergessen entrissen.
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    [content_de] => Zur weiblichen Präsenz im künstlerischen Beruf wurde bisher die Bedeutung von Künstlerinnen im Kunstbetrieb der Hochschulen kaum beachtet: Welche Rolle spielen "Meisterinnen" an Hochschulen? In welcher Rolle sehen sie sich selbst? Wie ist das Verhältnis von eigener Arbeit und Lehrtätigkeit? Welche inneren Lehrpläne gibt es? Wie korreliert eigenes Werk und Vermittlungsarbeit? Wie kann sich das Bild einer Künstlerin durch Ihre Lehre erweitern? Gibt es neue Entwürfe?

In einer filmischen Dokumentationsserie habe ich acht internationale Künstlerinnen, die als Professorinnen an der Hochschulen arbeiten, zum Zusammenhang zwischen ihrer Lehrtätigkeit und der eigenen Arbeit befragt. Etliche Jahre später interessierte mich, ob sich die Haltungen verändert haben. Ich kehrte zurück und befragte alle Künstlerinnen erneut. Die Ergebnisse wurden in einem Buch zusammengestellt.

Aus der Perspektive einer Künstlerin interessierte mich insbesondere, welche Figuren, Lebens- und Arbeitszusammenhänge, Leitbilder und Ideale hinter diesen z.T. immer noch VorzeigeprofessorInnen stecken. Welche feinen Beziehungsstrukturen spannen sich zwischen dem eigenen Lehrentwurf und dem eigenen Werk? Wie entwirft sich die Künstlerin selbst als „LehrMeisterin“?.

Die Gespräche sind sehr persönlich unter vier Augen entstanden und aufgezeichnet worden. Die Künstlerinnen entwarfen so ein eindrückliches Bild ihrer Biografie im Zusammenhang von Kunst und Lehre. Die Veröffentlichung und die Form der endgültigen Texte wurde gemeinsam bearbeitet.
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    [content_de] => Ein umfassender Einblick in die zeitgenössische Kunst in Düsseldorf:
Vorgestellt werden 80 Künstler mit Texten von Thomas Hirsch und Portraitfotos
von Ricarda Niks, mit Werkabbildungen sowie Kurzbiographien im Anhang,
herausgegeben von Peter Liese in einer Zusammenarbeit der edition biograph mit
dem Salon Verlag.

Im April 1998 erschien der erste Teil der Serie "Künstler in Düsseldorf" in der
Düsseldorfer Zeitschrift "biograph", der erste Künstler, der hier im
Zusammenspiel von Text und Foto portraitiert wurde, war Alfonso Hüppi. Weitere
Künstler waren u.a. Ulrich Erben, Katharina Fritsch, Martin Honert, Konrad
Klapheck, Thomas Ruff, Reiner Ruthenbeck, Thomas Schütte, Katharina Sieverding,
Thomas Struth. In mehr als hundert Folgen ist mittlerweile eine Art Überblick
über das Kunstgeschehen in der Kunststadt Düsseldorf mit den hier ansässigen
Künstlern entstanden, das nun auch dem gleichnamigen Buch zugrunde liegt. Jedoch
verfolgt das Buch einen eigenen Ansatz. Die Texte sind völlig überarbeitet und
auf aktuellen Stand gesetzt, neue Portraitfotos kommen ebenso hinzu wie
Werkabbildungen. Die älteste Künstlerin wurde 1923 geboren, die jüngste 1976;
neben den Künstlern, die Kunstgeschichte geschrieben haben, sind solche
vertreten, die am Anfang ihrer Karriere stehen. Künstler, die im Fokus der
Aufmerksamkeit stehen, werden ebenso vorgestellt wie solche, die wieder oder
überhaupt zu entdecken sind - in einer ebenso intuitiven wie repräsentativen
Auswahl, die alle künstlerischen Medien bedenkt und die Vielschichtigkeit des
hiesigen Geschehens belegt.

So ergibt sich ein facettenreicher Blick auf die Kunststadt Düsseldorf.
Das Buch "Künstler in Düsseldorf" ist die umfassendste Schilderung dieses Themas
überhaupt - ein Standardwerk zum Kunstgeschehen in der Landeshauptstadt, das als
Orientierung im Kunstgeschehen dient.
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    [content_de] => Das Künstlerbuch W_20 37 405 : Caput mortuum von Jürgen Stollhans erschien am 13. Juni 2007 anlässlich der documenta 12 in einer Auflage von 1000 nummerierten und signierten Exemplaren als offizielle DOCUMENTA XII-EDITION.

Der Werkblock ist Ergebnis einer nahezu halbjährigen Recherche Jürgen Stollhans’ im militärisch-industriellen Komplex und im Bildungs- und Infrastrukturgefüge der Stadt Kassel und Umgebung und wurde an Ort und Stelle gefertigt.

Die Arbeit verteilt sich auf zwei Orte der documenta 12: Aue-Pavillon und documenta-Halle. Alle Motive sind mit weißer Kreide auf matt dunkelbraun grundierte Sperrholztafeln gezeichnet und unfixiert.

Die 14 Sujets der 20 Tafeln sind im Buch vollständig dokumentiert. Das Buch enthält einen – von zahlreichen Farbabbildungen begleiteten – Aufsatz von Birgit Laskowski zur Problematik der bildnerischen Verarbeitung gesellschaftlich-politischer Über- und Unterbauphänomene und eine Märchenparaphrase nach Brüder-Grimm-Motiven von Peter Güllenstern.
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    [content_de] => Die Kölner Künstlerin Siglinde Kallnbach hielt sich mehrfach in Japan auf. In ihren Foto- und Videoarbeiten spürt sie interkulturellen Vergleichen von Alltagssituationen und festlichen Ritualen nach. Das vorliegende Katalogbuch entstand im Zusammenhang einer Ausstellung mit Fotoarbeiten als Teil der Reihe "Deutschland in Japan 2005/2006". Diese Ausstelung ist, beginnend im September 2005 in Japan, in verschiedenen Gallerien und Museen zu sehen, darunter von Mai bis Juli 2008 im Ludwig Museum für Internationale Kunst, Aachen. Im Mittelpunkt stehen Aufnahmen von den Umzügen zum Nebuta-Fest in Nordjapan und Aufnahmen vom Kölner Karneval. In einer strukturellen Gegenüberstellung werden analoge Beziehungen herausgestellt. Texte von Georg Quander, Kulturdezernent der Stadt Köln, und Jürgen Raap, Kunstkritiker.
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    [content_de] => Der Mathematiker G. H. Hardy sieht in der zweckfreien Mathematik – im Unterschied zur angewandten Wissenschaft – Schönheit wie in Dichtung und Malerei. Diese Überlegung eröffnet einen besonderen Zugang zur Schönheit im Werk Bettina Blohms, das auf gründlicher Analyse beruht.
Daher sind die Texte von Britta E. Buhlmann und Heinz Höfchen, Sasa Hanten und der literarische Text von Rosemary Mahoney im vorliegenden Buch, das anlässlich von Ausstellungen im Museum Pfalzgalerie und dem Micus Museum auf Ibiza erscheint, unter dem Titel NO UGLY MATHEMATICS zusammengefasst.

Bettina Blohm, 1961 in Hamburg geboren, lebt und arbeitet seit 1984 in New York. Bisher ist sie vor allem als Malerin bekannt. Neben ihrer Malerei steht jedoch ein gleichrangiges zeichnerisches Werk, das ergänzt durch die neueste Werkgruppe ihres Schaffens, der Radierung, in NO UGLY MATHEMATICS umfassend gewürdigt wird.
In der Gegenüberstellung von Buntstiftzeichnung, Arbeiten mit Kohle und den Radierungen wird sichtbar, wie souverän Bettina Blohm jedes Medium für sich erschliesst. Denn in jedem Medium versteht sie es, unser Abstraktionsvermögen mit den spezifischen Ausdrucksformen der jeweiligen Technik zu fordern.
Die Auseinandersetzung der Schriftstellerin Rosemary Mahoney mit Bettina Blohm rückt die Künstlerpersönlichkeit in den Mittelpunkt des Interesses und rundet die Darstellung von Person und Werk ab.
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Weniger bekannt ist, dass Burgeff auch im Metier der Zeichnung Außerordentliches geleistet hat. Dabei sind seine Zeichnungen, die überwiegend mit Graphit, Pastellkreide und Kohle entstanden sind, autonom. Nur bedingt lassen sie sich auf die plastisch-skulpturale Tätigkeit zurückführen. Themen und Motive sind die Durchdringung von mythologischer und realer Welt, Fragen der Ökologie und die referentielle Hinterfragung der Tätigkeit als Künstler.
Das vorliegende Buch stellt nun die wichtigsten Werkphasen über einen Zeitraum von fünf Jahrzehnten mit zahlreichen exemplarischen, in Duplex reproduzierten Arbeiten vor. Es enthält Textbeiträge von Thomas Hirsch, Hans van der Grinten, Christine Knupp-Uhlenhaut, Irmgard Lauscher-Koch und Elisabeth Perger und hält im Anhang eine ausführliche Biographie zu Karl Burgeff bereit.
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    [content_de] => Alfonso Hüppi, der 1935 in Freiburg i.Br. geboren wurde, in der Schweiz aufwuchs und von 1974 bis 1999 als Professor für Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf lehrte, zählt zu den originellsten Künstlern unserer Zeit. Sein Werk erstreckt sich auf die unterschiedlichsten Bereiche, es umfasst plastisch-skulpturale Arbeiten ebenso wie Handzeichnungen und raumgreifende Installationen. Es bewegt sich in einer konstruktiven Gegenständlichkeit und führt diese zugleich auf die Figur zurück, die bis heute wesentlicher Impuls seines Schaffens ist.

Weniger bekannt sind die Druckgraphiken, die indes eine außerordentliche Rolle im Zusammenhalt des Gesamtwerkes spielen. Die Druckgraphiken setzen bereits in den 1950er Jahren, zu Beginn des Studiums ein und erstrecken sich bis in die heutige Zeit. Sie umfassen alle gängigen Verfahren, wobei Hüppi vor allem in den 1970er und 1980er Jahren mit Siebdrucken für Aufsehen sorgt und mittlerweile neben den Überarbeitungen druckgraphischer Blätter auch experimentell arbeitet, neue Verfahren entwickelt.

Das nun vorliegende Buch stellt erstmals das druckgraphische Werk dieses herausragenden deutsch-schweizerischen Künstlers explizit vor. Neben einem ausführlichen, das druckgraphische Werk in seiner Gesamtheit umspannenden, farbig reproduzierten Bildteil enthält es ein komplettes Verzeichnis aller Druckwerke und berücksichtigt dabei auch die Mappenwerke. Die Textbeiträge stammen von Thomas Hirsch, der die Druckgraphik im Kontext des Oeuvres und anhand von Vergleichsabbildungen beleuchtet, und von Rosa von der Schulenburg, die die neueren Werkphasen der Rouleaus und der Tücher vorstellt. Im Anhang finden sich eine ausführliche Bibliographie und ein vollständiges Ausstellungsverzeichnis.
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Der U-Boot-Bunker Fink II in Hamburg-Finkenwerder wurde 1941-42 auf dem Gelände der Deutschen Werft errichtet, 1945 zerstört und nach Schließung der Deutschen Werft in den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts zugeschüttet. 2006 gestalteten kirsch bremer artandarchitecture die wieder freigelegte Bunkerruine zu einem zeitgemäßen Denkmal. kirsch bremer artandarchitecture erforschen die Grenzbereiche zwischen Kunst, Architektur und Stadtraum; Grenzbereiche der Wahrnehmung, die den gewöhnlichen, an der Zentralperspektive und der architektonischen Bodenhaftung ausgerichteten Blick in Frage stellen. Projektionen und Lichterscheinungen sowie die Schichtung verschiedener Betrachterperspektiven treten gleichwertig neben die materielle Präsenz des Gebauten. Orte, die nicht offensichtlich im Bewusstsein sind, werden durch die Steigerung ihrer Eigenschaften - durch strenge architektonische Form, durch Licht, durch Reflexion, durch die Lenkung und Weitung des Blicks - transformiert.

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    [content_de] => Im Sommer 2006 fand unter dem Titel "Meistermaler" in der Münchner City ein bisher einmaliges künstlerisches Experiment im öffentlichen Raum statt. Fünf Straßenmaler wurden im Rahmen des 9. RISCHart_PROJEKTS beauftragt, insgesamt 15 Gemälde zeitgenössischer Künstler sowie ein Werk des Renaissancekünstlers Piero della Francesca großformatig auf den Asphalt zu übertragen. Innerhalb von zwei Wochen entstand eine temporäre öffentliche Galerie moderner Kunst, die vom Publikum begeistert aufgenommen wurde. Erstmals wurde damit das traditionell eher barocker Malerei vorbehaltene Medium der Straßenmalerei für zeitgenössische Kunst genutzt. Die dabei verwendeten Werke stammten von Peter Bömmels, Anke Doberauer, Thomas Grundmann, Frank Herzog, Karin Kneffel, Michael Kunze, Christian Macketanz, Stephan Melzl, Benedict Peyrat, Norbert Schwontkowski, Beate Spalthoff, Florian Süssmayr, Alex Tennigkeit, Uwe Oldenburg und Jochen Twelker. Der vorliegende Band umfasst ein im vorderen Teil eingebundenes, bereits zur Aktion erschienenes Heft mit detaillierten Erläuterungen zu den verwendeten Vorlagen der zeitgenössischen Künstler und eine reich bebilderte Dokumentation mit Textbeiträgen zum Verlauf des Projekts, dessen Einordnung in den kunsthistorischen und ästhetischen Kontext und zur Geschichte der Straßenmalerei.
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    [content_de] => Üblicherweise sind es abgerundete oder eckige Bildträger aus Holz, die Christoph Wedding für seine Gemälde verwendet. Diese geben den Bildern etwas Räumlich-Objekthaftes, rücken sie von der Wand ab und halten sie in er Schwebe. Segmente, Tangenten und Bägen werden vom Bildrand scharf angeschnitten, so dass sie den Eindruck eines Ausschnitts erwecken. Man kann daher von einem Prinzip der Schnittkante sprechen - nicht allein in Bezug auf das Bildsujet, sondern auch in Relation des Bildes zum Umraum -, wodurch das Gemälde über das Abgebildete hinaus imaginär weitergeführt wird.

Dieses Moment entwickeln auch die Wandgemälde von Christoph Wedding. Wenn sie Aspekte wie Bündelung, Leere, Raum und Fläche aufgreifen, beziehen sie ihr Ideengerüst unmittelbar aus den Gemälden auf Holz. Greifen die ersten Wandarbeiten Einzelaspekte der Bilder auf Holz auf und thematisierten diese in monumentalem Ausmaß, sind es zusehends neue Elemente der Wandarbeiten, die wieder in die Bildformate zurückfließen. nsofern sind die Wandgemälde als Experimentierfeld, aus dem sich neue Bildläsungen extrahieren lassen, von zunehmend gro§er Bedeutung.

Hiervon zeugt insbesondere die rasche Folge an monumentalen Ausführungen im Jahr 2004, in dem vier von bislang neun Wandarbeiten entstehen. Vor einem monochromen Grund entwickeln sich einfache Farbschlieren horizontal oder vertikal in den Raum. Sie treten auch als einzeln definierte Bänder auf, verknoten sich oder verdichten sich zu diffusen Wolken, hinter die der einzelne Pinselstrich zurücktritt. Oder es legen sich horizontale Zips und pastose Farbinseln über das Bild, wie auch räumlich verzerrte Flächen, die sich durch ihre gekippte Anordnung zu spiegeln scheinen, in den Tiefengrund hineinragen.

Eine zunehmende Verschränkung einzelner Elemente lässt sich an der im Vorjahr entstandenen Arbeit "Lost" ablesen. Die feine Linearität der grellen Signalfarben im Vordergrund, frei geführte Pinselstriche des Zwischengrundes und der flächige Hintergrund fügen sich hier ebenso harmonisch wie miteinander konkurrierend ineinander.
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    [content_de] => Alexander Brauns Künstlerbuch korrespondiert mit seiner neuen Werkgruppe »Life in the Woods« für die er sich von Henry David Thoreaus Buch »Walden« (1854) inspirieren ließ. Die dem Künstlerbuch beigegebenen Drucksachen dokumentieren außerdem einen Teil des Ressource-Materials des Künstlers: bei e-bay erworbene Fotografien z.B. von Kindern in Skelett-Kostümen, aber auch selbst fotografierte Waldstudien. Zwei beigelegte Gewebebänder imaginieren die Wäscheschildchen Henry David Thoreaus und Walt Whitmans.

Die Exemplare 1-100 sind in PVC-Hülle mit gewebtem Schlüsselband und signiert von Alexander Braun.
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    [content_de] => Als die Fotografie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts erheblich an Bedeutung gewinnt, entsteht gleichzeitig mit dem Künstlerbuch ein neues Medium des künstlerischen Ausdrucks. Die Auseinandersetzung mit der Fotografie spielt dabei eine entscheidende Rolle. Der Katalog »Ars Photographica – Fotografie und Künstlerbücher« dokumentiert erstmals die Wechselwirkungen zwischen diesen beiden Gattungen der neueren Kunstgeschichte. Das breite Spektrum fotografischer Arbeiten reicht von sachlichen Architekturdarstellungen, großformatigen Landschaftsaufnahmen, alltäglichen Amateuraufnahmen, verfremdeten Selbstbildnisse bis zur Darstellung künstlerischer Aktionen. Die preiswerte und nahezu unbegrenzbare Reproduzierbarkeit der fotografischen Bilder verbindet die Fotografie mit dem Künstlerbuch. Die Bedeutung des handgemachten Originals tritt hinter der demokratischen Idee zurück, ein möglichst breites und vielfältiges Publikum zu erreichen. Der Katalog zeigt u.a. Arbeiten von Marina Abramovic, Bernd und Hilla Becher, Christian Boltanski, Giorgio Ciam, Hans-Peter Feldmann, Gilbert & George, Annette Messager, Roni Horn, Alfredo Jaar und Thomas Kapielski.
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    [content_de] => Der mystische Prediger Meister Eckhart, einer der großen Söhne Thüringens, war sich der Grenzen des sprachlichen Ausdrucks durchaus bewusst, ähnlich wie viel später der Philosoph Ludwig Wittgenstein, als er formulierte: »Es gibt allerdings Unaussprechliches. Dies zeigt sich. Es ist das Mystische.«
Dieses Zitat und die vom Neuplatonismus beeinflussten Ideen Meister Eckharts bilden den Ausgangspunkt
für eine Ausstellung, welche die Spannbreite der künstlerischen Auseinandersetzung mit Mystik und spiritueller Transzendenz von der Moderne bis in die unmittelbare Gegenwart exemplarisch belegt.
Mit der Annäherung an mystische Begriffe wie »grundloser Grund«, »stille Wüste«, »Leere«, »Nichtigkeit «, »pures Licht«, »Entwerdung«, »Entbildung«, »Abgeschiedenheit « oder »das einfaltige Eine«, mit der Vergegenwärtigung von Grunderfahrungen der mystischen Gott-Mensch-Einung im Unendlichen, Absoluten und Namenlosen jenseits von Zeit und Raum begeben sich die modernen Künstler in Grenzregionen: Sie verlassen die »große Erzählung« von der Wirklichkeit in Porträt, Landschaft, Historie, Interieur, Stillleben etc. und nähern sich einer Grenze des Schweigens, »letzten Bildern« im Übergang zur Bildlosigkeit, einer Welt des »Inneren Auges«, der naussprechlichen, reinen Erfahrung.

Das vorliegende Buch versammelt grundlegende Essays zur Thematik von Karl Schawelka, Kai Uwe Schierz und Wolfgang Wackernagel. Sie entwerfen die Perspektive, aus der heraus die ausgewählten künstlerischen Arbeiten eine spezifische Deutung erfahren können. Außerdem werden sämtliche künstlerischen Positionen von fachkundigen Autorinnen und Autoren interpretiert. Ausführliche Autorenbiografien runden die Publikation ab.
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Heather Allen experimentierte von Beginn an auch in anderen Richtungen mit ihren Figuren und setzte sie parallel immer wieder für fotografische Inszenierungen ein. Sie plazierte sie u.a. in Zimmerecken, auf ihrem Körper oder ließ sie das Londoner Arbeitszimmer von Sigmund Freud bevölkern. Doch unabhängig davon, ob die Figuren in Installationen oder Fotografien auftauchen, entscheidend ist: Es sind nicht die Klons, sondern es ist die vielfältige Palette eine Person, die Heather Allen in ihren »modellhaften Selbsterkundungen« umsetzt.
Heather Allens Interesse an dem letztlich unberechenbaren und nichtdeterminierten Ich zieht sich wie ein roter Faden durch ihre gesamte Arbeit. Damit sind nicht übernatürliche Fähigkeiten oder das Pathologische angesprochen, sondern der durchaus normale Zustand eines jeden, gemäß: Ich sind ganz viele.
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Das Buch dokumentiert die gleichnamige, aus drei Videoinstallationen bestehende Trilogie. In diesen Werken erforscht Niccoli in den Städten Berlin, Montreal und Istanbul den Blickwechsel zwischen einzelnen Individuen im anonymen Kontext eines U-Bahnhofes.
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„Copy and Past“ ist eine Werkschau oder besser noch ein Archiv. Künstler und Chefredakteur Lemke (1970-2006) nahm den Titel wörtlich und kopierte sein Schaffen zwischen die Titelseiten. Dabei war es ihm ein Anliegen, „an mein eigenes Werk als Kurator heranzutreten, der keinen Unterschied macht, ob nun die Arbeiten mit 12 oder mit 32 Jahren entstanden sind, und hofft, dass sie gesehen werden können als das, was sie sind. Dabei bin ich gerne und bewusst das Risiko eingegangen, dass Dinge sich vielleicht gegenseitig aufheben oder ganz einfach keinen klaren roten Faden erkennen lassen. Dies ist mir aber um einiges lieber, als mein eigenes Schaffen in irgendeiner Weise zu beschränken, nur um schneller als „Marke“ erkannt zu werden.“ (Lemke, „Copy and Past“, S. 1)
Lemke, der längst als „Marke“ in Kennerkreisen bekannt ist, zeichnet mit diesem sowohl Layout als auch Genre sprengenden Gesamtwerk das (Selbst-)Porträt des Künstlers als ein junger Mann, der außerdem noch Unternehmer, Tourist, Vertreter, Arbeiter, Philosoph … und natürlich Chefredakteur und brillanter Entertainer war.

Der Titel „Copy and Past. Nr. 1. Der Künstler als ein junger Mann“ lässt weitere Ausgaben erwarten – allein die Tatsache, dass der Künstler, Jahrgang 1970, diese Welt am 17. Februar 2006 schon als junger Mann verlassen hat, macht diese Hoffnung zunichte. Das ist schade und sehr traurig.
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Der belgische Malerstar Luc Tuymans präsentiert als neues Künstlerbuch in der EDITION EX LIBRIS: "Christopher Caudwell – Illusion and Reality (1937)". Die Edition Ex Libris hat es sich zur Aufgabe gemacht, Bücher, die für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler von Bedeutung sind, dem Vergessen zu entreissen. Durch den von Luc Tuymans entworfenen Buchumschlag wird dieser ansonsten unveränderte Reprint zu einem Künstlerbuch, das in den Bibliotheken der Sammler und Bibliophilen unter dem Namen Luc Tuymans eingeordnet werden wird und helfen wird, das Werk dieses Malers, der sich seit Jahren mit den Phänomenen der Wahrnehmung von geschichtlicher Realität und den sich daraus ergebenden Illusionen auseinandersetzt, in einem neuen Licht zu sehen.

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    [content_de] => Die große alte Dame der amerikanischen Kunst, die 93-jährige Louise Bourgeois, hat für die Edition Ex Libris das erste von einer Frau veröffentlichte medizinische Buch (Frauen- und Kinderheilkunde, Geburtshilfe) ausgewählt. Die Verfasserin des Buches, die Hebamme Louise Bourgeois, stand zu Beginn des 17. Jahrhunderts im Dienste des französischen Königs. Durch den von der Künstlerin gestalteten Umschlag wird dieses Reprint zum Künstlerbuch und hilft gleichzeitig, das um die Themenkreise Leiblichkeit und Weiblichkeit kreisende künstlerischen Schaffens von Louise Bourgeois in einem neuen Licht zu sehen.
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    [content_de] => Die Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und das Kunstmuseum Wolfsburg verbindet nicht nur ihre räumliche Nachbarschaft, sondern vor allem eine inhaltliche Nähe: ihre Konzentration auf die Gegenwartskunst.
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Die Publikation Blickfeld Gegenwartskunst versteht sich als ein Baustein in dieser lebendigen Wechselbeziehung. Sie fasst die Beiträge der Ringvorlesung zur Gegenwartskunst vom Wintersemester 2004/05 an der HBK Braunschweig zusammen, die eine breite Palette von Fragestellungen, Motivationen und Methoden im Umgang mit moderner und zeitgenössischer Kunst vorstellte. Das Kunstmuseum Wolfsburg lud mit dieser Kooperation nicht nur zum Besuch seiner Sammlung ein, sondern zur kritischen, intellektuellen und sinnlichen Auseinandersetzung mit »ihren« Künstlerinnen und Künstlern und mit dem eigenen kuratorischen Konzept.
Das vorliegende Buch hat den Anspruch eines kleinen Handbuchs: als Begleiter im realen Gang durch die Räume des Kunstmuseum Wolfsburg und im imaginären Dialog mit den Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern, die diese einmalige Sammlung zeitgenössischer Kunst ganz individuell in den Blick genommen haben.

Autoren:
Eckhard Bauer, Stephan Berg, Hannes Böhringer, Holger Broeker, Victoria von Flemming, Sabine Kampmann, Thomas Köhler, Siegfried Lang, Annelie Lütgens, Yvonne Spielmann, Katharina Sykora, Viola Vahrson.
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Makingofilm sind freie Improvisationen zu Samuel Becketts „ Film“. „Film“ war Becketts erste cineastische Produktion, die unter seiner Direktive und unter der Regie von Alan Schneider 1964 in New York mit dem alten Buster Keaton in der Hauptrolle gedreht wurde. In einem 20- minütigen Verfolgungs und Verbergungsdialog zwischen Kamera - Auge und Keaton - Objekt thematisiert Beckett hier nicht nur die Aporie einer Flucht aus der Wahrnehmung sondern reflektiert auch auf sehr verdichtete Art und Weise die Grundkonditionen dessen was Film überhaupt ausmacht . Obgleich „ Film“ kurz nach seiner Veröffentlichung bereits auf internatonalen Festivals prämiert wurde, waren sich nahezu alle Beteiligten einig, dass er in der Realisation und Konzeption erhebliche Mängel aufwies. Es eignet ihm die Qualität einer fragmentarischen Rohheit, die Beckett selbst zu weiteren filmischen Experimenten anspornte. Makingofilm spielt als zeitgenössisches Remake, das ständig durch einen Blick hinter die Kulissen gebrochen wird, mit einer Vielzahl von Motiven aus „ Film“ ; In Bezug auf Becketts Minimalismus verhält sich Makingofilm jedoch antithetisch und überführt seine Strategie der Komprimierung in den Zustand einer operettenhaften Dispersion. Grundlagen für die fünfwöchigen Makingo- Dreharbeiten, die im Frühjahr 2004 auf dem Bahnhofsvorplatz von Göppingen stattfanden war die Begegnung zweier künstlerischer Lehrkonzepte, der plastisch- kybernetischen Kameraarbeit von Georg Winter ( UCS ) und der ambulanten Zeichenpraxis von Alexander Roob ( CS ). Es ergaben sich daraus eine Vielzahl von gruppenimprovisatorischen Variationen und individuellen Fortführungen , die das Projekt Makingofilm in einem facettenartigen Nebeneinander konstituieren . Makingofilm wurde realisiert in einer Kooperation der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart mit der Kunsthalle Göppingen und dem Kunsthaus Zug mobil. Eine erste Präsentation des Projekts fand nach des Rückkehr des Kunsthaus Zug mobil im Sommer 2004 in Zug statt, eine weitere im Frühjahr 2005 im Kunstmuseum Stuttgart Makingofilm sind : David Baur - Bettina Böhm - René Borst- Wendelin Büchler -Anna Edzgueradze - Regina Geckeler - Simone Geiger - Tobias Greiner - Eric Henzler Christoph Kappler - Tae-Young Kim - Bernd Kirschner - Nele Knatz Philip Loersch - Andreas Nickel - Sang-Ho Park - Inna Poltorychin Matthias Reinhold - Alexander Roob - Monika Schlachter Georg Winter - Tobias Zaft Schauspieler : Maatin Schmidt, sowie Fritz Barth, Manfred Schmidt, Karin Biller ,Henner Pfennig und die Makingo - Filmcrew. Gäste bei der Umsetzung des car-stunts : Hjun Joo Choi, Wolfgang Obermaier, Vanina Rodriguez, Bernhard Sailer, Michel Schmidt (Akademie der Bildenden Künste Nürnberg )

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    [content_de] => Die von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene édition séparée bietet ausgewählten Künstlern die Möglichkeit, authentische Beiträge in der Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Die Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von Autoren, die er selbst bestimmt und die den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die bisher entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Zeichnung, Theorie, Typographie und elektronischer Bildbearbeitung.
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    [content_de] => Doris Frohnapfel besuchte und fotografierte Grenzen und Grenzlandschaften des sich neu formierenden Europa in Finnland, Estland, Lettland, Litauen, Polen, Bulgarien, Türkei, Spanien, Frankreich usw. Ihre oft menschenleeren Fotos zeigen direkte, unsichtbare, sich auflösende und neu befestigte Grenzen, militärische Zeichen der Ein- und Ausgrenzung, der Bewachung und Kontrolle. Mauern, Zäune, Wachtürme, Schilder, Absperrungen, verfallende und im Bau befindliche neue Kontrollstützpunkte verbinden sich mit natürlichen Grenzen. In vielen Fotografien wird daher auch immer wieder auf die gleichen Mittel der Abgrenzung und Sicherung, die sich zu einer Grenzarchitektur zusammenfassen liessen, hingewiesen. Doris Frohnapfels Fotos beschreiben einen abstrakten Moment, Realität festzuhalten, zu dokumentieren, ein Bild zu konstruieren und Geschichten zu erzählen. Das Projekt wird von einem vielseitigen und informativen Textteil begleitet.
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    [content_de] => „Pathetischer Betrug – Romantische Atmosphären und Aggregatzustände” stellt Werke von 19 Künstlern vor, die Räume der Fiktion eröffnen, sich vielfältig von der europäischen Kunstgeschichte inspirieren lassen und keine Scheu davor haben, in Bildern Geschichten zu erzählen. Neben dem narrativen Potential stehen Auflösungen und Verdichtungen, Kreisläufe und Metamorphosen, Meere und Wälder, hermetische Universen und akribische Naturbeobachtungen für unterschiedliche Versuche, der Komplexität der heutigen, von der selbstverständlichen Nutzung auch digitaler Bildmedien geprägten Zeit mit einer neuen „Natürlichkeit” zu begegnen.

Künstler: Christoph Bannat, Rebekka Brunke, Peter Duka, Nathalie Grenzhaeuser, Beate Gütschow, Peter Heber, Jochem Hendricks, Achim Hoops, Uwe Kowski, Michael Kunze, Thomas Locher, Sebastian Ludwig, Julia Oschatz, Anke Röhrscheid, Corinna Schnitt, Studer/van den Berg, Markus Vater, John von Bergen, Heike Weber
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    [content_de] => "Aus erster Hand“ heißt die neue Doppelpublikation des Künstlerduos Lili Fischer und Georg Jappe. Zwei selbständige Kataloge sind in eine gemeinsame dunkelrote Mappe raffiniert eingesteckt. Schriftzeichnung ist das Grundthema – von Lili Fischer dargestellt vom autonomen Federzug über lebendige Tanzpartituren bis zu objekthaften Schriftrollen, die bei Performances zum Einsatz kamen, von Georg Jappe variiert als spontane AufZeichnungen auf Schreibtischblättern, Notate zwischen Lesbarkeit und Gedankenfluß. Die Ausstellung im Stadtmuseum Münster stellte bewußt die erste Schriftkultur der Karolingerzeit mit den letzten(?) Ausläufern der Handschrift in Kontext. Im Computer-Zeitalter ein betont bibliophiles Künstlerbuch „aus erster Hand“.
„Schriftbilder, Partituren und Kalligramme, deren Ästhetik die digitalen und multimedialen Kommunikationssysteme ganz schön alt aussehen läßt.“ (Westfälische Nachrichten)
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    [title] => Die Kunst - Der Körper - Das Textile
    [content_de] => Die Sammlung von unterschiedlichen Beiträgen zum Thema „Die Kunst Der Körper Das Textile“ hat ihre Basis in einer Reihe von theoretischen Vorträgen und Künstlervorträgen, die am Institut für Ästhetisch-Kulturelle Bildung der Universität Flensburg gehalten wurden.
Die Texte und Bilderessays werden als thematische Sammlung nebeneinander gestellt, so dass in den entstehenden Leerstellen zwischen den unterschiedlichen Beiträgen beim Lesen neue Verknüpfungen und Denkanregungen zur Thematik „Die Kunst Der Körper Das Textile“ möglich werden. Ausgangs- und Mittelpunkt ist der Körper, von dem aus Spuren in die Kunst, in das Textile und in die Pädagogik gelegt werden.
Der Körper – die Diskussion der Körperlichkeit gewinnt an Dynamik und an Akzentuierungen: Den menschlichen Körper korrigieren, konstruieren, manipulieren, ihn lesen und lernen oder entschönen und an seine Grenzen bringen. Mit dem Beginn der Industrialisierung wurden Kleiderpuppen in Serie angefertigt, in Schaufenstern ausgestellt und damit auch der Körper erstmals als Massenware präsentiert. In der Informationsgesellschaft erhält das Körperbild seine Konditionen durch Fotografie, Mode und digitale Medien. Der Körper wird zum Bild und hat sich dem Bild anzugleichen. Medien inszenieren ein Bezugsideal und beeinflussen unser Denken, Fühlen und Handeln über Körper und Körperlichkeit ebenso wie wir erkennen, dass unser Körper (im Sinne von Leib) als Bezugssystem für Denken, Fühlen und Handeln wirkt. Der Leib als letztes Refugium der Identität?
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In dieser von Gerhard Theewen herausgegebenen neuen Edition bekommt der Begriff "Künstlerbuch" eine neue Dimension. Der für die Edition Ex Libris eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, das er unter seinem Namen als Reprint präsentiert. So wird das "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch, das in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen dann unter seinem Namen eingeordnet werden wird. Auf diese Art werden Quellenwerke für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler in neuem Licht gesehen und dem Vergessen entrissen …

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    [title] => Neue Kunst in alten Gärten
    [content_de] => Im Südwesten Hannovers trifft man auf eine der schönsten und vielfältigsten Kulturlandschaften Niedersachsens - das Calenberger Land. In dieser ländlich geprägten Gegend liegen zahlreiche Güter mit ihren Gärten und Parks.
Im Jahre 1999 gründeten Rittergutsbesitzer, Künstler aus der Region sowie Kunstinteressierte den Verein Neue Kunst in alten Gärten e.V.. Der Verein zeichnet für das gesamte Skulpturenprojekt verantwortlich. Dieser hat die Ausstellungsidee entwickelt und stellt die Gärten als Ausstellungsorte zur Verfügung.
Als eine seiner wichtigsten Aufgaben sieht der Verein die Förderung junger Künstler. Gerade ihnen möchte er die Möglichkeit geben, zusammen mit international bekannten Künstlern auszustellen.
Die beiden für das Skulpturenprojekt ausgewählten Gärten des Ober- und Unterguts in Lenthe sind im Stil des englischen Landschaftsgartens des 18. Jahrhunderts angelegt.
Die Ausstellung unternimmt den Versuch, neue Blickbezüge in den Landschaftsgärten zu öffnen. Mit der Auswahl der eingeladenen Künstler verschiedener Altersstufen - verbunden mit den von Ihnen repräsentierten unterschiedlichen Arbeitsfeldern - geben wir der Veränderung von Begrifflichkeiten besonderes Gewicht.
Das “Kunst- und das Naturschöne" (G.W.F. Hegel), sollen in diesem Projekt in einem spannungsvollen Dialog zueinander finden.

Mit Arbeiten von Stefka Ammon, Volker Bartsch, Ilka Berndt, Riccardo Biondi, Simone Böhm, Brunner + Ritz, Ricardo Calero, Klaus Duschat, Rainer Figur, Thomas Gerhards, Yvonne Goulbier, Seontae Hwang, Azade Köker, Lothar Krüll, Sebastian Kuhn, Victor López, Hannes Malte Mahler, Hannes Meinhard, Regine Nölken, Maren Roloff, Hartmut Stielow, David Lee Thompson, Kwanho Yuh, Michael Zwingmann
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Im Zentrum dieses Bildbandes stehen Photographien von Arbeiterzeichnungen. Diese Zeichnungen befinden sich auf Oberflächen, die in der Umgebung von industriellen Prozessen zu finden sind. Metallwände, Holzkisten, gestanzte und gegossene Formen stellen nur einen Teil der Flächen dar, auf denen gezeichnet wurde. Diese Zeichnungen sind während der Arbeit entstanden und dienten wohl weitestgehend der korrekten Abwicklung von industriellen Abläufen. Weitestgehend... Zu sehen sind Kreidezeichnungen, Notizen, gesellige Mitteilungen, die von Arbeitern während oder neben der Arbeit angefertigt wurden. Diese Höhlenmalereien der zweiten Eisenzeit zeigen oftmals eine erstaunliche Ähnlichkeit zu Werken der zeitgenössischen Malerei und Zeichnung. Die für sein Projekt “Liegen Lassen” verwendeten Photographien fand Jörg Paul Janka bei seiner Recherche im Fotoarchiv Ruhrlandmuseum Essen.

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Davon ausgehend werden am Beispiel von zwei Lehrveranstaltungen in einem qualitativ-empirischen Forschungsprojekt Möglichkeiten untersucht und diskutiert, über ästhetische Verfahren in der Lehrer/innenbildung bio-grafisch zu arbeiten.
Ein Buch für alle, die an einer Qualifizierung von Lehrer/innenausbildung interessiert sind.
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    [content_de] => Mit der überblicksartig angelegten Ausstellung „Diana Thater. Keep the faith.“ präsentiert die Kunsthalle Bremen und das Museum für Gegenwartskunst Siegen eine umfassende Werkschau der kalifornischen Künstlerin Diana Thater (*1962). Sie bezieht in der noch jungen Videokunst eine höchst eigenständige Position, weil sie die Videoprojektionen mit dem Raum durch eingefärbtes Tages- und Kunstlicht verschmilzt. Ihre Themen kreisen um das Verhältnis von unberührter und kultivierter Natur, das sie am Bild des wilden oder gebändigten Tieres vorführt. Die zeitgleichen Ausstellungen in Siegen und Bremen ergänzen sich: In Bremen wird der Schwerpunkt auf die jüngeren Arbeiten seit 1998 gelegt, während das Siegener Museum sich den grundlegenden frühen Arbeiten widmet, die zwischen 1993 und 1997 entstanden sind.

Der Katalog dokumentiert umfassend mit großen Farbabbildungen die in beiden Häusern installierten Arbeiten. Erstmals ist im Buch ein Verzeichnis aller bisher entstandenen Installationen und Monitorarbeiten von Diana Thater veröffentlicht. Die Katalogtexte nähern sich dem Werk der Künstlerin aus drei unterschiedlichen Perspektiven. Diana Thater erläutert in ihrem grundlegenden Aufsatz ihre Konzepte zu den in beiden Ausstellungsteilen gezeigten Arbeiten. Sie gibt damit zugleich einen Überblick über die bisherige Entwicklung ihrer künstlerischen Interessen. Barbara Engelbach untersucht den Umgang der Künstlerin mit dem Medium Video im Kontext der Diskussionen um Medienspezifik der 1960er und 1970er Jahre. Wulf Herzogenrath entwickelt zum künstlerischen Umgang Thaters vom projizierten Bild im architektonischen Raum eine Vorge-schichte ähnlicher Auffassungen von Künstlern früherer Medien, die mit Film- und Diaprojektionen arbeiteten.
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    [content_de] => »Lo Spirito del Lago« ist ein internationales Ausstellungsprojekt, 1996 gegründet mit dem
Ziel, zeitgenössische Kunst mit der einzigartigen Ausstrahlung der Isola Bella im Lago Maggiore in eine spannungsreiche und produktive Beziehung zu setzen. Jährlich sind jeden Sommer rund ein Dutzend Rauminstallationen zu besichtigen, die thematisch in
die barocke Atmospäre dieses Ortes eingebunden sind. »Die Versuchung des hl. Antonius« war Thema der Ausstellung 2003. Seit dem 15. Jh. sind die die Grafiken und Gemälde die sich mit dieser Heiligenlegende beschäftigen weltweit bekannt. Die Rauminstallationen auf der Isola Bella greifen das Thema auf und geben ihm aktuelle Bezüge (Wiederkehr des Verdrängten, Machthunger, Größenwahn, Geldgier…). Künstler: Enrique Asensi, Lore Bert, Harald Fuchs, Francesco Garbelli, Peter Gilles, Horst Gläsker, Ferdinando Greco, Ale Guzzetti, Birgit Kahle, Ingeborg Lüscher, Apostolos Palavrakis, Antonio Riello, Cinzia Ruggeri, Giampiero Zanzi.
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    [content_de] => Humus ist allgegenwärtig, Humus bildet den Nährboden für Wachstum, Entwicklung. Das Werk der Berner Künstlerin Elsbeth Bönigers ist gekennzeichnet durch ein stetes Wachstum; Arbeiten generieren neue, bilden Keimblätter fürs Weiterkommen. Um ihr Werk in seiner ganzen Komplexität zu erfassen und ihre vielschichtigen Untersuchungen zu Malerei und Plastik in ein theoretisches Konstrukt einzubinden, sucht sie den Dialog zu verschiedenen kritischen Menschen. Aus den Gesprächen sollen fortlaufend Werke entstehen, um den Diskurs anzutreiben. Am Schluss stehen Forschungen und Kunst da – und beide sollen einem interessierten Publikum zugänglich gemacht werden. Es soll ein Panoptikum entstehen, das die Sinne anspricht. Das Projekt wird eine Baustelle, eine »Fabbrica«, ein Dokument einer »Work-in-Progress-Situation«. Fundstücke, die während der Dialoge Anregungen zu Diskursen geben, gehören gleichermassen in die Präsentation des Projektes, wie die Arbeiten der Künstlerin selbst. Es sind dies Papiere, Antiquitäten, Fotografien und Trouvaillen ihrer grossen Materialsammlung, ebenso wie kulinarische Episoden, die die Gespräche begleiten werden. Das Projekt soll zu einem Kaleidoskop werden, das Leben und Werk zu verschmelzen versucht. Eine Arbeit, in der verschiedene Ebenen zusammenfliessen, ein Werk, das keine Langeweile aufkommen lässt.
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    [content_de] => Der Band versammelt die Beiträge zum Symposium »Künstlerische Bildung und die Schule der Zukunft«, welches im Oktober 2001 an der Pädagogischen Hochschule Heidelberg und der Landesakademie Schloss Rotenfels stattfand. Im Mittelpunkt steht die Frage nach innovativen Ansätzen einer Kunstpädagogik, die die Ausbildung eines selbstbestimmungsfähigen Subjekts inmitten einer komplexen Gesellschaft und einer von den Inszenierungen der Medien geprägten Kultur verfolgt. Der Begriff der künstlerischen Bildung steht dabei für das Unternehmen, Kunstdidaktik als Kunst zu betreiben. In Abgrenzung gegenüber traditionellen Formen des Kunstunterrichts soll in künstlerischen Prozessen künstlerisches Denken und Handeln geschult werden. Die dabei zu entwickelnden Fähigkeiten sind von grundsätzlicher Bedeutung für die Lebenskunst, die Herausforderung an jeden Einzelnen, in der Vielfalt der nachmodernen Gesellschaft selbst seinem Leben Sinn und Gestalt zu geben.
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    [content_de] => Mit ihrem Ausstellungsprojekt "Zeitarbeit II" stellt Ursula Bertram die Frage der Arbeit in den Mittelpunkt. Ursula Bertram extrahiert Wirtschaftsprozesse in eine künstlerische Parallelwelt. Kooperation, Arbeitsprozess, Engagement, Fähigkeit und Zeitablauf entblößen sich visuell in der wolligen Farbmixtur von Strickwürsten, die den Museumsraum langsam einkreisen. In ihrer künstlerischen Arbeit konzentriert sie sich seit 1995 vor allem auf die Perspektive des Visual Observer. In der Dortmunder Ausstellung wird der Betrachter Zeuge eines Produktionsprozesses, dessen Endprodukt bunte Wollwürste sein werden. Während der Öffnungszeiten des Museums stricken sechs Schwarzstrickerinnen auf sechs weißen Stühlen sitzend mit sechs gleichen Stricklieseln in schwarzer Wolle. Jeder Außenstehende kann die Strickliesel für 60 Minuten übernehmen und sich in die Produktion mit farbiger Wolle einstricken. Nach einer Stunde wird der Faden durchschnitten und die Fremdarbeit auf Zeit entlohnt mit 5 Euro. Es wird 11 Tage lang unablässig gestrickt zu den Öffnungszeiten des Museums. Rund 300 Meter Strickwürste schieben sich in 6 Reihen sukzessiv über die Stahlstäbe an der Wand des Ausstellungsraums.
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Band 5 der Reihe »Gestalt und Diskurs« der Muthesius-Hochschule für Kunst u. Gestaltung, Kiel.
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    [content_de] => Der erste Teil des Buch ist eine vollständige Dokumentation der Ausstellung 'Seeing Red – an International Exhibition of Nonobjective Painting', die im Frühjahr 2003 in den Hunter Art Galleries, New York gezeigt wurde; die Ausstellung umfasste ca. 150 rote Gemälde von 75 Künstlerinnen und Künstlern aus Europa und den USA; im zweiten Teil des Buch wird das Symposium 'Color as Experience' dokumentiert, das anlässlich der Ausstellung im Goethe-Institut, New York, stattfand.
Die Geschichte der abstrakten und nicht-gegenständlichen Malerei des 20. Jahrhundert steht zwar im engen Zusammenhang mit der Entwicklung von wissenschaftlichen Farbtheorien, doch wurden diese Beziehung kaum untersucht wie überhaupt Kunst und Wissenschaft nur selten Gegenstand einer systematischen Forschung wurden. Mit der zunehmenden Standardisierung von Farbdarstellungen in den elektronischen Medien ist jedoch das Interesse an den wissenschaftlichen Untersuchungen zur Wirkung von Farbe und dem künstlerischen Umgang mit ihr neu erwacht.
Ein wichtiger Aspekt dieser Entwicklung geht auf den Austausch zwischen amerikanischen und deutschen Künstlern und Wissenschaftlern zurück: Die Amerikaner wurden insbesondere durch die beiden deutschen Maler Hans Hofmann und Josef Albers und die Gestalttheoretiker stark beeinflusst, während die nicht-gegenständliche Malerei vor allem in den 50er und 60er Jahren von den Amerikanern vorangetrieben wurde.

Die Ausstellung Seeing Red versuchte, dieser Entwicklung mit einem speziellen Ansatz nachzugehen: Idee des Projektes war, über die Thematisierung eines Farbwertes als Malerei ein 'objektives' Kriterium für die Auswahl von Arbeiten zu schaffen. Denkbar waren dabei grundsätzlich zwei Auswahlstrategien, die in der Ausstellung miteinander verschränkt werden sollten - und mussten, weil sie in 'reiner' Form nur theoretisch denkbar sind: Die Entwicklung verschiedener Bildkonzepte und Malstile an/in einem (theoretisch einheitlichen) Farbwert Rot und die Entwicklung des Spektrums von Rot in einem (theoretisch einheitlichen) Bildkonzept oder Malstil. Die Ausstellung zielte also darauf ab, die Grenzen sowohl dessen, was als Rot, bzw. dessen, was als Malerei aufgefasst werden kann, auszuloten.
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Mit Textbeiträgen von Maria Engels (Vorwort), Karin Thomas, Kunsthistorikerin, Wilhelm Schürmann (Kunstsammler), Olaf Möller (Filmkritiker) einem Songtext von Nick Lowe (The Beast in Me) und einem Gespräch von Cony Theis mit Dr. Gisela Rascher (Psychotherapeutin).
Der Katalog zeigt eine medial komplexe Untersuchung, die auf das Thema >Verbrechen< mit seinen vielschichtigen Personalverknüpfungen und auf die Problematik der Beurteilung abzielt. Anteilnahme am Konfliktfall mischt sich mit voyeuristischer Lüsternheit, Anziehung und Abstoßung funktionieren gleichermaßen als Zugang zur beobachtenden Anteilnahme am Schock des Verbrechens. Das Buch konzentriert sich auf vier Themenbereiche: Gerichtsillustrationen aus zwei Jahrzehnten, fotografische Porträts von professionellen Geheimnisträgern (aus den Bereichen Psychologie, Kirche, Militär, Rechtswesen und Medizin) mit Auszügen aus Interviews zu ihrer Funktion, gemalten Porträts von Mord-, Attentats- und Mißhandlungsopfern und einem Essay zu True Crime im Film.
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    [content_de] => Zum Jubiläum 50 Jahre Haager Konvention hat der Retrogradist Adalbert Hoesle das Projekt »Subduktive Massnahmen / ZBOSdM052004« realisiert. 50 GegenwartskünstlerInnen wurden gebeten eine neue Arbeit zu schaffen oder eine bereits vorhandene zur Verfügung zu stellen, die in zylindrischen Edelstahlbehältern im Zentralen Bergungsort der BRD in Oberried/Breisgau eingelagert und damit für 1500 Jahre der visuellen Rezeption entzogen werden. Ohne dass alle Arbeiten jemals von jemandem (ausser vom Herausgeber) gesehen wurden, sind diese durch den Akt des Rezeptionsentzugs per definitionem zum Deutschen Kulturgut erklärt und unter Sonderschutz der UNESCO gestellt worden. Im 1. Teil des Buches werden die 50 GegenwartskünstlerInnen namentlich aufgeführt. Ihre Arbeiten werden mit einer kurzen Be- oder Umschreibung vorgestellt, so dass der Leser sich selbst ein »Bild« von den einzelnen Arbeiten machen kann. Alle 50 Behälter sind mit einem Register versehen und im Buch abgebildet. Das Register dient nach der Definition des Begriffs »Index« als »Kennzahl zur Unterscheidung gleichartiger Grössen«. Im 2. Teil des Buches stellt Adalbert Hoesle das gesamte Projekt mit dem Titel »Die Bonner Deutung« vor. Prof. Hubert Sowa, Künstler und Philosoph (PH Ludwigsburg), führt mit einer Reflexion zu S. Freuds »Jenseits des Lustprinzips« in die Überlegungen zum subduktiven Rückbau von Kunstwerken ein. Der Philosoph Robert Pfaller (Kunstuniversität Linz) ergänzt mit einem Essay »Betrachtungsunlust, Bunkersehnsucht, diebische Freude. Erscheinungsformen von Interpassivität in der aktuellen Kunst«.

50 abbildungen der stahlbehälter mit werken von: u.a.antje dorn, katharina grosse, andreas gursky, georg herold, rudolf herz, stephan huber, jörg immendorff, christoph inderwiesen, via lewandowsky, durs grünbein, jonathan meese, olaf metzel, wilhelm mundt, marcel odenbach, nana petzet, peter piller, tyyne claudia pollmann, alexander roob, thomas ruff, karin sander, christoph schlingensief, andreas slominski, georg winter, …
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    [content_de] => Sein Gefühl für Elemente der Architektur leitet den Kölner Künstler Rudolf Scholl seit Jahrzehnten. Im Rahmen zahlreicher Aufträge gelang es ihm immer wieder, Architektur in Szene zu setzen oder für den Betrachter sinnvoll in Frage zu stellen. Dabei hat Scholl einzelne Bestandteile in Bezug auf Beschaffenheit und Funktion analysiert und dem statischen, stillen Tragen durch Formenvariationen und -wiederholungen etwas wie einen Handlungsablauf hinzugefügt und damit die Architektur dynamisiert. Gerade der Dialog zwischen neu gefundener Form und Erscheinung bekannter Elemente macht die bisher vertraute Umgebung spannend und erlebnisreich, lässt Raum für Entdeckungen neuer Aspekte des scheinbar Vertrauten. Eine ähnliche Dynamisierung linearer Elemente beinhalten auch Scholls Objekte, Grafiken und Gemälde. Ausstellung und Katalog führen diese zusammen. Der Betrachter kann so ihren Wurzeln und Aussageebenen nachspüren.
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    [content_de] => Unter dem Titel »Snow on the Peaks« konzipierte der Düsseldorfer Bildhauer Johannes Lenhart eine Ausstellung in den Räumen der Stadtwerke Düsseldorf / Netzbereich, zu der diese Publikation erscheint. Der Künstler verarbeitet Eindrücke seiner Japanreise in Form eines poetischen Textes und einer Collage, in der er heterogene Fundstücke zusammenbringt. Im Aomi Contemporary Art Centre (ACAC) im Norden der japanischen Hauptinsel Honshu schuf er eine große Rauminstallation mit oben genanntem Titel. Diese Arbeit aus Stahlrohren und weißem Shojipapier korrespondiert mit der Architektur Tadao Andos. Farbfotos dokumentieren die veränderte Form der Skulptur je nach Standort. Skizzen und technische Zeichnungen Erklären die Entstehung. In einem auführlichen Text thematisiert die Kuratorin und Kunsthistorikerin Yuki Kondo die Beziehung von Raum und Skulptur. Sie verbindet Lenharts Arbeit mit seiner Gedankenwelt und seinem bisherigen Schaffen.
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2003 entstanden Kooperationen mit dem Lyriker Dieter M. Gräf (Suhrkamp), dem Schriftsteller Michael Ebmeyer (Kiepenheuer und Witsch) und der Sängerin Barbara Schachtner. Diesen Poetry Kooperationen gemeinsam war die verbindende Regie von Roland Schappert, der den medialen Transfer initiierte: von der Zeichnung zum geschriebenen Text und umgekehrt – Lyrik in Verbindung mit kurzen Videosequenzen, die wiederum zu Fotodrucken auf Büttenpapier gefrieren sowie Gesang zu elektronischen Sounds, wobei "B. Schachtner die Texte und Rhythmen Schapperts kongenial interpretiert. (Eine CD ist für 2004 geplant.) Das ist wohl das Charakteristische an Schapperts Methode: Veränderungen ursprünglicher Fassungen, die zu neuen medialen Ergebnissen hinführen – eine mit den Mitteln des Klangs geformte intermediale Sprachfindung." (Joachim Ody, der in SPEX publiziert.) Die Ausstellung "Sounds im Auge" (Schaulager Dr. Harald Falckenberg) und "Mallorca" (art & culture) sowie das aus diesem Anlass von Anne-Marie Melster herausgegebene Künstlerbuch dokumentieren diese Zusammenarbeiten erstmals.

Das Buch vereinigt neben 12 Farbabbildungen und 26 s/w Abbildungen literarische Kurztexte von Schappert, Kooperationstexte von Michael Ebmeyer und Dieter M. Gräf, einen musikkritischen Text von Joachim Ody sowie einen ausführlichen kunsthistorischen Text von Dr. Sabine Schmidt (Stiftung Wilhelm Lehmbruck, Duisburg). Sie fasst Schapperts kalkulierte "mediale Unentschiedenheit" in folgende Worte: "R. S. arbeitet an den Übergängen der Medien, an den Nahtstellen verschiedenster Informationswelten, an Situationen, die ‚kippen’."
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    [content_de] => Die Internet-Arbeit The Anthology of Art von Jochen Gerz ist ein irritierendes, sperriges Werk – trotz aller scheinbaren Zugänglichkeit im Netz. Im Verlaufe eines Jahres (2001/02) ha-ben 312 KünstlerInnen und KunsttheoretikerInnen aus der ganzen Welt, fast alle zum innersten Kreis des "Kunstsystems" gehörig, auf unterschiedlichste Weise reagiert auf Gerz' immer gleiche Frage: "Was ist, im Kontext der zeitgenössischen Kunst, Ihre Vorstellung einer noch unbekannten Kunst?". Die Antworten – Bilder und Texte, veröffentlicht im Internet unter www.anthology-of-art.net – spiegeln auf geradezu schockierende Weise die Vielfalt und Widersprüchlichkeit der heutigen "Kunstszene" – und darüberhinaus unserer Welt. Mit dem ephemeren und immateriellen Charakter der Bildschirm-Bilder, mit der kaleidoskopischen Vielfalt und der Flüchtigkeit der Wahrnehmung, die hier prädisponiert ist, macht Gerz das Internet zum zentralen Medium seines Werkes.

Mit diesem widersprüchlichen, labyrinthischen, scheinbar autorlosen Werk des vor allem durch seine Arbeiten im öffentlichen Raum international bekannt gewordenen Künstlers setzen sich die hier vorgelegten Forschungsbeiträge aus sehr unterschiedlichen Perspektiven auseinander. Untersucht werden der Entstehungsprozess der Anthology, ihre Parallelen zu anderen Werken des Künstlers im öffentlichen Raum und die spezielle Form der Reflexion des Mediums Internet, die Gerz hier entwickelt. Die Texte ziehen Vergleiche, die von Platons Utopia bis zu Internetprojekten reichen, auch heftige Kritik nicht unterschlagend. Die in einjähriger Zusammenarbeit von französischen, deutschen und ungarischen Kunstheoretikern und Künstlern erarbeiteten Beiträge nehmen Gerz' Anthology nicht ihren eigenartig irritierenden und widersprüchlichen Charakter - ermöglichen aber Annäherungen und überraschende Zugänge.

Im Jahre 2004 wird Gerz sein Internet-Opus – auf Tafeln ge-bannt – in der Akademie der Künste Berlin als Ausstellung präsentieren. Dann werden die Studies in Jochen Gerz' »Anthology of Art« ein Potential bilden gegen die Überwältigung durch die versammelten 312 Beiträge von KünstlerInnen und KunsttheoretikerInnen "from all over the globe".

Commissioned by the Institute for Art History and Theory, School of Art Braunschweig. With the support of the Culture 2000 Programme of the European Union.

The Anthology of Art Research Project: School of Art Braunschweig; University of Rennes 2 - Upper Brittany; University of Craft and Design Budapest
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Das Buch leistet einen wichtigen Beitrag zur Theorie des schöpferischen Handelns, indem es zeigt, wie man durch spontanes Spiel Verkrampfungen und Barrieren auflösen kann. Es ist für Theoretiker und Praktiker aus den Bereichen Theater, Kunst, Musik und auch Tanz von gleichem Interesse. Eine besondere Bedeutung hat es für Menschen, die mit Kunstpädagogik befasst sind, da hier improvisatorische Voegehensweisen und Strategien immer noch Stiefkinder sind. In einer zeitgemäßen Pädagogik geht es nicht mehr um Aufgaben im schulischen Sinne, sondern um offene Fragen und Probleme, die es zu lösen gilt. »Unterwerfung, Gehorsam, Starrheit, Sturheit, Panzerung, bitterer Ernst und Verbissenheit sind »Tugenden«, die ihren Sinn endgültig verloren haben. Selbstbestimmte verbindliche Regeln, Selbstbewusstsein, Beweglichkeit, Offenheit, Neugierde, Humor, Ironie und Gelassenheit werden an ihre Stelle treten.«
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Wir befinden uns mitten drin, wir sind Teil des Spiels, unsere Position ist also stets sowohl innen als auch außen. Wir wollen innerhalb dieser speziellen Positionen, innerhalb dieser speziellen Diskurse teilnehmen.
Das Buch besteht aus Analysen über die Rolle und Bedeutung von »Position« – eine Position, die offen ist und anti-essentialistisch, und damit auch entschieden nicht-universell. Dieses Konzept ist auf eine kritische, aber dennoch konstruktive Art und Weise durch Diskussion und Argumentation durchdacht, zum Beispiel anhand der Arbeiten von Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Esko Männikkö, Santiago Sierra, Matti Braun und Superflex. Das Buch versteht sich als eine Art Einladung, eine breite Spannbreite von Positionen zu vergleichen. Der Text artikuliert eine Position, die sich für eine alternative Bedeutung von »Position« einsetzt: eine neu verhandelte Version, die für Selbstkritik, Selbstreflektion und Toleranz steht. Diese Position muss auf eine radikal hermeneutische Art und Weise formuliert werden, bei der man der Erfahrung von dem, was es bedeutet, in einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Ort zu leben, Beachtung schenkt. Es ist gerade hier, wo die Praktiken der Gegenwartskunst und des selbst-reflektierenden Denkens über die Ethik sich gegenseitig beeinflussen können.
Die Behauptung ist letztendlich, dass ein sterbliches, begrenztes und situiertes Selbst – ein Selbst mit einer Offenheit gegenüber seiner Position – denken und ethisch agieren kann. Was aber hierfür benötigt wird, ist eine Sensibilität für, sowie ein Fokus auf die Komplexitäten und endlosen Konflikte und Widersprüche innerhalb der unterschiedlichen Positionen. Die Herausforderung liegt darin, den Diskurs zurück auf die lokalen Ebenen von Problemen und Herausforderungen zu bringen, d.h. zurück auf die Ebene von alltagspolitischen Argumenten und Entscheidungen.

In dem Buch wird u.a. auf die Arbeit folgender Künstler Bezug genommen: Eija-Liisa Ahtila, Ghada Amer, Matti Braun, Michael Elmgreen and Ingar Dragset, Esko Männikkö, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Santiago Sierra, Superflex und Roi Vaara.
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Die von Gerhard Theewen herausgegebene Edition Ex Libris kann man als eines der wichtigsten Editionsprojekte der letzten Jahre bezeichnen. Der für die Edition eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, für das er einen neuen Umschlag entwirft und unter seinem Namen als Reprint präsentiert. Dieses "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" wird durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch und wird in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen unter seinem Namen eingeordnet werden. Längst vergriffene Bücher werden so zu Quellenwerken und tragen zum Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler bei. So erhält der Begriff "Künstlerbuch" eine gänzlich neue Dimension.

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Die Malerei Kaplans verweist nicht auf konkrete Inhalte, sondern wird selbst zur Aussage und stellt sich selbst in ihrer Struktur dar. Kaplans durch Schichtung und Zeitverlauf definierte Malerei wird zum Symbol einer Meta-Realität, der menschliches Sein und menschliches Werden zugrundeliegt. (Angelika Nollert; »das blaue komma das sinn gibt«)
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    [content_de] => Das Buch "Das Schöpfungsprogramm", welches zur gleichnamigen Ausstellung am Landesmuseum Linz erschienen ist, wurde als eigenständige Publikation zu den Fragen menschlicher Abstammung und Existenz konzipiert.
Die zweibändige Ausgabe enthält im 1. Band neben kunsthistorischen Essays (von Peter Assmann, Martin Hochleitner, Elisabeth Vera Rathenböck und Norbert W. Hinterberger) einen Bildatlas zur Entwicklung des Menschen von niederen zu höheren Lebensformen als logische Konsequenz, dargestellt durch eine Fülle an kunsthistorischen und wissenschaftlichen Zitaten sowie Werken des Künstlers.
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Erschienen aus Anlass der Einzelausstellung im
Oberösterreichischen Landesmuseum, Linz.
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    [content_de] => Man hat mich gebeten, für eine CD mit Kompositionen von John Cage eine Biographie des Komponisten zu skizzieren. Merkwürdigerweise gerate ich beim Kommentieren, insbesondere seiner Wirkungsgeschichte in Deutschland, immer wieder in meine eigene Biographie, die zu schreiben ich wirklich nicht vorhabe. Nun gut, ich bin John Cage einige Male persönlich begegnet, und das waren für mich sehr schöne Augenblicke, die ich nie vergessen werde. Aber ich glaube nicht, dass er sich meinen Namen gemerkt hat, den Vornamen ja, aber den Nachnamen? Wozu auch?
Aber es scheint mir wichtig festzuhalten, wie es damals war, das Klima an der Hochschule in Köln, bei den Darmstädter Ferienkursen, in der Neue-Musik-Szene in Deutschland. Wo war ich damals,was habe ich mitbekommen?
Wer bin ich denn?
Manfred Niehaus.
Seit Jahren rede ich mir ein: ich bin Komponist, nicht vergessen, ich bin Komponist, was auch immer das sein mag.

1933, als John Cage sich anschickte, in Los Angeles zu Arnold Schönberg in den Unterricht zu gehen, wurde ich in Köln geboren. Weihnachten 1942 schenkte mir mein Großvater, der u. a. an einem Buch über meinen Urgroßonkel César Franck mitgewirkt hat, um u. a. zu beweisen, dass dieser eigentlich ein deutscher Komponist, ein zweiter Brahms gewesen sei, die Familie stammte nämlich aus Moresnet, das heute wieder zu Belgien gehört, 1942 schenkte mir mein Großvater eine Geige. Ich lernte die ersten Noten - geh - du - alter - Esel - und fing an zu komponieren. Op 1: Fantasie "Im Zigeunerwagen".

Aber ich will doch über John Cage schreiben!

John Cage wird am 5. Sept 1912 in Los Angeles geboren und erhält schon in jungen Jahren Klavierunterricht. Achtzehnjährig, nach seinem Abschluß an der Los Angeles High School, reist er zur Weiterbildung nach Paris. Dort begegnet er u.a. auch den Werken von Erik Satie, der zwar schon 1925 gestorben, aber noch nicht ganz vergessen war. Cage studiert Architektur bei Goldfinger, beginnt zu malen, auf Mallorca entstehen die ersten Kompositionen. 1931 kehrt er in die USA zurück. über zwei textlinien, eine werkbiographische und eine persönlich erinnernde, skizziert der kölner komponist manfred niehaus mannigfaltige einflüsse des werkes von cage auf die zeitgenössische
musikästhetik, praktiken des komponierens, aufführens, rezipierens und reflektierens. mit den temporalisierenden bezügen auf "cages 4´33´´" (1952) zeichnet sich eine hommage an "cage heute" ab. ich habe nichts zu sagen und ich sage es und das ist poesie wie ich sie brauche. (john cage "silence")
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Die folgenden Überlegungen kreisen um eine Genese des Bildes, die geeignet ist, die Geschlossenheit einer im schönen oder nicht mehr schönen Schein befangenen ästhetischen Welt aufzusprengen, so daß sowohl prä- wie postästhetische Motive der Kunst freigesetzt werden. Die Kunst verlangt nach einer Genealogie, die Nietzsches Genealogie der Moral oder Husserls Genealogie der Logik ebenbürtig ist. Die Kontingenz von Ordnungen, die „es gibt“, ohne daß sie auf einem festen Boden ruhen, weist sowohl hinter die bestehenden Ordnungen zurück wie über sie hinaus, und beides in unlöslicher Verquickung. Dem être brut entspricht eine art brut, die nicht bei sich selbst beginnt und nicht bei sich selbst endet.1 Dies lehrt nicht nur die philosophische Besinnung auf die Ordnung des Sichtbaren und Bildhaften, sondern auch die moderne Bildpraxis, innerhalb derer archaische und revolutionäre Momente sich immer wieder berühren und verstärken. Die Hoffnung auf eine zunehmende Desillusionierung, in deren Verlauf die Bilder immer mehr als Bilder durchschaut und außerästhetischer Wirkungen entledigt werden, erweist sich selbst als trügerisch. Die Frage: „Was ist ein Bild?“ stellt sich mit wachsender Dringlichkeit, je mehr neue Bildformen unsere Erfahrung in Beschlag nehmen.2 Gemessen an der Vielfalt zu berücksichtigender Aspekte sind unsere phänomenologisch inspirierten Analysen betont karg angelegt. Es geht darum, einige neuralgische Punkte zu markieren, die für eine Rückfrage nach der Genese von Bildern unerläßlich sind. Wenn es ‘das Bild’ gibt, so nur im Schnittpunkt verschiedener Bilddimensionen.3

1. Bild und Bildauffassung
Beginnen wir mit einigen minimalen Bedingungen, denen ein Bild gehorchen muß, um als Bild gelten zu können. In phänomenologischer und hermeneutischer Manier können wir Erfahrung dahingehend bestimmen, daß etwas als etwas auftritt. Diese Urdifferenz zwischen dem, was etwas ist, und der Art und Weise, wie es gegeben, gemeint oder aufgefaßt ist, bezeichne ich als signifikative Differenz.4 Sobald wir es mit einer visuellen Erfahrung zu tun haben, besagt dies, daß etwas als etwas sichtbar wird.5 Von Bilderfahrung sprechen wir, wenn etwas als etwas im Bild sichtbar wird. Das Bild ist also zunächst nicht etwas, das wir zusätzlich auch noch sehen; als Medium des Sehens gleicht es der Sonne, in deren Licht wir etwas sehen. Sonnenfinsternisse erinnern an etwas, das Platon zu so weitläufigen Gedanken angeregt hat: Wir sehen nicht einfach die Sonne, sondern sehen etwas in der Sonne, bedroht von Blendung und Erblindung, sobald wir geradewegs ins Licht schauen.
Das Bild unterliegt nun seinerseits einer ikonischen Differenz, einer Differenz zwischen dem, was bildhaft sichtbar wird, und dem Medium, worin es sichtbar wird. Ähnlich wie beim Zeichen können wir zwischen (Ab)bildendem und (Ab)gebildetem unterscheiden. Das Bild selbst verdoppelt sich. Im Falle malerischer Bildnisse materialisiert sich die Differenz zu einer pikturalen Differenz; am Bildnis sind materiale und formale bzw. funktionale Momente zu unterscheiden.6 Dreh- und Angelpunkt dieser Bildkonzeption ist das winzige Als, das weder dem intentionalen Akt des Bildherstellers oder Bildbetrachters, noch dem Bildgehalt zugerechnet werden kann. Das Als markiert den Auftritt des Bildes als Bild; ohne dieses Als gäbe es weder Bildgehalte noch Bildintentionen. Dem phänomenologischen und hermeneutischen Als, das uns bei Husserl und Heidegger begegnet, entspricht also ein ikonisches bzw. pikturales Als.
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Ausgangspunkt der Bildanalysen ist stets eine genaue Untersuchung des jeweiligen Kontextes: Die historische Situation, das Interesse der Zeitgenossen am Thema, die parallelen Bilder verwandter Thematik, der kulturelle Hintergrund des Künstlers, die konkreten Entstehungsbedingungen des Bildes. Auf diesem Hintergrund entfaltet Möller die besondere Rolle des jeweils untersuchten Bildes, das als eigenständiges, aktives Objekt stets im Mittelpunkt der Untersuchung steht. Wie die Bildaussage erzeugt wird, wie das Bild "gebaut" ist, wie der Künstler die Blicke lenkt, welche Beziehungen er zwischen den Bildelementen schafft, was er hervorhebt oder negiert, wie er reagiert auf Werke anderer Künstler oder zeitgenössische Paradigmata - bestätigend, negierend, ironisch oder fragend - das wird jeweils auf überaus präzise Weise am konkreten Objekt herausgearbeitet.

Möllers Aufsatzsammlung ist so letztlich eine Schulung in moderner kunstwissenschaftlicher Methodik, die in einem iterativen Prozess das Beziehungsgeflecht zwischen gesellschaftlich-kulturellem Kontext und konkreter Bildproduktion des individuellen Künstlers rekonstruiert. Vor den Augen des Lesers entfaltet der Autor die Macht der ... Bilder.
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    [title] => Ernst Hesse: Räume öffnen
    [content_de] => Mit seiner künstlerischen Arbeit überschreitet Ernst Hesse die gängigen
Gattungen. Er ist Bildhauer, Objektkünstler, Maler, Zeichner und er arbeitet mit dem
Medium Fotografie. Seine Arbeiten beruhen einerseits auf einem primär
elementaren Formenvokabular, andererseits lassen sie sich auf
pflanzlich-vegetative Erscheinungen zurückführen oder erinnern an Gefäße.

Ein wesentliches Moment seines gesamten Werkes bildet die Auseinandersetzung
mit unterschiedlichen Kulturen und gesellschaftlichen Systemen. In
Kooperation mit dem Goethe Institut Inter Nationes hat er seit 1989
unter dem Titel "Dialoge" Projekte in Südostasien, Afrika, den USA und in der Türkei mit
Kunststudenten sowie ortsansässigen Künstlern durchgeführt.

Das vorliegende Katalogbuch, das bei den Projekten den Zeitraum der
vergangenen zwölf Jahre umfaßt, stellt nun diese verschiedenen Aspekte vor
und belegt deren Stringenz und enge Verzahnung. Als Werkmonografie und
Dokumentation von Hesses Arbeitsaufenthalten verdeutlicht sie die
einzigartige Relevanz dieses Oeuvres.
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    [title] => Harald Fuchs: Perforierte Parallelwelten
    [content_de] => Würde man Harald Fuchs einen “Magier” nennen, wäre das, was
die Erscheinungform
seiner Rauminstallationen betrifft, einerseits wohl
zutreffend, andererseits verbindet
sich mit seinen artifiziell besetzten Räumen auch ein
intensiver aufklärerischer Aspekt. Erscheinungsformen des
Schamanismus gehen in Fuchs` Environments eine enge
Verbindung ein mit Versuchsanordnungen aus der neueren
Naturwissenschaft. in solchen gleichberechtigten,
hierarchielosen Parallelsetzungen, wie sie sich auch im
Nebeneinander der Abbildungen dieses Katalogs manifestieren,
wird Fuchs` Interesse am interkulturellen Vergleich, an den
unterschiedlichsten Versuchen, “Erkenntnis” zu erlangen, sichtbar.
Für das Museum Morsbroich hat Harald Fuchs nun eine
besonders faszinierende
Rauminstallation entworfen. Hier zeigt er die Arbeit
“Perforierte Parallelwelten”, ein
begehbares “Raumbild” aus Lichtprojektionen, Videobeamern
und farbigen Großfoto-
grafien. Harald Fuchs` mediale Installation, die mit Dia-,
Overhead- und ‘Videopro-
jektionen, Fotografien und wissenschaftlich anmutenden
Laboranordnungen, aber auch
Aquarien und Terrarien arbeiten, versetzen den Betrachter
direkt ins Bild. Sie involvieren ihn in ein optisch
suggestives und gleichzeitig irritierendes visuelles
Geflecht aus Bildern, Anschauungen und Formeln der Bereiche
Naturwissenschaft, Religion, High Tech und Mythos.
Harald Fuchs, der 1997 mit dem “Hermann-Claasen-Preis für
Fotografie und Medienkunst” ausgezeichnet wurde, arbeitet
virtuos mit den unterschiedlichsten Lichtquellen und
-projektionen. Seine Kosmogenien leben von starken Licht-
und Schattenkontrasten, vor allem aber vom Durchscheinen der
einen Darstellung in andere Werkbereiche, von Diaphanien,
von Durchdringungen, und ebenso überraschenden wie
irritierendenBewegungselementen. Ein poetischer Zauber,
gelegentlich gebrochen durch krude Elemente der
Wirklichkeit, aber doch immer präsent, liegt über diesen
(fotografierten) Inszenierungen, die das “Magische” nutzen,
um damit zur reinen Form vorzustoßen.
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Braunschweig beschäftigt sich mit
›fragen‹. Befragt werden künstlerische
Lehr- und Lernprozesse innerhalb
der Hochschule und in zahlreichen
ähnlichen Arbeitsfelder
außerhalb der Hochschule. Dabei
geht es sowohl um die institutionellen
und strukturellen Bedingungen
dieser Prozesse als auch um
ihre Ziele, Inhalte und Methoden.
Die Autoren stellen ihre Fragen aus
der Sicht der Lehrenden und
Lernenden. Oder sie beschäftigen
sich selbstreflexiv mit ›fragen‹. Die
Fragehaltung, die in den Beiträgen
des Jahrbuchs deutlich wird, ist
nicht von der Suche nach vorschnellen
Antworten motiviert.
Was Lehrende und Lernende vielmehr
interessiert, was ihre Neugier
weckt, ist die forschende und
experimentierende Haltung des
Fragens, das künstlerische und
wissenschaftliche Suchen nach
Bedeutungen, dort wo sie nicht
von vornherein feststehen. Künstlerische
und wissenschaftliche
Arbeit, die von dieser fragenden
Haltung ausgeht, bringt festgestellte
und feststehende Bedeutungen
in Bewegung, führt im besten
Fall zu produktiver Verwirrung
und stößt neue Fragen an. Sie
schließt die Haltung des ›sich
Wunderns‹ und ›Staunens‹ ein und
auch die Fähigkeit, Fragen
unbeantwortet zu lassen, den Prozess
des Fragens zu respektieren.« Beiträge von Silvia Beins, Hannes Böhringer, Manfred Bremeier, Carl-Peter Buschkühle,
Karl-Heinz Eden, Henning Freiberg, Gruppe Gemeinschaftspraxis: Ute Helmbold, Ulrike
Stoltz und Klaus Paul, Christoph Goritz, Ute Helmbold, Ulrike Hentschel, Harald Hilpert,
Konrad Jentzsch, Manfred Kästner, Thomas Kapielski, Joachim Kettel, Karen Kipphoff,
Marie-Luise Lange, Volker Latermann, Jan Märgier, Heino Möller, Petra Otto, Ute Pinkert,
Rainer Randig, Hanne Seitz, Reimar Stielow, Wolfgang Sting, Ulrike Stoltz, Holger van den
Boom, Gerd-Peter Zaake.
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Nora Schattauer setzt als Material für ihre Kunst die Form- und Musterbildung des Minimalen ein.
Ihr achtseitiger Bildbeitrag "prima materia II" präzisiert den vorliegenden Text.
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Der nun vorliegende Katalog dokumentiert das Projekt mit seinen unterschiedlichen Bestandteilen, der Ausstellung von Silke Leverkühne und Peter Mell, dem zweiwöchigen Workshop mit den beiden öffentlichen Veranstaltungen, den Vorträgen von Franz Ackermann und Dr. Michael Glasmeier, sowie der Präsentation der während der Sommerakademie entstandenen Arbeiten."
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    [content_de] => Thomas Virnich - Professor an der Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig - konzipierte den "Kunstblock" als kontinuierliche Fortsetzung seiner Heinsberger Ausstellung. Das vom Künstler maßgeblich mitgestaltete Buch ermöglicht einen Einblick in die Komplexität und Vielseitigkeit seiner phantasievollen Erfindungen. Über mehrere Seiten kann man z.B. das "Wachsen" einer Großskulptur nachvollziehen.
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    [content_de] => Das Buch enthält einige Übungen zu den Themen Kartographie, Peripherie, Kunstbetrieb, zu Medien wie Fotografie, Camera obscura, Kopie sowie einigen grundsätzlichen Texten zu Kunstzeitschriften und Kunstpolitik. Die Texte entstanden in den letzten Jahren als Auftragsarbeiten für Kataloge oder Zeitschriften wie Daidalos und Bauwelt. Die einzelnen Essays sind in sich abgeschlossene Exerzitien wilden Denkens, das Kunst, Literatur und Musik miteinander auftreten läßt, nicht um bestimmte Beweise, Meinungen oder Ergebnisse zu sanktionieren, sondern um den Prozeß des schreibenden Überlegens offen zu legen. Schriftsteller wie Mallarme, Carroll, Melville oder Perec bilden den Generalbaß, über dem die einzelnen Denkfiguren ihr Thema finden.
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    [content_de] => In diesem "Brevier für Jedermann" versammelt der Herausgeber Aussagen von Poeten, Wissenschaftlern, Psychologen, Künstlern und nicht zuletzt Sammlern, um unterschiedlichste Aussagen zur Leidenschaft des Sammelns zu präsentieren. In diesem Lesebuch kann der Sammler Spiegelbilder seiner persönlichen Leiden(schaft) finden und Einblick in die unbekannten Abgründe seines Tuns nehmen. Texte von z.B. Goethe, Balzac, Benjamin, Lenz, Warhol, Eichendorff, Brock, Pomian, Foucault, Walser,... Man unterscheidet zwischen der Unfähigkeit, etwas wegzuwerfen und der Leidenschaft, etwas gezielt zu sammeln wie etwa Briefmarken oder Parfümflacons. Der Sammler versucht immer wieder, das Chaos zu ordnen und im Überfluß den Überblick zu behalten.
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    [content_de] => Der Kunstraum Wuppertal fand in der ehemaligen Versandhalle der größten Weinhandlung des Deutschen Reiches ein Domizil, das mit gekachelten Wänden, umlaufender Galerie und Glasdach alles andere als geeignet für diesen Zweck scheint. Dennoch haben die Künstler diesen Raum angenommen: u.a. Walter Dahn, Henk Visch, Terry Fox, VA Wölfl, Klaus Richter, Klaus G. Gaida, Anne Loch, Boris Nieslony, Sery C., Thomas Lehnerer, Rudolf Herz, Johannes Brus, Leni Hoffmann, Mischa Kuball, Klaus vom Bruch...
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    [content_de] => In dieser "Publikation" legt der Autor adäquat zum Thema seiner Arbeit über das Ding im Kunstmuseum ebenfalls ein Ding, nämlich ein Mikrofiche Faktor X vor. Auf über 230 Seiten sind u.a. Informationen über Kunst- und Wunderkammern, Andre Bretons "Exposition surrealiste d´Objets", Ready-mades, Marcel Broodthaers, Joseph Beuys "Wirtschaftswerte", Christian Boltanskis "Inventaires", Claes Oldenburgs "Mouse Museum", das Regal als Ort der Sammlung, Multiples, Daniel Spoerris "Fallenbilder" gespeichert. Erst durch das Aufsuchen einer Bibliothek mit Lesegerät läßt sich die Fülle an Informationen erfahren.
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    [content_de] => Der Deutsche Künstlerbund präsentiert sich im Kunstsommer 1997 im Zeughausund der Altstadt von Wismar sowie in der Kunsthalle Rostock. Der Ausstellungstitel "Was ist" soll Momentaufnahme und Feststellung sein. Der dreiteilige Ausstellungskatalog widmet sich den Themen: "Materialökonomie - Gehen, Sehen, Zitate und andere Beweglichkeiten -", dem Stadtraum von Wismar und der "Präsens/z der Form". Beteiligte Künstler: Joseph Beuys, B.J. Blume, Bogomir Ecker, Robert Filliou, Rolf Glasmeier, Bruno Goller, Erwin Heerich, Georg Herold, Jürgen Klauke, Imi Knoebel, Thomas Lehnerer, Olaf Nicolai, Hermann Pitz, Tynne Claudia Pollmann, Heinz-Günther Prager, Gerhard Richter, Reiner Ruthenbeck, Thomas Schütte, Helmut Schweizer, Martin Schwenk, Rosemarie Trockel, Thomas Virnich....
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    [content_de] => Der thailändische Künstler Rirkrit Tiravanija bezieht sich in seinen Projekten auf die menschlichen Grundbedürfnisse und so nutzte im Winter 1996 während sechs Wochen den Kölnischen Kunstverein als Asyl für jedermann. Er schuf für seine Ausstellung kein herkömmliches Kunstwerk, sondern einen Tag und Nacht geöffneten Raum im Herzen Kölns. Dieser Raum entsprach in den Maßen genau dem New Yorker Appartement des Künstlers und enthielt alle Funktionen wie Wohnzimmer, Diele, Schlafraum, Küche, Bad, WC. Jeder konnte dieses Raumangebot rund um die Uhr kostenlos benutzen. Es wurde gekocht, gegessen, getrunken, diskutiert und auch geschlafen...
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    [content_de] => Hinrich Sachs benutzt die unterschiedlichsten Gestaltungsmittel um seine Kunst unter die Leute zu bringen. Seine Arbeiten begegnen einem dort, wo man sie gar nicht erwartet oder vermutet: auf Einladungskarten, Plakaten, Handzetteln, Faltblättern, in Anzeigen und in Zeitschriftenbeiträgen, in Faltmappen und Copyzeitungen, auf Visitenkarten, Postkarten, Einladungskarten und Textblättern, auf Aufklebern und in Büchern... In diesem ersten Werkkatalog der druckgrafischen Arbeiten seit 1986 sind alle diese Arbeiten verzeichnet und noch etliche mehr.
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    [content_de] => Ein anläßlich der Großausstellung im Kunstmuseum Düsseldorf entstandenes Zeitdokument, das deutlich zeigt, daß es in dieser Klasse keinen Klassen-Stil geben konnte, weil der Lehrer die nötigen Freiheiten gewährte. Dieses Buch dokumentiert ein möglichst ehrliches Bild einer Klasse an einer Kunstakademie. Neben Fotografien von Arbeitssituationen und frühen Ausstellungen wird auch das Lebensgefühl und der Spaß bei gemeinsamen Festen festgehalten. Der biographische Teil verdeutlicht, daß das Studium der Kunst später keinesfalls hinderlich bei der Ausübung "solider" Berufe wie Holzgroßhändler, Kunsthallendirektor, Stadtverordnete, Verleger, Spediteur etc. ist...
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    [content_de] => Zu den bedeutendsten und reichsten Sammlungen des Museum Kurhaus Kleve zählt die Sammlung Ackermans, eine der großen Sammlungen zeitgenössischer Kunst in Deutschland. Der Akzent liegt auf der internationalen Gegenwartskunst der 80er und 90er Jahre. Die Sammlung umfaßt ca. 70 raumgreifende Arbeiten aus den späten 60er Jahren bis heute. Den Ausgangspunkt der Sammlung bildet ein imposantes Ensemble von Künstlern der Arte Povera, wie Mario Merz, Jannis Konnellis, Giuseppe Penone und Michelangelo Pistoletto sowie Werke von Reinhard Mucha, Jeff Wall, Christian Boltanski, Juan Munoz, Anselm Kiefer, Georg Herold, Martin Kippenberger, Albert Oehlen, Katharina Fritsch, Sigmar Polke, Gilbert 8c George, Wilhelm Mundt, Robert Gober, Claes Oldenburg, Julian Schnabel, Cindy Sherman, Andy Warhol, Fischli & Weiss, Thomas Schütte, Hermann Pitz
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    [content_de] => Der Maler Ingo Meller hat in seinem Beitrag für die von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene Künstlerbuch-Reihe "édition séparée" das System seiner Malerei in einem Künstlertext erläutert.
Mit der "édition séparée" ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!
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Pressestimmen:
„Faktenfundgrube" (art)
„Kein Methodenbuch sondern Vielfalt der Äußerungen und Möglichkeiten" (Kunst-Bulletin)

Directors of exhibition institutes, an auctioneer, art historians and curators, on exhibitability, financing and the importance of art and on the aura of a place.

'Treasure-trove of facts' (art);
'No methodological textbook, but a myriad array of statements and possibilities' (Kunst-Bulletin)

Gespräche mit:

Olaf Nicolai
Gérard A. Goodrow
Markus Brüderlin
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Anne Rorimer
Friedhelm Mennekes
Pontus Hulten
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Udo Kittelmann

Künstlerbeitrag:
Bernd Jansen
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Mit der "édition séparée" ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!
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Mit der Édition Séparée ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!

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    [content_de] => More than any other artist, Andy Warhol had a knack for elevating the images and objects of ordinary life into artifacts of a collective consciousness. In the early 1980s, Warhol produced a series of paintings separately depicting guns and knives. As critic Robert Rosenblum notes in his introduction, such works reflected the dark side of Warhol's mirror of America: "[...] while creating an inventory of [...] superstars and supermarket favorites, [Warhol] also compiled an anthology of the American way of death, from car crashes and race riots to the electric chair itself". Seen together, the knives are hunting and seductive.
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    [content_de] => Der englische Maler, Performer und Komponist hat ein Buch geschrieben, das in syntaktischer Art und Weise Phrasen aneinanderreiht, die er während der 90er Jahre notiert hat. Diese Phrasen haben die Qualität von Bildern und sind fest und flüssig zugleich. Insofern ist sein Buch eine Abfolge von spontanen Einfallen, die in Folge gelesen »kleine harte Dinge weich und kontinuierlich machen« (Chris Newman). Was zuerst im Sprachgebrauch zu beginnen scheint, wird in Wlrklichkeit in die Realität zurückgeholt, wie z. B. »Steal your own bag if you remember that we dreamed & we were always separate«.

In this book written by the English painter, performer and composer Chris Newman, he strings together in a syntactical manner phrases that he noted down during the 90's. These phrases have an image-like quality and are somehow both solid and fluid at the same time. In this respect, his book represents a sequence of spontaneous ideas, which, read in succession, make little hard things soft and continuous". (Chris Newman)
What at first seems to begin by playing with language usage, is then brought back to reality, such as, for example: "Steal your own bag if you remember that we dreamed & and we were always separate.""
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Man sieht neben diesen schemenhaft sich andeutenden „Entzugserscheinungen” auch Linien und Chiffren, die für nichts als sich selbst stehen und anscheinend aus spontanen, freien Bewegungen des Pinsels heraus entstanden sind. Man wäre geneigt, von Gesten, oder Notationen mit einem gewissen „Ausdruck” zu sprechen, wenn man nicht wüsste, dass Bertenburg den alt gedienten Kategorien der „Unmittelbarkeit”, „Spontaneität” oder gar „Expressivität” als Grundlage für zeitgenössische Malerei skeptisch gegenüber steht.

Und doch entdecken wir in einigen Bildern Striche, Bögen, Schlieren oder breitere Farbbänder, die keinem imaginierten Bildraum, keinem angedeuteten Gegenstandsbezug mehr, sondern nur noch sich selbst verpflichtet sind. Bisweilen werden aber auch diese rein „abstrakten” Elemente Unschärfen unterworfen und die Klarheit ihres Verlaufes auf einer andersfarbig kontrastierenden Grundfläche scheint sich allmählich wie in Nebel aufzulösen.

Lässt man sich bewusst auf das Mit- und Nebeneinander einander widersprechender Bilderfahrungen ein, beginnt man zusammen mit der Malerei auch die eigenen Wahrnehmungen zu reflektieren. Denken, Sehen, Erinnern, Imaginieren und Malen sind im Idealfall eins.
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Ausgangspunkt der Ausstellung und des Kataloges von Andreas Slominski ist die Dauerleihgabe von Werken aus der Sammlung von Bärbel und Manfred Holtfrerich, aus der ein ausgewähltes Konvolut in die Kunsthalle Bremen gelangt. Die Sammlung umfasst insgesamt 42 Arbeiten, darunter kleinformatige Werke, Skulpturen und Objekte, Editionen und graphische Arbeiten aus verschiedenen Werkphasen des Künstlers. Die Möglichkeit, gesammelte Werke unter ästhetisch optimalen Bedingungen in einem Museumskontext zu zeigen und einem größeren Publikum zur Verfügung zu stellen, ist ebenso Motivation wie die Möglichkeit das künstlerische Werk von Andreas Slominski unter anderen Kategorien und Themenkomplexen zusammenzustellen und neue Sichtweisen auf das Werk anzuregen. Für die Publikation, die Ausstellung und Sammlung dokumentiert, wurden alle Werke sorgfältig fotografiert. Den umfangreichen Abbildungsteil ergänzt ein systematisches Verzeichnis der Werke. Textbeiträge aus unterschiedlichsten Disziplinen wie der Zahnmedizin, Literatur, Kunst- und Kulturwissenschaft nähern sich dem Werk von Andreas Slominski anhand verschiedener Perspektiven und Kontexte.

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    [content_de] => Der 1940 geborene Jean-Luc Nancy zählt derzeit zu den international bekanntesten französischen Denkern. Als jemanden, »der heute denkt, wie sonst keiner«, hat ihn Jacques Derrida bezeichnet, und als den »größten Denker der Berührung«. Sein bis in die frühen 70er Jahre zurückreichendes Oeuvre, das sich neben der Untersuchung von klassischen Problemen der Philosophie von Anfang an auch immer ästhetischen Fragestellungen widmet, umfasst mittlerweile rund 30 28 und Aufsatzsammlungen. (Kulturelles Veranstaltungsverzeichnis der Universität zu Köln, Sommersemester 2006. Zur Gastprofessur und den Albertus- Magnus-Vorlesungen von Jean-Luc Nancy im Juni 2006).

Deutsche Erstausgabe
aus dem Französischen von Ignaz Knips und Joan-Catharine Ritter
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    [content_de] => Die Vielfalt der Erscheinungsformen und Medien von Künstlerpublikationen seit den 1960er Jahren - Bücher, Zeitschriften, Schallplatten, Multiples, Plakate und Ephemera - stellt besondere Anforderungen an die archivarische und museologische Praxis sowie die kunst- und kulturwissenschaftliche Aufarbeitung. Neben dem Versuch einer Eingrenzung des Genres und den Problemen der Archivierung und des Zugänglich-Machens derart heterogener Sammlungsbestände geht es in diesem Band um die Fokussierung bestimmter Charakteristika der publizierten Kunstwerke. Die Beiträge behandeln übergreifende Themenstellungen oder widmen sich einzelnen Kunstwerken und Künstlern, so George Brecht, Jean-Frédéric Schnyder, Allan Kaprow, Daniel Spoerri, Ed Ruscha, Dieter Roth und Hanne Darboven.
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Seine Berichte über die turbulenten Ereignisse verfasste Goethe erst 30 Jahre später, in der Ära der nachnapoleonischen Restauration. Als wesentliche Gedächtnisstütze fungierte dabei sein immenses Bildarchiv, in dem sich auch etliche Blätter aus eigener Hand befanden.

Die vorliegende Publikation analysiert die vom Ideal einer heroischen Landschaft geprägten Kriegszeichnungen Goethes so wie die Arbeiten der ihn begleitenden Künstler vor dem Hintergrund barocker Ereignisgrafik, früher topographischer Aufzeichnungspraktiken und der aufkeimende pittoresken Bewegung. Sie stellt Bezüge her zwischen der Leitmotivik seiner Bildproduktion und seiner späten Dichtungen, zwischen seinen Ansichten und seinen realpolitischen Aktivitäten, die ihn als einen wichtigen Repräsentanten der Metternich´schen Repressionspolitik auswiesen.

Das Bild vom Geheimrat von Goethe als einem moderaten Diener eines friedlichen Musenstaates scheint (...) dringend einer Korrektur zu bedürfen. Und mit dieser Korrektur zeichnet sich im Zusammenhang mit seinem sozialutopischen Spätwerk auch ein viel plastischeres Bild ab von dem, was die geistige Schirmherrschaft des Dichters über der Gründung des neuen Wilhelminischen Reichs tatsächlich bedeutet hat und was sie vor allem in der Kontinuität deutscher Geschichte mit dem darauf folgenden 'Dritten Reich' verbindet.""
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    [content_de] => Dieses Künstlerbuch von Chris Newman erscheint anlässlich seiner beiden Berliner Ausstellungen „Away Installation – Installed Paintings & Drawings + Video“ (Guardini Galerie) und „Home Installation – Uninstalled Paintings + Video“ (7hours Haus 19).
Das Buch enthält „Rhymed Poems (Untreated) 1991-95“ als Faksimile aus seinen Notizbüchern.

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    [content_de] => Der Künstler Pierre Granoux zeigt seinen Basar der modernen Kunst als Ort produktiven Handelns: Kunststücke und Gebrauchsgegenstände, Antikes und Modernes, Banales und Bedeutendes sind Treibgut, das wie von einer Überschwemmung aus Museen und Galerien, Magazinen und Kaufhäusern in die Straßen und auf den Markt geschwemmt wurde. Mit hintergründigem Humor liest der französische Künstler solches Treibgut auf, bearbeitet es und schickt es dem Betrachter in Form einer gewitzten Flaschenpost zurück. (Darin enthalten: künstlerische Reflexionen und Verweise auf Werk und Person von Marcel Duchamp und Constantin Brancusi).

Für dieses blaue Künstlerbuch greift Pierre Granoux auf sein eigenes Fotoarchiv und eigene Dokumentationen einer langjährigen Spurensuche zurück. Konzept ist aber auch die Beauftragung anderer mit der Erstellung von Fotos und Texten zu von Granoux vorgegebenen Aspekten. Das Ergebnis ist weit mehr als eine Dokumentation – es ist selbst ein "Bazar Moderne", ein "automobil" im buchstäblichen Sinne des Wortes. Fahren muss man es allerdings selbst.
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    [content_de] => Kurz vor dem Tod von Bernhard Johannes Blume (1937–2011) wurde der Kunsthalle Bremen das Konvolut der Brett-Bilder geschenkt.

In den 1980er Jahren fertigte Bernhard Johannes Blume aus alten Billig-Möbeln, im Stil kleinbürgerlicher Wohnzimmerkultur, eine Anzahl von Brett-Bildern an, deren Pseudo-Furnier er mit philosophischen Begriffen versah. Das Zusammenspiel von Text und Bild-Struktur verrät sinnfällig Blumes ironisch-poetischen, wie humorvollen Umgang mit dem metaphysisch-religiösen Erbe des Abendlandes. Zusammen mit seiner Frau Anna bildete Bernhard Johannes Blume ein Künstlerpaar, welches vor allem für ihre meist in Serien ausgeführten großformatigen Fotografien bekannt ist.

„Es sind Bretter, die er aus jenen Alt-Möbeln zurechtsägte, die in unseren gemeinsamen Foto-Inszenierungen während der späten 1970er bis Mitte der 1980er Jahre eine bildgebende Rolle spielten. Bernhard Johannes Blume recycelte diese Pressspan-Möbel-Reste zu handlichen Bild-Objekten, indem er ihre ‘Echtholz’-Imitationen ‘Eiche’-, ‘Buche’- oder ‘Birke-Natur’ zur ‘sporadischen Fortschreibung seiner Malerei’ nutzte. Im provisorischen Stil naiver selfmade-Typografie sprayte er seine ‘quasiphilosophischen Begriffe’ durch zuvor geschnittene Klebeschablonen auf diese Bretter…“ (Anna Blume in: „Wunderkammermusik“, 2011)
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Das neue Künstlerbuch von Nora Schattauer gewährt dem Betrachter Einblicke in ein spannendes künstlerisches Konzept: Wer das Buch öffnet, meint direkt im Atelier zu stehen, denn die Bildkompositionen wurden an der Wand des Ateliers realisiert. Mäandernd über die Wände bringt Nora Schattauer Fotografien und Fundstücke aus dem biologiosch-wissenschaftlichen Feld in unmittelbare optische und inhaltliche Nähe zu den eigenen Arbeiten. An feinen Nadeln hängen z.B. Unikate aus der Werkgruppe der „Salts“ (in Wasser gelöste mineralische Salze auf Chromatographiepapier oder auf mit Kieselgel beschichteten Folien) neben Kohlestiftzeichnungen. Abbildungen aus den Bereichen Chaosforschung und frühe Mikroskopie (z.B. Radiolarien und Foraminiferen) treten in Dialog mit Darstellungen aus der Zellbiologie. Die Bandbreite des Gezeigten wird erweitert um Lilienpollen-Vergrößerungen als Ergebnis der eigenen Untersuchungen am Rasterelektronenmikroskop. Treffend ist dieser faszinierende Kosmos aus Materialien zur Formbildung des Mikrokosmischen und Minimalen mit „Bildlabor“ benannt.

„Ich sehe was, was Du nicht siehst“ – mit diesem spielerisch-experimentellen Ansatz lädt Nora Schattauer ein, dem Verborgenen auf die Spur zu kommen. Das „Abbild“ von existenten, von unseren Sinnen jedoch nicht erfahrbaren Grundstrukturen, wird in Nora Schattauers „Bildlabor“ zum Bild – zum Bilderreigen.« (Valerian Maly) So folgt sie auf verschlungenen Pfaden ihrem eigenen Weg in Richtung einer Synthese von bildender Kunst und Naturwissenschaft."
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    [content_de] => Dieser Essay hat das Ziel einer phänomenologischen Analyse der Moderne: Am Beispiel des Projektes der modernen Architektur bei Le Corbusier wird versucht, eine Sicht der Moderne zu entwickeln, die sie nicht auf den Ausdruck eines Funktionalsismus oder Rationalismus reduziert. Die Moderne wird vielmehr als Bruch mit der traditionellen Innerlichkeit und als dynamische Bewegung hin zu einer offenen Welt beschrieben. Der Abstand von antimodernen Positionen führt dazu, die Moderne in vielen Aspekten zu würdigen, dies aber nicht unkritisch zu tun. So sind die Radikalisierungen der Moderne, ihr Mythos des Neuen, ihre antimetaphysische Ausrichtung auf die reine Weltlichkeit des Menschlichen zurückzuweisen. Gegen die Exzesse der Moderne ist eine ethisch gedachte Innerlichkeit zu verteidigen, die jedoch das Projekt der Moderne nicht einfach negieren soll, sondern korrektiv zur Moderne treten soll.
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    [content_de] => Bei den in diesem Band versammelten Beiträgen handelt es sich – bis auf den Beitrag von Robert Rainwater – um die überarbeiteten Vorträge zur Tagung, die im Februar 2003 anlässlich der Ausstellung »ars photographica« im Neuen Museum Weserburg Bremen stattfand. Die »Schriftenreihe für Künstlerpublikationen « wird herausgegeben von der Universität Bremen, der Forschungsstelle Osteuropa und dem Neuen Museum Weserburg Bremen. Sie wurde als Plattform gegründet, um neueste Forschungen zu den historischen Kontexten, den Konzepten und den interdisziplinären und transmedialen Erscheinungsformen von Künstlerpublikationen zu vermitteln. Band 1 erscheint in Kooperation mit dem Institut Cultural Studies in Art, Media and Design an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich.
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Candida Höfer hat für die Edition Ex Libris den von K. von Spaner herausgegebenen "Historisch-Geographischen Schul-Atlas" (1860) ausgewählt. Als Künstlerin, die sehr viel auf Reisen ist, schien ihr dieser historische Atlas mit seinen alten Karten das ideale Buch zu sein, für dessen Umschlag sie ihre Aufnahme aus einem Florentiner Palazzo mit Globus sowie in die Wandvertäfelung eingelassenen Landkarten bestimmt hat.

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Die vorliegenden Radiovorträge stammen aus dem Jahre 1948. Sie erschienen, als der Autor seine beiden großen Erstlingswerke „Die Struktur des Verhaltens“ und „Phänomenologie der Wahrnehmung“ vorgelegt hatte und mit seinen Essays aus „Humanismus und Terror“ und „Sinn und Nicht-Sinn“ bis in den politischen Bereich hinein für Aufsehen sorgte.

Die offene Art der Darstellung könnte nicht nur Philosophen ansprechen, die sich einen geduldigen Blick für die Sachen selbst und den Sinn für ein fragendes Denken bewahrt haben; sie dürfte bei all denen, die sich mit aktuellen Themen wie Leiblichkeit, Bild und Medien beschäftigen, auf lebendigen Widerhall stoßen. Es sind lebendige Denkproben, die Geschmack auf mehr machen. Die Publikation findet in einem durch die Kunst geprägten Umfeld einen durchaus passenden Ort. Ihr sind aufmerksame Leserinnen und Leser zu wünschen, deren Sinne noch nicht durch eine Überfülle von Reizen und durch ein Überangebot an Sinn abgestumpft sind.

Bernhard Waldenfels
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Die Galerie »art intermedia«, eine der progressivsten Kölner Galerien, existierte nur fünf Jahre (1967 bis 1972). Dieser „Aktionsraum”, wie ihn der Avantgardegalerist, politische Journalist und Kunstkritiker Helmut Rywelski (1928 bis 1998) nannte, befand sich in der Domstraße 8, nur wenige Minuten vom Hauptbahnhof entfernt. Der feuchte und nur provisorisch weiß getünchte Kellerraum, der den antielitären Bestrebungen Rywelskis entsprach und mit einiger Berechtigung als „westdeutsches Zentrum für Aktionskunst” bezeichnet wurde, war eine erste Plattform für junge Aktionskünstler, insbesondere auch der Happening- und Fluxus-Bewegung, die inzwischen zur internationalen Spitze dieses Genres gezählt werden. Eine Auswahl der Veranstaltungen: Jörg Immendorf mit »Vietnam«, 23. April 1966; Hans Peter Alvermann mit »Politische Objekte«, 21. Mai 1966; Franz Erhard Walther mit »Leihobjekte«, 3. September 1966; Nam June Paik und Charlotte Moorman mit »So langweilig wie möglich«, 25. Juli 1966; Alison Knowles, Al Hansen, Emmet Williams, Dick Higgins, Wolf Vostell und andere mit »Juxtapositionen«, 25. September 1966; Jörg Immendorf, Chris Reinecke, Per Kirkeby, Björn Noergaard mit »Deutsch-Dänische Tage«, 15. bis 22. April 1967. Hier entstanden auch die ersten charakteristischen Vitrinen von Joseph Beuys.

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Meist ist es der erste Blick, der bei Doubrawa zählt und später auch das bleibende Foto wird. Er benennt sie mit einfachen, beschreibenden Begriffen, ein Prinzip der Zuordnung und Erinnerung, das spontan und intuitiv abläuft. In alphabetischer Reihenfolge entstehen so Nachbarschaften und Dialoge, die sich jedweder gezielten Anordnung, persönlicher Vorlieben und Chronologie entziehen.
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- Maria Anna Tappeiner -
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Die vorliegende Ausgabe ist eine Übersetzung und Erweiterung des englischen Originals von Craig Dworkin, Simon Morris und Nick Thurston, das 2012 im Independent-Verlag information as material erschien. Mit der Ergänzung um Beispiele aus der deutschen Literaturgeschichte verortet Annette Gilbert das Projekt als mikropolitisches Phänomen und erweitert sein kritisches Konzept. Damit setzt sie die Arbeit von Carlos Soto fort, der seiner spanischen Übersetzung bereits Beispiele der chilenischen Geschichte hinzugefügt hat. Eine französische und italienische Ausgabe sind in Vorbereitung, so dass das Buch in einem kollektiven Schreibprozess von Ausgabe zu Ausgabe schneeballartig anwachsen wird.
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Das den Ausstellungsraum des Kunstvereins Ruhr prägende architektonische Inventar lässt sich einfach beschreiben: Typischer innerstädtischer Nachkriegsbau, ehemaliges Ladenlokal, 85 m² Grundfläche, große Schaufensterfront, drei Türen, eine runde Säule, zwei quadratische Pfeiler und drei lange, parallel zueinander verlaufende Reihen Leuchtstoffröhren unter der Decke – die Wände sind weiß gestrichen, der Betonfußboden grau. Die architektonischen Konzepte, die den Hintergrund dieser so nüchtern gehaltenen Raumbeschreibung bilden, werden für Christian Helwing, unter Hinzunahme weiterer raumbildender Strategien der Moderne, zum Material der in enger Korrespondenz mit den vorhandenen räumlichen Gegebenheiten entwickelten Arbeit EAT.

Farbkonzepte von Bruno Taut und "De Stijl", das Verständnis der Konstruktivisten von Architektur als einem Vermittler zwischen Kunst und täglichem Leben, die ins Raster gesetzten Pfeiler Le Corbusiers, das zeichenhafte Verständnis von Architektur von Venturi / Scott Brown ("Learning from Las Vegas") sind einige der sich in Christian Helwings Arbeit zu einem gesamten Raumkonzept überlagernden und verdichtenden Ideen. Diese werden die Bewegungsmuster der Besucher innerhalb des Raums radikal verändern. Und auch der Name der Londoner Sandwich Kette findet in dem Ausstellungstitel und in Anlehnung an deren minimalistische Corporate Identity, in Essen (!) ihren richtigen Ort.
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    [content_de] => Mit seinem „Curriculum vitae“ (1995) hat Blalla W. Hallmann (1941 – 1997) gegen Ende seines Lebens eine schonungslose Beschreibung in Wort und Bild geliefert. Es ist die Innenschau eines Künstlerlebens im Grenzbereich von Kunst und Krankheit, Erfolglosigkeit und später Anerkennung, Provokation und Poesie. Vergleichbar, wenn auch ohne Texte, ist lediglich die bildnerische Autobiographie von Frans Masereel.

Blalla W. Hallmann war kein „Outsider“, kein „Art brut Künstler“, sondern ein sicherlich außergewöhnlicher, aber professioneller Künstler, der eine schizophrene Psychose durchlitten und überwunden hat. Nach Überwindung der Erkrankung hatte er mit seinen Bildern großen Erfolg auf dem Kunstmarkt, u.a. zeigte ihn die Galerie Zwirner in Köln 1989 und 1991.

Erstmalig werden alle 149 Linolschnitte und Texte seines „Curriculum vitae“ ausgestellt und im begleitenden Katalog veröffentlicht. Eine bereits 1995 erfolgte Publikation im „Verlag der Buchhandlung Walter König“ zeigte lediglich eine Auswahl von 99 der 149 Linolschnitte. Zeichnungen, Gemälde, Druckgraphiken und eine Skulptur des Künstlers aus der Kölner Sammlung Kraft ergänzen die Ausstellungen.
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    [content_de] => Zwischen 1996 und 2006 erschienen die 49 (von 50 geplanten) Künstlerbücher der édition séparée. Dieses Buch dokumentiert auf jeweils einer Doppelseite alle erschienenen Ausgaben der Reihe mit beispielhaften Seiten aus dem Inhalt sowie Beispielen für die von den eingeladenen Künstlern zur Verfügung gestellten Editionen zur jeweiligen Vorzugsausgabe.

Die Texte der beiden Herausgeber der édition séparée werfen einen Blick auf die Geschichte des Künstlerbuchs und geben Einblick in die Entstehungsgeschichte der Reihe.

Die beteiligten Künstler: Anderson, Anzinger, Asher, von Biel, Bittermann & Duka, Bohnenberger, Boltanski, Bömmels, Bonfert, Braun, Dion, Dahn,Dorn, Droese, Feldmann, Förg, Gaida, Gilles, Herold, Huber, Ikemura, Kahle, Kuball, Lempert, Mahn, Meller, Münch, Newman, Noble, Noël, Oroschakoff, Paas, Pierson, Roob, Ruff, Sal, Sauer, Schappert, Schattauer, Schön, Schwenk, Schwontkowski, Sery, Trockel, Weiner, Wüthrich, Yediler.
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(aus Clemens Meyer: Wo begann es?)
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( Hans-Michael Koetzle).

Im ersten Teil dokumentiert diese Publikation 21 Fotoinstallationen aus den Jahren 2003 – 2010. Die aktuelle Arbeit "KdeE", eine Fotoinstallation zur Rekonstruktion des Merzbaus von Kurt Schwitters im Sprengel Museum Hannover, wird im zweiten Teil des Kataloges auf 28 Seiten in einem Ausschnitt im Maßstab 1:1 abgebildet.
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    [content_de] => Das Buch erscheint im Kontext der von Erwin Wortelkamp im Jahr 2009 begonnenen Ausstellungsfolge „hier und dort“. Wie in den drei Auflagen zuvor markiert das „hier“ die beiden Ausstellungsgebäude der „im Tal – Stiftung Wortelkamp“ in Hasselbach und Weyerbusch. Das „dort“ steht diesmal für „Haus Beda“ und „Schloss Hamm“ in Bitburg.

Das Buch verhält sich zu den vier Ausstellungsorten nicht wie ein klassischer Katalog, obwohl im hinteren Teil bereits einige Installationsansichten der jeweiligen Situationen zu sehen sind. Der Verzicht auf eine lückenlose Dokumentation der in Westerwald und Eifel gezeigten Arbeiten führt im Buch zu einer Konzentration der Bildstrecke auf eines der zentralen Motive im Œuvre von Erwin Wortelkamp: das Stehen und das Gehen.

Vielleicht erstmals wird so der innere Zusammenhang der bisher immer nur getrennt wahrgenommenen Werkphasen von den frühen 1960er Jahren bis heute für den Leser nachvollziehbar. Selbst für denjenigen, der das Werk seit Jahren verfolgt, dürfte die zwingende Stringenz, die sich hier zwischen klassischer Skulptur und hochpolitisierten Aktionen zeigt, überraschen. Allein nur der Blick auf die radikal konzentrierte Gegenüberstellung einer einzelnen Holzskulptur mit einer „Meditationskabine“ im „Haus für die Kunst“ kann das belegen.

Wortelkamps Arbeit der letzten Jahrzehnte erweist sich als nicht weniger politisch aufgeladen als seine Aktivitäten der frühen 1970er Jahre. Die Zeichnungen, Plastiken und Aktionen der frühen Jahre gewinnen heute eine neue Aktualität und werten den Blick auf die jüngsten Arbeiten um. Damit reiht sich Wortelkamp ein in die Folge der ‚Wiederentdeckungen‘ von künstlerischen Positionen, deren Ausgangspunkt in den frühen 1970er Jahren liegt und deren Relevanz für die aktuelle junge Künstlergeneration erst in den letzten Jahren erkannt wurde. (Jörg van den Berg)
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Die Oberfläche von Erwin Wortelkamps plastischen Orangen hat wenig zu tun mit der Oberfläche der von Hans von Marées gemalten Orangen. Wortelkamp imitiert nicht, imitiert auch nicht Marés Modelle, die Orangen. Sondern er vermittelt das Griffige ihrer plastischen Form, so wie Marées das gemalt hat. Und er intendiert so eine Rückführung zum einfach Anfassen.
(Karlheinz Nowald)
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    [content_de] => Das vorliegende Buch ist das fünfte in der erst 2010 begonnenen Reihe ›hier und dort‹. Die Buchreihe begleitet eine Ausstellungsreihe, die sich in loser Folge einzelnen Facetten des Werks von Erwin Wortelkamp widmet. Den Anlass dazu gaben und geben jeweils Kooperationen zwischen der ›im Tal – Stiftung Wortelkamp‹ und externen zweiten Ausstellungsorten. In diesem Band rückt eine der für die Werkentwicklung vermutlich prägendsten Facetten seiner Biografie in den Blickpunkt: sein Verhältnis zur zisterziensischen Klosterkultur. In den fünfziger Jahren war er selbst Schüler am Gymnasium der Zisterzienserabtei Marienstatt, die von daher folgerichtig neben der Ruine Heisterbach, neben Cîteaux und Cluny das ‚dort‘ für diesen fünften Band liefert, während zwei umfangreiche Präsentationen in den Ausstellungshäusern, dem ›Haus für die Kunst‹ und dem ›Depositum‹ das ‚hier‘ markieren.
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Abbildungen von Ton- Lehm- und Ziegelarbeiten aus den siebziger und achtziger Jahren finden einen formalen Kontrast in filigranen, bemalten Eisenarbeiten von 1985. Prägedrucke aus den neunziger Jahren ergänzen den optischen Zusammenhang. Alte Terrakotten aus der Sammlung Wortelkamp und mehrere Beiträge zeitgenössischer Künstler aus dem Senegal intensivieren den Gesamteindruck.

Der besondere Reiz des Buches liegt in den Bildern, die mehrere „in situ”-Arbeiten in Dakar oder in der Landschaft zeigen. Darüber hinaus gibt das Buch den afrikanischen Künstlern, die Erwin Wortelkamp geholfen und im Kontext seiner Konzeption eigene Werk geschaffen haben, besonderen Raum.
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2) Die Frage der Konvergenz ist die Frage nach den Bedingungen, unter denen Wissen erzeugt wird. Im Konvergenzmodell lassen sich diese nach Art von Grenzwertannahmen rekonstruieren, die bezogen auf das jeweilige epistemische Feld der Erkenntnisoperation ihre Zielrichtung innerhalb der damit zugleich vorgegebenen Schranken verleihen.

3) Die Philosophie ist gerade durch das definiert, dessen sie entbehrt. Allenfalls als ein sie selbst übersteigendes Ideal weist ihr die Weisheit die Richtung.
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Abbildungen aus alten Büchern, Magazinen, Heftchen, Comics und von Platten-Covern können zu seinen Vorlagen werden. In seinem bildhauerischen Werk sind es Dinge des Alltags, die er im wahrsten Sinne des Wortes ‚vermöbelt‘, früher mit eher brachialem Gestus, heute eher im Modus des ‚Aufmöbelns‘ für die Integration der Dinge in ausgeklügelt installative Gesamtinterieurs.

Zeichnet Franz Burkhardt, so führen seine Vorlagen in mehr oder minder erotische, häusliche – damit eben auch triviale – Szenen, die so unaufregend und aufregend sind wie das tägliche Ankleiden, Abwaschen und Ausziehen. Und so durchzieht alle Blätter eine augenzwinkernde Auseinandersetzung mit Intimität und Privatheit, mit den Normen, Sehnsüchten und Ängsten, die an den Ausstaffierungen unserer individuell arrangierten Repräsentationsräume hängen. Dabei geht es auch um sein eigenes Zuhause, um Meuschemen, um den kleinen belgischen Ort, in dem er lebt und arbeitet. Der Rückgriff auf altes Bildmaterial lässt zweifelsohne immer eine Prise Nostalgie auffahren. Sie holt die Dinge in wehmütig-erinnernder Betrachtung in die Gegenwart und entrückt sie zugleich.“ (Annett Reckert, „Formerinnerungsvermögen“, 2011)
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Das Buch ist dem Philosophen Hannes Böhringer gewidmet.

Zu den Autoren gehören unter anderen Karlheinz Barck, Miriam Cahn, Thomas Huber, Thomas Kapielski, Gabriele Knapstein, Eva Meyer, Michael Mönninger, Werner Oechslin, Eran Schaerf, Katharina Sykora.
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Glas fasziniert die Künstlerin vor allem durch seine kristalline, transparente, Licht reflektierende und zugleich brüchig-fragile Materialität. Immer geht es ihr dabei um Ambivalenzen des Materials, um Übergänge, mögliche und tatsächliche Veränderungsprozesse, die eingeleitet und veranschaulicht werden. Ein wichtiger Aspekt dabei ist dabei die Zerstörung des splitternden Stoffes durch Fragmentierung und seine Neustrukturierung. Alles das gerät innerhalb dieser minimalistischen Installation im wörtlich zu nehmenden White Cube (weiße Decke, Wände, Boden) zu einem ästhetischen Ereignis besonderer Art. Tagsüber wird der glitzernde Glasberg durch den natürlichen Lichteinfall von außen stimuliert. Abends und nachts kann durch das Schaufenster des Raumes bis 23 Uhr das Video erlebt werden, während der schimmernde Glastumulus durch einen Spot hervorgehoben wird.
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Der Düsseldorfer Künstler Hans-Peter Feldmann widersetzt sich seit vielen Jahren den Mechanismen des Kunstmarktes. So verzichtet er konsequent auf Signatur und Limitierung. Seine Entscheidung, sein für die Edition Ex Libris ausgewähltes Buch ohne individuell gestaltetes Ex Libris und ohne selbst entworfenen Umschlag zu realisieren, ist daher genauso konsequent wie der Verzicht auf eine "Luxus"-Edition. Diese Ausgabe bekommt ihre besondere Note durch die Bearbeitung des Originalumschlags (Tilgen des ursprünglichen Verlagsnamens und Ersetzen duch "Salon"). Es versteht sich von selbst, daß Hans-Peter Feldmann ein bereits existierendes Ex Libris (Motiv: weiblicher Akt auf Stuhl) in das Buch kleben lässt.

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    [content_de] => The publication is in part an archival document to a Situationist Intervention that took place sometime during the summer months of 1997 – an intervention with specific interior / exterior locations within the centre of London. This artistic/political gesture was carried out during a long-running political debate over the obtrusive and ever growing number of CCTV surveillance cameras being installed within public spaces within the capital, which were disputed as an infringement upon rights to privacy of the individual citizen.
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    [content_de] => Die erste Monographie über Heiner Blumenthals Arbeiten zeigt großformatige Malereien, parallel neben kleinformatigen Zeichnungen und S/W Fotografien. Es geht in den Arbeiten um die Definition des Bildes als Ort und um die Frage nach der Sichtbarkeit und der Erscheinung des Bildes aus der spezifischen Sprache des jeweiligen Mediums heraus.
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Die kahlen Baumgerüste gegen den Himmel, die baren Linien gegen die Leinwand. Beides gegen die Leere. Klarheit und Heiterkeit der Reduktion. Eine neue, pure Faktizität: das, was der Fall ist. Malerei, organische Prozesse. Das Drama des Wachstums, zur Ruhe gebracht. Zur Anschauung."

(Matthias Bärmann)
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„hier und dort“ greift drei dieser besonderen Raumsituationen auf: Zum einen ist es das Arp Museum Bahnhof Rolandseck und zum anderen die Stiftung Erwin und Ulla Wortelkamp mit dem „Haus für die Kunst“ und dem neuen „Depositum“, ein Schaulager für die Arbeiten des Stiftungsgutes von Erwin Wortelkamp, das anlässlich der Ausstellung eingeweiht wurde.

Die Auswahl der Arbeiten eröffnet dem Betrachter dabei grundlegende Fragestellungen im Hinblick auf Erwin Wortelkamps vielfältiges skulpturales Schaffen und greift Kernthemen auf wie die der Fragilität, der Stabilität, der Balance, der Ruhe und der Lebendigkeit. Ebenso spannend wird die Frage nach dem Verhältnis von Skulptur und Raum, Skulptur und Architektur, Skulptur und Betrachter thematisiert und inszeniert.
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Intensivierung des Seins im Dasein durch Nullwerdung des Ichs (erste Reflexion am Strand)
Ich bin Dasein, aber das Sein ist Dasein + Nicht-Ich (zweite Reflexion auf dem Dach)
Mehr Sein als Dasein
Franko Bollos erster Spagetti-Raum
Entwurf für zerzausten Guckkasten
Modell zur Erweiterung des Atomiums
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Der 1 ist es egal, ob wir zittern oder nicht
Der 1 ist es egal, ob wir traurigen Paradoxa verfallen oder nicht
Fehlt die 1, dann fehlt das Leben
Löchriges Sein (Josef Schlecht interviewt Stefan Bohnenberger, Seiten 27 & 28 im Büchlein)
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ERRATUM: Fälschlicherweise wird unter “Lektorat/Proofreading” Joan-Catharine Ritter genannt!

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Actor Channing Tatum was portraited by Jack Pierson for the signed and numbered Ex Libris print. „I chose this old fan magazine as my book project because I like everything about it--the design, the printing and the photography. I love the subject matter--the stars we remember and the ones we do not. Men, who obviously held a place for a while in the evanescence of Hollywood and youth. I seek to preserve, come what may, the ephemeral.“ (Jack Pierson)  

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Mit Hilfe feinster Armierungen und geringster Abstützungen entstehen u.a. hauchdünne Architekturen – ähnlich instabiler Kartenhäuser – die man gerne vor dem Einstürzen bewahren möchte. Joachim Manz’ "Bauspiele" sind zweckfreie Architekturen, die sich zu autonomen Skulpturen erheben und ihre besonderen Qualitäten gerade im Zusammenspiel mit dem historischen Bahnhof Rolandseck und der modernen Baukunst Richard Meiers entfalten.
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    [content_de] => Der Katalog von Jörn Stoya liefert Einblicke in die Entwicklung seiner Arbeit der letzten Jahre. Anhand übersichtlicher und großzügig angelegter Bilderstrecken informiert der Katalog nicht nur über die wichtigsten Aspekte in der Arbeit des Künstlers, er zeigt auch in der Struktur auf die wesentlichen und unverwechselbaren Elemente seiner Bildsprache. Seine Zeichnungen, Fotografien und Filmstills sind ungewöhnlich offen und teils bewusst widersprüchlich nach dem Prinzip der Collage zusammengesetzt.

Neben grundsätzlichen Dingen, denen sich heute Malerei immer wieder von neuem aussetzt, wie der Frage nach der Stabilität einer Haltung, ihrer Verankerung im Jetzt der (Pop)Kultur, der Integration von altem Wissen, formulieren sich hier in einer Art Alchemie des Tuns.
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Für ihre Fotoinstallation hat die Künstlerin Katharina Gaenssler mit akribischer Sorgfalt den Depotraum des Fotomuseums im Münchner Stadtmuseum in wochenlanger Arbeit digital fotografiert und regelrecht seziert. Produkt dieses Prozesses sind ca. 10.000 Einzelaufnahmen, die, zu einer Art Wandteppich vereint, das Innenleben des Archivs nach Außen stülpen und den Museumsbesuchern die Begegnung mit jener Sphäre möglich macht, die der Öffentlichkeit gewöhnlich entzogen ist. Das aus Tausenden von Einzelteilen zusammengesetzte Wandbild erinnert an eine kubistische Zerlegung des Bildraumes, die keine Rücksicht auf zentralperspektivische Ordnungsgesetze nimmt. Auf den ersten Blick scheint das Bild des Depotraums wie bei einer gewaltigen Explosion in zahllose Bilddetails zerborsten, bevor die einzelnen Wahrnehmungssplitter sich mit zentrifugaler Kraft wieder zu einem Gesamtbild gefügt haben. Die enorme Verdichtung von Details lässt das Auge nie zur Ruhe kommen, fordert unablässig neue Sehbewegungen. Hier ist das Bild regelrecht aus den Fugen geraten. Sämtliche Einzelbilder der Fotoinstallation sind in Buchform archiviert"."
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1971 in Köln geboren. Studierte ein Semester an der Kunstakademie Düsseldorf und absolvierte ab 1991 eine Ausbildung zum Tätowierer. Neben Performances, diversen Einzelausstellungen und verschiedenen Ausstellungsbeteiligungen erschienen ab 1996 zahlreiche Veröffentlichungen über Grundmann in internationaler Fachliteratur zum Thema Tattoo. Seit 1991 bei Dieter Zalisz “Elektrische Tätowierungen“ in Köln als Tätowierer tätig.
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    [content_de] => Die vorliegende Publikation dokumentiert fünf Realisationen des KREUZWEG von Ulrich Moskopp. Vom Dekagon der Kirche St. Gereon, Köln über das Hotel Arabella Sheraton, München, die Galerie von maltzahn fine arts, München, bis zum Aloisiuskolleg der Jesuiten in Bonn, dem der KREUZWEG 2008 gestiftet wurde.

14 Bilder (gemalt mit einem Harz-Ölfarbengemisch, welches auf Holz-Bildträger aufgetragen und der Schwerkraft überlassen wurde, von schwarzen Rahmen gefasst, mit den Ziffern I – XIV untertitelt) und ein helles gleißend-changierendes fünfzehntes, weiß gerahmtes Bild mit dem Titel ZWEI FARBEN SÜDEN bilden die Malerei-Installation KREUZWEG von Ulrich Moskopp. Wegen der spezifischen Fließeigenschaften des Harzes trocknet die Farbmasse derart, dass Naturassoziationen hervorgerufen werden, die an Landschaften, Höhlen, Adern, aufsteigenden Nebel im Gebirge oder elektrische Entladungen erinnern. Der Blick gelangt über die glänzende Oberfläche der Bilder, durch die Farbschicht, zu einer Tiefe, aus der das Geheimnis des Lichts heraus leuchtet.
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    [content_de] => Nora Schattauers Arbeiten sind zweifelsohne Malereien. Wenn sie verschiedene in Wasser gelöste Mineralsalze mit der Pipette auf Papier, Folie oder speziell präparierte Leinwand tropft und dort miteinander reagieren lässt, so ist diese individuelle malerische Praxis sicher eine randständige im Spektrum zeitgenössischer Kunst. Und doch resultieren aus dieser fundamentalen, die Formkräfte ihrer Stoffe erkundenden Recherche – Nora Schattauer betreibt sie nicht als systematisch-wissenschaftliche Untersuchung, wohl aber auf Grundlage umfangreicher Versuche, die ihren Niederschlag in zahlreichen Unikatbüchern gefunden haben – genuin malerisch zu nennende Bilder. Dies trifft besonders für die seit 2005 entstehenden vor allem von einem reich differenzierten Grün-Blau-Spektrum geprägten Arbeiten mit ihren die gesamte Bildfläche gleichmäßig überziehenden Gewebe- oder Netzstrukturen zu. Der Vergleich mit einer Knotenkonstruktion Leonardos macht augenfällig, wie frei, gleichsam organisch Nora Schattauer ihre Bildgewebe entwickelt. Es kristallisiert sich nicht als erstarrtes Gefüge, vielmehr bleibt in allen diesen Arbeiten in je eigener Weise eine Möglichkeit zur Verwandlung gewahrt. Übergänge, Mischungen – mithin ein Moment der Transformation – kennzeichnen das Malerische, sind aufgehoben in einer malerischen Malerei. Die Bilder Nora Schattauers halten dieses Im-Fluß-Sein fest, indem die von ihr zur Reaktion gebrachten Stoffe ihre eigene Prozessualität – ihr Vermögen, immer neue Form- und Farbnuancen zu zeitigen – präsent halten.
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Erstmals widmet sich das Arp Museum Bahnhof Rolandseck in einer Überblicksschau dem ungarischen Künstler Lajos Barta (1899–1986). Die Ausstellung erinnert an den charismatischen Menschen und Künstler – sowie an dessen spannende, durch die Geschichte des 20. Jahrhunderts tief geprägte Vita. Die rund 40 Plastiken und 90 Zeichnungen entstammen überwiegend den 1940er und 1950er Jahren. Sie lassen die surrealistischen Ansätze Bartas und seinen Weg in die Abstraktion erkennen und dokumentieren die repressiven Jahre des Stalinismus in Ungarn. Die Ausstellung hebt besonders die Modelle seines bildhauerischen Œuvres heraus, die in Ungarn und in Bartas Wahlheimat am Rhein als Monumentalplastiken im öffentlichen Raum realisiert wurden. Einige dieser Werke entstanden im Bahnhof Rolandseck, wo Barta von 1965 bis 1967 lebte und arbeitete. Die Ausstellung wird in Kooperation mit dem Donauschwäbischen Zentralmuseum Ulm realisiert.

Mit freundlicher Unterstützung der Martin-Lantzsch-Nötzel-Stiftung für die Kunst der 50er Jahre.
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"Geschlossene philosophische und ästhetische Systeme." (Badisches Tagblatt)

Das Buch erscheint u. a. aus Anlaß der Verleihung des GWK Förderpreises der westfälischen Wirtschaft, des Stipendiums Junge Kunst der Stadt Lemgo und in Zusammenarbeit mit der Fruitmarket-Gallery, Edinburgh.
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"I have chosen to have Marcel Duchamp's book, 'Opposition and Sister Squares' re-printed quite simply because I love both Duchamp and chess. In it's original printing, it didn't fare too well selling-wise and Duchamp apparently had a closet full of the books which he gave to friends as gifts whenever they came over to his home. Regarding the book's failure to sell, he has been quoted as saying: '... that the problem it poses only comes up once in a lifetime, even for chess masters". I also like this quote by Ernst Strouhal: '"Opposition and Sister Squares" is an artist's book for chess players and a chess book for artists.'"

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    [content_de] => Der Buchtitel Es geht nicht nur ums Ganze ist in leicht gewandelter Form einer Schrift Herbert Marcuses entliehen, die Ende der 1960er Jahre die Sozial- und Kulturwissenschaften intensiv beschäftigte. Seine kritische Betrachtung der Gesellschaft bezieht sich auf die Gesamtheit der Individuen, Gruppen und Institutionen und ihre Funktionsweisen – es ging ihm ums Ganze.

Mia Unverzagts hier versammelte künstlerische Arbeiten lassen sich Einerseits in Marcuses’ Tradition einer kritischen Theorie der 1960er Jahre verorten und aktualisieren andererseits feministische Ansätze, die insbesondere in den 1970er Jahren prägend waren. Ihre fotodokumentarischen Projekte, inszenierten Fotoarbeiten, Zeichnungen und Rauminstallationen verbindet der Versuch, gesellschaftliche Bruchstellen zu visualisieren, den Blick auf die Irrationalität des Ganzen zu richten und die Konventionen der fotografischen Bilder zu testen.
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„Müde Bücher“ enthält Fotos einzelner Bände aus der Installation „I SOLITI TITOLI“ mit Büchern aus dem Nachlass eines Architekten, ein Querschnitt durch eine bildungsbürgerliche Bibliothek der 1950er bis 1980er Jahre. Das Buch erscheint anlässlich der Ausstellung „animalibri“ (15.3.-15.4.2012) im Kunstverein Tiergarten Berlin.
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    [content_de] => Despite all abstraction, this Cologne painter and draftsman must still be characterized as a representational artist. One of the remarkable features of his landscapes, city views (especially panoramas) and architectonic details is a high degree of reduction to essentials. Some of his pictures have the character of a "quotation". In this respect, his models would be William Turner, Claude Monet, Vincent van Gogh and the photographer August Sander. As in Asian calligraphy, the seemingly spontaneous drawings and paintings are actually the result of long periods of mental preparation and concentration.
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    [title] => Nachdenken über ein totes Pferd.
    [content_de] => Vom 7.Juli bis 29.September 2007 zeigte das Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven die Ausstellung Norbert Schwontkowsk: Nachdenken über ein totes Pferd". Die noch zu Lebzeiten des Künstlers geplante Publikation versammelt Abbildungen der damals ausgestellten 10 Bilder der Ausstellung: 1 um 90° gegen den Uhrzeigersinn gedrehtes Ölbild, das die markante Fensterfront des Kabinetts zeigt (die für Blinky Palermo 1969 übrigens Vorbild seiner Wandmalerei im Kabinett war) sowie 9 Ölportraits, Blinky Palermo darstellend."

Die Ausstellung war eine Verneigung vor dem Werk und der Person Blinky Palermos - durch den plötzlichen Tod Norbert Schwontkowskis ist diese Publikation eine Verneigung vor Werk und Person zweier viel zu früh verstorbener Künstler geworden: Blinky Palermo ( 2.Juni 1943 – 17.Februar 1977) und Norbert Schwontkowski (29.April 1949 – 14.Juni 2013)."
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    [title] => Neue KUNST für ALLE! in deutschen Editionen 1961 – 1975
    [content_de] => Alles, was gut und preiswert ist! Nach diesem Motto ließ sich Kunst in den 60er und 70er Jahren sammeln. Es war eine „Neue KUNST für ALLE!“. Sie war an neuen künstlerischen und gesellschaftlichen Ideen, ungewohnten Materialien und Formen interessiert. Heute weltberühmte Künstler wie Joseph Beuys, Dieter Roth, Daniel Spoerri, Klaus Staeck, Wolf Vostell u.v.a. haben seinerzeit Multiples produziert. Es war eine bewusst sehr preisgünstig kalkulierte Kunst zum Anfassen, zum täglichen Gebrauch und zur kritischen Auseinandersetzung für Schüler, Studenten, Hausfrauen, Arbeiter und Angestellte – und all diejenigen, die nur über ein schmales Budget verfügten. Und ganz nebenbei führten die Künstler vor Augen, dass Multiples im „Zeitalter ihrer technischen Reproduzierbarkeit“ die Theorien eines Walter Benjamin links überholen konnten, indem z.B. „Unikate in Serie“ entstanden.

Die Ausstellung, die auf einer Privatsammlung basiert, gibt einen kritischen Überblick zum Boom der Multiples in deutschen Editionen von 1961 bis 1975. Gemeinsamkeiten, Unterschiede und Einzelpositionen werden vorgestellt. Neben den altbekannten Namen des internationalen Kunstmarkts gibt es Künstler zu entdecken, die die Kunst jener Zeit maßgeblich mit geprägt haben, z.B. Gernot Bubenik, Siegfried Kischko, Ferdinand Kriwet, Werner Nöfer oder Wolfgang Oppermann.

Der Katalog ist analog der Ausstellung thematisch in acht Gruppen gegliedert:
- 1.: Editionen / Multiples zum Anfassen (z.B. VICE Versand mit dem Multiple „Intuition“ von Joseph Beuys)
- 2.: Editionen / Multiples auf neuen Vermarktungswegen (z.B. Pläne des Hochbauamtes der Stadt Köln und andere Dokumente zum 1. Kölner Kunstmarkt 1967)
- 3.: Editionen / Multiples zum Lesen (z.B. Luchterhands Loseblatt Lyrik)
- 4.: Editionen / Multiples im Widerspruch: Unikate (z.B. edition MAT mit ihren „Unikaten in Serie“ von Arman, Horst Antes, Daniel Spoerri u.a.)
- 5.: Editionen / Multiples „Do it yourself“ (z.B. „Shoot it yourself picture“ von Niki de Saint Phalle 1964)
- 6.: Editionen / Multiples aus neuen Materialien (z.B. Editionen der eat art Galerie mit dem „Karnickelköttelkarnickel“ von Dieter Roth)
- 7.: Editionen / Multiples mit Licht und Bewegung (z.B. die Meditationsspirale von Heinz Mack)
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    [content_de] => Seit mehreren Jahren sammelt der in München und London lebende Künstler Carsten Recksik die Pressetexte der von ihm besuchten Kunstausstellungen. Die Texte, die von Galerien und Museen veröffentlicht werden, um Presse, Ausstellungsbesucher und Interessierte über Künstler und Kunstwerke zu informieren, dienten Carsten Recksik schon des öfteren als Grundlage für seine Werke. In "New Release!" fügt er diese lose Sammlung nun nicht nur zu einem Ganzen zusammen, sondern ersetzt nebenbei auch noch die Namen der Künstler durch seinen eigenen.

"New Release!" erweitert sich ständig, denn Carsten Recksik addiert die jeweils zuletzt besuchte Ausstellung zu seinem "Opus".
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    [title] => Noam Chomsky - Sprache und andere kognitive Systeme / Die Entfaltung der globalen Ordnung
    [content_de] => Noam Chomsky, 1928 in Philadelphia (Pennsylvania, USA) geboren, lehrt seit 1961 als Professor für Linguistik am Massachusetts Institute of Technology (MIT). Durch seine linguistischen und sprachphilosophischen Arbeiten von paradigmatischer Bedeutung und aufgrund seines politischen Engagements zählt Noam Chomsky zu den herausragenden Intellektuellen der Gegenwart, dessen Schriften ebenso wie seine öffentlichen Interventionen eine weltweite Aufmerk-samkeit und Rezeption erfahren haben.
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11.09. bis 13.11.2011 im Kulturforum Alte Post Neuss / Städtische Galerie stattfand. Das außergewöhnliche der Ausstellung war, dass die gesamten Innenräume der Galerie in Stadtraum verwandelt wurden, in dem die Streetart-Künstler ihre Werke inszenierten! Dabei trafen sowohl lokale Heroes, wie KJ263, Magic, London Inc. auf internationale Größen wie L’Atlas, Tasek, Flying Förtress, M-City und die bildenden Künstler Martin Mele und Krišs Salmanis. Das reich bebilderte Buch gibt in seiner aufwendigen, künstlerischen Gestaltung einen lebendigen Eindruck der Ausstellung wieder, die es in dieser Form im Bereich Streetart noch nicht gegeben hat. Ein Sammlerbuch!
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Parole #1: The Body of the Voice / Stimmkörper" ist die erste Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Stimme und ihrer "Körperlichkeit". Dies umfasst zum einen die Beziehung der Stimme zu dem Körper, der sie gebildet hat und den sie im Sprechvorgang verlässt, zum anderen geht es um die Frage, inwieweit sich die Stimme zu einem eigenständigen Körper formt oder in einen neuen Körper schlüpft. Der Band ist eine Sammlung von Texten und Arbeiten internationaler Künstler und Wissenschaftler, die sich mit diesem "flüchtigen Stoff" Sprache beschäftigen und versuchen ihn zu fassen, sichtbar zu machen und ihm einen Körper zu verleihen. In 24 Beiträgen umkreisen die Autoren dieses interdisziplinäre Thema und beleuchten verschiedene Facetten. Es ergibt sich ein neuer, anregender Blick auf das wichtigste Kommunikationsmittel, die Sprache, und ihre Visualisierung und "Materialisierung". "

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»Parole #2: Phonetic Skin / Phonetische Haut« ist die zweite Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Haut und ihrer Beziehung zur Sprache. Der Begriff »Haut« wird dabei als Metapher benutzt. Sie steht für die Oberfläche, die beschützende Hülle, nicht nur des menschlichen Körpers, sondern auch anderer Körper, wie die Wände eines Hauses, die Verpackung eines Produktes, die Oberfläche der Erde etc. Sie bezeichnet die Grenze zwischen Innen und Außen und ist gleichzeitig ein sensibles Kommunikationsinstrument, das Informationen von außen nach innen leitet und innere Zustände äußerlich erkennbar machen kann. »Phonetic Skin« ist ein poetischer Begriff, der als Ausgangspunkt diente, sich mit dieser Verbindung zwischen Kommunikation/Sprache und Haut auseinanderzusetzen. 18 internationale Wissenschaftler und Künstler stellen in der zweiten Ausgabe von »Parole« Projekte vor, die verschiedene Facetten dieses Themas beleuchten. Dabei wird es bspw. um die Stimme als vibrierendes Phänomen zwischen Innen und Außen gehen, um sprechende Trommeln, um Schrift auf Architektur, Kleidung oder Haut.

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2021 stieß Albert Coers auf einen Karton alter Tischtennisschläger, bei einem Stipendienaufenthalt im Künstlerdorf Schöppingen, und war von dem Fund begeistert – gerade jenseits der Verwendung als Sportgerät: Die Schläger tragen die Spuren jahrzehntelangen Gebrauchs, erzählen Geschichten, ebenso wie die Steinplatten auf dem Boden des ehemaligen Bauernhofs. Platten und Schläger finden in einer Installation zusammen. Die funktionalen Objekte werden zu etwas Anderem, bekommen etwas Malerisches. Aus Fotos der Schläger wird ein Künstlerbuch, wobei sich Vorder- und Rückseite, Rot und Schwarz gegenüberstehen.

Doch in den Sujets steckt noch mehr: Es lassen sich Parallelen ziehen zwischen der Sportart und künstlerischer Praxis, der Reaktion auf eine Vorgabe („Angabe“), dem Zurückspielen eines Balles („Ping-Pong“). Von diesem Modus ausgehend involvierte Coers Mitstipendiaten, und lud sie ein, autobiographische, fiktionale oder wortkünstlerische Texte zum Thema „Tischtennis/Schläger“ beisteuern. So kommen ganz unterschiedliche Sprachen, Situationen und soziale Erfahrungen zusammen.
Die Texte sind als eigener Bestandteil, auf separatem Papier und in schmalerem Format, in der Mitte des Buchs in die Fotoserie eingefügt. Die Gegenüberstellung von Originaltext und Übersetzung auf einer Doppelseite lässt ebenfalls an ein Hin- und Herspielen denken. In einem Essay reflektiert Coers den Zusammenhang von Tischtennis und Kunst.
Mit Beiträgen von Rudi Beutinger, Albert Coers, Sandra Rosas, Crauss, Ksenya Kumm, Carsten Lisecki, Cornelia Hülmbauer, Asja Schubert.

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In 2021, Albert Coers came across a box of old table tennis bats, during a scholarship stay in the artists' village of Schöppingen, and was thrilled by the find - just beyond its use as sports equipment: the bats bear the traces of decades of use, tell stories, just like the stone slabs on the floor of the former farm. Slabs and rackets come together in an installation. The functional objects become something different, take on a painterly quality. Photos of the rackets become an artist's book, with front and back, red and black facing each other.
 
But there is more to the subjects: parallels can be drawn between the sport and artistic practice, the reaction to something given, the playing back of a ball ("ping-pong"). Taking this mode as a starting point, Coers involved fellow scholarship holders, inviting them to contribute autobiographical, fictional, or poetical texts on the theme of "table tennis/bat." Thus, very different languages, situations, and social experiences come together.
The texts are inserted into the photo series in the middle of the book as a separate component, on different paper and in a narrower format. The juxtaposition of original text and translation on a double-page spread also suggests a back-and-forth play. In an essay, Coers reflects on the connection between table tennis and art.
With contributions by Rudi Beutinger, Albert Coers, Sandra Rosas, Crauss, Ksenya Kumm, Carsten Lisecki, Cornelia Hülmbauer, Asja Schubert.

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Verbindet man mit Photographie die Vorstellung, dass schneller auf den Auslöser gedrückt wird und der Apparat schneller belichten kann, als der Mensch denkt, so setzt Bonfert der Schnelligkeit Denkleistung und Wille zur Konzentration entgegen. Die „Photosynthese“ ist das Ergebnis genauen Abwägens. Und einer Vorstellung, die zum Bild gerinnt, die auch nur als Bild existieren kann.

Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.

 

ERRATUM: Fälschlicherweise wird unter “Lektorat/Proofreading” Joan-Catharine Ritter genannt!
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"Das Titelverzeichnis seiner Readyweb-Archivierung bildet als Magazin-Katalog einen Index für leere Trockenlager – aber auch eine Checkliste für die Kunst der Zweckentfremdung. Seit Duchamp einen Flaschentrockner in Form eines Readymades in die Kunst einführte, sagt jede Variation der Ausstellung eines Readymades: Dies ist kein Flaschentrockner. Seit Granoux Readymades in Form gelesener Flaschentrockner in die Kunst einführte, sagt jede Variation künstlerischer Bearbeitung eines Flaschentrockners: Dies ist kein Readymade.

"Granoux ist kein Modernist. Und das Künstlerbuch von Pierre Granoux zeigt als Werk zeitgenössischer Kunst, dass Sammlungen der Moderne doch noch mehr sind als ein Aufbewahrungsort für geleerte und bis auf den letzten Rest leergelaufene Flaschen." (Robert Krokowski)
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Die Konkrete Poesie kann zum einen als eine erste globale Literatur auf der Basis ästhetischer Prinzipien und zum anderen als Kunstströmung der 1950er bis 1980er Jahre bezeichnet werden. Unter Konkreter Poesie als Oberbegriff werden in diesem Zusammenhang alle Formen experimenteller, visueller, auditiver und radiophoner Poesie subsumiert, die seit den 1950er Jahren bis zum Ende des Bielefelder Colloquiums 2002 entstanden sind. Als künstlerische Grenzüberschreitungen sind sie zwischen Text, Bild und Musik zu verordnen, über die verschiedenen Formen der Künstlerpublikationen fand eine Verbreitung und Vernetzung statt. Mit ihrer Vielseitigkeit entzogen sich die Künstler nicht nur jeglicher Kategorisierung, sie schufen zugleich ein enorm umfangreiches und vielschichtiges Œuvre.
Der erste von zwei Schwerpunkten der hier zusammengestellten Texte des Symposiums bezieht sich auf die gegenseitige internationale Beeinflussung der Künstler der konkreten Poesie, auf ihre Beziehungen untereinander, die Verbreitungen der Kunst und die verwendeten Medien und Techniken.
Der zweite Schwerpunkt thematisiert die theoretischen, die kunst- und kulturwissenschaftlichen Grundlagen sowie gesellschaftliche und politische Einflüsse.
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anlässlich der Ausstellung „The Production Line of Happiness”
im Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven.

Bildnachweis / List of works
One of 406 Ceiling Panels
(23 3/4 x 23 3/4 inches each)
Covered on the back with striped paper
(green and white)
Each Stripe is 8,7 cm
From “Frost and Defrost: A Work In Situ by Daniel Buren“
Otis Art Institute Gallery, 2401 Wilshire Blvd.,
Los Angeles, California,
January 28 - March 4, 1979
Hal Glicksman, Gallery Director;
Christopher D‘Arcangelo,
Assistant to Daniel Buren
Photography by the Douglas M. Parker
Studio, Glendale, California, May 4, 2006
Chormogenic Print
60 x 59,7 cm (paper)
107 x 105,5 cm (framed)
Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln
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Wer bei Google nach den Stichwörtern „Bohnenberger” und “Pommes” sucht, erzielt ca. 13.700 Ergebnisse. Vor allem sind es Presseberichte über den Prozess vor dem Münchener Landgericht. Darin wird die auch vom Landgericht offen gelassene Frage, ob ein Kreuz aus zwei vertrockneten Pommes Frites Kunst sei, in der Regel nicht direkt erörtert.
Bohnenberger dreht die Schraube eine Umdrehung weiter. Nicht mehr das mehr oder minder aufgeladene Ready Made und die um es herum geschaffenen Zeichnungen und original Pommeskreuze allein sind das Kunstwerk, sondern es wird gerade auch die Diskursivierung der alten Fragen – was ist Kunst und welche Ansprüche und Pflichten kann der Künstler haben – im juristischen Verfahren zur Kunst gemacht. Der Rahmen, sprich der räumliche und inhaltliche Kontext, in dem Gegenstände gezeigt werden, macht es einmal mehr aus: was eben noch die bloße Reproduktion der Prozessakten war, ist jetzt Kunst – als Installation an der Wand hängend und in einer Edition in Form einer Kassette, die eben die kopierten Prozessakten und ein Exemplar eines „Pommeskreuzes“ aus echten Pommes Frites in einer Blechschachtel enthält.
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    [content_de] => Die New York Times nannte ihn „den berühmtesten unbekannten Künstler in New York“. Und in der Tat ist Ray Johnson (1927-1995) lange Zeit ein Geheimtipp geblieben, obwohl er mit den bedeutendsten Künstlern seiner Zeit, von John Cage bis Andy Warhol, in regem Gedankenaustausch stand und der Einfluss seines Werkes auf die Kunst unserer Zeit gar nicht hoch genug eingeschätzt werden kann.

Ray Johnson gilt als Vater der mail-art, als Meister der Collage und als Vorläufer der pop-art. Aber all diese Etikettierungen vermögen nicht, diesen unbändigen Künstler zu fassen, der wie kaum ein anderer seiner Grundidee treu blieb, Kunst als kommunikativen Prozess jenseits der etablierten Institutionen zu begreifen und zu leben.

Die Ausstellung in der Weserburg stellt Ray Johnson mit ca. 170 Werken aus der Sammlung Maria und Walter Schnepel, Bremen, vor, die zu den bedeutendsten Sammlungen des Werkes in Europa zählt.
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Gregor Jansen, Direktor der Kunsthalle Düsseldorf
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    [content_de] => Roland Schappert (*1965, lebt in Köln) führt "in seinen Arbeiten klassische Medien an ihre Grenzen, dehnt ihren Erfahrungsraum durch das 'Verstreichen' von Zeit. Diese zeitliche Erfahrung bestimmt wesentlich den Wahrnehmungshorizont der Werke. Malerei, Zeichnung und Skulptur werden mit zeitbasierten Medien – Video, Klang, Lichtinstallationen... – zusammengeführt und an ihren Berührungspunkten zu grundlegenden, erkenntnistheoretischen Fragestellungen verdichtet." (Stefanie Kreuzer, in: "Á rebours")

"Höchstens einzelne Buchstaben sind noch zu erkennen, der Rest ist Geste und Wink, Bild und Struktur. Indem diese Auslöschungen auf das Auftragen von Firnis zurückzuführen sind, kehrt sich die Intention des Bewahrens um. Der schützende Überzug verwandelt sich hier in ein zerstörerisches und zersetzendes Element." (Arne Zerbst, in: "Das helle Dunkel")
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    [content_de] => Roland Schappert geht dorthin, wo es wehtut, an einen Ort, wo wir unsere Zukunft ausbilden – zumindest die Zukunft, die darüber entscheiden wird, wie wir uns wirtschaftlich entwickeln, die Einfluss nimmt auf unser zukünftiges Leben. (…) Zeichen auf einer langen orangefarbenen Wand, die zu Buchstaben werden – Buchstaben, die sich schließlich zu einem Satz fügen: LOTSENSCHAFT HAT GRENZEN, DAS OFFENE MEER. (…) In deutlichem Kontrast zu den Wandarbeiten stehen die Arbeiten des Künstlers auf Leinwand und Papier. Schemenhaft anmutende Porträtzeichnungen, kombiniert mit den Kernaussagen der Ausstellung. Hervorgehoben sei hier das zentrale Werk, der Titelgeber der Ausstellung: REISE FIBER. Ein Schiff, Wolken, die keine Wolken sind, Wellen, die keine Wellen sind – ein Schiff, frei segelnd im offenen Meer, das kein Meer ist. Ein Fieber, das wir alle spüren und doch ein ‚Fiber‘ – eine virtuelle Interpretation. (Dr. Stefan Hortshemke)
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    [content_de] => Alexander Braun (geb. 1966 in Dortmund), war im Jahr 2000 als Stipendiat in Lemgo tätig. Zuvor hatte er ein Stipendium als Artist in Residence in Marfa, Texas. Hier entwickelte sich sein grundsätzliches Interesse für den mexikanischen Kulturkreis, das in der Werkgruppe der “Retablos” seinen Ausdruck findet.

Das Retablo ist die mexikanische Variante des Votivbilds. Der (katholische) Gläubige möchte sich bei einer/einem bestimmten Heiligen für ein persönlich empfangenes Glück bzw. die Überwindung eines individuellen Schicksalsschlags bedanken. Zu diesem Zweck gibt es in Mexiko die sogenannten Nachbarschaftsmaler, künstlerische Dienstleister, die die geschilderte Szene mit Ölfarbe auf Blechtafeln malen und mit einem entsprechenden Widmungstext versehen. Der Gläubige trägt die Tafel dann in eine Kirche seiner Wahl und befestigt sie dort mit Nägeln an der Wand.

Alexander Braun gab in Mexiko City bei Lateinamerikas berühmtester Retablo-Malerfamilie, Afredo Vilchis Roque und seinem Sohn Hugo Alfredo Vilchis Fernandez, spezielle Retablos in Auftrag. Thema und Widmungstext wurden vom Künstler in Auftrag gegeben; die Vilchis waren allerdings angehalten, Thema und sprachliche Diktion nach eigenem Verständnis zu interpretieren. Als Protagonisten tauchen in der Serie ein Filzmann und seine Frau, ein Skelett, auf. Figuren, die in seinem Oeuvre immer wieder auftreten, werden diesmal allerdings in Alltagssituationen gezeigt und mit einem Privatleben ausgestattet. Hinzu tritt als versteckter Voyeur oftmals der Künstler selbst.

Alexander Braun transformiert mit diesen 18 verspielten und zugleich anrührend ernsthaften Votivtafeln das klassische Retablo in einen neuen, irritierenden Kontext.
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    [content_de] => Das Bild badet uns in Aufschriften so gut wie in farbiger Materie. Auf der Suche nach einem Motiv aber geht es in die Irre. Wie zum Ausgleich findet es in der Sprache und ihren Zeichen etwas, das konkret und abstrakt zugleich ist und auf etwas jenseits seiner selbst hinweist. Ist das nicht auch bei der Rede von einem "Nabel der Welt" der Fall? Gibt es ihn wirklich oder ist er nur eine Metapher? Ist er ein Bild, das spricht, oder Teil einer Sprache, die mit Bildern arbeitet? Offenbar liegt im Spiel mit Materie und Geist immer etwas Melancholisches."
Thomas Wagner

"Auf eine eigentümlicheWeise, die zu erklären nicht gelingen will, erscheinen die in die Kupferplatte geritzten Buchstaben und Worte plausibel. Und wie bei diesem speziellen Blatt mit dem suggestiven Titel LONELY – den man auch LOVELY lesen könnte, – ist es immer wieder das Ausschnitthafte, das Unzusammenhängende oder eine irritierende Satz- und Wortkonstruktion, die den Betrachter nicht so leicht loslässt."
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    [content_de] => In der von Gerhard Theewen herausgegebenen Edition Ex Libris bekommt der Begriff des Künstlerbuchs eine neue Dimension. Die Kölner Künstlerin und documenta-Teilnehmerin Rosemarie Trockel hat für die Edition Ex Libris ein für ihre künstlerische Arbeit bedeutendes Buch aus ihrer eigenen Bibliothek ausgewählt und präsentiert es unter ihrem Namen als Reprint. So wird ein Buch aus der Bibliothek der Künstlerin zum Kommentar der Arbeit Pierre Klossowskis und durch den von Rosemarie Trockel gestalteten Buchumschlag zu einem neuen Künstlerbuch."
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Vom Sammeln, Sortieren und Orientieren. Wie passt alles in einen Raum – die ganze Welt in einen Raum? Das vorliegende Buch ist eine Wunderkammer, welche die Künstlerin Claudia van Koolwijk mit ihren Nachforschungen angereichert hat. Das Material folgt einer Suche nach der Verschränkung von Kunst, Kultur, Religion und Naturwissenschaft, nach dem Bezug vom Materiellen wie Naturalien, Steinen oder Muscheln zum Übermenschlichen wie Leid, Tod und Glaube. 

Man mag die Aufgabe als zu umfangreich ansehen, doch aus welcher Sichtweise lassen sich die Phänomene am besten betrachten; sicher aus der einer forschenden Künstlerin. Zeitgleich zu ihrem Studium an der Kunstakademie Düsseldorf studierte Claudia van Koolwijk Biologie. Die Schule des freien Betrachtens einerseits, das genaue, akribische Beobachten auf der anderen Seite. Diese Verstrickung überträgt sich in ihre Serie von Stickereien. Es sind Momentaufnahmen, detailreich aber eben keine Abbildungen – weder lässt die Technik es zu, noch ist es das Ziel. Perfektion kann es nur in der Natur geben. Gefundenes Material ist der Ausgangspunkt, die Annäherung und Deutung folgt in Form einer Strichzeichnung. Ein zusätzliches Aquarell geht der Farbgebung nach. Die händische Zeichnung wird ins Digitale übersetzt, gefiltert und maschinell auf den Grundstoff gestickt. Sowohl der Ansatz als auch das Resultat sind analog und doch wird die Arbeit digital erzeugt, der Prozess dazwischen ist eine Wunderkammer in sich selbst. Material wird zu Materialität.
 
Yanik Hauschild 
 
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Schnelles und wildes Denken fordert dem entsprechendes Arbeiten. Czarnetta sieht zusammen, was er findet und bringt es schnell und instinktiv in Form. Dabei ist das Atelier des Künstlers eine ideale Fundgrube. Harz, Humor, Klebstoff, Spielzeug, Trödelgut, Beton, Philosophie, Holz, Nägel, Scherben, Fotos, alte Zinnfiguren, Assoziationen, Strandgut oder Dosen sind der Stoff aus dem die Seitensprünge gemacht sind. Kein Ding hat nur eine Identität, alles kann etwas anderes sein."
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Sery C. zeigte sechs Hauptpositionen aus den letzten 20 Jahren seiner künstlerischen Arbeit. Seine Werke umreißen Bildfindungsprozesse auf der Grundlage von Architektur und deren Systeme. Martina Jess entwickelte aus ihren Malereien („written paintings“ und „systematics“) und grafischen Installationen („modul als modus“) eigens für diese Ausstellung die Filme „moving paintings I und II“, die auf zwei einander gegenübergestellten Monitoren gezeigt wurden. In der Filmprojektion to be shaken before taken”, schweben die weißen Figuren im schwarzen Raum über eine Projektionsfläche in die nächste, tauchen in der zweiten Projektionsfläche ab um in der dritten wieder aufzutauchen.
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Die beiden Vorträge, die Michael Glasmeier auf Einladung der Universität der Künste Berlin (2002) und der Justus-Liebig-Universität Gießen (2004) im Rahmen der von der Märchen-Stiftung Walter Kahn geförderten Ringvorlesungen erarbeitet hatte, stellen den Aspekt der zeitgenössischen Kunst in den Mittelpunkt. Sie sind der Versuch, märchenhafte Elemente", bzw. Märchenmotive in der heutigen Kunstproduktion auszuspüren und vorzustellen. Ausgangspunkt war dabei die Frage nach einer visuellen Transformation der Texte jenseits von Illustrationen, die es natürlich in Fülle gibt und mit denen sich die Märchenforschung natürlich auch beschäftigt.

Überrascht ist man dann doch über die Qualität und Stringenz der künstlerischen Arbeiten, die Michael Glasmeier vorstellt. Gleichzeitig ist er sich aber auch sicher, viele andere künstlerische Werke zum Märchen übersehen zu haben. Einiges, das er zur Kenntnis genommen hat, wurde von ihm aus Qualitätsgründen nicht weiter diskutiert. So sind diese Vorträge natürlich auch Ausdruck seiner Vorlieben und seines methodischen Hangs zu Digression."
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Farben und Formen finden wohlüberlegt zueinander. Die Dinge selbst sind zwar aus ihrem eigentlichen Funktionskontext befreit, bei der Betrachtung gibt es ein jeweiliges Erkennen, das sich dann wieder vom Gegenstand löst und im Zusammenhang mit den Form- und Farbnachbarn auf einer sinnlich-sinnigen Ebene die Lust am Schauen zurückkehren lässt.

Nur wenige Künstler vermögen den Betrachter auf diese Weise visuell als auch gedanklich anzuregen.“ (Dr. Isa Bickmann, www.Faust-Kultur.de)
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    [content_de] => Die Publikation „Sound Art – Zwischen Avantgarde und Popkultur“ dokumentiert die internationale Tagung, die vom 30. September bis 2. Oktober 2005 im Rahmen des Ausstellungsprojektes zur Sound Art im Neuen Museum Weserburg Bremen stattfand. Dieses umfasste, neben der Ausstellung „Vinyl. Records and Covers by Artists”, eine Film- und Konzertreihe zum Thema Klangkunst.

Die Tagung diente der wissenschaftlichen Aufarbeitung des Sujets „Sound Art“, die sich, laut des Vorworts der Herausgeber „im Grenzbereich von Literatur, Kunst, Musik, Radio und Film“ bewegt. Der Band enthält elf Beiträge international renommierter Musik-, Kunst- und Medienwissenschaftler, Radioredakteure und Komponisten zum Thema Klangkunst. Die Autorinnen und Autoren reflektieren in unterschiedlichen Ansätzen die interdisziplinären Aspekte der Sound Art, die in Form der Medien Schallplatte und Tonbandaufzeichnung, Partituren, Radio- und Fernsehsendungen sowie Internetstreams die Öffentlichkeit erreicht. Dabei zeichnen sie die Entwicklung der Klangkunst zur Zeit der Russischen Avantgarde, des Futurismus und Dadaismus am Anfang des 20. Jahrhunderts nach. Sie untersuchen auch den Zusammenhang der Sound Art mit den intermedialen Tendenzen von Fluxus, der Neuen und Elektronischen Musik, Konkreten Poesie, der Klanggestaltung im Film sowie ihren Einfluss auf das in den 1990ern viel diskutierte Crossover von Musik und Kunst. Herausgeber des Buches sind Anne Thurmann-Jajes, Leiterin des Studienzentrums für Künstlerpublikationen im Neuen Museum Weserburg Bremen, die Berliner Radioredakteurin und Kuratorin Sabine Breitsameter sowie Winfried Pauleit, Kunst- und Filmwissenschaftler an der Universität Bremen. Dem Buch „Sound Art“ liegt eine Audio-CD mit 17 ausgewählten Hörbeispielen bei. Z. B. Auszüge aus Vladimir Majakovskijs Gedichtdeklamationen, Kurt Schwitters Vortrag seiner „Ursonate“, aktuelle Klangexperimente aus dem Bereich der Radiokunst sowie Ausschnitte aus Luc Bessons Film „The Fifth Element“ von 1997.

Die Textbeiträge diskutieren die Stellung der Klangkunst im musikwissenschaftlichen Diskurs, der Entschlüsselung von Signalen zwischen Bild und Klang, geben einen Einblick in Kunstwerke, die allein für das Radio konzipiert wurden und zeugen von einem erweiterten Verständnis dieses Mediums und seinen Möglichkeiten. Sound Art wird als „die permanente Erweiterung der Wahrnehmung akustischer Phänomene und Experimente, die sich jeder Zuordnung entziehen“ definiert.

Hörbeispiele auf der CD / Audio Examples on CD

l Vladimir Majakovskij: Hören Sie zu!, 0'59
2 Alexander Blok: Tapferkeit, Siege und Ruhm..., 1'48"
3 Kurt Schwitters: Ursonate, 1922-1932, Einleitung, 0'43"
4 Kurt Schwitters: Ursonate, Teil 3, 2'44"
5 Raoul Hausmann: Soundrel, 1919, 4'23"
6 Raoul Hausmann: Conversation imagee avec les lettristes, 7'05"
7 Antonin Artaud: Pour en finir avec le jugement de dieu/
Schluss mit dem Gottesgericht, 1947, Ausschnitt, 2'20"
8 Herbert Eimert: Epitaph für Aikichi Kuboyama, 1'34"
9 Sten Hanson: Dance Figure (for EP), 1969, 1'57"
10 Sten Hanson: OUHM, 1973, 1'08"
11 Horizontal Radio: Ausschnitt, Mix von Rupert Huber, 2'21"
12 Andrew Garton: The Spectrum Wars, 3'07"
13 Radioqualia: Radio Astronomy, 3'01"
14 Re-Inventing Radio: Streams from the Network, Mix von Rupert Huber, 2'41"
15 Audiomobile Vienna 05: Mix von Matt Smith, 3'34"
16 The Fifth Element: Ausschnitt I, Regie: Luc Besson, 1997, Musik: Eric Serra, Sound Design: Mark A. Mangini, 2'35"
17 The Fifth Element: Ausschnitt II, 0'19"

Gesamtdauer: 42'28""
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Man betrachtet die Welt immer aus der Perspektive des Einsamen und immer mit Distanz. Bei der Fotografie ist die Distanz im Bezug auf die Nähe zur Wirklichkeit am größten. Man sieht, dass sie da ist, aber sie ist nur ein Bild. Reinhard Doubrawas Fotografien, die die überscharfe Wahrnehmung des Reisenden verraten, bringen all diese Ebenen auf einer zusammen..."
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    [content_de] => Für kurze Zeit gehörte der Architekt und Stadtplaner Attila Kotányi (1924-2003) zum innersten Kreis der Internationalen Situationisten. Kotányi macht Guy Debord mit Raoul Vaneigem bekannt. Für kurze Zeit war Kotányi Anfang der 60er Jahre Redakteur der legendären Zeitschrift der Situationisten. Dann überwarf er sich mit Debord. Warum? Wer war Attila Kotányi? Woher kam er? Was tat er nach dem Bruch mit den Situationisten? Das Buch geht diesem Leben zwischen Ost und West nach. Autoren aus Ungarn und Deutschland untersuchen die Facetten dieses komplexen Denkers, Künstlers und Lehrers. Zugleich versammelt das Buch einige wichtige unveröffentlichte und schwer zugängliche Texte von Kotányi selbst.
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    [content_de] => Thomas Böing (1963 geboren) studierte Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde 1993 dort Meisterschüler. Im Zentrum seiner künstlerischen Interessen stehen im weitesten Sinne immer Raum und Räumlichkeit. Die Monografie „cut out” widmet sich seinen geschnittenen Fotoarbeiten. Böing entfernt in ihnen Durchblicke durch Tür-oder Fensteröffnungen oder Gegenstände wie Bilder an den Wänden oder Objekte in Museen, und öffnet so die fotografische Fläche in den Raum, der sich aus den anwesenden oder abwesenden Körpern in ihm definiert: „Der seltsam indefinite Raum in den ausgesparten Flächen, einerseits spartanischer, andererseits ganz notwendigerweise tiefer als der der Photographien, führt in das Bild hinter dem Bild, den Raum in der Figur, ein Innen, ein Durchblick, ein Leuchten zugleich. In dem, was es ist, so unmöglich wie wahr." (Gerhard van der Grinten)
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Thomas Struth hat für die Edition Ex Libris die „Deutsche Stadtbaukunst der Gegenwart” (1921) von A. E. Brinckmann ausgewählt. Als Fotograf, der sehr viel auf Reisen ist, schien ihm dieser historische Band mit seinen acht eingehängten Städtekarten das ideale Buch zu sein, für dessen Umschlag er eine Straßenansicht aus dem Tokioter Stadtteil Bunkyo (1999) bestimmt hat, die auch das Motiv seines „Ex Libris“ geworden ist.

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    [content_de] => Die Publikation „Title Suspended“ erscheint anlässlich der Präsentationen von Anri Sala im Kabinett für aktuelle Kunst in Bremerhaven sowie im MMK || Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main. Als Mischung aus Künstlerbuch und Dokumentation liefert sie den Kontext für das neuste Werk von Anri Sala, bei dem es sich um die erste „skulpturale“ Arbeit des international gefeierten Künstlers handelt. Ausgehend von Michelangelos bekannter Darstellung der „Erschaffung Adams durch Gottvater“ zeigt sie die äußerst poetische Konstruktion und Destruktion eines Momentes bzw. eines Bildes.
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Beim Netzwerk der Mail Art handelt es sich um das erste World Wide Web, lange bevor es das Internet gab. Die Post wurde als weltweites Kommunikationssystem genutzt. Es entwickelte sich aus einem kunstgeschichtlichen Kontext heraus und brachte ein neuartiges Beziehungsgeflecht von Kunst, Kultur und Gesellschaft hervor. Zum einen stellte es eine der sich mit der Grenzüberschreitung der Kunst entwickelnde neue Produktions-, Kommunikations- und Vermittlungsform dar. Zum anderen wurde mit ihm die bisherige Funktionsweise von Kunst kritisch hinterfragt, vor allem deren Warencharakter bzw. deren ideologische Vereinnahmung wie in Osteuropa. Es warf grundlegende Fragen nach dem Stellenwert von Original und Autorenschaft auf, denn an die Stelle der Genialität des einzelnen Künstlers trat das Gemeinschaftswerk. Ob Künstler oder Laie, jeder konnte sich an Projekten beteiligen und selbst neue initiieren. Mit dem Netzwerk der Mail Art entwickelten sich spezifische Ausdrucksformen wie Postkarte, Assemblings, Rubber Stamps, Künstler-Briefmarke und Magazine, die zugleich den Vernetzungsprozess beförderten. Es kann als Erscheinungsform einer sich in den 1960er Jahren entwickelnden Bewegung zur Demokratisierung der Kunst angesehen werden. Aufgrund der speziellen gesellschaftlichen Rahmenbedingungen gewann es für die Länder Osteuropas eine spezifische Bedeutung. Es bot eine der wenigen Möglichkeiten, weltweit und über die Systemgrenzen hinaus, Ideen und Kunst auszutauschen und die Verbindung zum internationalen Kunstgeschehen während der Zeit des Kalten Krieges aufrecht zu erhalten. Initiativen von osteuropäischen Künstlern und Mailartisten stehen im Mittelpunkt. Deren Dokumentation trägt dazu bei, einen differenzierteren Blick auf die Kunst, die bis zur Öffnung der Grenzen im Jahr 1989 entstand, zu entwickeln und fokussiert künstlerische Leistungen, die es vor dem Vergessen zu bewahren gilt.

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Jedes Bild ist auch ein Körper. Die Linien, die Günter Tuzina mit Kreide zuerst tastend, suchend und damit organisch setzt, sind das Skelett. Sie sind das Gitter, das man mit Konzept und Ratio assoziiert. Dann folgt die Materie, die Ankleidung mit Fleisch, die Bedeckung mit Haut. Das ist die Farbe, das Gefühl. Der Maler bringt sie in mehreren Schichten auf, transparent oder opak, aber immer atmend. Und so, dass die Materie, die Farbe, entsprechend dem Wunder der Malerei am Ende in Raum und Geist umgesetzt wird. Es ist eine große Leistung, dass es Tuzina gelungen ist, eine Verbindung zwischen den beiden Polen Ratio und Gefühl herzustellen, ohne sie zu verschmelzen, sondern indem er sie klar nebeneinander stellt.
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Der Ulivogel auf seiner Reise des Lebens. Ziel ist die Öffnung in eine andere Welt, die in diesem Buch auch ganz real wird… In vier Jahren schuf der Maler Ulrich Moskopp ein Kinderbuch für alle Liebhaber von Buchmalerei, also für 0 bis123-Jährige. Mit diesem liebevoll „illuminierten“ Bilderbuch wendet sich der international anerkannte Künstler erstmalig an Kinder und Jugendliche. Aber auch deren Eltern werden den Reiz, der in intensivster Aquarelltechnik ziselierten, lustigen und freundlichen Protagonisten zu schätzen wissen. Zusammen mit dem roten Männchen und dem blauen Mädchen entdeckt der Ulivogel das Ziel der Ziele.

Das Buch ist aufwendig und mit großer Liebe zum Detail realisiert worden. So wurde besonderer Wert auf ein Naturpapier gelegt, das den Seiten einen schönen und angenehm „griffigen“ Charakter verleiht. Die überraschend im Buch und auf dem Buchdeckel erscheinenden Stanzungen katapultieren die Geschichte jeweils in neue Dimensionen. Der an den Anfang gesetzte Text hilft dabei, die Geschichte durch ihre Bilder lesen zu lernen.

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