„The Observer’s Book of Pond Life“ von John Clegg ist ein Buch, das ich als Kind in einer öffentlichen Bibliothek in Patchway, Bristol, um 1979 entdeckte. Ich habe es über lange Zeiträume hinweg immer wieder ausgeliehen. Die Bilder suggerierten eine für meine Umgebung unsichtbare eine Parallelwelt. Bilder von Wasserkäfern, Wassermilben und Libellen schlugen einen Akkord an mit den graphischeren Zeichnungen von Diatomeen und anderen einzelligen Tieren, die abstrakter aussahen. Es war ein erstaunliches Buch für mich und machte mich neugierig, ob mein kleiner Gartenteich auch solche Leben enthielt. Dies führte zu einer neuen Besessenheit, Stunden damit zu verbringen, in Mikroskope zu starren, während ich den 7″ Schallplatten meiner Eltern lauschte. Als Kind die Weite in einem einzigen Tropfen Wasser zu erforschen, war wie in den Weltraum zu reisen. Die gedruckten Maßangaben in Zoll und Zentimetern auf dem hinteren Buchdeckel sind mir über all die Jahre in Erinnerung geblieben. “ (Stephen Gill)
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Die SX-70 ist ein Kultobjekt - spielerisch, spontan, malerisch, poetisch, erotisch. Die Bilder überraschen und beglücken durch ihre ganz eigene Qualität, die sich aus ihrer Farbigkeit, der Bildoberfläche, der leichten Unschärfe und dem fast quadratischen Format in dem weissen Bildrahmen zusammensetzt. Und außerdem sind sie auch noch Unikate.
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Auf ein Jahr konzipiert, trugen in zehn Veranstaltungen neunzig in Deutschland lebende Künstler und Künstlerinnen zum Programm des MÖMAs bei.
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Mit der Melancholie sind unterschiedlichste Arten von Sehnsuchtsgehalten verbunden, die jeweils emotionale Befindlichkeiten einer Zeit widerspiegeln. Sie ist von Weltschmerz geprägt, einer starken Emotionalität, die durch Resignation aber gleichzeitig auch von einer tatkräftigen Aufbruchstimmung bestimmt wird. Der hier angedeuteten Ambivalenz des Melancholischen wird in der Ausstellung ein Hauptaugenmerk gewidmet, mit Werken von Diana Al-Hadid, Abel Auer, Matthew Barney, Matthew Benedict, Walter Dahn, Sven Drühl, Jürgen von Dückerhoff, Melissa Gordon, Nschotschi Haslinger, Dorota Jurczak, Douglas Kolk, Ján Mancuska, Christof Mascher, Julian Rosefeldt, Astrid Sourkova, Tal R und Fabian Weinecke.
Das Genie-Konzept, das einem allgemeinen Verständnis nach eng mit dem der Melancholie verknüpft war, wurde in der Moderne ad absurdum geführt bzw. relativiert. Der in sich gekehrte, intellektuelle Künstler, der an der Welt verzweifelt und keinen Ausweg findet, wird durch einen aktiven Künstler ersetzt, der sich aus den Fesseln der Handlungshemmung befreit. Dieser Wandel bedeutet aber nicht, dass bisher vorherrschende Ansichten der Melancholie bedeutungslos geworden sind, vielmehr hat eine Akzentverschiebung stattgefunden, die stärker das kreative Potential des Melancholischen betont. Die ausgewählten Künstlerinnen und Künstler verdeutlichen, dass es dabei nicht nur um Perfektionierung, Harmonisierung oder Glättung geht. Ein wichtiges Kriterium von jeglicher Erfahrung ist auch das Misslingen, das Unangenehme, worüber man lieber schweigen würde, etwas was häufig auch als negative Erfahrung bezeichnet wird. Diese Diskrepanz zwischen angenehm und unangenehm, zwischen positiv und negativ ist Kennzeichen der Melancholie.
Begleitend zur Ausstellung erscheint im Salon-Verlag Köln ein 80 Seiten umfangreicher Katalog in deutscher und englischer Sprache, mit Textbeiträgen von Britta Stinn und Oliver Zybok.
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Ein wesentlicher Bestandteil dieses Projektes ist das Einbeziehen von Oberschulklassen und Studenten aus Deutschland und Rußland in einem Workshop. Das ist auch ein Versuch ohne hierarchische Ordnung Disziplinen, Menschen und Orte miteinander zu verbinden und die begrenzte Perspektive des ich-zentrierten Künstlerindividuums als Mediator zu durchbrechen.
Gestartet im Herbst 2007 in St. Petersburg und fortgesetzt im Sommer 2008 in Köln, sind als weitere Stationen des Projektes Hamburg, Istanbul, Tel-Aviv, Prag etc. geplant. Dabei dient das vorliegende Buch als Arbeitsgrundlage für die weitere Entwicklung des Projektes, wobei die Teilnehmer das Buch nach ihrem Belieben frei weitergestalten können. "The result is dead, long live process!" -Sacharow-Ross.
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Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.
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In Köln erinnerte er beispielsweise mit einer 400 Meter langen Strassenzeichnung mitten durch den Vorgebirgspark an den geplanten Autobahnbau aus den 60er Jahren, er stellte den 4466 Sprossenfenstern des Münsteraner Schlosses entsprechend viele Rasensitzplätze entgegen und mähte 2005 in Leipzig einen ganzen Skulpturenpark mit Denkmälern für Menschen, die ihm von Passanten während der Aktion vorgeschlagen worden sind.
Der in Köln lebende Künstler ist in Bad Oeynhausen geboren worden und studierte an den Hochschulen in Bielefeld, Enschede, Berlin und Hamburg. In dem Katalog werden die Projekte, die u.a. mit dem Goethe-Institut Rotterdam, mit den Kunstverein Siegen oder am Karlsruher Schloss realisiert wurden, dokumentiert.
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(Heiderose Langer)
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Foma Jaremtschuk wurde 1907 in einem abgelegen sibirischen Dorf geboren und starb 1986. Er hatte nie speziell zeichnen gelernt (er schloss lediglich die 3. Klasse einer dörflichen Grundschule ab). Sein weiteres Schicksal bis zum 29. Lebensjahr ist unbekannt. 1936, unter Stalin, wurde er der "Verleumdung der UdSSR" beschuldigt und in ein Arbeitslager eingewiesen. 1947 wurde er im Lager für wahnsinnig befunden und in eine geschlossene Psychiatrieanstalt überwiesen, wo er die Jahre 1947-1963 verbrachte. In dieser Zeit entstanden etwa 500 seiner Zeichnungen. 1963 wurde er in eine andere Klinik überführt, wo er bis 1974 blieb. Es wurden keine Zeichnungen aus dieser Zeit gefunden (wahrscheinlich wurden sie von den Mitarbeitern der Klinik vernichtet). 1974 wurde der Künstler aufgrund einer Verschlechterung seines Zustands in eine Klinik für besonders schwer kranke und tobsüchtige Patienten überführt, wo er schließlich 1986 starb.
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Die künstlerischen Produktionen setzen sich mit wissenschaftliche Vorgehensweisen und Grundlagen aus den Bereichen Medizin, Computertechnologie, Physik und Mathematik auseinander. Anhand künstlerischer Arbeiten werden Grundlagen und Bezugssysteme unserer Wahrnehmung von Wirklichkeit sichtbar. Die Projekte wurden mittels unterschiedlicher transdisziplinärer Arbeitsstrukturen realisiert, wobei ein neuartiger Zugang zu künstlerischen und mathematischen Fragestellungen möglich wird.
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[content_de] => Zur weiblichen Präsenz im künstlerischen Beruf wurde bisher die Bedeutung von Künstlerinnen im Kunstbetrieb der Hochschulen kaum beachtet: Welche Rolle spielen "Meisterinnen" an Hochschulen? In welcher Rolle sehen sie sich selbst? Wie ist das Verhältnis von eigener Arbeit und Lehrtätigkeit? Welche inneren Lehrpläne gibt es? Wie korreliert eigenes Werk und Vermittlungsarbeit? Wie kann sich das Bild einer Künstlerin durch Ihre Lehre erweitern? Gibt es neue Entwürfe?
In einer filmischen Dokumentationsserie habe ich acht internationale Künstlerinnen, die als Professorinnen an der Hochschulen arbeiten, zum Zusammenhang zwischen ihrer Lehrtätigkeit und der eigenen Arbeit befragt. Etliche Jahre später interessierte mich, ob sich die Haltungen verändert haben. Ich kehrte zurück und befragte alle Künstlerinnen erneut. Die Ergebnisse wurden in einem Buch zusammengestellt.
Aus der Perspektive einer Künstlerin interessierte mich insbesondere, welche Figuren, Lebens- und Arbeitszusammenhänge, Leitbilder und Ideale hinter diesen z.T. immer noch VorzeigeprofessorInnen stecken. Welche feinen Beziehungsstrukturen spannen sich zwischen dem eigenen Lehrentwurf und dem eigenen Werk? Wie entwirft sich die Künstlerin selbst als „LehrMeisterin“?.
Die Gespräche sind sehr persönlich unter vier Augen entstanden und aufgezeichnet worden. Die Künstlerinnen entwarfen so ein eindrückliches Bild ihrer Biografie im Zusammenhang von Kunst und Lehre. Die Veröffentlichung und die Form der endgültigen Texte wurde gemeinsam bearbeitet.
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Vorgestellt werden 80 Künstler mit Texten von Thomas Hirsch und Portraitfotos
von Ricarda Niks, mit Werkabbildungen sowie Kurzbiographien im Anhang,
herausgegeben von Peter Liese in einer Zusammenarbeit der edition biograph mit
dem Salon Verlag.
Im April 1998 erschien der erste Teil der Serie "Künstler in Düsseldorf" in der
Düsseldorfer Zeitschrift "biograph", der erste Künstler, der hier im
Zusammenspiel von Text und Foto portraitiert wurde, war Alfonso Hüppi. Weitere
Künstler waren u.a. Ulrich Erben, Katharina Fritsch, Martin Honert, Konrad
Klapheck, Thomas Ruff, Reiner Ruthenbeck, Thomas Schütte, Katharina Sieverding,
Thomas Struth. In mehr als hundert Folgen ist mittlerweile eine Art Überblick
über das Kunstgeschehen in der Kunststadt Düsseldorf mit den hier ansässigen
Künstlern entstanden, das nun auch dem gleichnamigen Buch zugrunde liegt. Jedoch
verfolgt das Buch einen eigenen Ansatz. Die Texte sind völlig überarbeitet und
auf aktuellen Stand gesetzt, neue Portraitfotos kommen ebenso hinzu wie
Werkabbildungen. Die älteste Künstlerin wurde 1923 geboren, die jüngste 1976;
neben den Künstlern, die Kunstgeschichte geschrieben haben, sind solche
vertreten, die am Anfang ihrer Karriere stehen. Künstler, die im Fokus der
Aufmerksamkeit stehen, werden ebenso vorgestellt wie solche, die wieder oder
überhaupt zu entdecken sind - in einer ebenso intuitiven wie repräsentativen
Auswahl, die alle künstlerischen Medien bedenkt und die Vielschichtigkeit des
hiesigen Geschehens belegt.
So ergibt sich ein facettenreicher Blick auf die Kunststadt Düsseldorf.
Das Buch "Künstler in Düsseldorf" ist die umfassendste Schilderung dieses Themas
überhaupt - ein Standardwerk zum Kunstgeschehen in der Landeshauptstadt, das als
Orientierung im Kunstgeschehen dient.
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[content_de] => Das Künstlerbuch W_20 37 405 : Caput mortuum von Jürgen Stollhans erschien am 13. Juni 2007 anlässlich der documenta 12 in einer Auflage von 1000 nummerierten und signierten Exemplaren als offizielle DOCUMENTA XII-EDITION.
Der Werkblock ist Ergebnis einer nahezu halbjährigen Recherche Jürgen Stollhans’ im militärisch-industriellen Komplex und im Bildungs- und Infrastrukturgefüge der Stadt Kassel und Umgebung und wurde an Ort und Stelle gefertigt.
Die Arbeit verteilt sich auf zwei Orte der documenta 12: Aue-Pavillon und documenta-Halle. Alle Motive sind mit weißer Kreide auf matt dunkelbraun grundierte Sperrholztafeln gezeichnet und unfixiert.
Die 14 Sujets der 20 Tafeln sind im Buch vollständig dokumentiert. Das Buch enthält einen – von zahlreichen Farbabbildungen begleiteten – Aufsatz von Birgit Laskowski zur Problematik der bildnerischen Verarbeitung gesellschaftlich-politischer Über- und Unterbauphänomene und eine Märchenparaphrase nach Brüder-Grimm-Motiven von Peter Güllenstern.
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[content_de] => Der Mathematiker G. H. Hardy sieht in der zweckfreien Mathematik – im Unterschied zur angewandten Wissenschaft – Schönheit wie in Dichtung und Malerei. Diese Überlegung eröffnet einen besonderen Zugang zur Schönheit im Werk Bettina Blohms, das auf gründlicher Analyse beruht.
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Bettina Blohm, 1961 in Hamburg geboren, lebt und arbeitet seit 1984 in New York. Bisher ist sie vor allem als Malerin bekannt. Neben ihrer Malerei steht jedoch ein gleichrangiges zeichnerisches Werk, das ergänzt durch die neueste Werkgruppe ihres Schaffens, der Radierung, in NO UGLY MATHEMATICS umfassend gewürdigt wird.
In der Gegenüberstellung von Buntstiftzeichnung, Arbeiten mit Kohle und den Radierungen wird sichtbar, wie souverän Bettina Blohm jedes Medium für sich erschliesst. Denn in jedem Medium versteht sie es, unser Abstraktionsvermögen mit den spezifischen Ausdrucksformen der jeweiligen Technik zu fordern.
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[content_de] => Karl Burgeff, der 1928 in Würzburg geboren wurde und 2005 in Köln verstarb, gehört zu den wichtigen figurativen Künstlern im Rheinland. Zu seinen Beiträgen im öffentlichen Raum gehören - neben zahlreichen Ausgestaltungen im sakralen Bereich - der „Dionysos-Brunnen“ im östlichen Lichthof des Kölner Domes, der „Theaterbrunnen“ in der Innenstadt von Bad Godesberg und die „Rollende Ceres“ auf dem Rasthof Peppenhoven. Weiterhin stammen von Karl Burgeff, der von 1974 bis 1993 eine Professur für plastisches Gestalten an der Fachhochschule Köln innehatte, etliche Medaillen, Münzen und Plaketten, die ihn als einen der bedeutendsten deutschen Künstler im Bereich der Glyptik ausweisen.
Weniger bekannt ist, dass Burgeff auch im Metier der Zeichnung Außerordentliches geleistet hat. Dabei sind seine Zeichnungen, die überwiegend mit Graphit, Pastellkreide und Kohle entstanden sind, autonom. Nur bedingt lassen sie sich auf die plastisch-skulpturale Tätigkeit zurückführen. Themen und Motive sind die Durchdringung von mythologischer und realer Welt, Fragen der Ökologie und die referentielle Hinterfragung der Tätigkeit als Künstler.
Das vorliegende Buch stellt nun die wichtigsten Werkphasen über einen Zeitraum von fünf Jahrzehnten mit zahlreichen exemplarischen, in Duplex reproduzierten Arbeiten vor. Es enthält Textbeiträge von Thomas Hirsch, Hans van der Grinten, Christine Knupp-Uhlenhaut, Irmgard Lauscher-Koch und Elisabeth Perger und hält im Anhang eine ausführliche Biographie zu Karl Burgeff bereit.
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[content_de] => Alfonso Hüppi, der 1935 in Freiburg i.Br. geboren wurde, in der Schweiz aufwuchs und von 1974 bis 1999 als Professor für Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf lehrte, zählt zu den originellsten Künstlern unserer Zeit. Sein Werk erstreckt sich auf die unterschiedlichsten Bereiche, es umfasst plastisch-skulpturale Arbeiten ebenso wie Handzeichnungen und raumgreifende Installationen. Es bewegt sich in einer konstruktiven Gegenständlichkeit und führt diese zugleich auf die Figur zurück, die bis heute wesentlicher Impuls seines Schaffens ist.
Weniger bekannt sind die Druckgraphiken, die indes eine außerordentliche Rolle im Zusammenhalt des Gesamtwerkes spielen. Die Druckgraphiken setzen bereits in den 1950er Jahren, zu Beginn des Studiums ein und erstrecken sich bis in die heutige Zeit. Sie umfassen alle gängigen Verfahren, wobei Hüppi vor allem in den 1970er und 1980er Jahren mit Siebdrucken für Aufsehen sorgt und mittlerweile neben den Überarbeitungen druckgraphischer Blätter auch experimentell arbeitet, neue Verfahren entwickelt.
Das nun vorliegende Buch stellt erstmals das druckgraphische Werk dieses herausragenden deutsch-schweizerischen Künstlers explizit vor. Neben einem ausführlichen, das druckgraphische Werk in seiner Gesamtheit umspannenden, farbig reproduzierten Bildteil enthält es ein komplettes Verzeichnis aller Druckwerke und berücksichtigt dabei auch die Mappenwerke. Die Textbeiträge stammen von Thomas Hirsch, der die Druckgraphik im Kontext des Oeuvres und anhand von Vergleichsabbildungen beleuchtet, und von Rosa von der Schulenburg, die die neueren Werkphasen der Rouleaus und der Tücher vorstellt. Im Anhang finden sich eine ausführliche Bibliographie und ein vollständiges Ausstellungsverzeichnis.
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[content_de] => Unter dem Titel „Landschafts-Paraphrasen“ war in der Städtischen Galerie Gladbeck, im Kunstverein Galerie Münsterland, Emsdetten und im Museum Baden, Solingen eine von Dirk Steimann kuratierte Ausstellungsreihe mit den Künstlern Rowena Dring, Sven Drühl, Eberhard Havekost und Birgit Jensen zu sehen. Diese Ausstellungsreihe vereint Arbeiten von Künstlern, denen das Ausloten der Grenzen dessen, was noch als Malerei akzeptiert wird zu Eigen ist und die sich dabei einem sehr tradierten Topos der Malerei zuwenden, nämlich der Landschaft. Auf die Frage, was Landschaftsmalerei unter heutigen Bedingungen sein kann, geben diese Künstler vier beispielhafte Antworten. Und dies offensichtlich ohne ausgesprochen ‘malerische’ Techniken anzuwenden. Stattdessen mobilisieren sie die an den zeitgenössischen Medien geschulte Wahrnehmung. Denn der Ausstellungstitel leitet sich von der Annahme her, dass das Medium Malerei – und damit auch die Landschaftsmalerei – weit über die Kategorien Motiv, Farbe, Struktur, Faktur, Materialität, Oberfläche etc. hinausgehend vermutet werden muss; dort nämlich, wo von einer übergeordneten ‘visuellen Kultur’ die Rede ist, als deren Teil die Landschaftsmalerei betrachtet werden kann. Vor diesem Hintergrund erproben die Künstler anhand scheinbar figurativer Bildfindungen, inwiefern Malerei unter Wahrung ihrer eigenen Wirklichkeit relevante Inhalte transportieren kann und welche Strategien zur Auffrischung derselben sich als tauglich erweisen.
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[content_de] => Der mystische Prediger Meister Eckhart, einer der großen Söhne Thüringens, war sich der Grenzen des sprachlichen Ausdrucks durchaus bewusst, ähnlich wie viel später der Philosoph Ludwig Wittgenstein, als er formulierte: »Es gibt allerdings Unaussprechliches. Dies zeigt sich. Es ist das Mystische.«
Dieses Zitat und die vom Neuplatonismus beeinflussten Ideen Meister Eckharts bilden den Ausgangspunkt
für eine Ausstellung, welche die Spannbreite der künstlerischen Auseinandersetzung mit Mystik und spiritueller Transzendenz von der Moderne bis in die unmittelbare Gegenwart exemplarisch belegt.
Mit der Annäherung an mystische Begriffe wie »grundloser Grund«, »stille Wüste«, »Leere«, »Nichtigkeit «, »pures Licht«, »Entwerdung«, »Entbildung«, »Abgeschiedenheit « oder »das einfaltige Eine«, mit der Vergegenwärtigung von Grunderfahrungen der mystischen Gott-Mensch-Einung im Unendlichen, Absoluten und Namenlosen jenseits von Zeit und Raum begeben sich die modernen Künstler in Grenzregionen: Sie verlassen die »große Erzählung« von der Wirklichkeit in Porträt, Landschaft, Historie, Interieur, Stillleben etc. und nähern sich einer Grenze des Schweigens, »letzten Bildern« im Übergang zur Bildlosigkeit, einer Welt des »Inneren Auges«, der naussprechlichen, reinen Erfahrung.
Das vorliegende Buch versammelt grundlegende Essays zur Thematik von Karl Schawelka, Kai Uwe Schierz und Wolfgang Wackernagel. Sie entwerfen die Perspektive, aus der heraus die ausgewählten künstlerischen Arbeiten eine spezifische Deutung erfahren können. Außerdem werden sämtliche künstlerischen Positionen von fachkundigen Autorinnen und Autoren interpretiert. Ausführliche Autorenbiografien runden die Publikation ab.
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Heather Allen experimentierte von Beginn an auch in anderen Richtungen mit ihren Figuren und setzte sie parallel immer wieder für fotografische Inszenierungen ein. Sie plazierte sie u.a. in Zimmerecken, auf ihrem Körper oder ließ sie das Londoner Arbeitszimmer von Sigmund Freud bevölkern. Doch unabhängig davon, ob die Figuren in Installationen oder Fotografien auftauchen, entscheidend ist: Es sind nicht die Klons, sondern es ist die vielfältige Palette eine Person, die Heather Allen in ihren »modellhaften Selbsterkundungen« umsetzt.
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Denken und konkretem Sehen in seinen Kompositionen zugleich ernsthaft analysiert und mit spielerischer Leichtigkeit ad absurdum führt. Die hier erstmals veröffentlichten Zeichnungen bieten einen Einblick in die Vielfalt der historischen Bezüge und stellen zugleich das „Ensemble“ vor, das auf der bildnerischen Bühne des 1964 im Iran geborenen und in Berlin lebenden Künstler agiert. Seine visuellen Untersuchungen zur transzendentalen Obdachlosigkeit werden kongenial durch den Essay „Berührung des Namenlosen“ von Marcus Steinweg ergänzt.
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Das Buch dokumentiert die gleichnamige, aus drei Videoinstallationen bestehende Trilogie. In diesen Werken erforscht Niccoli in den Städten Berlin, Montreal und Istanbul den Blickwechsel zwischen einzelnen Individuen im anonymen Kontext eines U-Bahnhofes.
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[content_de] => Der Künstler als Chefredakteur, der Katalog als Magazin: Entstanden ist eine Art Werkschau im Zeitschriftenformat: die Rubriken Skulptur, Fotografie, Installation, Malerei, Performance und Zeichnung, dokumentieren Lemkes Schaffen mit reichlich Fotos, Skizzen, Interviews, eigenen und Fremdtexten und zeichnen so ein sehr buntes, skurriles und natürlich vielschichtiges Porträt des Künstlers und jungen Mannes André-Philip Lemke. Diese Publikation platzt vor Buchstaben und Bildern fast aus ihrem Layout – Typisch Lemke! Er verschenkte eben gerne. Die Präsentvergabe war oft wesentlicher Bestandteil seiner Performances und Installationen.
„Copy and Past“ ist eine Werkschau oder besser noch ein Archiv. Künstler und Chefredakteur Lemke (1970-2006) nahm den Titel wörtlich und kopierte sein Schaffen zwischen die Titelseiten. Dabei war es ihm ein Anliegen, „an mein eigenes Werk als Kurator heranzutreten, der keinen Unterschied macht, ob nun die Arbeiten mit 12 oder mit 32 Jahren entstanden sind, und hofft, dass sie gesehen werden können als das, was sie sind. Dabei bin ich gerne und bewusst das Risiko eingegangen, dass Dinge sich vielleicht gegenseitig aufheben oder ganz einfach keinen klaren roten Faden erkennen lassen. Dies ist mir aber um einiges lieber, als mein eigenes Schaffen in irgendeiner Weise zu beschränken, nur um schneller als „Marke“ erkannt zu werden.“ (Lemke, „Copy and Past“, S. 1)
Lemke, der längst als „Marke“ in Kennerkreisen bekannt ist, zeichnet mit diesem sowohl Layout als auch Genre sprengenden Gesamtwerk das (Selbst-)Porträt des Künstlers als ein junger Mann, der außerdem noch Unternehmer, Tourist, Vertreter, Arbeiter, Philosoph … und natürlich Chefredakteur und brillanter Entertainer war.
Der Titel „Copy and Past. Nr. 1. Der Künstler als ein junger Mann“ lässt weitere Ausgaben erwarten – allein die Tatsache, dass der Künstler, Jahrgang 1970, diese Welt am 17. Februar 2006 schon als junger Mann verlassen hat, macht diese Hoffnung zunichte. Das ist schade und sehr traurig.
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[content_de] => Die Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und das Kunstmuseum Wolfsburg verbindet nicht nur ihre räumliche Nachbarschaft, sondern vor allem eine inhaltliche Nähe: ihre Konzentration auf die Gegenwartskunst.
Resultat ist eine enge und kontinuierliche Verflechtung der künstlerischen und wissenschaftlichen Lehre und Forschung an der HBK mit der Ausstellungs- und Sammlungstätigkeit in Wolfsburg.
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Das vorliegende Buch hat den Anspruch eines kleinen Handbuchs: als Begleiter im realen Gang durch die Räume des Kunstmuseum Wolfsburg und im imaginären Dialog mit den Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern, die diese einmalige Sammlung zeitgenössischer Kunst ganz individuell in den Blick genommen haben.
Autoren:
Eckhard Bauer, Stephan Berg, Hannes Böhringer, Holger Broeker, Victoria von Flemming, Sabine Kampmann, Thomas Köhler, Siegfried Lang, Annelie Lütgens, Yvonne Spielmann, Katharina Sykora, Viola Vahrson.
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[content_de] => Die Villa Romana in Florenz feiert in diesem Jahr ihren 100. Geburtstag. Zu diesem Anlaß zeigen wir eine Ausstellung mit 42 ehemaligen Preisträgern und Gastkünstlern aus NRW. Zahlreiche Künstlerinnen und Künstler waren gerade aus diesem "jungen" Bundesland zu Gast in Florenz - und werden es hoffentlich sein.
Die Ausstellung versteht sich weder als Rückblick, noch als repräsentative Bestandsaufnahme, eher als eine Hommage an den ältesten deutschen Kunstpreis. Die Villa Romana ist seit ihrer Bestimmung als ’Künstlerhaus’ und Atelier für deutsche Künstler unzählige Male selbst zum Motiv geworden. Die besondere Lage der Villa Romana an der Via Senese, der alten Verbindungsstraße von Florenz nach Siena macht sie zum Anlieger an einer bedeutenden Reiseroute nach Rom (Via Cassia). Die nach wie vor verkehrsreiche Ausfallstraße hat sich ihr ursprüngliches, geschäftiges Gepräge erhalten.
Wer zur Villa Romana will, kommt über die Via Senese; wer die Villa in Richtung Florenz verläßt, muß ihr folgen. Durch eine lange und hohe Mauer ist das Künstlerhaus von der Straße getrennt. Dennoch ist die Straße auch jenseits der Grundstücksmauer präsent. Der Straßenlärm, nur geringfügig gemildert, dringt – je nach Tageszeit an- oder abschwellend – bis in die Ateliers der Stipendiaten und Gäste. Ob als Störung der Idylle, oder als vertraute städtische Geräuschkulisse empfunden, der besondere Sound der Via Senese ist ein Bestandteil jeden Aufenthalts in der Villa Romana - der jedoch meistens ausgeblendet bleibt.
Anläßlich des Jubiläums soll dieser für die Künstler wichtige transitorische Raum "vor dem Tor" aus der Erinnerung der Preisträger und Gäste in den Fokus gerückt und individuell visualisiert werden
Die meisten Teilnehmer konzipierten neue Arbeiten für diese Ausstellung, einige sind mit einem Werk aus der Zeit ihres Aufenthaltes präsent. Die unterschiedlichen Erinnerungen, Wahrnehmungen und Blickwinkel bilden in der Ganzheit ein Panorama, das in der Vielzahl der individuellen Äußerungen dennoch ein Ganzes formt, ohne abbildend zu sein. Gleichzeitig vermittelt jedes einzelne ’Tableau’ eine Impression der Ausdrucksform seines Urhebers. Allen Arbeiten gemeinsam ist, dass sie eine Breite von einem Meter nicht überschreiten - vereinzelt jedoch die Hallenhöhe von sechs Metern nahezu erreichen.
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Die Texte und Bilderessays werden als thematische Sammlung nebeneinander gestellt, so dass in den entstehenden Leerstellen zwischen den unterschiedlichen Beiträgen beim Lesen neue Verknüpfungen und Denkanregungen zur Thematik „Die Kunst Der Körper Das Textile“ möglich werden. Ausgangs- und Mittelpunkt ist der Körper, von dem aus Spuren in die Kunst, in das Textile und in die Pädagogik gelegt werden.
Der Körper – die Diskussion der Körperlichkeit gewinnt an Dynamik und an Akzentuierungen: Den menschlichen Körper korrigieren, konstruieren, manipulieren, ihn lesen und lernen oder entschönen und an seine Grenzen bringen. Mit dem Beginn der Industrialisierung wurden Kleiderpuppen in Serie angefertigt, in Schaufenstern ausgestellt und damit auch der Körper erstmals als Massenware präsentiert. In der Informationsgesellschaft erhält das Körperbild seine Konditionen durch Fotografie, Mode und digitale Medien. Der Körper wird zum Bild und hat sich dem Bild anzugleichen. Medien inszenieren ein Bezugsideal und beeinflussen unser Denken, Fühlen und Handeln über Körper und Körperlichkeit ebenso wie wir erkennen, dass unser Körper (im Sinne von Leib) als Bezugssystem für Denken, Fühlen und Handeln wirkt. Der Leib als letztes Refugium der Identität?
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[content_de] => In dieser von Gerhard Theewen herausgegebenen neuen Edition bekommt der Begriff "Künstlerbuch" eine neue Dimension. Der für die Edition Ex Libris eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, das er unter seinem Namen als Reprint präsentiert. So wird das "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch, das in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen dann unter seinem Namen eingeordnet werden wird. Auf diese Art werden Quellenwerke für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler in neuem Licht gesehen und dem Vergessen entrissen …
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Im Jahre 1999 gründeten Rittergutsbesitzer, Künstler aus der Region sowie Kunstinteressierte den Verein Neue Kunst in alten Gärten e.V.. Der Verein zeichnet für das gesamte Skulpturenprojekt verantwortlich. Dieser hat die Ausstellungsidee entwickelt und stellt die Gärten als Ausstellungsorte zur Verfügung.
Als eine seiner wichtigsten Aufgaben sieht der Verein die Förderung junger Künstler. Gerade ihnen möchte er die Möglichkeit geben, zusammen mit international bekannten Künstlern auszustellen.
Die beiden für das Skulpturenprojekt ausgewählten Gärten des Ober- und Unterguts in Lenthe sind im Stil des englischen Landschaftsgartens des 18. Jahrhunderts angelegt.
Die Ausstellung unternimmt den Versuch, neue Blickbezüge in den Landschaftsgärten zu öffnen. Mit der Auswahl der eingeladenen Künstler verschiedener Altersstufen - verbunden mit den von Ihnen repräsentierten unterschiedlichen Arbeitsfeldern - geben wir der Veränderung von Begrifflichkeiten besonderes Gewicht.
Das “Kunst- und das Naturschöne" (G.W.F. Hegel), sollen in diesem Projekt in einem spannungsvollen Dialog zueinander finden.
Mit Arbeiten von Stefka Ammon, Volker Bartsch, Ilka Berndt, Riccardo Biondi, Simone Böhm, Brunner + Ritz, Ricardo Calero, Klaus Duschat, Rainer Figur, Thomas Gerhards, Yvonne Goulbier, Seontae Hwang, Azade Köker, Lothar Krüll, Sebastian Kuhn, Victor López, Hannes Malte Mahler, Hannes Meinhard, Regine Nölken, Maren Roloff, Hartmut Stielow, David Lee Thompson, Kwanho Yuh, Michael Zwingmann
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[content_de] => Mit der überblicksartig angelegten Ausstellung „Diana Thater. Keep the faith.“ präsentiert die Kunsthalle Bremen und das Museum für Gegenwartskunst Siegen eine umfassende Werkschau der kalifornischen Künstlerin Diana Thater (*1962). Sie bezieht in der noch jungen Videokunst eine höchst eigenständige Position, weil sie die Videoprojektionen mit dem Raum durch eingefärbtes Tages- und Kunstlicht verschmilzt. Ihre Themen kreisen um das Verhältnis von unberührter und kultivierter Natur, das sie am Bild des wilden oder gebändigten Tieres vorführt. Die zeitgleichen Ausstellungen in Siegen und Bremen ergänzen sich: In Bremen wird der Schwerpunkt auf die jüngeren Arbeiten seit 1998 gelegt, während das Siegener Museum sich den grundlegenden frühen Arbeiten widmet, die zwischen 1993 und 1997 entstanden sind.
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[content_de] => Ende der 90er Jahre – da dachte man, der in Basel lebende Künstler Hanspeter Hofmann (*1960) hätte seine künstlerische Sprache gefunden. Das dachten allerdings nur die, die sich rasch damit zufrieden geben, dass ein Künstler sein Label positioniert hat: eine organische Abstraktion in gedämpften Farben und mittleren Formaten, eine kontinuierliche Weiterentwicklung des Formenkanons. Doch hätte man damals schon ahnen können, dass es dabei nicht bleiben kann. Schon seine früheren Arbeiten changieren in ihrer naturwissenschaftlich-mikroskopischen Anmutung zwischen dynamischen Strukturen und einer stimmungsvollen Chillout-Atmosphäre. Im Lauf der Jahre wurde dieser Zusammenhang deutlicher, die Farben stärker, die Formen großzügiger und die Formate ausschweifender. Hofmann trieb seine Farbgestaltung immer provokativer an die Grenzen der retinalen Belastbarkeit einer poppigen Farbskala: Zur Zeit konfrontiert er pralle Farbkonstellationen mit einer zugleich gegenständlichen wie auch abstrakten Formensprache. Mittlerweile zählt Hofmann zu den interessantesten Schweizer Malern. Anlässlich seiner umfangreichen Einzelausstellung im Kunstverein Freiburg erscheint nun eine aufwendige Publikation, die ihren Fokus vor allem auf seine aktuellen Arbeiten setzt.
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Mit Textbeiträgen von Maria Engels (Vorwort), Karin Thomas, Kunsthistorikerin, Wilhelm Schürmann (Kunstsammler), Olaf Möller (Filmkritiker) einem Songtext von Nick Lowe (The Beast in Me) und einem Gespräch von Cony Theis mit Dr. Gisela Rascher (Psychotherapeutin).
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50 abbildungen der stahlbehälter mit werken von: u.a.antje dorn, katharina grosse, andreas gursky, georg herold, rudolf herz, stephan huber, jörg immendorff, christoph inderwiesen, via lewandowsky, durs grünbein, jonathan meese, olaf metzel, wilhelm mundt, marcel odenbach, nana petzet, peter piller, tyyne claudia pollmann, alexander roob, thomas ruff, karin sander, christoph schlingensief, andreas slominski, georg winter, …
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2003 entstanden Kooperationen mit dem Lyriker Dieter M. Gräf (Suhrkamp), dem Schriftsteller Michael Ebmeyer (Kiepenheuer und Witsch) und der Sängerin Barbara Schachtner. Diesen Poetry Kooperationen gemeinsam war die verbindende Regie von Roland Schappert, der den medialen Transfer initiierte: von der Zeichnung zum geschriebenen Text und umgekehrt – Lyrik in Verbindung mit kurzen Videosequenzen, die wiederum zu Fotodrucken auf Büttenpapier gefrieren sowie Gesang zu elektronischen Sounds, wobei "B. Schachtner die Texte und Rhythmen Schapperts kongenial interpretiert. (Eine CD ist für 2004 geplant.) Das ist wohl das Charakteristische an Schapperts Methode: Veränderungen ursprünglicher Fassungen, die zu neuen medialen Ergebnissen hinführen – eine mit den Mitteln des Klangs geformte intermediale Sprachfindung." (Joachim Ody, der in SPEX publiziert.) Die Ausstellung "Sounds im Auge" (Schaulager Dr. Harald Falckenberg) und "Mallorca" (art & culture) sowie das aus diesem Anlass von Anne-Marie Melster herausgegebene Künstlerbuch dokumentieren diese Zusammenarbeiten erstmals.
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[content_de] => Die Internet-Arbeit The Anthology of Art von Jochen Gerz ist ein irritierendes, sperriges Werk – trotz aller scheinbaren Zugänglichkeit im Netz. Im Verlaufe eines Jahres (2001/02) ha-ben 312 KünstlerInnen und KunsttheoretikerInnen aus der ganzen Welt, fast alle zum innersten Kreis des "Kunstsystems" gehörig, auf unterschiedlichste Weise reagiert auf Gerz' immer gleiche Frage: "Was ist, im Kontext der zeitgenössischen Kunst, Ihre Vorstellung einer noch unbekannten Kunst?". Die Antworten – Bilder und Texte, veröffentlicht im Internet unter www.anthology-of-art.net – spiegeln auf geradezu schockierende Weise die Vielfalt und Widersprüchlichkeit der heutigen "Kunstszene" – und darüberhinaus unserer Welt. Mit dem ephemeren und immateriellen Charakter der Bildschirm-Bilder, mit der kaleidoskopischen Vielfalt und der Flüchtigkeit der Wahrnehmung, die hier prädisponiert ist, macht Gerz das Internet zum zentralen Medium seines Werkes.
Mit diesem widersprüchlichen, labyrinthischen, scheinbar autorlosen Werk des vor allem durch seine Arbeiten im öffentlichen Raum international bekannt gewordenen Künstlers setzen sich die hier vorgelegten Forschungsbeiträge aus sehr unterschiedlichen Perspektiven auseinander. Untersucht werden der Entstehungsprozess der Anthology, ihre Parallelen zu anderen Werken des Künstlers im öffentlichen Raum und die spezielle Form der Reflexion des Mediums Internet, die Gerz hier entwickelt. Die Texte ziehen Vergleiche, die von Platons Utopia bis zu Internetprojekten reichen, auch heftige Kritik nicht unterschlagend. Die in einjähriger Zusammenarbeit von französischen, deutschen und ungarischen Kunstheoretikern und Künstlern erarbeiteten Beiträge nehmen Gerz' Anthology nicht ihren eigenartig irritierenden und widersprüchlichen Charakter - ermöglichen aber Annäherungen und überraschende Zugänge.
Im Jahre 2004 wird Gerz sein Internet-Opus – auf Tafeln ge-bannt – in der Akademie der Künste Berlin als Ausstellung präsentieren. Dann werden die Studies in Jochen Gerz' »Anthology of Art« ein Potential bilden gegen die Überwältigung durch die versammelten 312 Beiträge von KünstlerInnen und KunsttheoretikerInnen "from all over the globe".
Commissioned by the Institute for Art History and Theory, School of Art Braunschweig. With the support of the Culture 2000 Programme of the European Union.
The Anthology of Art Research Project: School of Art Braunschweig; University of Rennes 2 - Upper Brittany; University of Craft and Design Budapest
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[content_de] => Die Fragestellung in »Rock the Boat« wird durch zwei ineinandergreifende Haltungen und Wunschvorstellungen gestaltet und umrahmt. Diese Fragestellung versteht sich als lebendige Auseinandersetzung, das heißt auf keinen Fall als eine abgeschlossene These – sie nimmt teil an einem Dialog zwischen Ethik und Gegenwartskunst. Thema ist die Verbindung von Kunst und Ethik, und wie sie einander beeinflussen. Die zweite Haltung, die dieser Fragestellung Gestalt verleiht, ist die Erkenntnis, dass es keinen Blick von Außen geben kann.
Wir befinden uns mitten drin, wir sind Teil des Spiels, unsere Position ist also stets sowohl innen als auch außen. Wir wollen innerhalb dieser speziellen Positionen, innerhalb dieser speziellen Diskurse teilnehmen.
Das Buch besteht aus Analysen über die Rolle und Bedeutung von »Position« – eine Position, die offen ist und anti-essentialistisch, und damit auch entschieden nicht-universell. Dieses Konzept ist auf eine kritische, aber dennoch konstruktive Art und Weise durch Diskussion und Argumentation durchdacht, zum Beispiel anhand der Arbeiten von Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Esko Männikkö, Santiago Sierra, Matti Braun und Superflex. Das Buch versteht sich als eine Art Einladung, eine breite Spannbreite von Positionen zu vergleichen. Der Text artikuliert eine Position, die sich für eine alternative Bedeutung von »Position« einsetzt: eine neu verhandelte Version, die für Selbstkritik, Selbstreflektion und Toleranz steht. Diese Position muss auf eine radikal hermeneutische Art und Weise formuliert werden, bei der man der Erfahrung von dem, was es bedeutet, in einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Ort zu leben, Beachtung schenkt. Es ist gerade hier, wo die Praktiken der Gegenwartskunst und des selbst-reflektierenden Denkens über die Ethik sich gegenseitig beeinflussen können.
Die Behauptung ist letztendlich, dass ein sterbliches, begrenztes und situiertes Selbst – ein Selbst mit einer Offenheit gegenüber seiner Position – denken und ethisch agieren kann. Was aber hierfür benötigt wird, ist eine Sensibilität für, sowie ein Fokus auf die Komplexitäten und endlosen Konflikte und Widersprüche innerhalb der unterschiedlichen Positionen. Die Herausforderung liegt darin, den Diskurs zurück auf die lokalen Ebenen von Problemen und Herausforderungen zu bringen, d.h. zurück auf die Ebene von alltagspolitischen Argumenten und Entscheidungen.
In dem Buch wird u.a. auf die Arbeit folgender Künstler Bezug genommen: Eija-Liisa Ahtila, Ghada Amer, Matti Braun, Michael Elmgreen and Ingar Dragset, Esko Männikkö, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Santiago Sierra, Superflex und Roi Vaara.
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[content_de] => »if I had a hammer« ist der Titel eines aus Kristallglas geformten Hammers, einem Multiple von Kirsten Klöckner. Das vorliegende Künstlerbuch ergänzt und erweitert das Kunstwerk. Kirsten Klöckners Buch beantwortet Fragen, die von verschiedenen Seiten gestellt wurden: Woher kommt die Idee? Wie ist der Weg von der Idee zum Objekt? Wohin geht ein Multiple? Wie hält man einen Glashammer? Wozu kann man ihn benutzen? Was sagt die Wissenschaft dazu?
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[content_de] => Die von Gerhard Theewen herausgegebene Edition Ex Libris kann man als eines der wichtigsten Editionsprojekte der letzten Jahre bezeichnen. Der für die Edition eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, für das er einen neuen Umschlag entwirft und unter seinem Namen als Reprint präsentiert. Dieses "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" wird durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch und wird in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen unter seinem Namen eingeordnet werden. Längst vergriffene Bücher werden so zu Quellenwerken und tragen zum Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler bei. So erhält der Begriff "Künstlerbuch" eine gänzlich neue Dimension.
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[content_de] => Özcan Kaplan, soviel ist klar, arbeitet innerhalb der Konventionen des Bildes am Nicht-Bild. Er versteht das Malen als existenzielle Erfahrung. Nicht im Sinne eines Pathos, das behauptet: Hier ist das Bild, hier ist die Tätigkeit, hier ist das Konzept. Sondern im Sinne eines Verwickeltseins, einer Hoffnung auf Belehrung durch die Materie und die Tätigkeit selbst. Das Ergebnis dieser Malens liegt jedenfalls nicht dort, wo wir es zu sehen gewohnt sind. Hier geht es nicht um Dramarturgie der Zuspitzung, sondern im Gegenteil um eine Strategie fortwährender Entdramatisierung. Möglichst viele gewohnte Reize werden unterbunden, um dann zu sehen, was bleibt und ob etwas bleibt. Es handelt sich um eine Malerei, der die Haut abgezogen wiurde, um zu schauen, ob sie dann noch immer lebt. (Rudolf Schmitz; Der Klang des Sinns)
Die Malerei Kaplans verweist nicht auf konkrete Inhalte, sondern wird selbst zur Aussage und stellt sich selbst in ihrer Struktur dar. Kaplans durch Schichtung und Zeitverlauf definierte Malerei wird zum Symbol einer Meta-Realität, der menschliches Sein und menschliches Werden zugrundeliegt. (Angelika Nollert; »das blaue komma das sinn gibt«)
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[content_de] => Das Buch "Das Schöpfungsprogramm", welches zur gleichnamigen Ausstellung am Landesmuseum Linz erschienen ist, wurde als eigenständige Publikation zu den Fragen menschlicher Abstammung und Existenz konzipiert.
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Der 2. Band behandelt als kompakte Enzyklopädie die wichtigsten Fragen menschlichen Daseins, beginnend mit der "Abstammung" und endend mit der "Zukunft" (ein alphabetischer Zufall?), dazwischen so wesentliche Begriffe wie "Geburt", "Genetik", "Melancholie", "Seele" und "Tod". Auch hier bebildert eine Fülle an Arbeiten des Künstlers neben historischen und wissenschaftlichen Beispielen den auf das Wesentliche komprimierten Text. -
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[content_de] => Man hat mich gebeten, für eine CD mit Kompositionen von John Cage eine Biographie des Komponisten zu skizzieren. Merkwürdigerweise gerate ich beim Kommentieren, insbesondere seiner Wirkungsgeschichte in Deutschland, immer wieder in meine eigene Biographie, die zu schreiben ich wirklich nicht vorhabe. Nun gut, ich bin John Cage einige Male persönlich begegnet, und das waren für mich sehr schöne Augenblicke, die ich nie vergessen werde. Aber ich glaube nicht, dass er sich meinen Namen gemerkt hat, den Vornamen ja, aber den Nachnamen? Wozu auch?
Aber es scheint mir wichtig festzuhalten, wie es damals war, das Klima an der Hochschule in Köln, bei den Darmstädter Ferienkursen, in der Neue-Musik-Szene in Deutschland. Wo war ich damals,was habe ich mitbekommen?
Wer bin ich denn?
Manfred Niehaus.
Seit Jahren rede ich mir ein: ich bin Komponist, nicht vergessen, ich bin Komponist, was auch immer das sein mag.
1933, als John Cage sich anschickte, in Los Angeles zu Arnold Schönberg in den Unterricht zu gehen, wurde ich in Köln geboren. Weihnachten 1942 schenkte mir mein Großvater, der u. a. an einem Buch über meinen Urgroßonkel César Franck mitgewirkt hat, um u. a. zu beweisen, dass dieser eigentlich ein deutscher Komponist, ein zweiter Brahms gewesen sei, die Familie stammte nämlich aus Moresnet, das heute wieder zu Belgien gehört, 1942 schenkte mir mein Großvater eine Geige. Ich lernte die ersten Noten - geh - du - alter - Esel - und fing an zu komponieren. Op 1: Fantasie "Im Zigeunerwagen".
Aber ich will doch über John Cage schreiben!
John Cage wird am 5. Sept 1912 in Los Angeles geboren und erhält schon in jungen Jahren Klavierunterricht. Achtzehnjährig, nach seinem Abschluß an der Los Angeles High School, reist er zur Weiterbildung nach Paris. Dort begegnet er u.a. auch den Werken von Erik Satie, der zwar schon 1925 gestorben, aber noch nicht ganz vergessen war. Cage studiert Architektur bei Goldfinger, beginnt zu malen, auf Mallorca entstehen die ersten Kompositionen. 1931 kehrt er in die USA zurück. über zwei textlinien, eine werkbiographische und eine persönlich erinnernde, skizziert der kölner komponist manfred niehaus mannigfaltige einflüsse des werkes von cage auf die zeitgenössische
musikästhetik, praktiken des komponierens, aufführens, rezipierens und reflektierens. mit den temporalisierenden bezügen auf "cages 4´33´´" (1952) zeichnet sich eine hommage an "cage heute" ab. ich habe nichts zu sagen und ich sage es und das ist poesie wie ich sie brauche. (john cage "silence")
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[content_de] => Im Anschluss an Heidegger, und wider konservative oder religiöse deutungen, geht es um probleme der "auflösung einer identität des seins". ich frage, also bin ich – wäre noch zu knapp. statt dessen: bin ich, wenn ich frage?
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[content_de] => bernhard waldenfels´überlegungen kreisen um eine genese des bildes, die geeignet ist, die geschlossenheit einer im schönen oder nicht mehr schönen schein befangenen ästhetischen welt aufzusprengen, so dass sowohl prä- als auch postästhetische motive der kunst freigesetzt werden. Die meisten Bildkonzeptionen kranken daran, daß sie zu hoch ansetzen, nämlich auf der Ebene von Bildwerken und Bildmedien. Damit geraten die Klüfte und Abgründe der Bilderfahrung aus dem Blick. Dieser Vorwurf trifft auf philosophische Bildtheorien ebenso zu wie auf eine Kunsttheorie, Kunstgeschichte und Museumspraxis, die verlernt hat, darüber zu staunen, daß es so etwas wie Bilder gibt. Doch der wiederholte Wechsel von Bildbegeisterung und Bildersturm läßt auf eine Bildfaszination schließen, die weit über einen kulturellen Bildervorrat hinausgeht.
Die folgenden Überlegungen kreisen um eine Genese des Bildes, die geeignet ist, die Geschlossenheit einer im schönen oder nicht mehr schönen Schein befangenen ästhetischen Welt aufzusprengen, so daß sowohl prä- wie postästhetische Motive der Kunst freigesetzt werden. Die Kunst verlangt nach einer Genealogie, die Nietzsches Genealogie der Moral oder Husserls Genealogie der Logik ebenbürtig ist. Die Kontingenz von Ordnungen, die „es gibt“, ohne daß sie auf einem festen Boden ruhen, weist sowohl hinter die bestehenden Ordnungen zurück wie über sie hinaus, und beides in unlöslicher Verquickung. Dem être brut entspricht eine art brut, die nicht bei sich selbst beginnt und nicht bei sich selbst endet.1 Dies lehrt nicht nur die philosophische Besinnung auf die Ordnung des Sichtbaren und Bildhaften, sondern auch die moderne Bildpraxis, innerhalb derer archaische und revolutionäre Momente sich immer wieder berühren und verstärken. Die Hoffnung auf eine zunehmende Desillusionierung, in deren Verlauf die Bilder immer mehr als Bilder durchschaut und außerästhetischer Wirkungen entledigt werden, erweist sich selbst als trügerisch. Die Frage: „Was ist ein Bild?“ stellt sich mit wachsender Dringlichkeit, je mehr neue Bildformen unsere Erfahrung in Beschlag nehmen.2 Gemessen an der Vielfalt zu berücksichtigender Aspekte sind unsere phänomenologisch inspirierten Analysen betont karg angelegt. Es geht darum, einige neuralgische Punkte zu markieren, die für eine Rückfrage nach der Genese von Bildern unerläßlich sind. Wenn es ‘das Bild’ gibt, so nur im Schnittpunkt verschiedener Bilddimensionen.3
1. Bild und Bildauffassung
Beginnen wir mit einigen minimalen Bedingungen, denen ein Bild gehorchen muß, um als Bild gelten zu können. In phänomenologischer und hermeneutischer Manier können wir Erfahrung dahingehend bestimmen, daß etwas als etwas auftritt. Diese Urdifferenz zwischen dem, was etwas ist, und der Art und Weise, wie es gegeben, gemeint oder aufgefaßt ist, bezeichne ich als signifikative Differenz.4 Sobald wir es mit einer visuellen Erfahrung zu tun haben, besagt dies, daß etwas als etwas sichtbar wird.5 Von Bilderfahrung sprechen wir, wenn etwas als etwas im Bild sichtbar wird. Das Bild ist also zunächst nicht etwas, das wir zusätzlich auch noch sehen; als Medium des Sehens gleicht es der Sonne, in deren Licht wir etwas sehen. Sonnenfinsternisse erinnern an etwas, das Platon zu so weitläufigen Gedanken angeregt hat: Wir sehen nicht einfach die Sonne, sondern sehen etwas in der Sonne, bedroht von Blendung und Erblindung, sobald wir geradewegs ins Licht schauen.
Das Bild unterliegt nun seinerseits einer ikonischen Differenz, einer Differenz zwischen dem, was bildhaft sichtbar wird, und dem Medium, worin es sichtbar wird. Ähnlich wie beim Zeichen können wir zwischen (Ab)bildendem und (Ab)gebildetem unterscheiden. Das Bild selbst verdoppelt sich. Im Falle malerischer Bildnisse materialisiert sich die Differenz zu einer pikturalen Differenz; am Bildnis sind materiale und formale bzw. funktionale Momente zu unterscheiden.6 Dreh- und Angelpunkt dieser Bildkonzeption ist das winzige Als, das weder dem intentionalen Akt des Bildherstellers oder Bildbetrachters, noch dem Bildgehalt zugerechnet werden kann. Das Als markiert den Auftritt des Bildes als Bild; ohne dieses Als gäbe es weder Bildgehalte noch Bildintentionen. Dem phänomenologischen und hermeneutischen Als, das uns bei Husserl und Heidegger begegnet, entspricht also ein ikonisches bzw. pikturales Als.
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Ausgangspunkt der Bildanalysen ist stets eine genaue Untersuchung des jeweiligen Kontextes: Die historische Situation, das Interesse der Zeitgenossen am Thema, die parallelen Bilder verwandter Thematik, der kulturelle Hintergrund des Künstlers, die konkreten Entstehungsbedingungen des Bildes. Auf diesem Hintergrund entfaltet Möller die besondere Rolle des jeweils untersuchten Bildes, das als eigenständiges, aktives Objekt stets im Mittelpunkt der Untersuchung steht. Wie die Bildaussage erzeugt wird, wie das Bild "gebaut" ist, wie der Künstler die Blicke lenkt, welche Beziehungen er zwischen den Bildelementen schafft, was er hervorhebt oder negiert, wie er reagiert auf Werke anderer Künstler oder zeitgenössische Paradigmata - bestätigend, negierend, ironisch oder fragend - das wird jeweils auf überaus präzise Weise am konkreten Objekt herausgearbeitet.
Möllers Aufsatzsammlung ist so letztlich eine Schulung in moderner kunstwissenschaftlicher Methodik, die in einem iterativen Prozess das Beziehungsgeflecht zwischen gesellschaftlich-kulturellem Kontext und konkreter Bildproduktion des individuellen Künstlers rekonstruiert. Vor den Augen des Lesers entfaltet der Autor die Macht der ... Bilder.
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Gattungen. Er ist Bildhauer, Objektkünstler, Maler, Zeichner und er arbeitet mit dem
Medium Fotografie. Seine Arbeiten beruhen einerseits auf einem primär
elementaren Formenvokabular, andererseits lassen sie sich auf
pflanzlich-vegetative Erscheinungen zurückführen oder erinnern an Gefäße.
Ein wesentliches Moment seines gesamten Werkes bildet die Auseinandersetzung
mit unterschiedlichen Kulturen und gesellschaftlichen Systemen. In
Kooperation mit dem Goethe Institut Inter Nationes hat er seit 1989
unter dem Titel "Dialoge" Projekte in Südostasien, Afrika, den USA und in der Türkei mit
Kunststudenten sowie ortsansässigen Künstlern durchgeführt.
Das vorliegende Katalogbuch, das bei den Projekten den Zeitraum der
vergangenen zwölf Jahre umfaßt, stellt nun diese verschiedenen Aspekte vor
und belegt deren Stringenz und enge Verzahnung. Als Werkmonografie und
Dokumentation von Hesses Arbeitsaufenthalten verdeutlicht sie die
einzigartige Relevanz dieses Oeuvres.
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[content_de] => Würde man Harald Fuchs einen “Magier” nennen, wäre das, was
die Erscheinungform
seiner Rauminstallationen betrifft, einerseits wohl
zutreffend, andererseits verbindet
sich mit seinen artifiziell besetzten Räumen auch ein
intensiver aufklärerischer Aspekt. Erscheinungsformen des
Schamanismus gehen in Fuchs` Environments eine enge
Verbindung ein mit Versuchsanordnungen aus der neueren
Naturwissenschaft. in solchen gleichberechtigten,
hierarchielosen Parallelsetzungen, wie sie sich auch im
Nebeneinander der Abbildungen dieses Katalogs manifestieren,
wird Fuchs` Interesse am interkulturellen Vergleich, an den
unterschiedlichsten Versuchen, “Erkenntnis” zu erlangen, sichtbar.
Für das Museum Morsbroich hat Harald Fuchs nun eine
besonders faszinierende
Rauminstallation entworfen. Hier zeigt er die Arbeit
“Perforierte Parallelwelten”, ein
begehbares “Raumbild” aus Lichtprojektionen, Videobeamern
und farbigen Großfoto-
grafien. Harald Fuchs` mediale Installation, die mit Dia-,
Overhead- und ‘Videopro-
jektionen, Fotografien und wissenschaftlich anmutenden
Laboranordnungen, aber auch
Aquarien und Terrarien arbeiten, versetzen den Betrachter
direkt ins Bild. Sie involvieren ihn in ein optisch
suggestives und gleichzeitig irritierendes visuelles
Geflecht aus Bildern, Anschauungen und Formeln der Bereiche
Naturwissenschaft, Religion, High Tech und Mythos.
Harald Fuchs, der 1997 mit dem “Hermann-Claasen-Preis für
Fotografie und Medienkunst” ausgezeichnet wurde, arbeitet
virtuos mit den unterschiedlichsten Lichtquellen und
-projektionen. Seine Kosmogenien leben von starken Licht-
und Schattenkontrasten, vor allem aber vom Durchscheinen der
einen Darstellung in andere Werkbereiche, von Diaphanien,
von Durchdringungen, und ebenso überraschenden wie
irritierendenBewegungselementen. Ein poetischer Zauber,
gelegentlich gebrochen durch krude Elemente der
Wirklichkeit, aber doch immer präsent, liegt über diesen
(fotografierten) Inszenierungen, die das “Magische” nutzen,
um damit zur reinen Form vorzustoßen.
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[content_de] => »Das Jahrbuch 5 der HfBK
Braunschweig beschäftigt sich mit
›fragen‹. Befragt werden künstlerische
Lehr- und Lernprozesse innerhalb
der Hochschule und in zahlreichen
ähnlichen Arbeitsfelder
außerhalb der Hochschule. Dabei
geht es sowohl um die institutionellen
und strukturellen Bedingungen
dieser Prozesse als auch um
ihre Ziele, Inhalte und Methoden.
Die Autoren stellen ihre Fragen aus
der Sicht der Lehrenden und
Lernenden. Oder sie beschäftigen
sich selbstreflexiv mit ›fragen‹. Die
Fragehaltung, die in den Beiträgen
des Jahrbuchs deutlich wird, ist
nicht von der Suche nach vorschnellen
Antworten motiviert.
Was Lehrende und Lernende vielmehr
interessiert, was ihre Neugier
weckt, ist die forschende und
experimentierende Haltung des
Fragens, das künstlerische und
wissenschaftliche Suchen nach
Bedeutungen, dort wo sie nicht
von vornherein feststehen. Künstlerische
und wissenschaftliche
Arbeit, die von dieser fragenden
Haltung ausgeht, bringt festgestellte
und feststehende Bedeutungen
in Bewegung, führt im besten
Fall zu produktiver Verwirrung
und stößt neue Fragen an. Sie
schließt die Haltung des ›sich
Wunderns‹ und ›Staunens‹ ein und
auch die Fähigkeit, Fragen
unbeantwortet zu lassen, den Prozess
des Fragens zu respektieren.« Beiträge von Silvia Beins, Hannes Böhringer, Manfred Bremeier, Carl-Peter Buschkühle,
Karl-Heinz Eden, Henning Freiberg, Gruppe Gemeinschaftspraxis: Ute Helmbold, Ulrike
Stoltz und Klaus Paul, Christoph Goritz, Ute Helmbold, Ulrike Hentschel, Harald Hilpert,
Konrad Jentzsch, Manfred Kästner, Thomas Kapielski, Joachim Kettel, Karen Kipphoff,
Marie-Luise Lange, Volker Latermann, Jan Märgier, Heino Möller, Petra Otto, Ute Pinkert,
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Boom, Gerd-Peter Zaake.
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Der nun vorliegende Katalog dokumentiert das Projekt mit seinen unterschiedlichen Bestandteilen, der Ausstellung von Silke Leverkühne und Peter Mell, dem zweiwöchigen Workshop mit den beiden öffentlichen Veranstaltungen, den Vorträgen von Franz Ackermann und Dr. Michael Glasmeier, sowie der Präsentation der während der Sommerakademie entstandenen Arbeiten."
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[content_de] => Der Kunstraum Wuppertal fand in der ehemaligen Versandhalle der größten Weinhandlung des Deutschen Reiches ein Domizil, das mit gekachelten Wänden, umlaufender Galerie und Glasdach alles andere als geeignet für diesen Zweck scheint. Dennoch haben die Künstler diesen Raum angenommen: u.a. Walter Dahn, Henk Visch, Terry Fox, VA Wölfl, Klaus Richter, Klaus G. Gaida, Anne Loch, Boris Nieslony, Sery C., Thomas Lehnerer, Rudolf Herz, Johannes Brus, Leni Hoffmann, Mischa Kuball, Klaus vom Bruch...
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[content_de] => In dieser "Publikation" legt der Autor adäquat zum Thema seiner Arbeit über das Ding im Kunstmuseum ebenfalls ein Ding, nämlich ein Mikrofiche Faktor X vor. Auf über 230 Seiten sind u.a. Informationen über Kunst- und Wunderkammern, Andre Bretons "Exposition surrealiste d´Objets", Ready-mades, Marcel Broodthaers, Joseph Beuys "Wirtschaftswerte", Christian Boltanskis "Inventaires", Claes Oldenburgs "Mouse Museum", das Regal als Ort der Sammlung, Multiples, Daniel Spoerris "Fallenbilder" gespeichert. Erst durch das Aufsuchen einer Bibliothek mit Lesegerät läßt sich die Fülle an Informationen erfahren.
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[content_de] => Bei dem hier vorgestellten Buch handelt es sich nicht um eine vertraute Monographie mit einsinniger Darstellungsweise. Es geht um ein mehrschichtig angelegtes Textgebilde. Enthalten sind kunstgeschichtliche Bezüge, kurze Versuche, in denen Positionen einer Bildbetrachtung ausprobiert werden, weiter 'freie' Zitate und Skizzen aus dem Feld ästhetischer Theoriebildung, Überlegungen zur Sprachverwendung über Kunst, Interview- und Gesprächsaufzeichnungen. Es geht um sprachliche Äußerungen in ihren Grenzen und Einschränkungen, die weniger von außen benannt als gezeigt und vorgeführt werden. Der philosophish-ästhetische Versuch bringt die teils paradoxen Idiome verschiedener Theoriefelder in Berührung mit offenen literarischen Mitteln. Die neue Form, die virtuell das kompakte MediumBuch verläßt, eine Montage und graphische Bearbeitung verschiedener Textebenen, markiert über ein Wie ein Was, einen komplexen und unabgeschlossenen Umgang mit dem Werk und den Betrachtungsweisen. Die strikte Reflexion der Mittel ästhetischer Diskurse verlangte letztlich eine Visualisierung von Grenzen sprachlicher ästhetischer Kommunikation. Der publizistische Kontext wurde der des Buches als 'Objekt'. In den Editionen des "Salon Verlages" steht das 'Objekt' Buch und das Künstlerbuch im Vordergrund. Das Buch ist besonders durch Rembrandts spätes Selbstbildnis angeregt. Es hätte auch durch andere Bilder anderer Zeiten angeregt werden können. So ist das Buch exemplarisch und kontingent auf eine besondere Weise. Die Auswahl des älteren und zu seiner Zeit und noch immer außergewöhnlichen Werkes hat gerade zu jener zeitgenössischen Form der Betrachtung geführt. Mit den beteiligten Zeitachsen ergeben sich oft demontierende Verhältnisse zwischen den Betrachtungsereignissen und den reichhaltigen Traditionslinien einer Kunstgeschichtsschreibung. Die Museumskontexte werden dabei mehr und mehr entstarrt in einem Changieren, das eine Betrachtung - und eine Betrachtung der Betrachtung - des Neueren durch eine Betrachtung des Älteren mit sich bringt und umgekehrt. Der Gang zu den zeitgenössischen Exponaten des "Museum Ludwig" führte oft zum Saal mit Rembrandts Bild und wieder zurück. Das Buch soll zu Erfahrungen eines Flanierens zwischen Bild und Wort einladen, die nicht eine scheinbare sichere und kohärente rückblickende Kategorisierung zu einer scheinbar sicheren prospektiven werden lassen.
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[content_de] => Ein anläßlich der Großausstellung im Kunstmuseum Düsseldorf entstandenes Zeitdokument, das deutlich zeigt, daß es in dieser Klasse keinen Klassen-Stil geben konnte, weil der Lehrer die nötigen Freiheiten gewährte. Dieses Buch dokumentiert ein möglichst ehrliches Bild einer Klasse an einer Kunstakademie. Neben Fotografien von Arbeitssituationen und frühen Ausstellungen wird auch das Lebensgefühl und der Spaß bei gemeinsamen Festen festgehalten. Der biographische Teil verdeutlicht, daß das Studium der Kunst später keinesfalls hinderlich bei der Ausübung "solider" Berufe wie Holzgroßhändler, Kunsthallendirektor, Stadtverordnete, Verleger, Spediteur etc. ist...
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[content_de] => Der Maler Ingo Meller hat in seinem Beitrag für die von Reiner Speck und Gerhard Theewen herausgegebene Künstlerbuch-Reihe "édition séparée" das System seiner Malerei in einem Künstlertext erläutert.
Mit der "édition séparée" ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!
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Gespräche mit:
Olaf Nicolai
Gérard A. Goodrow
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Mark Dion
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Zdenek Felix
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Mit der "édition séparée" ist eine Reihe entstanden, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Künstlern die Möglichkeit zu geben, authentische Beiträge zur Tradition des Künstlerbuches zu realisieren. Ohne jede kunstwissenschaftliche Erklärung oder Interpretation enthaltenen die einzelnen Nummern dieser Reihe nur das, was der Künstler realisieren wollte. Textbeiträge stammen entweder vom Künstler selbst oder von von ihm ausgewählten Autoren. Dabei wird Wert darauf gelegt, daß diese Texte den Künstlerbeitrag begleiten und ergänzen, sich aber nicht interpretierend einmischen. Die während des ersten Jahres entstandenen Ausgaben präsentieren Originalbeiträge aus den Bereichen Fotografie, Theorie, Typographie, Zeichnung und elektronischer Bildbearbeitung. Diese Künstlerbuch-Reihe stellt in schneller Abfolge speziell für diese Reihe entstandene, manchmal durch Texte ergänzte Beiträge zeitgenössischer Künstler vor. Es empfiehlt sich die Bestellung zur Fortsetzung!
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[content_de] => Der 1940 geborene Jean-Luc Nancy zählt derzeit zu den international bekanntesten französischen Denkern. Als jemanden, »der heute denkt, wie sonst keiner«, hat ihn Jacques Derrida bezeichnet, und als den »größten Denker der Berührung«. Sein bis in die frühen 70er Jahre zurückreichendes Oeuvre, das sich neben der Untersuchung von klassischen Problemen der Philosophie von Anfang an auch immer ästhetischen Fragestellungen widmet, umfasst mittlerweile rund 30 28 und Aufsatzsammlungen. (Kulturelles Veranstaltungsverzeichnis der Universität zu Köln, Sommersemester 2006. Zur Gastprofessur und den Albertus- Magnus-Vorlesungen von Jean-Luc Nancy im Juni 2006).
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aus dem Französischen von Ignaz Knips und Joan-Catharine Ritter
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Das Bild vom Geheimrat von Goethe als einem moderaten Diener eines friedlichen Musenstaates scheint (...) dringend einer Korrektur zu bedürfen. Und mit dieser Korrektur zeichnet sich im Zusammenhang mit seinem sozialutopischen Spätwerk auch ein viel plastischeres Bild ab von dem, was die geistige Schirmherrschaft des Dichters über der Gründung des neuen Wilhelminischen Reichs tatsächlich bedeutet hat und was sie vor allem in der Kontinuität deutscher Geschichte mit dem darauf folgenden 'Dritten Reich' verbindet.""
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[content_de] => Dieses Künstlerbuch von Chris Newman erscheint anlässlich seiner beiden Berliner Ausstellungen „Away Installation – Installed Paintings & Drawings + Video“ (Guardini Galerie) und „Home Installation – Uninstalled Paintings + Video“ (7hours Haus 19).
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[content_de] => Der Künstler Pierre Granoux zeigt seinen Basar der modernen Kunst als Ort produktiven Handelns: Kunststücke und Gebrauchsgegenstände, Antikes und Modernes, Banales und Bedeutendes sind Treibgut, das wie von einer Überschwemmung aus Museen und Galerien, Magazinen und Kaufhäusern in die Straßen und auf den Markt geschwemmt wurde. Mit hintergründigem Humor liest der französische Künstler solches Treibgut auf, bearbeitet es und schickt es dem Betrachter in Form einer gewitzten Flaschenpost zurück. (Darin enthalten: künstlerische Reflexionen und Verweise auf Werk und Person von Marcel Duchamp und Constantin Brancusi).
Für dieses blaue Künstlerbuch greift Pierre Granoux auf sein eigenes Fotoarchiv und eigene Dokumentationen einer langjährigen Spurensuche zurück. Konzept ist aber auch die Beauftragung anderer mit der Erstellung von Fotos und Texten zu von Granoux vorgegebenen Aspekten. Das Ergebnis ist weit mehr als eine Dokumentation – es ist selbst ein "Bazar Moderne", ein "automobil" im buchstäblichen Sinne des Wortes. Fahren muss man es allerdings selbst.
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In den 1980er Jahren fertigte Bernhard Johannes Blume aus alten Billig-Möbeln, im Stil kleinbürgerlicher Wohnzimmerkultur, eine Anzahl von Brett-Bildern an, deren Pseudo-Furnier er mit philosophischen Begriffen versah. Das Zusammenspiel von Text und Bild-Struktur verrät sinnfällig Blumes ironisch-poetischen, wie humorvollen Umgang mit dem metaphysisch-religiösen Erbe des Abendlandes. Zusammen mit seiner Frau Anna bildete Bernhard Johannes Blume ein Künstlerpaar, welches vor allem für ihre meist in Serien ausgeführten großformatigen Fotografien bekannt ist.
„Es sind Bretter, die er aus jenen Alt-Möbeln zurechtsägte, die in unseren gemeinsamen Foto-Inszenierungen während der späten 1970er bis Mitte der 1980er Jahre eine bildgebende Rolle spielten. Bernhard Johannes Blume recycelte diese Pressspan-Möbel-Reste zu handlichen Bild-Objekten, indem er ihre ‘Echtholz’-Imitationen ‘Eiche’-, ‘Buche’- oder ‘Birke-Natur’ zur ‘sporadischen Fortschreibung seiner Malerei’ nutzte. Im provisorischen Stil naiver selfmade-Typografie sprayte er seine ‘quasiphilosophischen Begriffe’ durch zuvor geschnittene Klebeschablonen auf diese Bretter…“ (Anna Blume in: „Wunderkammermusik“, 2011)
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[content_de] => Mit dem Künstlerbuch "Bildlabor" öffnet Nora Schattauer ein optisches Notizbuch, das Materialien zur Formbildung des Mikrokosmischen zeigt und ihre Originalarbeiten mit chemischen Salzlösungen, Zeichnungen, Rasterelektronenmikroskop-Aufnahmen sowie Fundstücke aus dem niologisch-naturwissenschaftlichen Feld versammelt. Mit ihrem künstlerischen Konzept bewegt sich Nora Schattauer zwischen Kunst, Botanik und chemischem Experimentieren. Sie untersucht verborgene Strukturen des Minimalen und macht anhand ihrer Rasterelektronenmikroskop- Aufnahmen von Blütenpollen sichtbar, was an Musterbildung in der Natur für das bloße Auge nicht sichtbar ist. Mäandernd folgt die Künstlerin auf verschlungenen Pfaden ihrem Weg in Richtung einer Synthese von Kunst und Natur-Wissenschaft.
Das neue Künstlerbuch von Nora Schattauer gewährt dem Betrachter Einblicke in ein spannendes künstlerisches Konzept: Wer das Buch öffnet, meint direkt im Atelier zu stehen, denn die Bildkompositionen wurden an der Wand des Ateliers realisiert. Mäandernd über die Wände bringt Nora Schattauer Fotografien und Fundstücke aus dem biologiosch-wissenschaftlichen Feld in unmittelbare optische und inhaltliche Nähe zu den eigenen Arbeiten. An feinen Nadeln hängen z.B. Unikate aus der Werkgruppe der „Salts“ (in Wasser gelöste mineralische Salze auf Chromatographiepapier oder auf mit Kieselgel beschichteten Folien) neben Kohlestiftzeichnungen. Abbildungen aus den Bereichen Chaosforschung und frühe Mikroskopie (z.B. Radiolarien und Foraminiferen) treten in Dialog mit Darstellungen aus der Zellbiologie. Die Bandbreite des Gezeigten wird erweitert um Lilienpollen-Vergrößerungen als Ergebnis der eigenen Untersuchungen am Rasterelektronenmikroskop. Treffend ist dieser faszinierende Kosmos aus Materialien zur Formbildung des Mikrokosmischen und Minimalen mit „Bildlabor“ benannt.
„Ich sehe was, was Du nicht siehst“ – mit diesem spielerisch-experimentellen Ansatz lädt Nora Schattauer ein, dem Verborgenen auf die Spur zu kommen. Das „Abbild“ von existenten, von unseren Sinnen jedoch nicht erfahrbaren Grundstrukturen, wird in Nora Schattauers „Bildlabor“ zum Bild – zum Bilderreigen.« (Valerian Maly) So folgt sie auf verschlungenen Pfaden ihrem eigenen Weg in Richtung einer Synthese von bildender Kunst und Naturwissenschaft."
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Die AutorInnen des ersten Bandes untersuchen das Verhältnis von Buch und Fotografie im Medium Künstlerpublikation. Die Diskussionen umfassen Avantgarde- und Mediendiskurse, die Konzeptualität des Fotografischen sowie Narrationen und narrative Strategien in verschiedenen Künstlerbüchern. Der Begriff »Medium« wird als Scharnier aufgefasst, über das sich unterschiedliche Fragen an Künstlerbücher miteinander verknüpfen lassen.
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mit Texten von Klaus Honnef, Barbara Lange, Lech Lechowicz, Robert Rainwater, Sigrid Schade, Abigail Solomon-Godeau, Anne Thurmann-Jajes und Herta Wolf.
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Die vorliegenden Radiovorträge stammen aus dem Jahre 1948. Sie erschienen, als der Autor seine beiden großen Erstlingswerke „Die Struktur des Verhaltens“ und „Phänomenologie der Wahrnehmung“ vorgelegt hatte und mit seinen Essays aus „Humanismus und Terror“ und „Sinn und Nicht-Sinn“ bis in den politischen Bereich hinein für Aufsehen sorgte.
Die offene Art der Darstellung könnte nicht nur Philosophen ansprechen, die sich einen geduldigen Blick für die Sachen selbst und den Sinn für ein fragendes Denken bewahrt haben; sie dürfte bei all denen, die sich mit aktuellen Themen wie Leiblichkeit, Bild und Medien beschäftigen, auf lebendigen Widerhall stoßen. Es sind lebendige Denkproben, die Geschmack auf mehr machen. Die Publikation findet in einem durch die Kunst geprägten Umfeld einen durchaus passenden Ort. Ihr sind aufmerksame Leserinnen und Leser zu wünschen, deren Sinne noch nicht durch eine Überfülle von Reizen und durch ein Überangebot an Sinn abgestumpft sind.
Bernhard Waldenfels
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[content_de] => Die Galerie »art intermedia«, eine der progressivsten Kölner Galerien, existierte nur fünf Jahre (1967 bis 1972). Dieser „Aktionsraum”, wie ihn der Avantgardegalerist, politische Journalist und Kunstkritiker Helmut Rywelski (1928 bis 1998) nannte, befand sich in der Domstraße 8, nur wenige Minuten vom Hauptbahnhof entfernt. Der feuchte und nur provisorisch weiß getünchte Kellerraum, der den antielitären Bestrebungen Rywelskis entsprach und mit einiger Berechtigung als „westdeutsches Zentrum für Aktionskunst” bezeichnet wurde, war eine erste Plattform für junge Aktionskünstler, insbesondere auch der Happening- und Fluxus-Bewegung, die inzwischen zur internationalen Spitze dieses Genres gezählt werden. Eine Auswahl der Veranstaltungen: Jörg Immendorf mit »Vietnam«, 23. April 1966; Hans Peter Alvermann mit »Politische Objekte«, 21. Mai 1966; Franz Erhard Walther mit »Leihobjekte«, 3. September 1966; Nam June Paik und Charlotte Moorman mit »So langweilig wie möglich«, 25. Juli 1966; Alison Knowles, Al Hansen, Emmet Williams, Dick Higgins, Wolf Vostell und andere mit »Juxtapositionen«, 25. September 1966; Jörg Immendorf, Chris Reinecke, Per Kirkeby, Björn Noergaard mit »Deutsch-Dänische Tage«, 15. bis 22. April 1967. Hier entstanden auch die ersten charakteristischen Vitrinen von Joseph Beuys.
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[content_de] => Gibt es "genetische" Bilderinnerungen? Kann DD Handons Vorliebe für Natur- und Landschaftsmotive damit zu tun haben, das ihr Urrgroßvater Andreas Achenbach war, ein bedeutender, auf Landschaften spezialisierter Vertreter der Düsseldorfer Malerschule des 19. Jahrhunderts? DD Handon nennt ihre Kunst eine "Bildbefragung", die im Medium des Bildes selbst stattfindet. Fotografien werden vergrößert, gerastert, übermalt oder in noch anderer Weise bearbeitet und verändert. Die Jagd der Bilder durch die medialen Instanzen, die teilweise bewusst unsachgemäß eingesetzt werden, stellt gleichsam immer wieder neue Aggregatzustände her. Schnelle, blitzlichtartige Eindrücke werden "verlangsamt", indem sie immer wieder aus anderen Perspektiven in Erscheinung treten, die auch immer wieder andere Bilder hervortreten lassen, die gleichsam latent in jedem Bild enthalten sind und "hinter" der Oberfläche auf ihre Entdeckung warten. Dieser ebenso auf die Differenzierung von Materialqualitäten und -suggestionen gerichtete Prozess fokussiert auch auf die Trägermaterialien, die in einer zunehmenden digitalisierten Bilderwelt immer mehr aus dem Blick geraten.
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Meist ist es der erste Blick, der bei Doubrawa zählt und später auch das bleibende Foto wird. Er benennt sie mit einfachen, beschreibenden Begriffen, ein Prinzip der Zuordnung und Erinnerung, das spontan und intuitiv abläuft. In alphabetischer Reihenfolge entstehen so Nachbarschaften und Dialoge, die sich jedweder gezielten Anordnung, persönlicher Vorlieben und Chronologie entziehen.
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- Maria Anna Tappeiner -
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Die vorliegende Ausgabe ist eine Übersetzung und Erweiterung des englischen Originals von Craig Dworkin, Simon Morris und Nick Thurston, das 2012 im Independent-Verlag information as material erschien. Mit der Ergänzung um Beispiele aus der deutschen Literaturgeschichte verortet Annette Gilbert das Projekt als mikropolitisches Phänomen und erweitert sein kritisches Konzept. Damit setzt sie die Arbeit von Carlos Soto fort, der seiner spanischen Übersetzung bereits Beispiele der chilenischen Geschichte hinzugefügt hat. Eine französische und italienische Ausgabe sind in Vorbereitung, so dass das Buch in einem kollektiven Schreibprozess von Ausgabe zu Ausgabe schneeballartig anwachsen wird.
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Das den Ausstellungsraum des Kunstvereins Ruhr prägende architektonische Inventar lässt sich einfach beschreiben: Typischer innerstädtischer Nachkriegsbau, ehemaliges Ladenlokal, 85 m² Grundfläche, große Schaufensterfront, drei Türen, eine runde Säule, zwei quadratische Pfeiler und drei lange, parallel zueinander verlaufende Reihen Leuchtstoffröhren unter der Decke – die Wände sind weiß gestrichen, der Betonfußboden grau. Die architektonischen Konzepte, die den Hintergrund dieser so nüchtern gehaltenen Raumbeschreibung bilden, werden für Christian Helwing, unter Hinzunahme weiterer raumbildender Strategien der Moderne, zum Material der in enger Korrespondenz mit den vorhandenen räumlichen Gegebenheiten entwickelten Arbeit EAT.
Farbkonzepte von Bruno Taut und "De Stijl", das Verständnis der Konstruktivisten von Architektur als einem Vermittler zwischen Kunst und täglichem Leben, die ins Raster gesetzten Pfeiler Le Corbusiers, das zeichenhafte Verständnis von Architektur von Venturi / Scott Brown ("Learning from Las Vegas") sind einige der sich in Christian Helwings Arbeit zu einem gesamten Raumkonzept überlagernden und verdichtenden Ideen. Diese werden die Bewegungsmuster der Besucher innerhalb des Raums radikal verändern. Und auch der Name der Londoner Sandwich Kette findet in dem Ausstellungstitel und in Anlehnung an deren minimalistische Corporate Identity, in Essen (!) ihren richtigen Ort.
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[content_de] => Mit seinem „Curriculum vitae“ (1995) hat Blalla W. Hallmann (1941 – 1997) gegen Ende seines Lebens eine schonungslose Beschreibung in Wort und Bild geliefert. Es ist die Innenschau eines Künstlerlebens im Grenzbereich von Kunst und Krankheit, Erfolglosigkeit und später Anerkennung, Provokation und Poesie. Vergleichbar, wenn auch ohne Texte, ist lediglich die bildnerische Autobiographie von Frans Masereel.
Blalla W. Hallmann war kein „Outsider“, kein „Art brut Künstler“, sondern ein sicherlich außergewöhnlicher, aber professioneller Künstler, der eine schizophrene Psychose durchlitten und überwunden hat. Nach Überwindung der Erkrankung hatte er mit seinen Bildern großen Erfolg auf dem Kunstmarkt, u.a. zeigte ihn die Galerie Zwirner in Köln 1989 und 1991.
Erstmalig werden alle 149 Linolschnitte und Texte seines „Curriculum vitae“ ausgestellt und im begleitenden Katalog veröffentlicht. Eine bereits 1995 erfolgte Publikation im „Verlag der Buchhandlung Walter König“ zeigte lediglich eine Auswahl von 99 der 149 Linolschnitte. Zeichnungen, Gemälde, Druckgraphiken und eine Skulptur des Künstlers aus der Kölner Sammlung Kraft ergänzen die Ausstellungen.
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[content_de] => Zwischen 1996 und 2006 erschienen die 49 (von 50 geplanten) Künstlerbücher der édition séparée. Dieses Buch dokumentiert auf jeweils einer Doppelseite alle erschienenen Ausgaben der Reihe mit beispielhaften Seiten aus dem Inhalt sowie Beispielen für die von den eingeladenen Künstlern zur Verfügung gestellten Editionen zur jeweiligen Vorzugsausgabe.
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( Hans-Michael Koetzle).
Im ersten Teil dokumentiert diese Publikation 21 Fotoinstallationen aus den Jahren 2003 – 2010. Die aktuelle Arbeit "KdeE", eine Fotoinstallation zur Rekonstruktion des Merzbaus von Kurt Schwitters im Sprengel Museum Hannover, wird im zweiten Teil des Kataloges auf 28 Seiten in einem Ausschnitt im Maßstab 1:1 abgebildet.
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Das Buch verhält sich zu den vier Ausstellungsorten nicht wie ein klassischer Katalog, obwohl im hinteren Teil bereits einige Installationsansichten der jeweiligen Situationen zu sehen sind. Der Verzicht auf eine lückenlose Dokumentation der in Westerwald und Eifel gezeigten Arbeiten führt im Buch zu einer Konzentration der Bildstrecke auf eines der zentralen Motive im Œuvre von Erwin Wortelkamp: das Stehen und das Gehen.
Vielleicht erstmals wird so der innere Zusammenhang der bisher immer nur getrennt wahrgenommenen Werkphasen von den frühen 1960er Jahren bis heute für den Leser nachvollziehbar. Selbst für denjenigen, der das Werk seit Jahren verfolgt, dürfte die zwingende Stringenz, die sich hier zwischen klassischer Skulptur und hochpolitisierten Aktionen zeigt, überraschen. Allein nur der Blick auf die radikal konzentrierte Gegenüberstellung einer einzelnen Holzskulptur mit einer „Meditationskabine“ im „Haus für die Kunst“ kann das belegen.
Wortelkamps Arbeit der letzten Jahrzehnte erweist sich als nicht weniger politisch aufgeladen als seine Aktivitäten der frühen 1970er Jahre. Die Zeichnungen, Plastiken und Aktionen der frühen Jahre gewinnen heute eine neue Aktualität und werten den Blick auf die jüngsten Arbeiten um. Damit reiht sich Wortelkamp ein in die Folge der ‚Wiederentdeckungen‘ von künstlerischen Positionen, deren Ausgangspunkt in den frühen 1970er Jahren liegt und deren Relevanz für die aktuelle junge Künstlergeneration erst in den letzten Jahren erkannt wurde. (Jörg van den Berg)
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Die Oberfläche von Erwin Wortelkamps plastischen Orangen hat wenig zu tun mit der Oberfläche der von Hans von Marées gemalten Orangen. Wortelkamp imitiert nicht, imitiert auch nicht Marés Modelle, die Orangen. Sondern er vermittelt das Griffige ihrer plastischen Form, so wie Marées das gemalt hat. Und er intendiert so eine Rückführung zum einfach Anfassen.
(Karlheinz Nowald)
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Abbildungen von Ton- Lehm- und Ziegelarbeiten aus den siebziger und achtziger Jahren finden einen formalen Kontrast in filigranen, bemalten Eisenarbeiten von 1985. Prägedrucke aus den neunziger Jahren ergänzen den optischen Zusammenhang. Alte Terrakotten aus der Sammlung Wortelkamp und mehrere Beiträge zeitgenössischer Künstler aus dem Senegal intensivieren den Gesamteindruck.
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Das Buch ist dem Philosophen Hannes Böhringer gewidmet.
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Glas fasziniert die Künstlerin vor allem durch seine kristalline, transparente, Licht reflektierende und zugleich brüchig-fragile Materialität. Immer geht es ihr dabei um Ambivalenzen des Materials, um Übergänge, mögliche und tatsächliche Veränderungsprozesse, die eingeleitet und veranschaulicht werden. Ein wichtiger Aspekt dabei ist dabei die Zerstörung des splitternden Stoffes durch Fragmentierung und seine Neustrukturierung. Alles das gerät innerhalb dieser minimalistischen Installation im wörtlich zu nehmenden White Cube (weiße Decke, Wände, Boden) zu einem ästhetischen Ereignis besonderer Art. Tagsüber wird der glitzernde Glasberg durch den natürlichen Lichteinfall von außen stimuliert. Abends und nachts kann durch das Schaufenster des Raumes bis 23 Uhr das Video erlebt werden, während der schimmernde Glastumulus durch einen Spot hervorgehoben wird.
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[content_de] => Der Düsseldorfer Künstler Hans-Peter Feldmann widersetzt sich seit vielen Jahren den Mechanismen des Kunstmarktes. So verzichtet er konsequent auf Signatur und Limitierung. Seine Entscheidung, sein für die Edition Ex Libris ausgewähltes Buch ohne individuell gestaltetes Ex Libris und ohne selbst entworfenen Umschlag zu realisieren, ist daher genauso konsequent wie der Verzicht auf eine "Luxus"-Edition. Diese Ausgabe bekommt ihre besondere Note durch die Bearbeitung des Originalumschlags (Tilgen des ursprünglichen Verlagsnamens und Ersetzen duch "Salon"). Es versteht sich von selbst, daß Hans-Peter Feldmann ein bereits existierendes Ex Libris (Motiv: weiblicher Akt auf Stuhl) in das Buch kleben lässt.
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[content_de] => The publication is in part an archival document to a Situationist Intervention that took place sometime during the summer months of 1997 – an intervention with specific interior / exterior locations within the centre of London. This artistic/political gesture was carried out during a long-running political debate over the obtrusive and ever growing number of CCTV surveillance cameras being installed within public spaces within the capital, which were disputed as an infringement upon rights to privacy of the individual citizen.
These interventions were an endeavour to integrate an applied form that would, over a period of time, become part of the structure it had been applied to. And, by incorporating a mock prosthesis to such public spaces, would endeavour to claim part of a specific public space, which would represent a specific moment frozen in time.
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Die kahlen Baumgerüste gegen den Himmel, die baren Linien gegen die Leinwand. Beides gegen die Leere. Klarheit und Heiterkeit der Reduktion. Eine neue, pure Faktizität: das, was der Fall ist. Malerei, organische Prozesse. Das Drama des Wachstums, zur Ruhe gebracht. Zur Anschauung."
(Matthias Bärmann)
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[content_de] => „Skulpturen suchen und finden ihren Ort.“ Dieses künstlerische Credo des Bildhauers Erwin Wortelkamp (geb. 1938) bildet den Ausgangspunkt für die Ausstellung „hier und dort“. Er inszeniert seine Skulpturen und Zeichnungen immer wieder neu im Innen- und Außenraum. Damit schafft er ebenso überraschende wie spannende skulpturale Setzungen, die die jeweiligen Räume erobern und mit einem feinen Beziehungsgeflecht überziehen.
„hier und dort“ greift drei dieser besonderen Raumsituationen auf: Zum einen ist es das Arp Museum Bahnhof Rolandseck und zum anderen die Stiftung Erwin und Ulla Wortelkamp mit dem „Haus für die Kunst“ und dem neuen „Depositum“, ein Schaulager für die Arbeiten des Stiftungsgutes von Erwin Wortelkamp, das anlässlich der Ausstellung eingeweiht wurde.
Die Auswahl der Arbeiten eröffnet dem Betrachter dabei grundlegende Fragestellungen im Hinblick auf Erwin Wortelkamps vielfältiges skulpturales Schaffen und greift Kernthemen auf wie die der Fragilität, der Stabilität, der Balance, der Ruhe und der Lebendigkeit. Ebenso spannend wird die Frage nach dem Verhältnis von Skulptur und Raum, Skulptur und Architektur, Skulptur und Betrachter thematisiert und inszeniert.
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[authors_contributors] => Künstler: Erwin Wortelkamp; herausgegeben von Oliver Kornhoff und dem Arp Museum Bahnhof Rolandseck; Beiträge von Norbert Hummelt, Karen van den Berg, Tilo Schulz, Sarah L. Schuster, Werner Fritsch, Heike K. Barath und Kim Wortelkamp; bearbeitet von Sonja
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Franko Bollos erster Spagetti-Raum
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Der 1 ist es egal, ob wir traurigen Paradoxa verfallen oder nicht
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ERRATUM: Fälschlicherweise wird unter “Lektorat/Proofreading” Joan-Catharine Ritter genannt!
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Mit Hilfe feinster Armierungen und geringster Abstützungen entstehen u.a. hauchdünne Architekturen – ähnlich instabiler Kartenhäuser – die man gerne vor dem Einstürzen bewahren möchte. Joachim Manz’ "Bauspiele" sind zweckfreie Architekturen, die sich zu autonomen Skulpturen erheben und ihre besonderen Qualitäten gerade im Zusammenspiel mit dem historischen Bahnhof Rolandseck und der modernen Baukunst Richard Meiers entfalten.
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1971 in Köln geboren. Studierte ein Semester an der Kunstakademie Düsseldorf und absolvierte ab 1991 eine Ausbildung zum Tätowierer. Neben Performances, diversen Einzelausstellungen und verschiedenen Ausstellungsbeteiligungen erschienen ab 1996 zahlreiche Veröffentlichungen über Grundmann in internationaler Fachliteratur zum Thema Tattoo. Seit 1991 bei Dieter Zalisz “Elektrische Tätowierungen“ in Köln als Tätowierer tätig.
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14 Bilder (gemalt mit einem Harz-Ölfarbengemisch, welches auf Holz-Bildträger aufgetragen und der Schwerkraft überlassen wurde, von schwarzen Rahmen gefasst, mit den Ziffern I – XIV untertitelt) und ein helles gleißend-changierendes fünfzehntes, weiß gerahmtes Bild mit dem Titel ZWEI FARBEN SÜDEN bilden die Malerei-Installation KREUZWEG von Ulrich Moskopp. Wegen der spezifischen Fließeigenschaften des Harzes trocknet die Farbmasse derart, dass Naturassoziationen hervorgerufen werden, die an Landschaften, Höhlen, Adern, aufsteigenden Nebel im Gebirge oder elektrische Entladungen erinnern. Der Blick gelangt über die glänzende Oberfläche der Bilder, durch die Farbschicht, zu einer Tiefe, aus der das Geheimnis des Lichts heraus leuchtet.
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Ziel ist es, den Künstlertexten wissenschaftlich größere Aufmerksamkeit zu schenken, sie in Anlehnung an die Konzeptkunst als autonome Werke und im Rekurs auf die Künstlerschriften seit der Frührenaissance als kunstwissenschaftliche Reflexionen über Wahrnehmung, Kunsthistorie, Kunsttechniken, Medien etc. zu begreifen.
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Erstmals widmet sich das Arp Museum Bahnhof Rolandseck in einer Überblicksschau dem ungarischen Künstler Lajos Barta (1899–1986). Die Ausstellung erinnert an den charismatischen Menschen und Künstler – sowie an dessen spannende, durch die Geschichte des 20. Jahrhunderts tief geprägte Vita. Die rund 40 Plastiken und 90 Zeichnungen entstammen überwiegend den 1940er und 1950er Jahren. Sie lassen die surrealistischen Ansätze Bartas und seinen Weg in die Abstraktion erkennen und dokumentieren die repressiven Jahre des Stalinismus in Ungarn. Die Ausstellung hebt besonders die Modelle seines bildhauerischen Œuvres heraus, die in Ungarn und in Bartas Wahlheimat am Rhein als Monumentalplastiken im öffentlichen Raum realisiert wurden. Einige dieser Werke entstanden im Bahnhof Rolandseck, wo Barta von 1965 bis 1967 lebte und arbeitete. Die Ausstellung wird in Kooperation mit dem Donauschwäbischen Zentralmuseum Ulm realisiert.
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[content_de] => Das deutsch-französische Projekt MALEREI2020PEINTURE, initiiert von Katharina Schmidt und Winfried Virnich, ist eine programmatisch–künstlerische Coproduktion aus Frankreich und Deutschland. Über mehrere Jahre hinweg arbeiteten die Klasse von Winfried Virnich an der Kunsthochschule Mainz sowie die Gruppe um Katharina Schmidt an der Kunsthochschule in Toulouse im Wechselspiel heterogener Positionen an der Erkundung des Topos Malerei – vor dem Hintergrund der komplexen Frage nach den zeitgenössischen Konfigurationen der Gegenwartskunst. Begleitet durch einen umfangreichen Textteil schließen die hier abgebildeten Ausstellungen im Ludwig Museum Koblenz und dem LAC Sigean den Prozess ab.
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„Müde Bücher“ enthält Fotos einzelner Bände aus der Installation „I SOLITI TITOLI“ mit Büchern aus dem Nachlass eines Architekten, ein Querschnitt durch eine bildungsbürgerliche Bibliothek der 1950er bis 1980er Jahre. Das Buch erscheint anlässlich der Ausstellung „animalibri“ (15.3.-15.4.2012) im Kunstverein Tiergarten Berlin.
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[title] => Neue KUNST für ALLE! in deutschen Editionen 1961 – 1975
[content_de] => Alles, was gut und preiswert ist! Nach diesem Motto ließ sich Kunst in den 60er und 70er Jahren sammeln. Es war eine „Neue KUNST für ALLE!“. Sie war an neuen künstlerischen und gesellschaftlichen Ideen, ungewohnten Materialien und Formen interessiert. Heute weltberühmte Künstler wie Joseph Beuys, Dieter Roth, Daniel Spoerri, Klaus Staeck, Wolf Vostell u.v.a. haben seinerzeit Multiples produziert. Es war eine bewusst sehr preisgünstig kalkulierte Kunst zum Anfassen, zum täglichen Gebrauch und zur kritischen Auseinandersetzung für Schüler, Studenten, Hausfrauen, Arbeiter und Angestellte – und all diejenigen, die nur über ein schmales Budget verfügten. Und ganz nebenbei führten die Künstler vor Augen, dass Multiples im „Zeitalter ihrer technischen Reproduzierbarkeit“ die Theorien eines Walter Benjamin links überholen konnten, indem z.B. „Unikate in Serie“ entstanden.
Die Ausstellung, die auf einer Privatsammlung basiert, gibt einen kritischen Überblick zum Boom der Multiples in deutschen Editionen von 1961 bis 1975. Gemeinsamkeiten, Unterschiede und Einzelpositionen werden vorgestellt. Neben den altbekannten Namen des internationalen Kunstmarkts gibt es Künstler zu entdecken, die die Kunst jener Zeit maßgeblich mit geprägt haben, z.B. Gernot Bubenik, Siegfried Kischko, Ferdinand Kriwet, Werner Nöfer oder Wolfgang Oppermann.
Der Katalog ist analog der Ausstellung thematisch in acht Gruppen gegliedert:
- 1.: Editionen / Multiples zum Anfassen (z.B. VICE Versand mit dem Multiple „Intuition“ von Joseph Beuys)
- 2.: Editionen / Multiples auf neuen Vermarktungswegen (z.B. Pläne des Hochbauamtes der Stadt Köln und andere Dokumente zum 1. Kölner Kunstmarkt 1967)
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- 5.: Editionen / Multiples „Do it yourself“ (z.B. „Shoot it yourself picture“ von Niki de Saint Phalle 1964)
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[content_de] => Seit mehreren Jahren sammelt der in München und London lebende Künstler Carsten Recksik die Pressetexte der von ihm besuchten Kunstausstellungen. Die Texte, die von Galerien und Museen veröffentlicht werden, um Presse, Ausstellungsbesucher und Interessierte über Künstler und Kunstwerke zu informieren, dienten Carsten Recksik schon des öfteren als Grundlage für seine Werke. In "New Release!" fügt er diese lose Sammlung nun nicht nur zu einem Ganzen zusammen, sondern ersetzt nebenbei auch noch die Namen der Künstler durch seinen eigenen.
"New Release!" erweitert sich ständig, denn Carsten Recksik addiert die jeweils zuletzt besuchte Ausstellung zu seinem "Opus".
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[content_de] => Noam Chomsky, 1928 in Philadelphia (Pennsylvania, USA) geboren, lehrt seit 1961 als Professor für Linguistik am Massachusetts Institute of Technology (MIT). Durch seine linguistischen und sprachphilosophischen Arbeiten von paradigmatischer Bedeutung und aufgrund seines politischen Engagements zählt Noam Chomsky zu den herausragenden Intellektuellen der Gegenwart, dessen Schriften ebenso wie seine öffentlichen Interventionen eine weltweite Aufmerk-samkeit und Rezeption erfahren haben.
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11.09. bis 13.11.2011 im Kulturforum Alte Post Neuss / Städtische Galerie stattfand. Das außergewöhnliche der Ausstellung war, dass die gesamten Innenräume der Galerie in Stadtraum verwandelt wurden, in dem die Streetart-Künstler ihre Werke inszenierten! Dabei trafen sowohl lokale Heroes, wie KJ263, Magic, London Inc. auf internationale Größen wie L’Atlas, Tasek, Flying Förtress, M-City und die bildenden Künstler Martin Mele und Krišs Salmanis. Das reich bebilderte Buch gibt in seiner aufwendigen, künstlerischen Gestaltung einen lebendigen Eindruck der Ausstellung wieder, die es in dieser Form im Bereich Streetart noch nicht gegeben hat. Ein Sammlerbuch!
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[content_de] => Die Sammlung Peter Wenzel wurde als erste größere Ausstellung nach dem Tod von Nam June Paik, dem sich selbst als ersten Künstler des 21.Jahrhunderts bezeichnenden Papst der Video-Kunst, im Museum Bochum erstmalig der Öffentlichkeit zugängig gemacht. Neben etwa 80 Papierarbeiten, beginnend mit der „Krawattenzeichnung” aus dem Jahre 1961 bis zu letzten Pastellkreidearbeiten nach dem Jahr 2000, werden seltene Dokumente aus den frühen 1960er Jahren und von der Zusammenarbeit mit der Cellistin Charlotte Moorman sowie einzelne skulpturale Arbeiten gezeigt. Der Reiz der Ausstellung liegt sowohl darin, dass entgegen früheren Paik-Präsentationen die Betonung auf dem Papier als Medium liegt und dass eine Paik-Ausstellung und der hier vorgestellte Katalog sich erstmals aus einer einzelnen Sammlung rekrutieren
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[content_de] => »Parole #2: Phonetic Skin / Phonetische Haut« ist die zweite Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Haut und ihrer Beziehung zur Sprache. Der Begriff »Haut« wird dabei als Metapher benutzt. Sie steht für die Oberfläche, die beschützende Hülle, nicht nur des menschlichen Körpers, sondern auch anderer Körper, wie die Wände eines Hauses, die Verpackung eines Produktes, die Oberfläche der Erde etc. Sie bezeichnet die Grenze zwischen Innen und Außen und ist gleichzeitig ein sensibles Kommunikationsinstrument, das Informationen von außen nach innen leitet und innere Zustände äußerlich erkennbar machen kann. »Phonetic Skin« ist ein poetischer Begriff, der als Ausgangspunkt diente, sich mit dieser Verbindung zwischen Kommunikation/Sprache und Haut auseinanderzusetzen. 18 internationale Wissenschaftler und Künstler stellen in der zweiten Ausgabe von »Parole« Projekte vor, die verschiedene Facetten dieses Themas beleuchten. Dabei wird es bspw. um die Stimme als vibrierendes Phänomen zwischen Innen und Außen gehen, um sprechende Trommeln, um Schrift auf Architektur, Kleidung oder Haut.
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[title] => Schöppinger Schläger
[content_de] => 2021 stieß Albert Coers auf einen Karton alter Tischtennisschläger, bei einem Stipendienaufenthalt im Künstlerdorf Schöppingen, und war von dem Fund begeistert – gerade jenseits der Verwendung als Sportgerät: Die Schläger tragen die Spuren jahrzehntelangen Gebrauchs, erzählen Geschichten, ebenso wie die Steinplatten auf dem Boden des ehemaligen Bauernhofs. Platten und Schläger finden in einer Installation zusammen. Die funktionalen Objekte werden zu etwas Anderem, bekommen etwas Malerisches. Aus Fotos der Schläger wird ein Künstlerbuch, wobei sich Vorder- und Rückseite, Rot und Schwarz gegenüberstehen.
Doch in den Sujets steckt noch mehr: Es lassen sich Parallelen ziehen zwischen der Sportart und künstlerischer Praxis, der Reaktion auf eine Vorgabe („Angabe“), dem Zurückspielen eines Balles („Ping-Pong“). Von diesem Modus ausgehend involvierte Coers Mitstipendiaten, und lud sie ein, autobiographische, fiktionale oder wortkünstlerische Texte zum Thema „Tischtennis/Schläger“ beisteuern. So kommen ganz unterschiedliche Sprachen, Situationen und soziale Erfahrungen zusammen.
Die Texte sind als eigener Bestandteil, auf separatem Papier und in schmalerem Format, in der Mitte des Buchs in die Fotoserie eingefügt. Die Gegenüberstellung von Originaltext und Übersetzung auf einer Doppelseite lässt ebenfalls an ein Hin- und Herspielen denken. In einem Essay reflektiert Coers den Zusammenhang von Tischtennis und Kunst.
Mit Beiträgen von Rudi Beutinger, Albert Coers, Sandra Rosas, Crauss, Ksenya Kumm, Carsten Lisecki, Cornelia Hülmbauer, Asja Schubert.
[content_en] => In 2021, Albert Coers came across a box of old table tennis bats, during a scholarship stay in the artists' village of Schöppingen, and was thrilled by the find - just beyond its use as sports equipment: the bats bear the traces of decades of use, tell stories, just like the stone slabs on the floor of the former farm. Slabs and rackets come together in an installation. The functional objects become something different, take on a painterly quality. Photos of the rackets become an artist's book, with front and back, red and black facing each other.
But there is more to the subjects: parallels can be drawn between the sport and artistic practice, the reaction to something given, the playing back of a ball ("ping-pong"). Taking this mode as a starting point, Coers involved fellow scholarship holders, inviting them to contribute autobiographical, fictional, or poetical texts on the theme of "table tennis/bat." Thus, very different languages, situations, and social experiences come together.
The texts are inserted into the photo series in the middle of the book as a separate component, on different paper and in a narrower format. The juxtaposition of original text and translation on a double-page spread also suggests a back-and-forth play. In an essay, Coers reflects on the connection between table tennis and art.
With contributions by Rudi Beutinger, Albert Coers, Sandra Rosas, Crauss, Ksenya Kumm, Carsten Lisecki, Cornelia Hülmbauer, Asja Schubert.
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[content_de] => Der stets fragmentarisch und brüchig bleibende Kompositcharakter der Ruinenarchitektur verweist nicht nur auf das Gemachte, Konstruierte, Künstliche, das diese Szenarien auszeichnet. Durch die immer wieder neue Zusammenstellung gleicher oder ähnlicher Architekturelemente zu surreal anmutenden Hybridgebäuden wird vielmehr auch deutlich, in welchem Maß Dukas Architekturen im eigentlichen Sinne Ideengebäude sind: Texturen, deren Horizont von den bröckelnden Resten einer gescheiterten Moderne bis zu Novalis reicht. Über all dem schweben, auch sie plastisch eingefroren, orangerot leuchtende barocke Schriftbänder, allerdings völlig ohne Text. Das ist nur konsequent. Denn die Bilder selbst sind der Text, der nur, indem er unlesbar bleibt, seine imaginative Kraft entfalten kann.
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Verbindet man mit Photographie die Vorstellung, dass schneller auf den Auslöser gedrückt wird und der Apparat schneller belichten kann, als der Mensch denkt, so setzt Bonfert der Schnelligkeit Denkleistung und Wille zur Konzentration entgegen. Die „Photosynthese“ ist das Ergebnis genauen Abwägens. Und einer Vorstellung, die zum Bild gerinnt, die auch nur als Bild existieren kann.
Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds mit Mitteln der VG Bild-Kunst.
ERRATUM: Fälschlicherweise wird unter “Lektorat/Proofreading” Joan-Catharine Ritter genannt!
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[content_de] => "Pierre Granoux legt in seinem Magazin der Flaschentrockner (Hérisson) Auszüge aus dem Bild-Verzeichnis und Titel-Register seiner Streifzüge durch den digitalen Basar vor. Als Fundstück moderner Kunst wird der Flaschentrockner via Internet in unzähligen Varianten versammelt, ausgestellt, durchnummeriert und durchbuchstabiert. [...]
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"Granoux ist kein Modernist. Und das Künstlerbuch von Pierre Granoux zeigt als Werk zeitgenössischer Kunst, dass Sammlungen der Moderne doch noch mehr sind als ein Aufbewahrungsort für geleerte und bis auf den letzten Rest leergelaufene Flaschen." (Robert Krokowski)
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Die Konkrete Poesie kann zum einen als eine erste globale Literatur auf der Basis ästhetischer Prinzipien und zum anderen als Kunstströmung der 1950er bis 1980er Jahre bezeichnet werden. Unter Konkreter Poesie als Oberbegriff werden in diesem Zusammenhang alle Formen experimenteller, visueller, auditiver und radiophoner Poesie subsumiert, die seit den 1950er Jahren bis zum Ende des Bielefelder Colloquiums 2002 entstanden sind. Als künstlerische Grenzüberschreitungen sind sie zwischen Text, Bild und Musik zu verordnen, über die verschiedenen Formen der Künstlerpublikationen fand eine Verbreitung und Vernetzung statt. Mit ihrer Vielseitigkeit entzogen sich die Künstler nicht nur jeglicher Kategorisierung, sie schufen zugleich ein enorm umfangreiches und vielschichtiges Œuvre.
Der erste von zwei Schwerpunkten der hier zusammengestellten Texte des Symposiums bezieht sich auf die gegenseitige internationale Beeinflussung der Künstler der konkreten Poesie, auf ihre Beziehungen untereinander, die Verbreitungen der Kunst und die verwendeten Medien und Techniken.
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[content_de] => Dieses Künstlerbuch ist M.A., I.W. und Aaron Siskind gewidmet und erscheint
anlässlich der Ausstellung „The Production Line of Happiness”
im Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven.
Bildnachweis / List of works
One of 406 Ceiling Panels
(23 3/4 x 23 3/4 inches each)
Covered on the back with striped paper
(green and white)
Each Stripe is 8,7 cm
From “Frost and Defrost: A Work In Situ by Daniel Buren“
Otis Art Institute Gallery, 2401 Wilshire Blvd.,
Los Angeles, California,
January 28 - March 4, 1979
Hal Glicksman, Gallery Director;
Christopher D‘Arcangelo,
Assistant to Daniel Buren
Photography by the Douglas M. Parker
Studio, Glendale, California, May 4, 2006
Chormogenic Print
60 x 59,7 cm (paper)
107 x 105,5 cm (framed)
Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln
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Wer bei Google nach den Stichwörtern „Bohnenberger” und “Pommes” sucht, erzielt ca. 13.700 Ergebnisse. Vor allem sind es Presseberichte über den Prozess vor dem Münchener Landgericht. Darin wird die auch vom Landgericht offen gelassene Frage, ob ein Kreuz aus zwei vertrockneten Pommes Frites Kunst sei, in der Regel nicht direkt erörtert.
Bohnenberger dreht die Schraube eine Umdrehung weiter. Nicht mehr das mehr oder minder aufgeladene Ready Made und die um es herum geschaffenen Zeichnungen und original Pommeskreuze allein sind das Kunstwerk, sondern es wird gerade auch die Diskursivierung der alten Fragen – was ist Kunst und welche Ansprüche und Pflichten kann der Künstler haben – im juristischen Verfahren zur Kunst gemacht. Der Rahmen, sprich der räumliche und inhaltliche Kontext, in dem Gegenstände gezeigt werden, macht es einmal mehr aus: was eben noch die bloße Reproduktion der Prozessakten war, ist jetzt Kunst – als Installation an der Wand hängend und in einer Edition in Form einer Kassette, die eben die kopierten Prozessakten und ein Exemplar eines „Pommeskreuzes“ aus echten Pommes Frites in einer Blechschachtel enthält.
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[title] => Ray Johnson: I Like Funny Stories
[content_de] => Die New York Times nannte ihn „den berühmtesten unbekannten Künstler in New York“. Und in der Tat ist Ray Johnson (1927-1995) lange Zeit ein Geheimtipp geblieben, obwohl er mit den bedeutendsten Künstlern seiner Zeit, von John Cage bis Andy Warhol, in regem Gedankenaustausch stand und der Einfluss seines Werkes auf die Kunst unserer Zeit gar nicht hoch genug eingeschätzt werden kann.
Ray Johnson gilt als Vater der mail-art, als Meister der Collage und als Vorläufer der pop-art. Aber all diese Etikettierungen vermögen nicht, diesen unbändigen Künstler zu fassen, der wie kaum ein anderer seiner Grundidee treu blieb, Kunst als kommunikativen Prozess jenseits der etablierten Institutionen zu begreifen und zu leben.
Die Ausstellung in der Weserburg stellt Ray Johnson mit ca. 170 Werken aus der Sammlung Maria und Walter Schnepel, Bremen, vor, die zu den bedeutendsten Sammlungen des Werkes in Europa zählt.
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[content_de] => „Ob es sich um Keramik, gebrannten Ton mit Glasuren und Einritzungen handelt, um Malerei auf Leinwand, Wandmalerei oder Lackierungen auf Metallblech – oder ob der Künstler eines Sprecher über die Geschichte eines besonderen Orts referieren lässt: Roland Schapperts künstlerische Verfahren lassen uns die wahre Anwesenheit des Objektes als immer neu zu stellende Frage zwischen dem Ding und dem Sinn seiner Aussage variabel stellen. Ausgehend von der wechselvollen und seit über einem Jahrhundert auch leidvollen Geschichte der Malerei, interessiert den Künstler das Medium in seiner unangepassten Erweiterbarkeit: der Umgang mit Malerei, aber auch der Übergang zu den zeitbasierten Medien wie Lyrik, Skulptur oder Raumobjekt, Video und Licht. (...) „In meinen Bildern oder Bildräumen geht es mir um Malerei, die man nicht von einem Standpunkt aus betrachten kann, Malerei also, die einen dazu motiviert, sich zu bewegen – geistig und räumlich.“ Dies ist ihm in seinen letzten drei Kirchenraumausstellungen wahrlich gelungen. Und es sind extreme Überlagerungen, keine leicht verständlichen Interventionen, sondern in ihrer Komplexität kaum darzustellende Momente des Realen und des Geistigen. Sprache ist hier nur ein mittelbares Moment und begibt sich nicht weiter auf die kaum Erhellung bringende Spur des Fährtenlesers. (...) AT THE END OF THE DAY NOBODY IS INTERESTED IN THE MEANING OF WHAT IS SAID “
Gregor Jansen, Direktor der Kunsthalle Düsseldorf
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[content_de] => Roland Schappert (*1965, lebt in Köln) führt "in seinen Arbeiten klassische Medien an ihre Grenzen, dehnt ihren Erfahrungsraum durch das 'Verstreichen' von Zeit. Diese zeitliche Erfahrung bestimmt wesentlich den Wahrnehmungshorizont der Werke. Malerei, Zeichnung und Skulptur werden mit zeitbasierten Medien – Video, Klang, Lichtinstallationen... – zusammengeführt und an ihren Berührungspunkten zu grundlegenden, erkenntnistheoretischen Fragestellungen verdichtet." (Stefanie Kreuzer, in: "Á rebours")
"Höchstens einzelne Buchstaben sind noch zu erkennen, der Rest ist Geste und Wink, Bild und Struktur. Indem diese Auslöschungen auf das Auftragen von Firnis zurückzuführen sind, kehrt sich die Intention des Bewahrens um. Der schützende Überzug verwandelt sich hier in ein zerstörerisches und zersetzendes Element." (Arne Zerbst, in: "Das helle Dunkel")
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[content_de] => Alexander Braun (geb. 1966 in Dortmund), war im Jahr 2000 als Stipendiat in Lemgo tätig. Zuvor hatte er ein Stipendium als Artist in Residence in Marfa, Texas. Hier entwickelte sich sein grundsätzliches Interesse für den mexikanischen Kulturkreis, das in der Werkgruppe der “Retablos” seinen Ausdruck findet.
Das Retablo ist die mexikanische Variante des Votivbilds. Der (katholische) Gläubige möchte sich bei einer/einem bestimmten Heiligen für ein persönlich empfangenes Glück bzw. die Überwindung eines individuellen Schicksalsschlags bedanken. Zu diesem Zweck gibt es in Mexiko die sogenannten Nachbarschaftsmaler, künstlerische Dienstleister, die die geschilderte Szene mit Ölfarbe auf Blechtafeln malen und mit einem entsprechenden Widmungstext versehen. Der Gläubige trägt die Tafel dann in eine Kirche seiner Wahl und befestigt sie dort mit Nägeln an der Wand.
Alexander Braun gab in Mexiko City bei Lateinamerikas berühmtester Retablo-Malerfamilie, Afredo Vilchis Roque und seinem Sohn Hugo Alfredo Vilchis Fernandez, spezielle Retablos in Auftrag. Thema und Widmungstext wurden vom Künstler in Auftrag gegeben; die Vilchis waren allerdings angehalten, Thema und sprachliche Diktion nach eigenem Verständnis zu interpretieren. Als Protagonisten tauchen in der Serie ein Filzmann und seine Frau, ein Skelett, auf. Figuren, die in seinem Oeuvre immer wieder auftreten, werden diesmal allerdings in Alltagssituationen gezeigt und mit einem Privatleben ausgestattet. Hinzu tritt als versteckter Voyeur oftmals der Künstler selbst.
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[content_de] => Das Bild badet uns in Aufschriften so gut wie in farbiger Materie. Auf der Suche nach einem Motiv aber geht es in die Irre. Wie zum Ausgleich findet es in der Sprache und ihren Zeichen etwas, das konkret und abstrakt zugleich ist und auf etwas jenseits seiner selbst hinweist. Ist das nicht auch bei der Rede von einem "Nabel der Welt" der Fall? Gibt es ihn wirklich oder ist er nur eine Metapher? Ist er ein Bild, das spricht, oder Teil einer Sprache, die mit Bildern arbeitet? Offenbar liegt im Spiel mit Materie und Geist immer etwas Melancholisches."
Thomas Wagner
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[content_de] => In der von Gerhard Theewen herausgegebenen Edition Ex Libris bekommt der Begriff des Künstlerbuchs eine neue Dimension. Die Kölner Künstlerin und documenta-Teilnehmerin Rosemarie Trockel hat für die Edition Ex Libris ein für ihre künstlerische Arbeit bedeutendes Buch aus ihrer eigenen Bibliothek ausgewählt und präsentiert es unter ihrem Namen als Reprint. So wird ein Buch aus der Bibliothek der Künstlerin zum Kommentar der Arbeit Pierre Klossowskis und durch den von Rosemarie Trockel gestalteten Buchumschlag zu einem neuen Künstlerbuch."
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Yanik Hauschild
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Schnelles und wildes Denken fordert dem entsprechendes Arbeiten. Czarnetta sieht zusammen, was er findet und bringt es schnell und instinktiv in Form. Dabei ist das Atelier des Künstlers eine ideale Fundgrube. Harz, Humor, Klebstoff, Spielzeug, Trödelgut, Beton, Philosophie, Holz, Nägel, Scherben, Fotos, alte Zinnfiguren, Assoziationen, Strandgut oder Dosen sind der Stoff aus dem die Seitensprünge gemacht sind. Kein Ding hat nur eine Identität, alles kann etwas anderes sein."
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[content_de] => Der Katalog „lipstick traces-re.cover / to be shaken before taken” ist entstanden zur Austellung von Sery C. und Martina Jess im Festspielhaus Hellerau – Europäisches Zentrum der Künste Dresden, bei der raumgreifende und Architektur bezogene Arbeiten der beiden Künstler gezeigt wurden.
Sery C. zeigte sechs Hauptpositionen aus den letzten 20 Jahren seiner künstlerischen Arbeit. Seine Werke umreißen Bildfindungsprozesse auf der Grundlage von Architektur und deren Systeme. Martina Jess entwickelte aus ihren Malereien („written paintings“ und „systematics“) und grafischen Installationen („modul als modus“) eigens für diese Ausstellung die Filme „moving paintings I und II“, die auf zwei einander gegenübergestellten Monitoren gezeigt wurden. In der Filmprojektion to be shaken before taken”, schweben die weißen Figuren im schwarzen Raum über eine Projektionsfläche in die nächste, tauchen in der zweiten Projektionsfläche ab um in der dritten wieder aufzutauchen.
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Die beiden Vorträge, die Michael Glasmeier auf Einladung der Universität der Künste Berlin (2002) und der Justus-Liebig-Universität Gießen (2004) im Rahmen der von der Märchen-Stiftung Walter Kahn geförderten Ringvorlesungen erarbeitet hatte, stellen den Aspekt der zeitgenössischen Kunst in den Mittelpunkt. Sie sind der Versuch, märchenhafte Elemente", bzw. Märchenmotive in der heutigen Kunstproduktion auszuspüren und vorzustellen. Ausgangspunkt war dabei die Frage nach einer visuellen Transformation der Texte jenseits von Illustrationen, die es natürlich in Fülle gibt und mit denen sich die Märchenforschung natürlich auch beschäftigt.
Überrascht ist man dann doch über die Qualität und Stringenz der künstlerischen Arbeiten, die Michael Glasmeier vorstellt. Gleichzeitig ist er sich aber auch sicher, viele andere künstlerische Werke zum Märchen übersehen zu haben. Einiges, das er zur Kenntnis genommen hat, wurde von ihm aus Qualitätsgründen nicht weiter diskutiert. So sind diese Vorträge natürlich auch Ausdruck seiner Vorlieben und seines methodischen Hangs zu Digression."
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Farben und Formen finden wohlüberlegt zueinander. Die Dinge selbst sind zwar aus ihrem eigentlichen Funktionskontext befreit, bei der Betrachtung gibt es ein jeweiliges Erkennen, das sich dann wieder vom Gegenstand löst und im Zusammenhang mit den Form- und Farbnachbarn auf einer sinnlich-sinnigen Ebene die Lust am Schauen zurückkehren lässt.
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[content_de] => Die Publikation „Sound Art – Zwischen Avantgarde und Popkultur“ dokumentiert die internationale Tagung, die vom 30. September bis 2. Oktober 2005 im Rahmen des Ausstellungsprojektes zur Sound Art im Neuen Museum Weserburg Bremen stattfand. Dieses umfasste, neben der Ausstellung „Vinyl. Records and Covers by Artists”, eine Film- und Konzertreihe zum Thema Klangkunst.
Die Tagung diente der wissenschaftlichen Aufarbeitung des Sujets „Sound Art“, die sich, laut des Vorworts der Herausgeber „im Grenzbereich von Literatur, Kunst, Musik, Radio und Film“ bewegt. Der Band enthält elf Beiträge international renommierter Musik-, Kunst- und Medienwissenschaftler, Radioredakteure und Komponisten zum Thema Klangkunst. Die Autorinnen und Autoren reflektieren in unterschiedlichen Ansätzen die interdisziplinären Aspekte der Sound Art, die in Form der Medien Schallplatte und Tonbandaufzeichnung, Partituren, Radio- und Fernsehsendungen sowie Internetstreams die Öffentlichkeit erreicht. Dabei zeichnen sie die Entwicklung der Klangkunst zur Zeit der Russischen Avantgarde, des Futurismus und Dadaismus am Anfang des 20. Jahrhunderts nach. Sie untersuchen auch den Zusammenhang der Sound Art mit den intermedialen Tendenzen von Fluxus, der Neuen und Elektronischen Musik, Konkreten Poesie, der Klanggestaltung im Film sowie ihren Einfluss auf das in den 1990ern viel diskutierte Crossover von Musik und Kunst. Herausgeber des Buches sind Anne Thurmann-Jajes, Leiterin des Studienzentrums für Künstlerpublikationen im Neuen Museum Weserburg Bremen, die Berliner Radioredakteurin und Kuratorin Sabine Breitsameter sowie Winfried Pauleit, Kunst- und Filmwissenschaftler an der Universität Bremen. Dem Buch „Sound Art“ liegt eine Audio-CD mit 17 ausgewählten Hörbeispielen bei. Z. B. Auszüge aus Vladimir Majakovskijs Gedichtdeklamationen, Kurt Schwitters Vortrag seiner „Ursonate“, aktuelle Klangexperimente aus dem Bereich der Radiokunst sowie Ausschnitte aus Luc Bessons Film „The Fifth Element“ von 1997.
Die Textbeiträge diskutieren die Stellung der Klangkunst im musikwissenschaftlichen Diskurs, der Entschlüsselung von Signalen zwischen Bild und Klang, geben einen Einblick in Kunstwerke, die allein für das Radio konzipiert wurden und zeugen von einem erweiterten Verständnis dieses Mediums und seinen Möglichkeiten. Sound Art wird als „die permanente Erweiterung der Wahrnehmung akustischer Phänomene und Experimente, die sich jeder Zuordnung entziehen“ definiert.
Hörbeispiele auf der CD / Audio Examples on CD
l Vladimir Majakovskij: Hören Sie zu!, 0'59
2 Alexander Blok: Tapferkeit, Siege und Ruhm..., 1'48"
3 Kurt Schwitters: Ursonate, 1922-1932, Einleitung, 0'43"
4 Kurt Schwitters: Ursonate, Teil 3, 2'44"
5 Raoul Hausmann: Soundrel, 1919, 4'23"
6 Raoul Hausmann: Conversation imagee avec les lettristes, 7'05"
7 Antonin Artaud: Pour en finir avec le jugement de dieu/
Schluss mit dem Gottesgericht, 1947, Ausschnitt, 2'20"
8 Herbert Eimert: Epitaph für Aikichi Kuboyama, 1'34"
9 Sten Hanson: Dance Figure (for EP), 1969, 1'57"
10 Sten Hanson: OUHM, 1973, 1'08"
11 Horizontal Radio: Ausschnitt, Mix von Rupert Huber, 2'21"
12 Andrew Garton: The Spectrum Wars, 3'07"
13 Radioqualia: Radio Astronomy, 3'01"
14 Re-Inventing Radio: Streams from the Network, Mix von Rupert Huber, 2'41"
15 Audiomobile Vienna 05: Mix von Matt Smith, 3'34"
16 The Fifth Element: Ausschnitt I, Regie: Luc Besson, 1997, Musik: Eric Serra, Sound Design: Mark A. Mangini, 2'35"
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Man betrachtet die Welt immer aus der Perspektive des Einsamen und immer mit Distanz. Bei der Fotografie ist die Distanz im Bezug auf die Nähe zur Wirklichkeit am größten. Man sieht, dass sie da ist, aber sie ist nur ein Bild. Reinhard Doubrawas Fotografien, die die überscharfe Wahrnehmung des Reisenden verraten, bringen all diese Ebenen auf einer zusammen..."
(Franz van der Grinten)
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[content_de] => Thomas Böing (1963 geboren) studierte Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde 1993 dort Meisterschüler. Im Zentrum seiner künstlerischen Interessen stehen im weitesten Sinne immer Raum und Räumlichkeit. Die Monografie „cut out” widmet sich seinen geschnittenen Fotoarbeiten. Böing entfernt in ihnen Durchblicke durch Tür-oder Fensteröffnungen oder Gegenstände wie Bilder an den Wänden oder Objekte in Museen, und öffnet so die fotografische Fläche in den Raum, der sich aus den anwesenden oder abwesenden Körpern in ihm definiert: „Der seltsam indefinite Raum in den ausgesparten Flächen, einerseits spartanischer, andererseits ganz notwendigerweise tiefer als der der Photographien, führt in das Bild hinter dem Bild, den Raum in der Figur, ein Innen, ein Durchblick, ein Leuchten zugleich. In dem, was es ist, so unmöglich wie wahr." (Gerhard van der Grinten)
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[authors_contributors] => Künstler: Thomas Böing; herausgegeben von Kudlek van der Grinten Galerie, Köln; Textbeiträge von Gerhard van der Grinten, Daniel Kothenschulte, Hans-Jürgen Lechtreck, Kerstin Stremmel und Ulrike Surmann
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[content_de] => Die Publikation „Title Suspended“ erscheint anlässlich der Präsentationen von Anri Sala im Kabinett für aktuelle Kunst in Bremerhaven sowie im MMK || Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main. Als Mischung aus Künstlerbuch und Dokumentation liefert sie den Kontext für das neuste Werk von Anri Sala, bei dem es sich um die erste „skulpturale“ Arbeit des international gefeierten Künstlers handelt. Ausgehend von Michelangelos bekannter Darstellung der „Erschaffung Adams durch Gottvater“ zeigt sie die äußerst poetische Konstruktion und Destruktion eines Momentes bzw. eines Bildes.
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[content_de] => Beim Netzwerk der Mail Art handelt es sich um das erste World Wide Web, lange bevor es das Internet gab. Die Post wurde als weltweites Kommunikationssystem genutzt. Es entwickelte sich aus einem kunstgeschichtlichen Kontext heraus und brachte ein neuartiges Beziehungsgeflecht von Kunst, Kultur und Gesellschaft hervor. Zum einen stellte es eine der sich mit der Grenzüberschreitung der Kunst entwickelnde neue Produktions-, Kommunikations- und Vermittlungsform dar. Zum anderen wurde mit ihm die bisherige Funktionsweise von Kunst kritisch hinterfragt, vor allem deren Warencharakter bzw. deren ideologische Vereinnahmung wie in Osteuropa. Es warf grundlegende Fragen nach dem Stellenwert von Original und Autorenschaft auf, denn an die Stelle der Genialität des einzelnen Künstlers trat das Gemeinschaftswerk. Ob Künstler oder Laie, jeder konnte sich an Projekten beteiligen und selbst neue initiieren. Mit dem Netzwerk der Mail Art entwickelten sich spezifische Ausdrucksformen wie Postkarte, Assemblings, Rubber Stamps, Künstler-Briefmarke und Magazine, die zugleich den Vernetzungsprozess beförderten. Es kann als Erscheinungsform einer sich in den 1960er Jahren entwickelnden Bewegung zur Demokratisierung der Kunst angesehen werden. Aufgrund der speziellen gesellschaftlichen Rahmenbedingungen gewann es für die Länder Osteuropas eine spezifische Bedeutung. Es bot eine der wenigen Möglichkeiten, weltweit und über die Systemgrenzen hinaus, Ideen und Kunst auszutauschen und die Verbindung zum internationalen Kunstgeschehen während der Zeit des Kalten Krieges aufrecht zu erhalten. Initiativen von osteuropäischen Künstlern und Mailartisten stehen im Mittelpunkt. Deren Dokumentation trägt dazu bei, einen differenzierteren Blick auf die Kunst, die bis zur Öffnung der Grenzen im Jahr 1989 entstand, zu entwickeln und fokussiert künstlerische Leistungen, die es vor dem Vergessen zu bewahren gilt.
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Jedes Bild ist auch ein Körper. Die Linien, die Günter Tuzina mit Kreide zuerst tastend, suchend und damit organisch setzt, sind das Skelett. Sie sind das Gitter, das man mit Konzept und Ratio assoziiert. Dann folgt die Materie, die Ankleidung mit Fleisch, die Bedeckung mit Haut. Das ist die Farbe, das Gefühl. Der Maler bringt sie in mehreren Schichten auf, transparent oder opak, aber immer atmend. Und so, dass die Materie, die Farbe, entsprechend dem Wunder der Malerei am Ende in Raum und Geist umgesetzt wird. Es ist eine große Leistung, dass es Tuzina gelungen ist, eine Verbindung zwischen den beiden Polen Ratio und Gefühl herzustellen, ohne sie zu verschmelzen, sondern indem er sie klar nebeneinander stellt.
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Der Ulivogel auf seiner Reise des Lebens. Ziel ist die Öffnung in eine andere Welt, die in diesem Buch auch ganz real wird… In vier Jahren schuf der Maler Ulrich Moskopp ein Kinderbuch für alle Liebhaber von Buchmalerei, also für 0 bis123-Jährige. Mit diesem liebevoll „illuminierten“ Bilderbuch wendet sich der international anerkannte Künstler erstmalig an Kinder und Jugendliche. Aber auch deren Eltern werden den Reiz, der in intensivster Aquarelltechnik ziselierten, lustigen und freundlichen Protagonisten zu schätzen wissen. Zusammen mit dem roten Männchen und dem blauen Mädchen entdeckt der Ulivogel das Ziel der Ziele.
Das Buch ist aufwendig und mit großer Liebe zum Detail realisiert worden. So wurde besonderer Wert auf ein Naturpapier gelegt, das den Seiten einen schönen und angenehm „griffigen“ Charakter verleiht. Die überraschend im Buch und auf dem Buchdeckel erscheinenden Stanzungen katapultieren die Geschichte jeweils in neue Dimensionen. Der an den Anfang gesetzte Text hilft dabei, die Geschichte durch ihre Bilder lesen zu lernen.
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[content_de] => WIE WAR LAS VEGAS ist kein Städteporträt. Volker Renner verschwendet kein Bild für die vertrauten Motive. Er vermeidet es sogar, die Stadt zu zeigen. Das berühmte Circus Circus Hotel ist nur als rötliche Lichtreflexion zu sehen, seine Strahlkraft ist so stark, dass es sich sogar im Asphalt abzeichnet und dort an eine verblasste Blutspur erinnert. Der Künstler heftet seinen Blick auf diese Randerscheinungen, Spuren und Risse in der Fassade der Wüstenstadt, die ihre Künstlichkeit und Konstruiertheit offen legen.
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Inkl. Werkverzeichnis aller Arbeiten der Werkgruppe bis 2007.
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[content_en] => Photographic works represent a hitherto little-known facet of Marcel van Eeden's oeuvre.
With them, the internationally renowned artist builds on his multi-layered exploration of history and its perception and interpretation, which has so far been conceptually realised primarily in the field of drawing.
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On occasion of the the first cooperation between the Museum für Photographie Braunschweig and the Mönchehaus Museum Goslar as part of the 'round' anniversaries of the two museums in 2024, the publication presents an individual contribution to the possibilities of remembrance culture as an artist's book.
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The Arp Museum Bahnhof Rolandseck presents the first survey exhibition dedicated to the work of the Hungarian artist Lajos Barta (1899–1986). The exhibition pays homage to the charismatic personality and artist – as well as to his exciting life, which was profoundly marked by the history of the 20th century. The approx. 40 sculptures and 90 drawings were created predominantly in the 1940s and ‘50s. They provide insight into the Surrealist roots of his work and illustrate his path towards abstraction, while at the same time documenting the repressive years of Stalinism in Hungary. A special focus is laid on the models of his sculptural oeuvre, which were realized as monumental sculptures in public spaces both in Hungary and in Barta’s adopted home on the Rhine. Several of these works were created in the Bahnhof Rolandseck, where Barta lived and worked from 1965 through 1967. The exhibition was realized in cooperation with the Donauschwäbisches Zentralmuseum in Ulm.
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[content_de] => »Parole #2: Phonetic Skin / Phonetische Haut« ist die zweite Ausgabe einer Schriftenreihe, die sich mit der Materialität von Sprache auseinandersetzt. Sie beschäftigt sich mit der Haut und ihrer Beziehung zur Sprache. Der Begriff »Haut« wird dabei als Metapher benutzt. Sie steht für die Oberfläche, die beschützende Hülle, nicht nur des menschlichen Körpers, sondern auch anderer Körper, wie die Wände eines Hauses, die Verpackung eines Produktes, die Oberfläche der Erde etc. Sie bezeichnet die Grenze zwischen Innen und Außen und ist gleichzeitig ein sensibles Kommunikationsinstrument, das Informationen von außen nach innen leitet und innere Zustände äußerlich erkennbar machen kann. »Phonetic Skin« ist ein poetischer Begriff, der als Ausgangspunkt diente, sich mit dieser Verbindung zwischen Kommunikation/Sprache und Haut auseinanderzusetzen. 18 internationale Wissenschaftler und Künstler stellen in der zweiten Ausgabe von »Parole« Projekte vor, die verschiedene Facetten dieses Themas beleuchten. Dabei wird es bspw. um die Stimme als vibrierendes Phänomen zwischen Innen und Außen gehen, um sprechende Trommeln, um Schrift auf Architektur, Kleidung oder Haut.
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Die beiden Vorträge, die Michael Glasmeier auf Einladung der Universität der Künste Berlin (2002) und der Justus-Liebig-Universität Gießen (2004) im Rahmen der von der Märchen-Stiftung Walter Kahn geförderten Ringvorlesungen erarbeitet hatte, stellen den Aspekt der zeitgenössischen Kunst in den Mittelpunkt. Sie sind der Versuch, märchenhafte Elemente", bzw. Märchenmotive in der heutigen Kunstproduktion auszuspüren und vorzustellen. Ausgangspunkt war dabei die Frage nach einer visuellen Transformation der Texte jenseits von Illustrationen, die es natürlich in Fülle gibt und mit denen sich die Märchenforschung natürlich auch beschäftigt.
Überrascht ist man dann doch über die Qualität und Stringenz der künstlerischen Arbeiten, die Michael Glasmeier vorstellt. Gleichzeitig ist er sich aber auch sicher, viele andere künstlerische Werke zum Märchen übersehen zu haben. Einiges, das er zur Kenntnis genommen hat, wurde von ihm aus Qualitätsgründen nicht weiter diskutiert. So sind diese Vorträge natürlich auch Ausdruck seiner Vorlieben und seines methodischen Hangs zu Digression."
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In her own project „Jardins d’amis“, Caroline Bittermann once again picks up on the concepts laid out in “Die Dritte Kammer” and presents her portrait series comprised of more than 100 gouaches, as well as a film on her garden artwork in South Africa. Peter Duka’s series of paintings not based on any particular source materials carries on the tradition of rendering images of ruins within a romantic context – a strategy that already played a role in the works created together with Caroline Bittermann. Throughout the entire exhibition, secrets can be unraveled on various levels – nevertheless, some things remain “secret” and thus leave space for the viewer’s own imagination.
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[content_de] => Seit Jahrzehnten beschäftigt mich, wie Farbe wirkungsvoll als Stofflichkeit anschaulich werden kann, inclusive farbloser Farben. In Freiberg wurden im 18. Jahrhundert erstmals Zusammenhänge reflektiert: über Farbe, ihre Herkunft aus Mineralien und eine präzise sprachliche Benennung.Abraham Gottlob Werner, der bedeutendste Mineraloge seiner Zeit, schuf mit seinem Farbtafelsystem erstmals einen Standard von Farbbegriffen. Anschaulich waren seine 79 – nach Farbgruppen gegliederten – Farbmuster.
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Das Buch zeigt, welche Poesie in einer strengen Bildlichkeit liegen kann. Von der Anmutung sieht das Buch aus wie der Reprint einer alten Ausgabe, die es in deutscher Sprache aber nie gab.
Die englische Originalausgabe wurde als Faksimile im Frühjahr 2018 vom Natural History Museum London herausgegeben.
Das hier verwendete Exemplar ist eines aus der 2. Auflage von 1821.
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"Quick and wild thinking demands a corresponding working method. Czarnetta pulls together everything he finds and brings it quickly and instinctively in form. In this respect, the artist’s studio is an ideal treasure trove. Resin, humour, glue, toys, rummage from the flea market, concrete, philosophy, wood, nails, shards, photos, antique pewter figures, associations, stranded goods or cans are the materials, from which the "Seitensprünge" (affairs) are made. Nothing has but one identity; everything can be something else."
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Jedes Bild ist auch ein Körper. Die Linien, die Günter Tuzina mit Kreide zuerst tastend, suchend und damit organisch setzt, sind das Skelett. Sie sind das Gitter, das man mit Konzept und Ratio assoziiert. Dann folgt die Materie, die Ankleidung mit Fleisch, die Bedeckung mit Haut. Das ist die Farbe, das Gefühl. Der Maler bringt sie in mehreren Schichten auf, transparent oder opak, aber immer atmend. Und so, dass die Materie, die Farbe, entsprechend dem Wunder der Malerei am Ende in Raum und Geist umgesetzt wird. Es ist eine große Leistung, dass es Tuzina gelungen ist, eine Verbindung zwischen den beiden Polen Ratio und Gefühl herzustellen, ohne sie zu verschmelzen, sondern indem er sie klar nebeneinander stellt.
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[title] => Nachdenken über ein totes Pferd.
[content_de] => Vom 7.Juli bis 29.September 2007 zeigte das Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven die Ausstellung Norbert Schwontkowsk: Nachdenken über ein totes Pferd". Die noch zu Lebzeiten des Künstlers geplante Publikation versammelt Abbildungen der damals ausgestellten 10 Bilder der Ausstellung: 1 um 90° gegen den Uhrzeigersinn gedrehtes Ölbild, das die markante Fensterfront des Kabinetts zeigt (die für Blinky Palermo 1969 übrigens Vorbild seiner Wandmalerei im Kabinett war) sowie 9 Ölportraits, Blinky Palermo darstellend."
Die Ausstellung war eine Verneigung vor dem Werk und der Person Blinky Palermos - durch den plötzlichen Tod Norbert Schwontkowskis ist diese Publikation eine Verneigung vor Werk und Person zweier viel zu früh verstorbener Künstler geworden: Blinky Palermo ( 2.Juni 1943 – 17.Februar 1977) und Norbert Schwontkowski (29.April 1949 – 14.Juni 2013)."
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The present edition is a German translation and expansion of the English original, written by Craig Dworkin, Simon Morris und Nick Thurston, which was printed and distributed by the independent publishers ‘information as material’ in 2012. With the addition of examples from German literary history, Annette Gilbert positions this project as a micro-political phenomenon and expands upon its critical concept. She thus continues the work of Carlos Soto, who already added examples from Chilean history to his Spanish translation of the essay. French and Italian editions are in preparation, so that the book will continue to grow exponentially as a collective writing process from edition to edition.
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The photograph is always first.
Like a tidal wave, the brushstroke alters the landscape and the canals, which fill up with water at high tide.
With the skyscrapers of New York, which she photographs from below with central perspective, the contemporary brushstroke lies over the black-and-white photograph from the past.
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Black-and-white is part of the photographic moment, colour of that of the gesture of the paintbrush - layer for layer.
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It is usually the first glance that counts with Doubrawa and later becomes the shot that becomes a printed photograph. He titles these with simple, descriptive terms, a process of classification and memory, which takes place spontaneously and intuitively. Arranged in alphabetical order, proximities and dialogues emerge, which evades any preconceived arrangement based on personal preferences or chronology.
The depot as a virtual storage facility, but also as a fund, which serves Reinhard Doubrawa time and again as an source of inspiration for his installations and objects.
(Maria Anna Tappeiner)
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[content_de] => Dieses Künstlerbuch ist M.A., I.W. und Aaron Siskind gewidmet und erscheint
anlässlich der Ausstellung „The Production Line of Happiness”
im Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven.
Bildnachweis / List of works
One of 406 Ceiling Panels
(23 3/4 x 23 3/4 inches each)
Covered on the back with striped paper
(green and white)
Each Stripe is 8,7 cm
From “Frost and Defrost: A Work In Situ by Daniel Buren“
Otis Art Institute Gallery, 2401 Wilshire Blvd.,
Los Angeles, California,
January 28 - March 4, 1979
Hal Glicksman, Gallery Director;
Christopher D‘Arcangelo,
Assistant to Daniel Buren
Photography by the Douglas M. Parker
Studio, Glendale, California, May 4, 2006
Chormogenic Print
60 x 59,7 cm (paper)
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Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln
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[content_de] => The publication is in part an archival document to a Situationist Intervention that took place sometime during the summer months of 1997 – an intervention with specific interior / exterior locations within the centre of London. This artistic/political gesture was carried out during a long-running political debate over the obtrusive and ever growing number of CCTV surveillance cameras being installed within public spaces within the capital, which were disputed as an infringement upon rights to privacy of the individual citizen.
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With the help of the finest reinforcements and the least amount of supports, he creates extremely thin architectural structures – similar to instable houses of cards – which one is tempted to save from collapsing. Joachim Manz’s "Bauspiele" are buildings without purposes, which are raised to the status of autonomous sculptures and demonstrate their special qualities especially in the interplay between the historic train station in Rolandseck and the modern extension created by Richard Meier.
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A Google search using the key words "Bohnenberger" und "Pommes" leads to c. 13,700 results. These are especially press reports on the process before the Bavarian District Court in Munich. The question left open by the, as to whether a cross comprised of two dried-out French fries is or is not art, is generally not discussed here directly.
Bohnenberger goes one step further. It is no longer the more or less symbolically loaded readymade – the drawings and original crosses made of French fries – which alone comprise the work of art here, but also and especially the discourse surrounding the old questions – what is art and what claims and responsibilities does the artist have – are transformed into art as a result of the legal process. The frameworks, i.e. the spatial and thematic context, in which objects are displayed, are once again central: What was once a mere reproduction of the records of a legal case is now itself art – as an installation hanging on the wall, as well as in the form of an edition with the title “Pommeskreuz”, consisting of a copy of the records of the case and real French fries in a tin box.
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[content_de] => The metaphysical journeys we undertake during our lifespan are often murky and unfathomable regions, those locations within our subconscious, in which we dig around in a quest to discover obscurities such as truths, and what to do with such findings which are multi faceted and seem impenetrable. This publication is one such journey...
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[content_de] => Die von Gerhard Theewen herausgegebene Edition "Ex Libris" kann man als eines der wichtigsten Editionsprojekte der letzten Jahre bezeichnen. Der für die Edition eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit bedeutendes Buch aus, für das er einen neuen Umschlag entwirft und unter seinem Namen als Reprint präsentiert.
Dieses "Buch aus der Bibliothek des Künstlers" wird durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch und wird in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen unter seinem Namen eingeordnet werden. Längst vergriffene Bücher werden so zu Quellenwerken und tragen zum Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler bei. So erhält der Begriff "Künstlerbuch" eine gänzlich neue Dimension.
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[content_de] => Mit diesem Reprint aus der Bibliothek des amerikanischen Künstlers Mark Dion startet die Edition "Ex Libris". Den Interessen und Forschungen des Künstlers entsprechend wurde das 1704 verfasste und (Paul Jacob Marperger zugeschrieben) anonym erschienene Buch über Kunst- und 30kammern neu aufgelegt und steht damit sowohl dem Kunsthistoriker als auch dem Künstlerbüchersammler als unveränderter Reprint zur Verfügung. Das vorliegende Buch enthält neben zahlreichen Kupferstichen und dem Plan des »idealen 30hauses« auch ein umfangreiches Verzeichnis europäischer Kunst- und Wunderkammern mit Beschreibung der jeweiligen Besonderheiten. In dieser von Gerhard Theewen herausgegebenen neuen Edition bekommt der Begriff "Künstlerbuch" eine neue Dimension. Der für die Edition Ex Libris eingeladene Künstler wählt ein für seine Arbeit, sein Kunstverständnis, bedeutendes Buch aus, das er unter seinem Namen als Reprint präsentiert. So wird das "Buch aus der Bibliothek des jeweiligen Künstlers" durch das von ihm gestaltete Ex Libris zu "seinem" Buch, das in der Bibliothek der Sammler und Bibliophilen dann unter seinem Namen eingeordnet werden wird. Auf diese Art werden Quellenwerke für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler in einem neuen Licht gesehen und dem Vergessen entrissen...
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The first section of this publication documents 21 photo-installations from the years 2003 through 2010. The most recent work, “KdeE”, a photo-installation on the reconstruction of Kurt Schwitters’ “Merzbau” in the Sprengel Museum in Hanover, is illustrated in the second section on a total of 28 pages on a 1:1 scale.
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Für dieses blaue Künstlerbuch greift Pierre Granoux auf sein eigenes Fotoarchiv und eigene Dokumentationen einer langjährigen Spurensuche zurück. Konzept ist aber auch die Beauftragung anderer mit der Erstellung von Fotos und Texten zu von Granoux vorgegebenen Aspekten. Das Ergebnis ist weit mehr als eine Dokumentation – es ist selbst ein "Bazar Moderne", ein "automobil" im buchstäblichen Sinne des Wortes. Fahren muss man es allerdings selbst.
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"As a warehouse catalogue, the registry of titles in his “Readyweb Archives” comprises an index for empty bottle racks – but also a checklist for the art of misappropriation. Since Duchamp introduced a bottle rack into the canon of art in the form of a ready-made, every variation of the exhibition of a ready-made says: This is not a bottle rack. Since Granoux introduced ready-mades into the canon of art in the form of scanned bottle racks, every variation of the artistic processing of a bottle rack says: This is not a ready-made.
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1971 in Köln geboren. Studierte ein Semester an der Kunstakademie Düsseldorf und absolvierte ab 1991 eine Ausbildung zum Tätowierer. Neben Performances, diversen Einzelausstellungen und verschiedenen Ausstellungsbeteiligungen erschienen ab 1996 zahlreiche Veröffentlichungen über Grundmann in internationaler Fachliteratur zum Thema Tattoo. Seit 1991 bei Dieter Zalisz “Elektrische Tätowierungen“ in Köln als Tätowierer tätig.
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Farbkonzepte von Bruno Taut und "De Stijl", das Verständnis der Konstruktivisten von Architektur als einem Vermittler zwischen Kunst und täglichem Leben, die ins Raster gesetzten Pfeiler Le Corbusiers, das zeichenhafte Verständnis von Architektur von Venturi / Scott Brown ("Learning from Las Vegas") sind einige der sich in Christian Helwings Arbeit zu einem gesamten Raumkonzept überlagernden und verdichtenden Ideen. Diese werden die Bewegungsmuster der Besucher innerhalb des Raums radikal verändern. Und auch der Name der Londoner Sandwich Kette findet in dem Ausstellungstitel und in Anlehnung an deren minimalistische Corporate Identity, in Essen (!) ihren richtigen Ort.
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[content_de] => Mit seinem „Curriculum vitae“ (1995) hat Blalla W. Hallmann (1941 – 1997) gegen Ende seines Lebens eine schonungslose Beschreibung in Wort und Bild geliefert. Es ist die Innenschau eines Künstlerlebens im Grenzbereich von Kunst und Krankheit, Erfolglosigkeit und später Anerkennung, Provokation und Poesie. Vergleichbar, wenn auch ohne Texte, ist lediglich die bildnerische Autobiographie von Frans Masereel.
Blalla W. Hallmann war kein „Outsider“, kein „Art brut Künstler“, sondern ein sicherlich außergewöhnlicher, aber professioneller Künstler, der eine schizophrene Psychose durchlitten und überwunden hat. Nach Überwindung der Erkrankung hatte er mit seinen Bildern großen Erfolg auf dem Kunstmarkt, u.a. zeigte ihn die Galerie Zwirner in Köln 1989 und 1991.
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[content_de] => The present book is the fifth publication in the series “hier und dort” (here and there), initiated in 2010. The publications accompany a series of exhibitions dedicated in loose order to individual aspects of the work of Erwin Wortelkamp. The books are published in conjunction with the respective double exhibitions between the foundation “im Tal – Stiftung Wortelkamp” and an external second venue.
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[content_de] => „Durch die Rückverwandlung seiner Malereien ins Dreidimensionale konkretisiert Zumbé die Transformation und formt tatsächlich Räumliches: eine Abstraktionswelt in Keramik. Deren Materialität wird zum neuen Hauptcharakter von Zumbés Werken. Der Begriff „Muster“ kann als etwas Unbewusstes, Psycho- analytisches betrachtet werden. In Zumbés Arbeit werden Muster aber auch tatsächlich aus den Vorlagen aus Katalogen, von Inneneinrichtungen und Tapeten aus verschiedenen Jahrzehnten entnommen — häusliche Dokumente von Lebenseinstellungen, Betrachtungsweisen und Perspektiven. Zumbé ordnet sie neu und belegt sie mit neuen Formen und Eigenschaften. Er ver- sucht, das Abstrakte erkennbar zu machen und das Reale zu abstrahieren — und spricht damit ein zutiefst menschliches Bedürfnis an: Die Übertragung von sich selbst auf seinen Wohnraum, der Versuch sich selber räumlich zu verkörpern, mit seiner Umwelt zu identifizieren, sie zu ästhetisieren und zu kuratieren.“
Auszug aus dem Katalogtext „Irritation und Transformation“ von Dora Cohnen
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The “Ulivogel” on its journey of life. The goal is the entrance into another world, which, in this book, becomes more than real… Over the course of four years, the painter Ulrich Moskopp created a children’s book for all lovers of illustrated books, i.e. for readers from 0 to 123 years of age. With this lovingly “illuminated” picture book, the internationally acclaimed artist addresses for the first time an audience of children and youths, whereby their parents will also enjoy the charm of the humorous and friendly protagonists painted in an intensive watercolour technique. Together with the red "boy" and the blue "girl", the Ulivogel discovers the goal of goals…
The elaborate book has been created with great attention to detail. Special attention has thus been given to the choice of natural paper, which lends the pages an attractive and pleasantly “haptic” character. The surprising perforations in the book and its cover catapult the story into ever new dimensions. The introductory text helps readers to understand the story by interpreting images the pictures.
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[content_de] => In der Mitte des komplett weißen Raumes platziert Gerda Schlembach einen riesigen Tumulus aus glitzernden Glaspartikeln. Der vordere Raumpfeiler wird dabei einbezogen und zum Teil umschüttet. An der Rückwand des Raumes sieht man ein faszinierendes Video, in dem Schichtungen, Bewegungen und regelrechtes Fließen des glänzenden Materials im Rahmen einer besonderen Choreographie veranschaulicht werden.
Glas fasziniert die Künstlerin vor allem durch seine kristalline, transparente, Licht reflektierende und zugleich brüchig-fragile Materialität. Immer geht es ihr dabei um Ambivalenzen des Materials, um Übergänge, mögliche und tatsächliche Veränderungsprozesse, die eingeleitet und veranschaulicht werden. Ein wichtiger Aspekt dabei ist dabei die Zerstörung des splitternden Stoffes durch Fragmentierung und seine Neustrukturierung. Alles das gerät innerhalb dieser minimalistischen Installation im wörtlich zu nehmenden White Cube (weiße Decke, Wände, Boden) zu einem ästhetischen Ereignis besonderer Art. Tagsüber wird der glitzernde Glasberg durch den natürlichen Lichteinfall von außen stimuliert. Abends und nachts kann durch das Schaufenster des Raumes bis 23 Uhr das Video erlebt werden, während der schimmernde Glastumulus durch einen Spot hervorgehoben wird.
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[content_de] => Noam Chomsky, 1928 in Philadelphia (Pennsylvania, USA) geboren, lehrt seit 1961 als Professor für Linguistik am Massachusetts Institute of Technology (MIT). Durch seine linguistischen und sprachphilosophischen Arbeiten von paradigmatischer Bedeutung und aufgrund seines politischen Engagements zählt Noam Chomsky zu den herausragenden Intellektuellen der Gegenwart, dessen Schriften ebenso wie seine öffentlichen Interventionen eine weltweite Aufmerk-samkeit und Rezeption erfahren haben.
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[content_de] => This book has been published in conjunction with the series of exhibitions initiated by Erwin Wortelkamp in 1009 and title “hier und dort” (here and there). As with the three previous editions, the “here” refers to the two exhibition halls of the “im Tal – Wortelkamp Foundation” in Hasselbach and Weyerbusch. The “there” stands this time for “Haus Beda” and “Hamm Castle” in Bitburg.
The book is not to be understood as a classical exhibition catalogue, although it does in fact include several installation views from each venue. The fact that it does not represent a complete documentation of the works displayed in the Westerwald and Eifel regions means that greater attention can be paid to one of the central motifs in the work of Erwin Wortelkamp, namely standing and walking.
For perhaps the first time ever, the intrinsic links between the work phases of the early 1960s hitherto perceived as separate and distinct from one another can now be clearly discerned. Even for those who have followed the artist’s works for many years will be surprised by the coherency of the combination of the classical sculptures and highly politicized actions presented here, as is evidenced by the radical juxtaposition of a single wooden sculpture with a “Meditational Cabin” in the “House for Art”.
Wortelkamp’s work of the past decades proves to be no less politically informed than his activities of the early 1970s. The early drawings, sculptures and actions take on new meaning in the contemporary context and lead to a reinterpretation of his most recent works. Wortelkamp thus takes his place among other “rediscoveries” of artistic positions from the 1970s, whose relevance for contemporary artists has only been recognized in the past few years. (Jörg van den Berg)
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In the 1980s, Bernhard Johannes Blume produced a number of “board pictures”, created in the style of petty bourgeois living room culture, from used inexpensive furniture, the pseudo veneer of which he complemented with philosophical terminology. This juxtaposition of text and pictorial surface structure reveals Blume’s ironically poetic and humorous way of dealing with the metaphysical-religious heritage of Western culture. The artist team of Johannes Bernhard Blume and his wife Anna is known more than anything else for its series of generally multi-panelled, large-scale photographs.
“He cut these boards from old pieces of furniture, which played a central role in our staged photographs from the late 1970s through the mid 1980s. Bernhard Johannes Blume recycled the odds and ends of these pieces of furniture made of particle board and created handy pictorial objects by using the ‘genuine wood’ imitations of oak, beech and birch for the ‘sporadic updating of his painting’…” (Anna Blume in: “Wunderkammermusik”, 2011)
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“Müde Bücher” (Tired Books) contains photographs of individual volumes used in the installation “I SOLITI TITOLI”, comprised of books from the estate of an architect, a cross-section of a library from the educated middle-class of the 1950s through the 1980s. The books has been published in conjunction with the exhibition “animlibri” (March/April 2012) in the Kunstverein Tiergarten in Berlin.
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“Very few artists are capable of visually and intellectually stimulating the viewer in such a manner.” (Isa Bickmann, www.Faust-Kultur.de)
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When Franz Burkhardt draws, his source images lead to more or less erotic, domestic – and thus trivial – scenes, which are as simultaneously boring and exciting as the daily acts of dressing, washing up and undressing. Throughout all of his works on paper one thus finds a tongue-in-cheek treatment of intimacy and privacy, of norms, desires and fears, which hang on the accoutrements of our individually furnished representational spaces. At the same time, he also makes reference to his own home in Meuschemen, the small Belgian town where he lives and works. The use of old visual material undoubtedly leads to a dash of nostalgia. With his wistfully evocative view of such objects and images, he brings them into the present while simultaneously robbing them of their original context.” (Annett Reckert, „Formerinnerungsvermögen“, 2011)
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More being than existence
Franko Bollo’s first spaghetti-space
A design for rumpled peepshow boxes
A model for the expansion of the Atomium
The SELF = NON-SELF:1
It doesn’t matter to the 1 if we tremble or not
It doesn’t matter to the 1 if we fall for sad paradoxes or not
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Porous self
(Josef Schlecht interviews Stefan Bohnenberger, pages 27 & 28 in the booklet)
The poetisation of the world
S.B.’s art lies somewhere between Karl Valentin’s humour and Columbo’s detective logic.
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[content_de] => Stains, puddles and streaks of paint. Dripped, shaken, pulled, raked, flowing, coagulating, floating and sinking. René J. Goffin characterises his own strongly coloured and literally multilayered non-objective pictures as “dense painting”. His work confronts us with a complex interplay flowing, overlapping, flatly arranged or suggestively condensed coloured spaces. Nevertheless, his paintings are not out of hand, but are rather present a closed system, which leads us into his own special world.
The monographic publication focuses not only on the artist’s paintings, but also discusses the various aspects of Goffin’s creative work, including photography, film, furniture and prints.
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[content_de] => Erwin Wortelkamp’s oranges do not digress; they stick to what the title proclaims, are reminiscent of Marées’ oranges as well as of the grand concept behind his painting; they pierce this reminiscence and leave it behind them. They lie on the floor at our feet, without plinths. Literally “embodied” elements of paintings; systematically arranged in such a way that they all seem to be the same, and yet remain individual, equally strong characters. But this “specialness” is actually not what it is all about. It was not first and foremost about creating individualized oranges, even though they are indeed all different, truly individuals, hand-made, in a way that is only done today in the context of art. The goal was, in my opinion, more than anything else to make them with relative ease, i.e. spontaneously, directly, uninhibitedly, elementarily, as the result of a simple act of forming. This means: switching off, letting go and letting happen, with a minimum of forming and shaping according to preconceived notions. This does not make sense in the context of Erwin Wortelkamp’s early work, neither does it correspond to the strict Latinity of his mid-career oeuvre; but the equanimity, with which he almost ignores Marées’ sophisticated compositional system, has something quietly rebellious about it, something stubborn. He says, this kind of thing belongs to the past. And he says it very politely and briefly. The surfaces of Erwin Wortelkamp’s sculptural oranges have little to do with the surfaces of Hans von Marées’ painted oranges. Wortelkamp does not imitate – he does not even imitate Marées’ models, namely the oranges themselves. Instead, he transmits the haptic nature of their sculptural form, in the same way that Marées painted this. And his ultimate goal is thus to lead the viewer back to a simple act of touching. (Karlheinz Nowald)
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His pictures always function with a latent complementarity, a simultaneity of the present and the absent.
By refusing a linguistic or otherwise recognizable categorization, they give birth to a non-conclusive process and thus address the act seeing itself as an independent activity.
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[content_de] => At first glance, Achim Bertenburg’s paintings appear to consist of monochrome surfaces with fogged-over or smudged structures. On closer inspection, however, one seems to find suggestions of forms with the painterly texture – shadows or contours of objects or even landscapes that disappear into the diffuse colour mist. Nevertheless, this impression never becomes certainty, since the brushwork and the ambiguous, overlapping colour shapes, which seem to merge into each other, ultimately prove to be the actual motif and motivation of these paintings.
In addition to these schematically suggested “apparitions”, one also sees lines and ciphers that represent nothing except themselves and seem to have emerged out of the spontaneous, free movement of the paintbrush. One would be tempted to speak of gestures or notations with a certain “expression”, were it not for the fact that Bertenburg is highly sceptical of the traditional categories of “immediacy”, “spontaneity” and even “expressiveness” as the basis of contemporary painting.
And yet, in various paintings, we discover strokes, arches, streaks or broad bands of colour, which serve no imaginary pictorial space, no implied reference to an object, but rather refer only to themselves. At times, however, even these purely “abstract” elements are subjected to blurriness and the clarity of their progression along a differently coloured, contrasting surface appears to gradually dissolve as though it were being swallowed by fog.
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[content_de] => Thomas Böing (b. 1963) studied sculpture at the Academy of Art in Düsseldorf, becoming a Master Student in 1993. At the centre of his artistic interest has always been space and spatiality in the broadest sense of the terms. The monograph “cut out” is dedicated to his cut-out photographic works. Böing removes door and windows or other objects, such as pictures on the walls or works on exhibit in museums, and thus opens up the photographic surface, transforming this into real space, which is defined by the present or absent bodies within this: “The strangely indefinite space in the cut-out surfaces – on the one hand more spartan, on the other hand automatically with more depth than in the photographs themselves – leads into the space behind the picture, the space within the figure: an internal view, a view through and an illumination at one and the same time. Within that, which it is, as impossible as it is truthful.” (Gerhard van der Grinten)
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“hier und dort” addresses three of these special spatial situations: One is the Arp Museum Bahnhof Rolandseck and the other two the Erwin and Ulla Wortelkamp Foundation with its “Haus für die Kunst” (House for Art) and its new “Depositum” (Depot), a “Schaulager” for the works owned by the foundation, which was inaugurated in the occasion of the exhibition.
The selection of works reveals fundamental questions revolving around Erwin Wortelkamp’s highly diverse sculptural oeuvre and addresses central themes, such as fragility, stability, balance, tranquility and vitality. An equally exciting topic revolves around the question of the relationship between the sculpture and the space in which it is installed, between the sculpture and the architecture, the sculpture and the viewer.
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Mahler works in various artistic media, including painting, drawing, prints, performance and actions. His dedication to the medium of drawing is not due to any contemporary trends, but is rather the result of years-long practice.
The exhibition in Bonn provides a glance behind the scenes and offers a regard oblique onto 25 years of artistic work. The drawings on view were by no means all intended to be exhibited, since they were in many cases produced before, after, parallel and even in opposition to other artistic activities, although in some cases they were also created as the “primary work”, to which he directed his complete artistic attention. The exhibition ventures an experiment and presents both the “private” and the “public” and raises the question of whether this distinction is or can be meaningful, since drawings are considered the most immediate, intimate expression of an artistic personality and they are also associated with an increased guarantee of authenticity. (Anne-Marie Bonnet)
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Ulrich Moskopp’s painting installation is comprised of 14 pictures (each painted with a mixture of resin and oil paint, which was applied to the wooden picture carrier and subjected to gravity, and set in black frames and subtitled with the Roman numerals I – XIV) and one light, glistening- iridescent picture in a white frame titled ZWEI FARBEN SÜDEN (Two Colours South). As a result of the specific flow properties of the resin, the colour mass dries in such a way that associations to nature are evoked, which are reminiscent of landscapes, caves, veins, mist rising in the mountains or electrical discharges. The viewer’s gaze passes over the shiny surface of the paintings, through the layers of colour and into a pictorial depth, out of which the mystery of light radiates.
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Whereas we generally associate photography with the notion that one can push the shutter button and thus exposes the film faster than a normal person can even think, Bonfert confronts this velocity with cognition and the will to concentrate. His “Photosynthesis” is the result of a precise evaluation – as well as of a concept, which leads to an image that can only exist as just such an image.
Supported by the Stiftung Kunstfonds with funds from VG Bild-Kunst, Bonn.
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[content_de] => This catalogue of works by Jörn Stoya provides insight into the development of the artist’s work over the past few years. With carefully arranged and spaciously laid out image sequences, the catalogue not only sheds light on the most important aspects in the work of this fascinating artist, but also provides information on the essential and distinctive elements of his pictorial language. His drawings, photographs and film stills, pieced together according to the principle of the collage, are extraordinarily open and, in some cases, consciously contradictory.
In addition to some of the fundamental aspects which contemporary painting continues to address time and again, including the question of the stability of an approach, its anchoring in the „now“ of (pop) culture and the integration of time-honoured knowledge, a kind of “alchemy of action” is also formulated here.
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Including a catalogue raisonné all works from the series through 2007.
See also the corresponding artist book also published by Salon Verlag: Alexander Braun – “Life in the Woods”.
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[content_de] => The installation documented here is based on video recordings of the Volto Santo (Holy Face), a thin shroud made of so-called sea silk (with mother of pearl filaments). When held against the light, the fabric is semitransparent and, at certain angles, reveals the image of a man’s face, which, according to tradition, depicts the true facial features of Christ. The shroud has been kept since centuries in the small Italian city of Manoppello.
In its coupling of face, space and sound, the installation, like a piece of woven fabric, leads to a transposition of the inexhaustible ways of perceiving and interpreting the shroud. It is a contemplation of the unique image in a clever combination of documentation, light and sound. Together with an essay by Ulrich Moskopp, a kind of parallel world to the metaphysical aura of the installation takes form. All illustrations are from the realization of the installation in the crypt of the Church of St. Gereon in Cologne in 2007
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[content_de] => In 2000, Alexander Braun (b. in Dortmund in 1966) held a scholarship in Lemgo. Prior to this, he participated in an artist-in-residency program in Marfa, Texas. It was here that he became interested in Mexican culture, which finds expression in his group of works under the title “Retablos”.
A “retablo” is a Mexican votive picture. The (Catholic) believer uses this to show his or her gratitude to a particular saint for his or her help in bestowing personal fortune or overcoming an individual stroke of fate. In Mexico, retablos are painted by so-called neighborhood painters, artistic service providers, who paint the requested scene with oil paint onto a metal sheet, including the corresponding dedication text. The believer the carries the retablo into a church and nails it onto the wall.
In Mexico City, Alexander Braun commissioned Latin America’s most famous retablo-painter family, Afredo Vilchis Roque and his son Hugo Alfredo Vilchis Fernandez, to create special retablos for him. The artist determined the subjects and provided the dedication texts; the Vilchis were asked, however, to interpret the subject matter and the diction of the texts according to their own understanding. In this series, felt man and his wife, a skeleton, appear as the main protagonists. Figures, which appear time and again in his works, are now presented in everyday situations in scenes from their own private lives. In addition, the artist himself also often makes an appearance as a hidden voyeur.
With these 18 playful and at the same time touchingly earnest votive images, Alexander Braun transforms the classical retablo into a new and irritating context.
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[content_de] => Reinhard Doubrawa has been working since 1997 on his “News” Series, created after photos from the weekly news magazine Der Spiegel. It appears at first glance to be a contradiction to copy with pen and ink already existing transitory media images, which generally serve to support textual contents or to draw attention to a particular text. Reinhard Doubrawa divests them of their nature as transitory mass-produced items and translates them into an artistic form. The motifs provide a cross-section of society and recent contemporary history; politicians and celebrities appear, as well as anonymous laboratory attendants and consumers. The motifs range from the spectacular to the banal. Doubrawa succeeds in capturing the essential and thus makes us conscious of our own medial role as contemporary witnesses.
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[content_en] => Actor Channing Tatum was portraited by Jack Pierson for the signed and numbered Ex Libris print. „I chose this old fan magazine as my book project because I like everything about it--the design, the printing and the photography. I love the subject matter--the stars we remember and the ones we do not. Men, who obviously held a place for a while in the evanescence of Hollywood and youth. I seek to preserve, come what may, the ephemeral.“ (Jack Pierson)
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[content_de] => “A catalogue is always a statement, a small turning point in life. This document is evidence of my striving to integrate events that have taken place in my life, as well as in the lives of others, into my artistic work. In this way, the depiction of such a ‘life’ (biological/sociological) can at least be approximated – this is what my work is concerned with.” (Andrian Schoormans)
In addition to this catalogue, an overview of Schoormans' work can also be found on his website: www.adrianschoormans.de.
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In this, his second artist book, Volker Renner continues to expand upon his photographic collection of ‘reality’. The artist studied with Peter Piller at the Hamburg University of Fine Arts (HFBK) and completed his studies as a master student at the Academy of Visual Arts (HGB) in Leipzig. He arranges the photos in pairs, groups or series. The categories, according to which his photographs are grouped, can only be truly grasped after more precise observation, since the connections between the individual images are extremely subtle. They refer to things far beyond the borders of the images themselves and make reference to the great photographic icons of Las Vegas, such as those shot by Robert Venturi and Denise Scott Brown or Ed Rusha. Despite Renner’s strictly documentary working method and the absurdity of his motifs, his photographs radiate a fragile poesy and pastel-coloured melancholy and condense to form a haunting overall image of the city. (Stephanie Bunk)
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[content_de] => The publication “Title Suspended” was published on the occasion of the presentations of works by Anri Sala in the Kabinett für aktuelle Kunst in Bremerhaven and the MMK Museum for Modern Art in Frankfurt am Main. As a mixture of artist book and documentation, it provides a context for Sala’s most recent work – the first “sculptural” work by the internationally acclaimed artist. Taking Michelangelo’s famous image of the “Creation of Adam by God, the Father” as its starting point, it reveals the extremely poetic construction and destruction of a moment – and of an image.
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[content_de] => Der Katalog „lipstick traces-re.cover / to be shaken before taken” ist entstanden zur Austellung von Sery C. und Martina Jess im Festspielhaus Hellerau – Europäisches Zentrum der Künste Dresden, bei der raumgreifende und Architektur bezogene Arbeiten der beiden Künstler gezeigt wurden.
Sery C. zeigte sechs Hauptpositionen aus den letzten 20 Jahren seiner künstlerischen Arbeit. Seine Werke umreißen Bildfindungsprozesse auf der Grundlage von Architektur und deren Systeme. Martina Jess entwickelte aus ihren Malereien („written paintings“ und „systematics“) und grafischen Installationen („modul als modus“) eigens für diese Ausstellung die Filme „moving paintings I und II“, die auf zwei einander gegenübergestellten Monitoren gezeigt wurden. In der Filmprojektion to be shaken before taken”, schweben die weißen Figuren im schwarzen Raum über eine Projektionsfläche in die nächste, tauchen in der zweiten Projektionsfläche ab um in der dritten wieder aufzutauchen.
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[title] => Edition Séparée und Vorzugsausgaben 1996--2006
[content_de] => Zwischen 1996 und 2006 erschienen die 49 (von 50 geplanten) Künstlerbücher der édition séparée. Dieses Buch dokumentiert auf jeweils einer Doppelseite alle erschienenen Ausgaben der Reihe mit beispielhaften Seiten aus dem Inhalt sowie Beispielen für die von den eingeladenen Künstlern zur Verfügung gestellten Editionen zur jeweiligen Vorzugsausgabe.
Die Texte der beiden Herausgeber der édition séparée werfen einen Blick auf die Geschichte des Künstlerbuchs und geben Einblick in die Entstehungsgeschichte der Reihe.
Die beteiligten Künstler: Anderson, Anzinger, Asher, von Biel, Bittermann & Duka, Bohnenberger, Boltanski, Bömmels, Bonfert, Braun, Dion, Dahn,Dorn, Droese, Feldmann, Förg, Gaida, Gilles, Herold, Huber, Ikemura, Kahle, Kuball, Lempert, Mahn, Meller, Münch, Newman, Noble, Noël, Oroschakoff, Paas, Pierson, Roob, Ruff, Sal, Sauer, Schappert, Schattauer, Schön, Schwenk, Schwontkowski, Sery, Trockel, Weiner, Wüthrich, Yediler.
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"Höchstens einzelne Buchstaben sind noch zu erkennen, der Rest ist Geste und Wink, Bild und Struktur. Indem diese Auslöschungen auf das Auftragen von Firnis zurückzuführen sind, kehrt sich die Intention des Bewahrens um. Der schützende Überzug verwandelt sich hier in ein zerstörerisches und zersetzendes Element." (Arne Zerbst, in: "Das helle Dunkel")
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Dieses vortrefflich gelungene Untenehmen des Klaus G. Gaida, ein Oeuvre von 41 Bildern zu schaffen, welches sich hochklassiger Modelle bedient um damit nicht weniger hochklassig eine vollkommen andere Sehweise des Themas erlaubt.
Die Bilder ergeben eine geschlossene Serie von anmutiger Heiterkeit. Jedes Exponat, streng reduziert auf immer variierend Farbtriolen, greift sich stets ein wesentliches Detail aus einer unendlichen Fülle des antiken Materials. Das Kunstwerk entspringt einem inneren visuellen Ballast abwerfens, um sodann in klarer unbeschwerter Form auf der Leinwand zu erscheinen. Der nüchterne Bildtitel streng auf das Gemälde plaziert, verschärft den optisch sachlichen Eindruck ganz bewusst, um dem spielerischen Umgang mit der Materie eine Fasson zu gewährleisten. Keineswegs wird hier Altehrwürdiges in Frage gestellt, oder gar als unzeitgemäß abgetan, sondern eine Betrachtungsweise neu formuliert.
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Neben den 2009 erstmals auf der 53. Biennale in Venedig gezeigten Skulpturen, werden in der Ausstellung auch Bronze-, Marmor-, und Glasarbeiten zu sehen sein.
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Dennoch ist meist ein erzählerisches Bildprogramm durchgehalten, in dem Vergangenheit allgegenwärtig scheint und historische Referenzen parat stehen: So zum Beispiel in den Barock-Geschöpfen der letzten Bilder oder den neuerdings auftretenden geometrisch-konstruktiven Figuren, die zwischen den quasi schon kubistisch gebauten Gestalten des Manieristen Giovanni-Battista Bracelli aus dem frühen 17. Jh. und farbigen Bauhausabstraktionen hin und her oszillieren oder einfach wie kindliche Laubsägearbeiten erscheinen.
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Das ›dort‹ bezeichnet erstmals nicht einen einzigen Ort. Es steht hier vielmehr für eine Mehrzahl konkreter Orte, an denen Wortelkamp seine Skulpturen verortet hat; im Senegal, auf Bali, in der Schweiz und in Deutschland. Neben diesen ortspezifischen Arbeiten dokumentiert das Buch vor allem eine Vielzahl von Papierarbeiten, Objekten, Skulpturen und Plastiken. Allen gemein ist ein sehr spezifisches Verhältnis zur Landschaft. Die Auseinandersetzung mit Landschaft und Natur markiert eines der zentralen Motive im OEuvre von Erwin Wortelkamp. Mehr noch, es markiert neben der Auseinandersetzung mit dem menschlichen Körper und seinen Haltungen das zweite große Leitmotiv für sein Werk. Wieder also eine Monografie, die sich nicht auf eine Werkphase bezieht, sondern die einen vertikalen Schnitt durch das OEuvre legt. Der Band zeigt eine Bilderfolge – beginnend Ende der 1960er Jahre mit einer Serie kleinformatiger Landschaftszeichnungen und endend mit Papierarbeiten und Holzreliefs aus dem Jahr 2014 – die selbst für denjenigen, der das Werk seit Jahren verfolgt, Überraschungen bereit hält. Nicht mehr überraschen kann die Stringenz, die sich durch die Jahrzehnte und auch durch die unterschiedlichen bildkünstlerischen
Gattungen hindurch zeigt. Wieder treffen exzellente Beispiele einer politischen Kunst der 1970er Jahre auf ›klassische‹ Eisenplastik und Holzskulptur, trifft feinste Ironie auf expressive Geste, sensibles Miteinander auf radikale Entgegensetzung. Dabei erweist sich Wortelkamps Arbeit der letzten Jahrzehnte ebenso politisch aufgeladen wie seine Aktionsskulpturen und Schaukästen der 1970er Jahre. Diese explizit agierenden Werke der frühen Jahre wiederum gewinnen gerade in der Kontextualisierung mit den Werken der letzten Jahrzehnte eine gültige Aktualität und erweitern zugleich den Blick auf die jüngeren Werkphasen radikal. Damit reiht sich Wortelkamp in die Folge der ›Wiederentdeckungen‹ künstlerischer Positionen ein, deren Ausgangspunkt in den frühen 1970er Jahren liegt und deren Relevanz für eine junge Künstlergeneration vermehrt erkannt wird. Die Texte des Bandes sind ausnahmslos auszugsweise Wiederabdrucke.
Sie stammen von Autoren, die das Werk Erwin Wortelkamps zum Teil über Jahrzehnte begleitet haben und weiter begleiten. Wir haben diese Textauszüge gemäß ihres Veröffentlichungsdatums in die ebenfalls chronologische Folge der Werkabbildungen integriert mit Ausnahme des Beitrags von Frank Fehrenbach, der den Band abschließt. (JvdB)
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[content_en] => Mamma Andersson: "In a way this was the most obvious book for me to choose. In 1983 I started working extra as a watchman at Moderna Museet in Stockholm, while studying art. I loved my bywork, walked around in the art history, fantasizing and vegetating. The book shop became a gold mine, where you could find all kinds of interesting stuff. This catalogue/book was brand new at the time. Dick Bengtsson's exhibitions was one of the first I watched over, not a very big exhibitions, but I found it exciting. It took a few years before I was really taken by his paintings, but when it happened it was with a great hullabaloo. One could say that his work is the foundation for much of my work. During the 90's this book became a sort of bible for me, I started every day with a cup of coffee and the Dick Bengtsson catalogue. I sometimes copied paintings that I later painted over, sometimes I stole elements from them to my own work. That's why it's so worn out and stained. Sometimes when I see one of his works I think for a second that it's one of mine. That's how much I have internalized his imagery. Weirdly enough, there was no publication about his artistry before this one, and it was more than 20 years until a new one came out. The next one was done in 2005, in conjunction with a large Dick Bengtsson exhibition, also this one at Moderna Museet, this exhibition was much larger, containing most of his works. For many years he was seen as an outsider artist, an artist for artists, he was an autodidact. His production wasn't very large, but on the other hand he didn't become very old, he died in 1989 only 53 years old. Today his position is something else, everyone with the least interest in Swedish painters know about him and his paintings are sold at very high prices. I'm very happy to get the chance to do this project, so that the book can spread to more art souls, also outside of Sweden.“
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Unter dem »Prinzip Collage« versammelte Gerhard Meerwein Kunstwerke beginnend mit der klassischen Form des »Papier collé«, dem geklebten Papier. Dieses wurde von George Braque und Pablo Picasso um 1912 im Zuge des Kubismus in die Malerei eingeführt. Aus dieser Frühform entwickelten sich Anfang des 20. Jahrhunderts vielfältige Spielarten. Vor allem in der Kunst des Dadaismus waren Collage-Techniken ein wichtiges Ausdruckmittel.
Das Sammeln und Finden, die Dekonstruktion und Rekombination von unterschiedlichen Alltagsmaterialien sind zentrale Merkmale der Collage als geklebter Bildkomposition. Die charakteristische experimentelle und offene Herangehensweise – geleitet durch den Zufall und das Unterbewusstsein – schuf die Basis für zukünftige Generationen von Künstlerinnen und Künstlern, Kunst und Wirklichkeit einander durchdringen zu lassen.
Die Sammlung Meerwein umfasst neben Papier- und Materialcollagen, auch Decollagen, Assemblagen, Montagen und Reliefs bis hin zu freien Gruppierungen. Gerade diese Werke machen den weitgefassten Begriff der »Collage« von den Anfängen bis in die Gegenwart anschaulich und verdeutlichen die Relevanz des Mediums bis in die zeitgenössische Kunst.
Der Erste Ausschnitt bildet den Auftakt der Sammlungspräsentation Meerwein im Arp Museum Bahnhof Rolandseck. Diese erste Ausstellung würdigt Gerhard Meerwein als Sammlerpersönlichkeit und hebt thematische Schwerpunkte der Sammlung hervor, die der Architekt, Innenarchitekt und emeritierte Professor für »Farbe im Raum« der Hochschule Mainz über fast vier Jahrzehnte zusammengetragenen hat. Anordnungen von Collagen, so wie er sie in seiner Wohnung in der Mainzer Altstadt gruppiert hatte, werden in der Ausstellung rekonstruiert, um dem Interesse des Sammlers nachzuspüren.
Prof. Gerhard Meerwein begründet seine Konzentration auf diese besondere künstlerische Technik: »In der Collage sind für mich sowohl die Aspekte des Skizzenhaften, Entwurfskonzeptuellen vertreten, als auch das ausformulierte, ausgereifte, kompositorisch abgeschlossene Werk. Häufig ist es auch das scheinbar spontane Arrangement, was noch die Frische des Experiments beinhaltet, welches aber »fertig« ist.«
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Unter dem »Prinzip Collage« versammelte Gerhard Meerwein Kunstwerke beginnend mit der klassischen Form des »Papier collé«, dem geklebten Papier. Dieses wurde von George Braque und Pablo Picasso um 1912 im Zuge des Kubismus in die Malerei eingeführt. Aus dieser Frühform entwickelten sich Anfang des 20. Jahrhunderts vielfältige Spielarten. Vor allem in der Kunst des Dadaismus waren Collage-Techniken ein wichtiges Ausdruckmittel.
Das Sammeln und Finden, die Dekonstruktion und Rekombination von unterschiedlichen Alltagsmaterialien sind zentrale Merkmale der Collage als geklebter Bildkomposition. Die charakteristische experimentelle und offene Herangehensweise – geleitet durch den Zufall und das Unterbewusstsein – schuf die Basis für zukünftige Generationen von Künstlerinnen und Künstlern, Kunst und Wirklichkeit einander durchdringen zu lassen.
Die Sammlung Meerwein umfasst neben Papier- und Materialcollagen, auch Decollagen, Assemblagen, Montagen und Reliefs bis hin zu freien Gruppierungen. Gerade diese Werke machen den weitgefassten Begriff der »Collage« von den Anfängen bis in die Gegenwart anschaulich und verdeutlichen die Relevanz des Mediums bis in die zeitgenössische Kunst.
Der Erste Ausschnitt bildet den Auftakt der Sammlungspräsentation Meerwein im Arp Museum Bahnhof Rolandseck. Diese erste Ausstellung würdigt Gerhard Meerwein als Sammlerpersönlichkeit und hebt thematische Schwerpunkte der Sammlung hervor, die der Architekt, Innenarchitekt und emeritierte Professor für »Farbe im Raum« der Hochschule Mainz über fast vier Jahrzehnte zusammengetragenen hat. Anordnungen von Collagen, so wie er sie in seiner Wohnung in der Mainzer Altstadt gruppiert hatte, werden in der Ausstellung rekonstruiert, um dem Interesse des Sammlers nachzuspüren.
Prof. Gerhard Meerwein begründet seine Konzentration auf diese besondere künstlerische Technik: »In der Collage sind für mich sowohl die Aspekte des Skizzenhaften, Entwurfskonzeptuellen vertreten, als auch das ausformulierte, ausgereifte, kompositorisch abgeschlossene Werk. Häufig ist es auch das scheinbar spontane Arrangement, was noch die Frische des Experiments beinhaltet, welches aber »fertig« ist.«
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Eingeladen von Clegg & Guttmann entwickelten sie in sieben leerstehenden Ladenlokalen eine Fülle von Aktivitäten, unzensiert und ohne kuratorische Vorgaben.
Das Buch erzählt die Geschichte dieses seltsamen Wagnisses. Zwei Künstler öffnen ihre Kunst vorbehaltlos, ohne jeden Filter, den Hoffnungen, den Konflikten und den Eigenheiten einer sozialen Gemeinschaft. In Zeiten sozialer Medien und globaler Vernetzung beschwören sie fast trotzig die Bedeutung eines selbstentworfenen und ungeschönten Bildes unserer Gemeinschaft.
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[content_en] => Franz Erhard Walther: "For me, the poetry compiled in Kurt Pinthus’ publication TWILIGHT OF MANKIND was a powerful linguistic counter-world to what we felt was the weak language of the fifties. It contained surprising verbal imagery rich in associations, and its force collided with the forms of the time, which we felt were weary and so sought after. It was also a return to history with its myth of expressionism, the radicalism of which I could link to the present. How fresh Jakob von Hoddis’ ‘End of the World’ and August Stramm’s verbal staccato seemed. Even Kurt Schwitters would not have been able to evade this!"
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[title] => Salon Abonnement
[content_de] => Fast vierzig Jahre sind vergangen, seit Gerhard Theewen das Salon Magazin mit originellen Beiträgen junger, einiger bekannter und einiger berühmter Künstler gründete. Zwischen 1977 und 1982 erschienen elf Hefte – sowie eine spezielle, retrospektive 12. Ausgabe 1992 und 2008 ein kompletter Neudruck (2 Bände im Schuber). Im März 2016 wurde das Salon Magazin wiederbelebt – und ist wieder offen für zeitgenössische Kunst. Alle Beiträge werden wieder in Form von Doppelseiten erstellt. Die Beiträge werden ausschließlich in schwarz-weiß gedruckt und alphabetisch nach Künstlernamen geordnet. Das Salon Magazin enthält wieder keine Essays und keine redaktionellen Artikel. Jedes Jahr erscheinen 3-4 Ausgaben. Alle Beiträge werden im Maßstab 1:1 speziell für das Magazin als digitalisierte Werke für ein analoges Medium erstellt! Dieses Magazin ist nicht hochglänzend und hochwertig, sondern ein wenig rau wie in den 70er Jahren. Salon war und ist ein Kunstmagazin nicht ON art sondern AS art! Heft Nr. 1 zeigt eine Sammlung von Originalbeiträgen von Walter Dahn, Piotr, Dluzniewski, Reinhard Doubrawa, Pierre Granoux, Tobias Hantmann, Mischa Kuball, Talisa Lallai, Marcus Neufanger, Chris Newman, Peter Piller, Volker Renner, Patrick Rieve, Karin Sander , Roland Schappert, Dana Sherwood, Marcel van Eeden und Ecki Vespa. Heft Nr. 2 zeigt eine Sammlung von Originalbeiträgen von Curtis Anderson, Gerd Bonfert, Natascha Borowsky, Julia Bünnagel, Peter Buggenhout, Amadeus Certa, Mark Dion, Horst Münch, Hartmut Neumann, Marcel Odenbach, Werner Reiterer und Nora Schattauer. Heft Nr. 3 zeigt eine Sammlung von Originalbeiträgen von Heiner Blumenthal, Franz Burkhardt, Thimo Franke, Manor Grunewald, Lenia Hauser, Lukas Heerich, Tess Hurrell, Johanna Jaeger, Andy Kassier, Michaela Melián, Klaus Rinke, Daniel Roth, Natascha Schmitten, Johannes Wohnseifer.
[content_en] => Nearly forty years have passed since Gerhard Theewen founded Salon Magazin with original contributions by young, some well-known and a few famous artists. Between 1977 and 1982, eleven issues were published – as well as a special, retrospective 12th issue in 1992 and in 2008 a complete reprint (2 volumes in a slipcase). In March 2016, Salon Magazin was revived – and is open again for contemporary art. All contributions will again take the form of double page spreads. The contributions will be printed in black-and-white only and arranged alphabetically by artist names. Salon Magazin again includes no essays and no editorial articles. Each year, 3–4 issues will be published. All contributions are created in 1:1 scale especially for the magazine as digitalized works for an analogue medium! This magazine is not glossy and high-end but a little rough as it was in the 70’s. Salon was and again is an artmagazine not ON art but AS art! Issue No.1 shows a collection of original contributions by Walter Dahn, Piotr, Dluzniewski, Reinhard Doubrawa, Pierre Granoux, Tobias Hantmann, Mischa Kuball, Talisa Lallai, Marcus Neufanger, Chris Newman, Peter Piller, Volker Renner, Patrick Rieve, Karin Sander, Roland Schappert, Dana Sherwood, Marcel van Eeden and Ecki Vespa. Issue No.2 shows a collection of original contributions by Curtis Anderson, Gerd Bonfert, Natascha Borowsky, Julia Bünnagel, Peter Buggenhout, Amadeus Certa, Mark Dion, Horst Münch, Hartmut Neumann, Marcel Odenbach, Werner Reiterer und Nora Schattauer. Issue No.3 shows a collection of original contributions by Heiner Blumenthal, Franz Burkhardt, Thimo Franke, Manor Grunewald, Lenia Hauser, Lukas Heerich, Tess Hurrell, Johanna Jaeger, Andy Kassier, Michaela Melián, Klaus Rinke, Daniel Roth, Natascha Schmitten, Johannes Wohnseifer.
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Die Mannheimer Ausstellung trug den lapidaren Titel »Bäume und Blätter« und markiert im Rückblick zweifellos einen ersten Höhepunkt im Oeuvre des Künstlers. Der damals erschienene, längst vergriffene Katalog klärt bildlich wie textlich in beeindruckender Form das Verhältnis zwischen Wortelkamps ›Bäumen‹ und ›Blättern‹ und deren natürlichen ‚Vorbildern’. Konsequenterweise und nur dank der freundlichen Zustimmung von Ulrike Lorenz, der aktuellen Direktorin der Kunsthalle Mannheim, eröffnet das vorliegende Buch mit einem leicht überarbeiteten Reprint des Mannheimer Katalogs. In einem zweiten Teil zeigt das Buch eine fotografische Dokumentation der Mannheimer Ausstellung von 1976. Es folgen Dokumentationen der beiden aktuellen Ausstellungsinszenierungen in Hasselbach bzw. Weyerbusch, die den Titel »Blätter, Bäume – vielleicht« trugen. Ein aktueller Textbeitrag von Katja Behrens, der gerade im Verhältnis zu den beiden historischen Texten von Heinz Fuchs und Karlheinz Nowald erspüren lässt, wie sich nach vierzig Jahren Perspektiven auf Thema und Werke verschieben können, schließt den Band ab.
Die beiden Ausstellungen im Depsoitum und im Haus für die Kunst zeigten eindrücklich wie das Sujet Wortelkamp bis in die aktuellste Produktion hinein begleitet. Wieder einmal öffneten die Inszenierungen einen Einblick in die Konsistenz des Œuvres, das einen Künstler zeigt, der sich selbst, seiner künstlerischen Geste und Haltung jederzeit treu bleibt, ohne dabei Redundanzen zu produzieren.
So treffen in der aktuellen Ausstellung »Blätter, Bäume – vielleicht« wieder Werke aus mehr als vier Jahrzehnten Kunst-Machens aufeinander, die bei allen Differenzen in den Erscheinungsformen einen beeindruckenden inneren Zusammenhang vermitteln. In den Papierarbeiten wie den Holzskulpturen erweitert sich Wortelkamps Geste beispielsweise ins Spielerisch-Leichte, was sich in einen zugespitzten Dialog mit der Schwere der frühen Eisenarbeiten setzt. Das Existenzielle geht dabei aber keinesfalls verloren. Wortelkamps ›Blätter‹ und ›Bäume‹ sind und waren immer nur ›vielleicht‹ Blätter und Bäume. Sicher waren sie von Anfang an auch Synonyme für den menschlichen Körper. Sie stehen, liegen, lehnen oder hängen den Körpern der Betrachter gegenüber und entgegen. (JvdB)
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Karin Sander: "Warum das Kinderbuch von Dieter Roth? Auf der Suche nach einem bestimmten Material, stieß ich auf die kleinen bunten Pompons und erinnerte mich an Bommelmützen und Murmelspiele, vor allem aber an ein Kinderbuch von Dieter Roth, das mich 2003 auf meiner ersten Reise nach Reykjavik begeistert hatte. Dieter Roth selbst meinte zwar: „Jedes Kind würde sich langweilen“. Für mich wäre es aber sicher mein Lieblingsbuch gewesen. Die Seiten sind mit roten, blauen und gelben Rechtecken und Kreisflächen bedruckt, geometrisch abstrakt wie bei einem Brettspiel.Edition zum Buch: Meine rot-weißen, blau-weißen und gelb-weißen Wollkugeln also, die ganz einfach auf das Blatt fallen und dort, wo sie hinfallen, mit Heftklammern befestigt werden, könnten für die Edition zur Neuauflage des Kinderbuches für den Salon-Verlag, so dachte ich, zum Buch eine Weiterführung ins Dreidimensionale sein.
Das Ex libris im Buch: In dem neuen weißen Cover wird mit einem Locher ein kleines, kreisrundes Papierstück ausgestanzt, das irgendwo in das Innere des Buches fällt und dort auf der Umschlagrückseite fixiert und signiert als Ex libris seinen Platz findet. Wie durch einen Türspion kann man nun durch das kleine Loch schon in das Innere des noch geschlossenen Buches sehen. Die Farbe der dahinterliegenden Farbfläche dringt nach außen und so leuchtet das Loch durch das neue Cover hindurch rot, dreht man den Buchdeckel – weil spiralgebunden – nach hinten, erscheint es blau. Dazu kommt die Schrift für Titel, Name und Herausgeber, die sich aus weiteren 1540 sehr kleinen Löchern zusammensetzt und den neuen Umschlag für das Kinderbuch wie durchsichtig macht."
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Im Dada-Jahr 2016 wird mit der Ausstellung »Andere Wirklichkeiten« Kunst in den Fokus gerückt, die jenseits der etablierten Strukturen des Kunstsystems entsteht. Denn es waren keine geringeren als die Dadaisten, die 1916 den traditionellen Kunstbegriff in Frage stellten und begannen, diesen zu »entgrenzen« und künstlerische Ausdrucksformen außerhalb des bisher Dagewesenen zuzulassen. Gezeigt werden Werke von 51 Künstlerinnen und Künstlern aus sechs Ateliers der Lebenshilfen in Rheinland-Pfalz und dem Kloster Ebernach in Cochem. Die Ausstellung greift das Interesse an der unverbildeten schöpferischen Kraft von Menschen mit geistigen oder psychischen Beeinträchtigungen auf, das bis in das frühe 20. Jahrhundert zurückgeht. In seinem wegweisenden Buch »Bildnereien der Geisteskranken« aus dem Jahr 1922 versammelte der Psychiater und Kunsthistoriker Hans Prinzhorn wahre »Wunderwelten« aus Farbe, Linie, Form und Schrift, die als Ausdruck der inneren Wirklichkeit seiner Patienten entstanden waren. Die Entdeckung der Psyche und des Unterbewussten hatte großen Einfluss auf Kunstströmungen wie den Dadaismus und den Surrealismus. In der bildnerischen Auseinandersetzung mit der eigenen inneren Verfasstheit steht nicht der Patient, sondern vielmehr der Künstler im Menschen im Vordergrund. Die Ausstellung widmet sich diesen Erlebniswelten in Malerei, Zeichnung und Skulptur und umspannt Themen wie beispielsweise Ich und die Anderen, Sexualität und die freie gestische Form.
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Texte von: Konrad Wolf, Oliver Kornhoff und Kurt Donarski, Jutta Mattern.
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[content_en] => Marcel van Eeden has put together 6 unpublished series of drawings for this 1st issue of artist’s-book-series “carte blanche” as “Short Stories”. As allways he focuses on the time befor his own birth and themes as murder, espionage, fine art and collecting which he elaborates to the bewildering and uncanny “stories” for which he is known.
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Ein Boot habe ich mir inzwischen selbst gekauft, es stammt aus der gleichen Zeit und seine Farbe erinnert mich sehr an das 70er Jahre Orange dieses Zeltes, das seinerzeit auf der Dachterrasse der Campingabteilung von Hertie aufgebaut war. (Boris Becker, 21.3.2017)
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[content_de] => Parole #3: The Writing Hand / Handschrift ist die dritte Ausgabe der Schriftenreihe Parole, die sich mit der Materialität und Körperlichkeit von Sprache beschäftigt. In dieser Ausgabe geht es um den körperlichen Akt des Schreibens, um die Bewegung von Schrift, das Schreiben mit der Hand, der Pfote, der Feder, dem Blatt, um die Visualisierung von Gedanken durch Schrift, die Beziehung von Schreiben und Erinnern, um die Schrift als Spur, als Berührung, als Einritzen, als Verletzung, um das Schreiben mit Tinte, mit Wasser, mit Blut und nicht zuletzt das Überschreiben und Unlesbarmachen von Schrift. Der Band ist eine Sammlung von 18 Arbeiten und Texten internationaler Künstler und Wissenschaftler, die verschiedene Facetten dieses Themas untersuchen. Mit Beiträgen von Oswald Egger, Theresa Georgen, Philip Guston, Helmut Pfotenhauer, Dirk Hartwig, Maria M Schwaegermann, Kasper Andreasen, Sandra Vásquez De La Horra, Paz Guevara, Gisela Steinlechner, Manfred Sommer, Annette le Fort, Pierre Jaquet-Droz, Stelarc, Jane Goodall, Marcus Coelen, Ricarda Denzer, Ines Lindner, Walter Pamminger, Marcel Broodthaers und Mark Schreiber.
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[content_de] => Salon No. 5 shows a collection of original contributions by Clara Bahlsen, Stephan Baumkötter, Tim Berresheim,Rick Buckley, Peter Duka, Moritz Frei, Béla Pablo Janssen, Bernhard Kucken, Kristina Lenz, Elmar Mauch, Olaf Metzel, Olaf Nicolai, Timo Schmidt, Alex Silber.
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Werner Klotz' »Wahrnehmungsinstrument« Father's window im Festsaal des Bahnhofs Rolandseck eröffnet den Besuchern bereits seit 2004 einen ganz besonderen Blick auf die gegenüberliegende Rheinseite. An dieses komplexe Spiel mit überraschenden wie irritierenden Seherfahrungen anknüpfend, inszeniert Klotz nun in der Ausstellungsetage des Bahnhofs Rolandseck mit seinen rotierenden Spiegeln und »Wahrnehmungs-instrumenten« einen interaktiven Erlebniskosmos.
Auf der Schnittstelle von Außen- und Innenraum lässt er die Umgebung – den Rhein sowie den Zug- und Schiffsverkehr – durch Einspiegelungen Teil seiner installativen Arbeit werden. Die Besucher lösen mit den eigenen Bewegungen das Rotieren der Spiegel aus und beleben damit immer wieder aufs Neue die Szenerie der Spiegelbilder.
Diesen mechanischen wie physikalischen Prozessen stellt Werner Klotz u.a. seine »Wasser- und Lichtfotografien« zur Seite, bei denen er Fotografien formen- und farbenprächtiger Steine unter der Wasseroberfläche eines kanadischen Bergflusses in den Fokus rückt. Minutiös erarbeitet er die sich stetig verändernde Wechselbeziehung zwischen dem Fließen des Wassers und den damit einhergehenden Reflexionen, zu den unterschiedlichsten Tages- und Jahreszeiten.
Mit diesen poetisch-spirituellen Bildwelten fordert Werner Klotz unser Wahrnehmungsvermögen ein weiteres Mal heraus und setzt die schier unerschöpfliche Welt der Seherfahrungen, die die Ausstellung bestimmen, damit weiter fort.
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Andreas Kreul (*1961) war von 1989 bis 2012 Kustos der Kunsthalle Bremen und ist heute Direktor der Sammlung der Karin und Uwe Hollweg Stiftung in Bremen und Honorarprofessor für Kunstgeschichte an der Universität Bremen. Er hat zahlreiche Bücher, Beiträge und Ausstellungen zum Barock, zu japanischen Farbholzschnitten, zur klassischen Moderne und zeitgenössischen Kunst vorgelegt, unter anderem zu John Cage, Lovis Corinth, Johann Bernhard Fischer von Erlach, Joseph Emanuel Fischer von Erlach, Luca Giordano, Morris Graves, Wolfgang Hainke, Richard Hamilton, Martin Honert, Ilya Kabakov, William Kentridge, Max Liebermann, André Masson, Gordon Matta-Clark, Bjørn Melhus, Horst Müller, Richard Oelze, Nam June Paik, Georg Parthen, Rainer Maria Rilke, Jörg Sasse, Erik Satie, Mark Tobey, Günther Uecker, Karl Valentin, Bill Viola, Wolf Vostell, Emmett Williams und Wols.
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[content_de] => Peter Piller hat für seine Ex Libris-Ausgabe den Vortrag von Gottfried Benn aus dem Jahre 1954 ausgewählt und schreibt dazu: "Als Schüler hätte ich 'Altern als Problem für Künstler' wahrscheinlich nicht gelesen. Dazu musste ich schon der Zielgruppe etwas entgegenaltern. Mit Überraschung entdecke ich einen anderen im vertrauten Benn. Einen, der Sätze schreibt, die man nicht mehr vergessen möchte, wie: 'Sich irren und doch seinem Inneren weiter Glauben schenken müssen, das ist der Mensch und jenseits von Sieg und Niederlage beginnt sein Ruhm." Und daneben einen unbekannten, den mit Humor, der nicht für sich schreibt, sondern sich vortragend an den Zuhörer wendet.'"
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[content_de] => Der schwedische Maler, Zeichner und Plastiker Jockum Nordström hat für die Edition Ex Libris als sein „favourite book“ die schwedische Ausgabe des 1959 in Prag erschienenen Buches „Kinderzeichnungen und Gedichte aus Teresienstadt 1942-1949“ ausgewählt. Dieses erschütternde Zeugnis des Schicksals unzähliger von den Nazis ermordeter Kinder aus dem Ghetto Threseienstadt wurde in viele Sprachen übersetzt. Unserem Reprint liegt die schwedische Ausgabe zugrunde. Die englische Übersetzung ist als Heft beigefügt.
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[content_de] => Für die Edition Ex Libris hat der New Yorker Konzeptkünstler Lawrence Weiner drei seiner eigenen frühesten Künstlerbücher ausgewählt und diese als neues Künstlerbuch unter dem Titel BREMERHAVEN" zusammengefasst: "Within Forward Motion"/"Innerhalb vorwärtsgerichteter Bewegung"(1973), "Towards A Reasonable End"/ "Auf ein vernünftiges Ende zu" (1975), "With A Touch Of Pink"/"Mit einem Hauch von Rosa"(1978). Die ursprünglich jeweils englisch/deutsch publizierten Künstlerbücher erscheinen jetzt als ein Buch jeweils englisch und deutsch in chronologischer Abfolge und getrennt durch die ursprünglichen Umschläge der Weiner- Künstlerbücher. Der von Weiner neu gestaltete Umschlag fasst diese drei äußerst gesuchten Bücher zu einem neuen Künstlerbuch zusammen und setzt es durch den Titel "BREMERHAVEN" in Bezug zum Entstehungsort in den 70er Jahren. (Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven).
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[content_de] => Peter Buggenhout: „With the rise of Romanticism in the early 19th century, people became aware of the fact that it was almost impossible to truly understand the complex world in which they were living. The unique and individualistic world view (both on a sensory and a cognitive level) that was so typical for this era seemed to be the only way to deal with this complexity. Not much has changed since then. In a way, the Romantic era has not yet come to an end; we are still struggling with a sense of powerlessness and the incapability of profoundly understanding our surroundings. More than 100 years after Melville's ‚Moby Dick’, the French author Georges Perec wrote the astonishing novel ‚La vie: mode d’emploi’. In timing and approach, these two novels could not be more different - whereby the contents reveal a remarkable resemblance. Melville, writing at the beginning of a new era, begins with a whale and ends up in an impressive analysis of life, death, infinity and the unaccountable nature of what surrounds us. Perec derives his views on topics such as infinity, death and the incapability to understand life's complexities from an endless summary of details from everyday life. Regardless of the differences in approach, the contents of both novels are highly analogous and I personally feel a strong affinity between these themes and the essence of my own work.“ (20.2.2014)
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Vor zwei Jahren wurde dem Arp Museum Bahnhof Rolandseck die umfangreiche Schenkung des Mainzer Sammlers Gerhard Meerwein von nahezu 400 Collagen übergeben. Die Sammlungspräsentation Erster Ausschnitt bot hierzu einen Überblick, konzentrierte sich auf die Persönlichkeit des Sammlers und bildete thematische Schwerpunkte der Sammlung ab. Diese hatte der Architekt, Innenarchitekt und emeritierte Professor für »Farbe im Raum« der Hochschule Mainz über fast vier Jahrzehnte zusammengetragen.
Der Zweite Ausschnitt lenkt nun den Blick auf die Beziehung Gerhard Meerweins zu einzelnen Künstlerinnen und Künstlern und hebt damit Positionen aus der räumlichen und persönlichen Nähe des Sammlers hervor. Dabei spielt die enge Verbundenheit zu Rheinland-Pfalz eine bedeutende Rolle – im Besonderen der über Jahre fortwährende, intensive Austausch mit den befreundeten Künstlerinnen und Künstlern.
»Aus direkten Käufen entstanden verschiedentlich Freundschaften und intensive Bekanntschaften. In solchen Fällen ergab sich auch, dass über Jahre immer wieder Arbeiten aus aktuellen Werkgruppen erworben wurden, sodass verschiedene Ausdrucksformen aus einem Werk vertreten sind.« Gerhard Meerwein
Diese Beziehung zwischen Künstler und Sammler sowie den Umgang mit dem Medium Collage spiegeln die zeitgenössischen Positionen von Gloria Brand (*1943), Sara Focke-Levin (*1963), Jürgen Möbius (*1939), Jürgen O. Olbrich (*1955) und Paul Stein (1949-2004) auf unterschiedliche Weise. Den ausgewählten Positionen aus der Sammlung werden gewidmete Einladungskarten, Mail Art und private Korrespondenz sowie begleitende Kataloge und Buchobjekte zur Seite gestellt. Diese stammen aus der parallel zur Sammlung gewachsenen und ebenfalls dem Museum gestifteten Bibliothek Meerwein. Sie vermitteln einen tiefergehenden Einblick in das Œuvre der beteiligten Künstlerinnen und Künstler.
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[content_en] => Stephen Gill belongs to the most interesting British artists of a younger generation working with photography. For many years he lived in Hackney, North/East London, a borrough which in its diversity of urban and cultural aspects became a source of artistic inspiration for him and his works ranging from a documentary to an experimental language. It’s the first publication on Stephen Gill presenting selected series extracts published on the occasion of the first larger German survey exhibition of the artist at Museum für Photographie in Braunschweig.
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[content_de] => Stipendiatinnen und Stipendiaten des Künstlerhauses Schloss Balmoral und des Landes Rheinland-Pfalz arbeiteten 2017/18 an ihren Projekten in Deutschland sowie in Seoul, Paris und New York und stellen nun die in dieser Zeit entstandenen Arbeiten aus. In ihren Werken befragen sie globalisierte Gegenwart und technologisierte Zukunft, arbeiten mit alten und modernen Mythen, mit der Geschichte der Ideen und Formen, gehen auf politische Themen ein und machen zwischenmenschliche Kommunikation sichtbar. Darüber hinaus stand dieses Jahr die künstlerische Keramik im Fokus der ufenthaltsstipendien im Künstlerhaus Schloss Balmoral. In diesem Material tritt der titel-gebende Dreiklang mit besonderer Deutlichkeit hervor: der Ton ist ein sehr zeitintensives wie risikoreiches künstlerisches Material. Er muss mehrere langwierige Produktionsstufen – Modellieren, Trocknen, Brennen, Glasieren – durchlaufen, die jede für sich mit der Zerstörung drohen, bis es zu einem fertigen Objekt kommt, das für immer erhalten bleiben kann. Keramik ist reich an Ausdrucksformen – sie variiert in Haptik, Farbigkeit und Stil enorm, kann andere Materialien imitieren oder eine ganz eigene Ästhetik entwickeln. Die acht tipendiatinnen und Stipendiaten experimentierten mit diesem Medium drei bis neun Monate lang, sowohl im Künstlerhaus selbst, als auch in den Partnerinstitutionen Ebinger-Schnaß Keramik in Bad Ems und im Institut für Künstlerische Keramik und Glas (IKKG) in Höhr-Grenzhausen. Um diese wichtigen Verbindungen sichtbar zu machen, wurden die Partner als Gäste in die Ausstellung mit eigenen Beiträgen eingeladen. Die Ausstellung wird kuratiert von der Kuratoren-stipendiatin Olga Vostretsova. Aspekte der Zeit, des Risikos und der Dauerhaftigkeit stehen im Fokus der Ausstellung und kommen hier auf mehreren Ebenen zusammen: auf der Ebene der Produktion und des Materials, auf thematischer Ebene, als Arbeitsmethoden und schließlich auch auf Ebene der Rezeption. Eine besondere Brisanz bekommen diese drei Aspekte, wenn es sich um Arbeiten handelt, die frisch aus den Kunstateliers in die Öffent-lichkeit wandern, keine lange Ausstellungsgeschichte hinter sich haben und noch viele Szenarien ihres Fortbestehens in sich bergen.
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[content_en] => (Available!) The “Observer’s Book of Pond Life” by John Clegg was a book I discovered as a child in a public library in Patchway, Bristol, around 1979. I kept borrowing and renewing it over long periods of time. The images it contained suggested a parallel world invisible to the one that surrounded me. Pictures of water beetles, water mites, and dragonflies struck a chord along with the more graphic images of diatoms and other single celled animals more abstract in appearance. It was an astonishing book for me and made me curious to know if my small garden pond was also teaming with such life. This led to a new obsession of spending hours peering into microscopes often whilst listening to my parent’s 7” records. As a kid exploring the vastness within a single drop of water was like travelling into space. The printed measuring rule in inches and centimetres on the back book cover has remained in my mind all these years later.” (Stephen Gill)
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Eine Art Vertrauen in einen alchemistischen Prozess, der sich Teillogiken zu entziehen vermag und eine eigene Wesenhaftigkeit erschafft. So ist es konkret in dem RE_Printband ‚die Photographie des Unsichtbaren‘ die Vorstellung, dass zwei Menschen zur selben Zeit, an die ein und dieselbe Person denken – und sie sich durch die Mittel der Fotografie verstetigen lässt. Diese Gedanken fallen nicht zufällig in die Zeit der Sinnsuche – zw zerfallenden Kaiserreichen und ausgerufenen Republiken, und zwischen den Kriegen – die die Seelen traumatisieren und die Bedeutung der psychologischen Annäherung wachsen lassen – eine Zeit nicht unähnlich der Heutigen.
(Mischa Kuball, 11.2.2019)
[content_en] => The idea for a re_print of The Photography of the Invisible – vol. 31/32 in the series Occult World, with such self-descriptive titles such as Remote Sensing and Remote Effecting (vol. 8) and Mirror of the Soul (vol. 35) – was inspired by the critical observations of Galileo in the context of his solar disks from around 1617, as well as by contemporary debates regarding the concept of the simulacrum.
The role of photography at the beginning of the twentieth century was unintentionally artistic – conceptualized by occultism and symbolism – and the role of the apparatus ‘camera’ (see also Roland Barthes: Die helle Kammer / La chambre claire, Paris 1980) was thus also attributed the meaning and ability to depict the metaphysical, that which was not visible to the human eye.
A sense of trust, so to speak, in an alchemical process which is capable of eluding partial logic and which creates its own essentiality. In the re_printed volume The Photography of the Invisible, it is the concrete idea that two people simultaneously think of one and the same person and can be made permanent through the means of photography.
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[content_de] => Salon No.18 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: Martin Assig, Stephan Baumkötter, Boris Becker, Julia Bünnagel, Moritz Frei, Claus Dieter Geissler, Ilana Halperin, Lenia Hauser, Sveinn Fannar Jóhannsson, Mischa Kuball, Christine Moldrickx, Horst Münch, Chris Newman, Peter Piller, Uwe Rachow.
[content_en] => Salon No.17 Salon shows a collection of original pictoral essays made especially for the magazine by Martin Assig, Stephan Baumkötter, Boris Becker, Julia Bünnagel, Moritz Frei, Claus Dieter Geissler, Ilana Halperin, Lenia Hauser, Sveinn Fannar Jóhannsson, Mischa Kuball, Christine Moldrickx, Horst Münch, Chris Newman, Peter Piller, Uwe Rachow.
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[content_de] => MUSIK VERWANDELT SICH UNMITTELBAR IN RAUM – eine Vision von der schon das antike Griechenland träumte. Dieses künstlerische Leitmotiv verfolgte Thomas Stammer seit seinem Projekt "9.81 – Musik und Architektur". Im Jahr 2001 führte eine Begegnung mit Michael Wertmüller in Los Angeles zur Idee der dreidimensionalen Musikvisualisierung. Fast zwanzig Jahre später, gab der Künstler Albert Oehlen zusammen mit Rainald Götz den Impuls für das Opernprojekt mit dem Buch D • I • E abstract reality (Holzwarth Publications, 2010). Daraus entstand die Konzeption der JETZTSCHEIBE für die Aufführung der Oper D • I • E bei der Ruhrtriennale im September 2021.
Die JETZTSCHEIBE präsentiert eine bewusst heterogene Sammlung von Texten, E-Mails mit ersten Ideen, Konzepten, Arbeits-berichten, Essays, Fotografien und Grafiken, mit der Grundidee die Tiefenschichten der Zeit zu erforschen und zu gestalten.
Die unterschiedlichen Momente und Begegnungen schaffen einen reichen inhaltlichen Rahmen für die Kapitel des Buches und ermöglichen den Lesern, die Entstehung der holografischen Musikvisualisierung und des Opernprojekts D • I • E nachzuvollziehen. Das Buch JETZTSCHEIBE enthält ein zweisprachiges Textbuch (Deutsch/Englisch) mit 112 Seiten und 20 Abbildungen und enthält zwei Leporellos. Das erste der 180cm langen 8teiligem grafischen Leporellos zeigt die grafische
Gesamtkonzeption der Oper und die Entwicklung der musikalischen Visualisierung. Das zweite fotografische Leporello ist eine künstlerische Umsetzung des Raumkonzepts der Oper für das Buchmedium, das die Lichtskulpturen und die Ensembleperfor-mance in einem 360-Grad-Raum präsentiert.
Das Buch JETZTSCHEIBE bietet den Lesern einen inspirierenden Einblick in dieses faszinierende Konzept und will zu weiteren Entwicklungen für die Musikvisualisierung beitragen.
[content_en] => In the book JETZTSCHEIBE, author Thomas Stammer takes the readers on a fascinating journey that traces the development of
holographic music visualization and the opera project D • I • E. MUSIC IMMEDIATELY TRANSFORMS INTO SPACE – a vision that
even ancient Greece already dreamed of. Thomas Stammer pursued this artistic motif since his project 9.81 – Music and Architecture. In 2001, an encounter with the Swiss percussionist and composer Michael Wertmüller in Los Angeles led to the idea of threedimensional music visualization. Almost twenty years later, artist Albert Oehlen, along with Rainald Götz, provided the inspiration for the opera project with the book D • I • E abstract reality (Holzwarth Publications, 2010). From this, the concept of JETZTSCHEIBE emerged for the conceptualization and performance of the opera D • I • E at the Ruhrtriennale in September 2021. JETZTSCHEIBE presents a deliberately heterogeneous collection of texts, emails with initial ideas, concepts, work reports, essays, photographs, and graphics, with the fundamental idea of exploring and shaping the deeper layers of time. The various moments and encounters create a rich thematic framework for the chapters of the book, allowing readers to trace the development of holographic music visualization and the opera project D • I • E.
The book JETZTSCHEIBE contains a bilingual text book (German/English) with 112 pages and 20 illustrations and additionally holds two accordion-fold inserts. The first of the 180cm long, 8-part accordion-fold inserts showcase the overall graphic concept of the opera and the evolution of musical visualization. The second photographic accordion-fold is an artistic adaptation of the opera's spatial concept for the book medium, presenting the light sculptures and ensemble performance in a 360-degree space.
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[content_de] => Die englische Bildhauerin Rachel Whiteread präsentiert als neues Künstlerbuch in der Edition Ex Libris „M. Sasek – Mike and the Modelmakers” (1970). Das erste Londoner Atelier von Rachel Whiteread lag gegenüber der Firma Lesney, die bis in die 1970er Jahre Hersteller der „Matchbox“-Autos war. Das von M. Sasek geschrieben und gezeichnete Buch “Mike and the Modelmakers” war die 1970 von Lesney herausgegebene Jubiläumsfestschrift. Die Edition Ex Libris hat es sich zur Aufgabe gemacht, Bücher, die für das Verständnis der Arbeit zeitgenössischer Künstler von Bedeutung sind, dem Vergessen zu entreißen. Durch den von der Künstlerin entworfenen Schutzumschlag wird dieser ansonsten unveränderte Reprint zu einem Künstlerbuch, das in den Bibliotheken der Sammler und Bibliophilen unter dem Namen Rachel Whiteread eingeordnet werden wird und helfen wird, das Werk dieser Bildhauerin, die sich seit Jahren mit dem Abgießen und Abformen und mit dem Begriff des Modells auseinandersetzt, in einem neuen Licht zu sehen.
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und privaten Museen hat sich vervielfacht. Nicht nur Wirtschafts-, sondern auch Tageszeitungen berichten heute regelmäßig über den Kunstmarkt.
Kunst wird inzwischen explizit als Kapitalanlage verstanden.Während früher vorwiegend Händler auf Auktionen einkauften, bieten heute in großer Zahl auch Privatpersonen mit. Kunst ist längst in der Mitte der Gesellschaft angekommen. Ein Kunstwerk hat mehr denn je nicht nur einen emotionalen, sondern auch einen wirtschaftlichen Wert. Dies betrifft nicht nur Galeristen, Händler oder professionelle Sammler.
Es geht gerade und vor allem auch den Privatsammler etwas an. Viele Haushalte beherbergen heute Kunstwerke und beachtliche Kunstsammlungen,
die über viele Jahre hinweg mit Enthusiasmus und Leidenschaft zusammengetragen wurden. Sie werden bei der Nachlassplanung oft vernachlässigt oder ganz übersehen, was zu gravierenden Folgen führen kann, die bei vorausschauender Nachlassplanung hätten vermieden werden können. Denn Kunst unterliegt, wie andere Vermögenswerte auch, der Schenkung- und Erbschaftsteuer.
Kunstgegenstände müssen in der Erbschaftsteuererklärung angegeben werden und gehören in das Nachlassverzeichnis. Gerade bei Kunst bietet es sich im Hinblick auf steuerliche Aspekte an, sich frühzeitig Gedanken darüber zu machen, was mit einzelnen Kunstwerken oder einer ganzen Sammlung später
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Im Zuge der Demokratisierung und Popularisierung von Mode und Schmuck sind aktuell nicht nur die Grenzen zwischen Kommerz und künstlerischer Praxis fließender geworden, sondern auch die zwischen den sozialen Systemen, in die diese eingebettet sind. Ausgehend vom Jahresthema »Luxus und Glamour? Künstlerische Perspektiven in Mode und Schmuck«, das für die Balmoral-Stipendien 2019/20 ausgeschrieben war, beleuchtet die Ausstellung die ästhetischen, materiellen, performativen, sozialen und kulturellen Implikationen von Mode und Schmuck. Im Fokus steht die Auseinandersetzung mit deren identitätsstiftendem Faktor sowie Mode und Schmuck als Ausdruck gesellschaftlicher Macht- und Geschlechterverhältnisse. Das formale und konzeptuelle Ausloten medialer Möglichkeiten, das Experimentieren mit Materialien und Techniken sowie die künstlerische Befragung relevanter Fragestellungen im Spannungsfeld von Luxus, Glamour, Globalisierung, Transkulturalität und Nachhaltigkeit spielen dabei eine zentrale Rolle.
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Das Heft bietet eine Bearbeitung dieser Bläserstimme für eine Sopranblockflöte und kann als Korrektiv zu einer einseitigen Deutbarkeit der Ode speziell von Kindern erlernt werden. Die Partitur wird komplettiert durch kulturgeschichtliche und musikwissenschaftliche Betrachtungen.
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[content_de] => 2020 fand Albert Coers ein 30 Jahre altes Vokabelheft aus seinem Englischunterricht wieder. Es erschien so interessant, dass er es fotografierte und jetzt als Künstlerbuch vorlegt.
Die Wörter, links englisch, rechts deutsch, lassen in ihrer Abfolge Themen erahnen, Wortfelder, Geschichten. Sie fügen sich assoziativ aneinander und ergeben dadaistisch anmutende Verbindungen, z.B. „dream“, „tree“, „head“ oder „dial“, „toothpaste“, „handsome“. Die Themen sind von erstaunlicher Aktualität, was die Gegenwart der USA 2020/21 angeht: auf der ersten Seite „president“, auf der letzten „civil rights“ und „trial“ – siehe der Wahlkampf zwischen Trump und Biden. Die Farben des Heftes lassen sich ebenfalls mit der USA und ihrer politischen Symbolik in Verbindung bringen: Das Blau des Einbands kann als Verweis auf die Demokraten gelesen werden; blau ist auch die Tinte. Rot ist der Titel „Englisch-Wörter“ geschrieben, weiter hinten eine grotesk anmutende Zeichnung gekritzelt, auf weißem Grund, so dass sich die Farben der USA ergeben.
Im Rückblick ist es erstaunlich, was man als Schüler damals alles nicht wusste und aufschreiben musste: Dass „ocean“ „Ozean“ heißt, „follow“ „folgen“? 2020 kaum zu glauben, wo Englisch heute für viele zur selbstverständ-lichen Zweitsprache geworden ist. Somit ist das Heft auch eine Reflexion über Sprache und Sprachbiographien.
Das Heft ist in Originalgröße, aber nicht als Faksimile reproduziert, als fotografiertes Objekt mit einem deutlichen Rand. Kanten und Schatten sind so mit abgebildet und die Materialität, aber auch der Charakter des Heftes als Reproduktion betont. Auf dem Cover sind die Hände von Coers zu sehen, die das Objekt halten.
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[content_de] => In 2020 Albert Coers found a 30-year-old exercise book from his English lessons. This booklet seemed so interesting that he photographed it and now presents it as an artist's book.
The words, English on the left, German on the right, and their sequence give us a sense of the themes, word fields and stories. They join together associatively and result in Dadaistic-looking connections, e.g. „dream“, „tree“, „head“ or „dial“, „toothpaste“, „handsome“. The words are of astonishing topicality as far as the present of the USA 2020/21 is concerned: on the first page "president", on the last page "civil rights" and "trial" – see the election campaign between Trump and Biden.
The colours of the booklet can also be associated with the USA and its political symbolism: The blue of the cover can be read as a reference to the Democrats; blue is also the ink. The title "English words" is written in red, and further back a grotesque drawing is scribbled on a white background, giving the colours of the USA.
Looking back, it is astonishing what one did’nt know at that time and had to write down: That "ocean" means in German "Ozean", "follow" "folgen"? This is hard to believe in 2020, where English has become a natural second language for many people. Thus the booklet is also a reflection on language and language biographies.
The booklet is in original size, but not reproduced as a facsimile, as a photographed object with a clear margin. Edges and shadows are thus also reproduced and the materiality, but also the character of the booklet as a reproduction is emphasised. The cover shows the hands of Coers holding the object.
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[content_de] => Jean Rouch, bekannt für seine ethnografischen Filme, ist gemeinsam mit Pierre Ponty und Jean Sauvy der Autor des Kinderbuches „Le Petit Dan“ (1948). Die farbigen Zeichnungen stammen von Oumarou Osmane. Dieses Buch befand sich in meinem Bücherregal eingeordnet zum Thema „Afrika“. Tatsächlich ist es das einzige Buch dieser kleinen Sammlung, welche die Grundlage für das Buch „Canon“ (2014) bildete, von dem ich nicht weiß, wie ich daran gelangt bin. Normalerweise besitze ich eine gute Erinnerung darüber wo und wann ich Bücher gekauft habe. Als ältestes Buch der Büchersammlung steht es zudem am Anfang von „Canon“, dem Buch über Bücher über Afrika. Detailaufnahmen seines Einbandes wurden für den Umschlaggestaltung von „Canon“ verwendet. Es nimmt daher in dieser Reihe eine Sonderstellung ein. Das Buch erzählt folgende Geschichte. Nach dem Tod seines Vaters Haouta wird der kleine Dan von seiner Schwester Sara aufgezogen. Sie hat versprochen, daß Dan nie traurig sein werde und kann ihrem kleinen Bruder deshalb keinen Wunsch abschlagen. Im Verlauf der Geschichte wird Dan ihr Haus in Brand stecken, alle Lebensmittelvorräte zerstören, dem Sohn des Königs ein Auge ausstechen und seine Schwester versehentlich fast umbringen. Die Geschichte wendet sich als er einen bösen Drachen tötet. Diese heldenhafte Tat gibt ihm die Gunst des Königs zurück. Am Ende der Geschichte ist er der Thronfolger, mit Hawa, der jüngsten Tochter des Königs, verlobt und lebt von da an ein glückliches Leben. Die Umschlaggestaltung zeigt die schematische Darstellung der Skulpturenserie „Das Afrikanische Viertel“ (2009-2019) . Ein gleichnamiges Künstlerbuch mit den Bauplänen der 19 Skulpturen, die jeweils nach Straßennamen des Afrikanischen Viertels in Berlin-Wedding benannt sind, ist 2019 erschienen. Bei diesen Arbeiten wurden die einzelnen Elemente des „Berliner Stuhls“ (1923) von Gerrit Rietveld immer wieder neu kombiniert und in unterschiedlichen RAL-Farben lackiert.
[content_en] => Jean Rouch, known for his ethnographic films, is the author, together with Pierre Ponty and Jean Sauvy, of the children's book "Le Petit Dan" (1948). The colour drawings are by Oumarou Osmane. This book was on my bookshelf classified under the theme "Africa". In fact, it is the only book in this small collection that formed the basis for the book "Canon" (2014), which I don't know how I got. I usually have a good memory of where and when I bought books. As the oldest book in the book collection, it is also at the beginning of "Canon", the book about books about Africa. Detailed photographs of its cover were used for the cover design of "Canon". It therefore occupies a special position in this series. The book tells the following story: After the death of his father Haouta, little Dan is brought up by his sister Sara. She has promised that Dan will never be sad and therefore cannot refuse her little brother any wish. In the course of the story, Dan will set fire to their house, destroy all the food supplies, gouge out the king's son's eye and almost kill his sister by mistake. The story turns when he kills an evil dragon. This heroic act returns him to the king's favour. At the end of the story, he is the heir to the throne, betrothed to Hawa, the king's youngest daughter, and lives a happy life from then on. The cover design shows the schematic representation of the sculpture series "The African Quarter" (2009-2019) . An artist's book of the same name with the construction plans of the 19 sculptures, each named after street names in the African Quarter in Berlin-Wedding, was published in 2019. In these works, the individual elements of Gerrit Rietveld's "Berlin Chair" (1923) were repeatedly recombined and painted in different RAL colours.
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[content_de] => Oskar Holweck, bekannt als Pionier der Papierkunst und engagierter Grundlehre-Verfasser, hat noch eine andere, bislang unentdeckte Seite: Von Anfang an gehörte er zum Kern der zero-Avantgarde-Bewegung, die mit ihrer Kunst im Sturm ganz Europa eroberte. Heinz Mack und Otto Piene begegneten Holwecks außergewöhnlichem Werk mit höchster Wertschätzung, so dass seine Papierarbeiten während der aktiven zero-Zeit, 1958 – 1966, bei keiner wichtigen Ausstellung fehlen durften. Holweck war so mit seinen Werken in ganz Europa und den usa vertreten. Erst nach vielen Jahren kam es zu einer ersten persönlichen Begegnung der Künstler, da private und berufliche Gründe Holweck am Reisen hinderten und er das Saarland so gut wie gar nicht verließ.
Anhand der heute noch in verschiedenen Archiven verfügbaren Originaldokumente soll im Folgenden rekonstruiert werden, wie es den Künstlern dennoch gelang, den Kontakt aufzubauen und ihn zu halten, und welche Rolle Holweck in diesem weit verzweigten internationalen zero-Netzwerk spielte.
Ulrike Schmitt-Voigts
[content_en] => Oskar Holweck, known as a pioneer of paper art and a committed author of basic teachings, has another, previously undiscovered side: from the very beginning, he was part of the core of the zero avant-garde movement, which took all of Europe by storm with its art. Heinz Mack and Otto Piene held Holweck's extraordinary work in the highest esteem, so that his works on paper could not be missing from any important exhibition during the active zero period, 1958 - 1966. Holweck was thus represented with his works throughout Europe and the usa. Only after many years did the artists meet in person for the first time, since private and professional reasons prevented Holweck from traveling and he hardly ever left the Saarland.
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[title] => Tim Berresheims Bilderreise
[content_de] => Im Sommer 2021 eröffnete der Künstler Tim Berresheim sein Ausstellungsprojekt „Tim Berresheims Bilderreise“, welches sich als permanente Kunst- und Fahrradroute auf dem neuesten Stand der Technik durch das Heinsberger Land, der westlichsten Region Deutschlands, erstreckt.
An verschiedenen Orten entlang dreier Routen-Optionen können Radfahrer*innen, Spaziergänger*innen und Kunstinteressierte mit der neuen Augmented-Reality-App „TB – Bilderreise AR“ digitale Kunst im öffentlichen Raum entdecken. Mit diesem neuen Projekt unterstreicht Berresheim die Auseinandersetzung seiner Bildwelten mit dem, was im Digitalen aktuell machbar ist, und dem Versuch, sie stets weiter auszubauen und zu entwickeln.
Diese 14 neuen Kunstwerke, plus drei gesonderte Augmented-Reality-Objekte, sind die neuesten Arbeiten des Künstlers, der sich seit den 2000er Jahren mit computergenerierter Kunst und ihren Möglichkeiten beschäftigt.
In dem Buch fi nden sich auf 110 Seiten 71 Abbildungen inkl. Reproduktionen der 14 Kunstwerke der Bilderreise, Fotografi en und der Essay „Krass reale Gegenwart“ des Kunsthistorikers und Kurators Hans-Jürgen Hafner. Zusätzlich enthält es eine Augmented-Reality-Faltkarte der Route mit 24 Abbildungen und Texten zum Künstler und dem Projekt.
Mit der Bilderreise ist Tim Berresheim dank Hochtechnologie eine persönliche und künstlerische Auseinandersetzung mit seiner Heimat gelungen. Auf der von ihm entwickelten Route mischen sich Teile seiner künstlerischen Beobach tung und Erinnerungen aus der eigenen Vergangenheit mit zeitgenössischer Kunst und Natur sowie mit neuesten Augmented-Reality- und Computer-technologien. Ganz bewusst lädt Berresheim sowohl Besucher*innen als auch Einheimische ein, sich ein neues Bild von ver-schiedenen Orten zu machen und eigene, individuelle Perspektiven auf seine dort platzierten digitalen Kunstwerke zu erarbeiten.
Tim Berresheim wurde 1975 in Heinsberg geboren. Der Künstler beschäftigt sich seit Beginn der 2000er Jahre mit der bildenden, computergenerierten Kunst. Mit der neuesten Hard- und Software entwickelt er Modelle, die einerseits eine zeitgenössische Bildproduktion ermöglichen, andererseits aber keinen Bruch zur traditionellen Kunstherstellung bedeuten. Der Künstler lebt und arbeitet in Aachen. Sämtliche seiner Arbeiten werden dort in den Studios New Amerika realisiert: von der Konzeption über die ersten Skizzen bis hin zur Endproduktion.
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[content_en] => Thanks to high technology, Tim Berresheim (* 1975) succeeded in a personal and artistic examination of his homeland in the summer of 2021 with the “journey through pictures”. On the art route he developed in the westernmost district of Germany, the Heinsberger Land, parts of his artistic observation and memories of his own past mix with contemporary art, nature and the latest augmented reality and computer technologies. In addition to 14 works of art by Berresheim, the book contains the essay “Krass real present” by the art historian and curator Hans-Jürgen Hafner as well as reproductions, image studies, photographs and an augmented reality folding map.
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Es handelt sich um ein Faksimile des Retablo #12 von 2004 (im Original Ölfarbe auf Blech). Das Trägermaterial ist ein kräftiges, unverbiegbares Stahlblech. Beim Siebdruck handelt es sich um die technisch neueste Generation, bei der Rasterpunkte so gut wie nicht zu erkennen sind. Die Farbe ist eine Zweikomponentenfarbe, die sich fest mit dem Untergrund verbindet und lichtresistent ist.
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Der Text von Stephan Rößler (deutsch, englisch) beschreibt Motive und Entstehung dieser Serie zu Texten von Marcel Proust und Jorge Louis Borges über Phänomene des „Verschwindens“ und „Auflösens“. Der in einem in Offset gedruckte Buchteil dokumentiert darüber hinaus die Ausstellungsräume mit Werken Bunks.
Gestaltung Gabriele F. Götz, Fotografie Bernhard Kahrmann und Johannes Schwartz
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The text by Stephan Rößler (German, English) describes the motifs and creation of this series on texts by Marcel Proust and Jorge Louis Borges on phenomena of "disappearance" and "dissolution". The book section, printed in offset, also documents the exhibition rooms with works by Bunk.
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[content_en] => Salon No.17 shows a collection of original pictoral essays made especially for the magazine by GERD BONFERT, JÖRG BRODDE, ALBERT COERS, REINHARD DOUBRAWA , TOBIAS HANTMANN, ALMUT HILF, KRISTINA JUROTSCHKIN, HARTMUT NEUMANN, KNUT SENNEKAMP, CARO SUERKEMPER, MARCEL VAN EEDEN, FRIEDEMANN VON STOCKHAUSEN
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[content_en] => German artist Albert Oehlen has selected ›Conversations with Cézanne‹ for his edition in the Edition Ex Libris. The book contains all the important statements by Cézanne about his own painting, about Holbein, Veronese, Poussin, Chardin, Delacroix, Courbet and about his companions in Impressionism: Monet, Renoir, Pissarro, Redon, Gauguin. He made these statements to visitors from France and abroad, to painters, poets and critics.
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Für Wortelkamp ist es das Holz, das es zu bearbeiten gilt. Hier findet er zunächst seinen eigenen Formenwuchs, den er, parallel zur Natur, als künstlerisches Naturobjekt oder naturhaftes Kunstobjekt – wie auch immer – präsentieren möchte. Der Künstler selbst sieht diesen Prozess der Gestaltung noch viel differenzierter.
Dieser Band beschließt die 10-bändige monographische Reihe zum Werk des Bildhauers.
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Für Wortelkamp ist es das Holz, das es zu bearbeiten gilt. Hier findet er zunächst seinen eigenen Formenwuchs, den er, parallel zur Natur, als künstlerisches Naturobjekt oder naturhaftes Kunstobjekt – wie auch immer – präsentieren möchte. Der Künstler selbst sieht diesen Prozess der Gestaltung noch viel differenzierter.
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[content_en] => The object artist, draftsman and sculptor Joel Fisher (participant in Documenta 5 in Kassel in 1972) created a series of soft-colored drawings for his edition of CARTE BLANCHE, which run through the artist’s book as a sequence, separated by black “dots”.
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[content_en] => Tim Scott (*1937 in Richmond/London) is one of the outstanding sculptors of his generation in England. He received worldwide recognition as early as the 1960s as a protagonist of the "Young Generation", which developed polychrome stereometric objects of sometimes monumental size using new materials. Scott, who taught as a professor at St. Martin's School of Art and the Academy of Fine Arts in Nuremberg, influenced several generations of sculptors with his steel sculptures. His works can be found in the Tate Gallery, Museum of Contemporary Art Sydney, Museum of Modern Art New York, Albertinum Dresden, among others. For the first time, the monograph provides an overview of Tim Scott's entire sculptural work and contains the catalog raisonné.
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[content_de] => Salon No.19 enthält eine Sammlung von speziell für Salon gemachten Bildessays folgender Künstler: Matthias Beckmann, Franz Burkhardt, Timo Franke, Dieter Glasmacher, Pierre Granoux, Kocheisen & Hullmann, Alwin Lay, Ingo Meller, Petruschk Möhrer, Marcus Neufanger, Thomas Nolden, Patrick Rieve.
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Dirk Lehr ist Rechtsanwalt u.a. für Kunst- und Urheberrecht, Autor mehrerer Bücher sowie von Beiträge in Zeitungen und Künstlermonografien. Er sammelt seit seinem 18. Lebensjahr Kunst, verantwortete zahlreiche Kunstausstellungen und kuratiert solche. Seine über 30-jährige Erfahrung und seine Involvierung in den Kunstmarkt sowie in das Betriebssystem Kunst, wie insbesondere die Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstler, Institutionen, Kuratoren, Galerien, Händler und Auktionshäuser bilden die Basis für seine „10 Gebote.“
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Wo immer in der Kunst ein gerahmtes Glas oder ein gemaltes Fenster auftaucht, wird von der Theorie der Vergleich des Huma-nisten und Architekten Leon Battista Alberti aus dem 15. Jahrhundert bemüht, der besagt, ein Gemälde eröffne die Illusion des Blicks durch ein Fenster. Während in der Antike das architektonische Fenster als Bild gepriesen wurde, kehrte Alberti die Glei-chung kurzerhand um: Bei ihm wird das gemalte Bild zum Fenster, welches Ein- oder vielmehr Ausblick in eine jenseitige Welt erlaubt. Auf diese vielzitierte Fenster-Metapher wurde selbst die Bezeichnung «Windows» für Bill Gates’ Software zurückgeführt. In Daniel Karrers Hinterglasgemälden klingen beide dieser so unterschiedlichen Assoziationen an. Karrers Bildinhalte sind vielfältig und seine Technik erinnert ästhetisch an digitale Medien, dennoch bleiben seine Werke immer ausgesprochen malerisch. Auch wenn die Glasscheibe das Oberflächenrelief konventioneller Malerei negiert, werden Pinselstrich und Geste durch die Transparenz des Bildträgers sichtbarer. Es ist, als würden wir durch ein Fenster auf die Malerei an sich blicken.
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[content_de] => Durch sein Interesse an Überresten, an oft unterschwelligen Fundstücken, wirft Ben Greber einen Blick von außen auf unsere Gesellschaft, in der viele Lebensprozesse unsichtbar geworden sind. Angesichts dieser "Repräsentation" schafft er Erinnerungsmaschinen, Skulpturen mit industriellem und sakralem Charakter, die seine Gedanken über die Auswüchse der Digitalisierung unserer Gesellschaft mit uns teilen.
[content_en] => Through his interest in remains, in often subliminal finds, Ben Greber takes an outside look at our society, in which many life processes have become invisible. In view of this "representation", he creates memory machines, sculptures with an industrial and sacred character that share his thoughts on the excesses of the digitalization of our society.
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[content_de] => Der Autor Dirk Lehr hat in jeweils 10 „Kurzgeschichten“ in informativer, wie auch unterhaltsamer Weise, die wichtigsten Punkte besprochen, die Sammler beim Kunstverkauf beachten sollten.
Dirk Lehr ist Rechtsanwalt u.a. für Kunst- und Urheberrecht, Autor mehrerer Bücher sowie von Beiträge in Zeitungen und Künstlermonografien. Er sammelt seit seinem 18. Lebensjahr Kunst, verantwortete zahlreiche Kunstausstellungen und kuratiert solche. Seine über 30-jährige Erfahrung und seine Involvierung in den Kunstmarkt sowie in das Betriebssystem Kunst, wie insbesondere die Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstler, Institutionen, Kuratoren, Galerien, Händler und Auktionshäuser bilden die Basis für seine „10 Gebote.“
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[content_de] => Salon No. 24 enthält eine Sammlung von Bildessays (speziell für Salon gemacht) von Jonathan Bragdon, Karlheinz Deutzmann, Stephan Hörnig, Gunther Keusen, Karin Kutsch, René Luckhardt, Claudia Mann, Franziska Reinbothe, Wolfgang Schäfer, Helmut Schweizer, Susanne S.D.Themlitz, Ruth Weber
[content_en] => Salon No. 24 contains a collection of pictoral essays (especially made for Salon) by Jonathan Bragdon, Karlheinz Deutzmann, Stephan Hörnig, Gunther Keusen, Karin Kutsch, René Luckhardt, Claudia Mann, Franziska Reinbothe, Wolfgang Schäfer, Helmut Schweizer, Susanne S.D.Themlitz, Ruth Weber
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[title] => BLACKBOOK
[content_de] => Blackbook ist Objekt und Dokumentation, Denkraum, Sammlung und Präsentation. Das Künstlerbuch Blackbook von Kriz Olbricht verschränkt Ansichten seiner künstlerischen Arbeiten mit seinen fotografischen Notizen alltäglicher Beobachtungen. Die Publikation bildet eine visuelle Topologie, die über eine ausschließliche Dokumentation hinausgeht und Prozesse darstellt, in denen Entwurf und fertige Arbeit gleichwertig sind. Das Blackbook – unter Graffiti-Writer:innen ein Buch, das Skizzen und Entwürfe wie auch Fotografien von bestehenden Werken vereint – dient damit Reflexion und Präsentation gleichermaßen. So versteht sich Kriz Olbrichts Buch als erweiterter Denk- und Bezugsraum, als Momentaufnahme zwischen vergangenen Arbeiten und neuen Ansätzen. Die Gestaltung von Blackbook entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Grafiker Marius Schwarz und betont die Handhabung als Objekt. Sieben Essays von Dietrich Roeschmann ergänzen die visuelle Gestaltung um gedankliche Räume und setzen die künstlerischen Arbeiten ins Verhältnis zueinander und zur Umwelt.
Realisiert mit einer Förderung der Kunststiftung NRW.
[content_en] => Blackbook is an object and documentation, the room, collection and presentation. The artist book Blackbook by Kriz Olbricht entitled views of his artistic work with his photographic notes of everyday observations. The publication forms a visual topology that goes beyond an exclusive documentation and represents processes in which design and finished work are equivalent. The BlackBook-under graffiti writer: inside a book that combines sketches and designs as well as photographs of existing works-thus serves reflection and presentation alike. Kriz Olbricht's book sees himself as an extended thought and reference room, as a snapshot between past work and new approaches. The design of Blackbook was created in close cooperation with the graphic artist Marius Schwarz and emphasizes the handling as an object. Seven essays from Dietrich Roeschmann complement the visual design with intellectual spaces and put the artistic work in relation to each other and the environment.
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[content_de] => Michael von Biel (geb. 1937) gehört zu den herausragenden Komponisten- und Künstlerpersönlichkeiten seiner Generation. Sowohl in der Neuen Musik als auch seinen konzeptuellen Zeichnungen und Gemälden ist er ein Grenzgänger zwischen U und E, konkret realistisch und abstrakt und gegenstandsfrei. In der bildenden Kunst wurde der Teilnehmer an der documenta 1977 vor allem mit seinen Paraphrasen nach Malern wie Böcklin und Turner und bildnerischen Kommentaren zum Bauhaus und zur Postmoderne bekannt. Bildende Kunst ist für Michael von Biel, der über Jahrzehnte in Köln ansässig war, ehe er sich 2005 nach Tübingen zurückzog, Medium der Aneignung, Selbstvergewisserung und Erkundung von Orten und Zeit. Das Verfahren der Zeichnung erweist sich für ihn – mit seinen Worten – als “Steckenpferd”, als Verfahren der Unmittelbarkeit und Authentizität: als bevorzugtes Ausdrucksmittel. Das nun erschienene Buch liefert erstmals einen Überblick über seine Werke auf Papier, der sechs Jahrzehnte umfasst und vergleichend einzelne Gemälde mit den gleichen Motiven einbezieht. Für das Buch hat Michael von Biel im Frühjahr und Sommer 2023 zwei Zeichnungsblöcke geschaffen, die es über die historische Entwicklung hinaus in der Gegenwart verankern. “Michael von Biel. Papierarbeiten” schließt in Konzept, Aufmachung und Umfang an das vor zwei Jahren erschienene Buch “Michael von Biel. Illustre Malerei” an.
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[content_de] => In diesem dem Dichter Georg Trakl gewidmeten Buch entsteht Doppelseite für Doppelseite ein inspirierter Dialog zwischen dem osmotisch entstandenen Spiegelbild auf der Rückseite einer Pinselzeichnung, deren Abbild eine neu zu setzende Pinselzeichnung stimuliert, die durch die spontan verlaufende Osmose wiederum das rückseitig gespiegelte Bild entstehen lässt; und so weiter und so fort mit anderen Worten: Wir sehen, dass auch „des Hollunders Schweigen“ Echos erzeugt.
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[content_de] => Als Vorlage diente ein Fundstück; Wespen hatten an einer Deckenlampe ein Nest gebaut. Diese von den Tieren hergestellte Montage aus einem natürlichen und einem technischen Gegenstand erinnert entfernt an Joseph Beuys‘ Capri-Batterie (1985). Dort entsteht durch die Zusammenfügung einer gelben Glühbirne in einer Steckerfassung und einer Zitrone aufgrund der Säure ein minimaler Stromfluss, der die Glühbirne – zumindest in der Vorstellung – erleuchten könnte. Vor dem Hintergrund zunehmender ökologischer Krisen appelliert Boscher Theodors hybrides Objekt in ähnlicher Weise an die Vorstellungskraft. Durch das digitale Reproduktionsverfahren – das allein die Abformung des fragilen, papierartigen Wespennests ermöglicht – ist ein Objekt entstanden, das den Blick auf die symbiotische Beziehung zwischen einem von Menschen und einem von Tieren gemachten Ding lenkt: Die Unterscheidbarkeit zwischen Kultur- und Naturobjekt ist aufgehoben, stattdessen treten ihre nahtlosen Übergänge und Möglichkeiten der Koexistenz in den Vordergrund. (Barbara Hess)
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[title] => Bibliotheca Napoleonica – Kritische Bibliographie der deutschsprachigen Augenzeugenliteratur der Napoléonischen Kriege 1804–1815 mit Bibliotheks-Nachweisen und Online-Ressourcen
[content_de] => Die deutschsprachige Augenzeugenliteratur der Napoléonischen Kriege 1804 - 1815.
Kritische Bibliographie zur Gedächtnisgeschichte mit Bibliotheks-Nachweisen und Online-
Ressourcen.
Mit dieser kritischen Bibliographie legt Dr. Eckhard M. Theewen erstmals ein Vollständigkeit
anstrebendes Verzeichnis der Memoiren, Tagebücher, Selbstbiographien und
Augenzeugenberichte über die Napoléonischen Kriege von 1804 bis 1815 vor, die in
deutscher Sprache oder Übersetzung veröffentlicht wurden. Die über 4200 erfassten Titel
werden weitestgehend von einer kritische Würdigung begleitet, besitzende Bibliotheken
nachgewiesen und Online-Ressourcen angegeben. Dieser „Deutsche Tulard“ ist das
unverzichtbare Referenzwerk für Bibliotheken, Wissenschaft und Sammler.
With this critical bibliography, Dr. Eckhard M. Theewen presents for the first time a
comprehensive list of memoirs, diaries, self-biographies and eyewitness reports about the
Napoleonic Wars from 1804 to 1815, which were published in German or in translation. The
over 4,200 titles recorded are largely accompanied by a critical appraisal, libraries are
identified and online resources are provided. This “German Tulard” is the indispensable
reference work for libraries, science and collectors.
Avec cette bibliographie critique, Dr. Eckhard M. Theewen présente pour la première fois une
liste exhaustive de mémoires, journaux intimes, autobiographies et témoignages oculaires sur
les guerres Napoléoniennes de 1804 à 1815, publiés en allemand ou en traduction. Les plus de
4 200 titres répertoriés sont largement accompagnés d'une évaluation critique, les
bibliothèques sont identifiées et des ressources en ligne sont proposées. Cette « Tulard allemand
» est l’ouvrage de référence indispensable pour les bibliothèques, les scientifiques et les
collectionneurs.
[content_en] => Die deutschsprachige Augenzeugenliteratur der Napoléonischen Kriege 1804 - 1815.
Kritische Bibliographie zur Gedächtnisgeschichte mit Bibliotheks-Nachweisen und Online-
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Mit dieser kritischen Bibliographie legt Dr. Eckhard M. Theewen erstmals ein Vollständigkeit
anstrebendes Verzeichnis der Memoiren, Tagebücher, Selbstbiographien und
Augenzeugenberichte über die Napoléonischen Kriege von 1804 bis 1815 vor, die in
deutscher Sprache oder Übersetzung veröffentlicht wurden. Die über 4200 erfassten Titel
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nachgewiesen und Online-Ressourcen angegeben. Dieser „Deutsche Tulard“ ist das
unverzichtbare Referenzwerk für Bibliotheken, Wissenschaft und Sammler.
With this critical bibliography, Dr. Eckhard M. Theewen presents for the first time a
comprehensive list of memoirs, diaries, self-biographies and eyewitness reports about the
Napoleonic Wars from 1804 to 1815, which were published in German or in translation. The
over 4,200 titles recorded are largely accompanied by a critical appraisal, libraries are
identified and online resources are provided. This “German Tulard” is the indispensable
reference work for libraries, science and collectors.
Avec cette bibliographie critique, Dr. Eckhard M. Theewen présente pour la première fois une
liste exhaustive de mémoires, journaux intimes, autobiographies et témoignages oculaires sur
les guerres Napoléoniennes de 1804 à 1815, publiés en allemand ou en traduction. Les plus de
4 200 titres répertoriés sont largement accompagnés d'une évaluation critique, les
bibliothèques sont identifiées et des ressources en ligne sont proposées. Cette « Tulard allemand
» est l’ouvrage de référence indispensable pour les bibliothèques, les scientifiques et les
collectionneurs.
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2 volumes, each 22 x 15.5 cm, volume 1: 536 pages, volume 2: 496 pages, a total of 14 black-and-white illustrations in the text,
color hardcover with thread binding.
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„Wie kann ein Blau aus dem scheinbaren Nichts auftauchen?“
Seit 25 Jahren setzt sich Nora Schattauer mit zeichnerischer Malerei auf Papier auseinander. Basis ihrer Arbeit sind wenig bekannte mineralhaltige Farb-lösungen. Nora Schattauers Farben sind Erscheinungen, die langsam entstehen. Zahlreiche Farbnuancen gehen auf nur sechs Hauptfarben zurück, die chemisch beeinflusst sind. In ihren Arbeiten sind elementare Prozesse und Strukturen zu erblicken, die ihren eigenen Entstehungsprozess widerspiegeln.
Wie der Einfluss der Farben aufeinander inszeniert ist, wie Farben und Formen sich gegenseitig dehnen, ist im Gespräch mit Petra Roettig (bis 2023 Lei- terin der graphischen Sammlung, Kunsthalle Hamburg) dargestellt: Blau, Kaltgrün, Warmgrün, Violett, Rot.
Über das Sehen von Schattauers Farben schreiben anhand abgebildeter Originale:
Björn Egging (Kupferstichkabinett Dresden)
Jens Peter Koerver (Kunsthistoriker, Köln)
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Ein wiederkehrendes Element in den Arbeiten des Künstlers ist dabei die Endlosschleife, der Loop. Dieses Buch versammelt eine Auswahl von Arbeiten von den späten Neunzigern bis heute, vom Künstler subjektiv ausgewählt und zusammengestellt. Wie ein Gedanke der hin und her springt und doch immer wieder um das gleiche kreist.
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[content_en] => Salon No. 25 contains a collection of pictoral essays (especially made for Salon) by Dragutin Banic, Heiner Binding, Ralf Brög, Armin Chodzinski, Oliver Czarnetta, Almut Hilf, Myriam Holme, Ana Mendes, Robin Merkisch, Thomas Musehold, Kriz Olbricht, Anna Schattauer, Stuke / Sieber, Boscher Theodor, Thomas Wunsch.
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[content_en] => SOFT RETROSPECTIVE brings together works from the last twelve years of Are Blytt´s painting practice. His work explores the idea and concept of what an artist is, beyond basic questions about what defines an individual behind broken ideologies and evolutionary U-turns. The relationship – and communication – between image and text, as well as the connection between photography and painting, is fundamental in this progression. The book is a look into the painterly, conceptual, and political in Blytt´s work, accompanied with essays by Chloe Stead (GB), Ravi Ghosh (GB), Tommy Olsson (NO), and an interview Tom Lingnau (DE).
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Ausstellung 30. Juni bis 6. Oktober 2024
[content_en] => More than almost anyone else in contemporary art, Marcel van Eeden gives the medium of drawing cinematic qualities. Based on old photographs, he transports us back to the time before his birth (1965), to a graphic cosmos reminiscent of early graphic novels or scenes from film noir. This publication accompanying the exhibition at Museum Morsbroich, Leverkusen focuses on 4 series dedicated to the city of Zurich, its architecture and history.
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[content_de] => Salon No. 26 enthält eine von Peter Piller ausgewählte Sammlung von Bildessays (speziell für Salon gemacht) seiner ehemaligen Studierenden aus 19 Jahren Lehre an der HGB Leipzig und der Kunstakademie Düsseldorf: Rike Dröscher, Max Eulitz, Alba Frenzel, Kristina Jurotschkin, Andrea Marcellier, Luise Marchand, Philip Markert, Areumbit Park, Christian Schellenberger, Mika Schwarz, Knut Sennekamp, Solbatemin (= Johanna Terhechte, Ludwig Kuffer, Simon Wienck-Borgert).
[content_en] => Salon No. 26 contains a collection of picture essays (made especially for Salon) selected by Peter Piller by his former students from 19 years of teaching at the HGB Leipzig and the Art Academy Düsseldorf: Rike Dröscher, Max Eulitz, Alba Frenzel, Kristina Jurotschkin, Andrea Marcellier, Luise Marchand, Philip Markert, Areumbit Park, Christian Schellenberger, Mika Schwarz, Knut Sennekamp, Solbatemin (= Johanna Terhechte, Ludwig Kuffer, Simon Wienck-Borgert).
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[content_de] => "Mein Akt des Zeichnens ist in gewisser Weise Fotografie. Ich fotografiere mit meiner Hand", sagt Marcel van Eeden. "Nachdem ich mich in den letzten 25 Jahren intensiv mit Fotografien beschäftigt habe, sie studiert habe, um sie kopieren zu können, bekam ich den Drang, die Welt selbst mechanisch zu reproduzieren. So wie die Menschen, deren Fotografien ich verwende, es auch taten. Und da ich in meinen jungen Jahren viel fotografiert habe, war es nicht schwer, wieder damit anzufangen, mit einer alten Leica-Analogkamera, also mit der Technik von damals." "Natürlich arbeite ich mit den Fotografien im 'Jetzt', aber das habe ich bei den Serien, die ich gemacht habe, immer getan. Ich habe in den Städten, in denen ich gearbeitet habe, nach Motiven gesucht, nach Ereignissen, die aktuell waren, und ich habe meine Serien auf diesen Erzählungen aufgebaut. Der Unterschied ist, dass ich in den Zeichnungen alte Fotografien verwende, um diese Geschichte zu 'erzählen'. Und in der Fotografie arbeite ich mit dem, was sich jetzt im täglichen Leben zeigt". In den Fotografien ist Marcel van Eeden 'eine Fliege an der Wand', er hält alltägliche Situationen fest. Ganz beiläufig begegnen wir ihnen selbst immer wieder. Wartende Menschen in einer Flughafenlounge (aus einem niedrigen Winkel aufgenommen), ein Bürgersteig in einer amerikanischen Straße, alte Vitrinen in einer Bibliothek (kurzerhand von der Seite aufgenommen), Kunden in Silhouette in einem chinesischen Restaurant, ein flüchtiger Blick auf eine Tankstelle bei Nacht, Pissoirs in einer Herrentoilette, ein Seitenblick auf eine Rolltreppe in einem Bahnhof nach Einbruch der Dunkelheit.
Zur Technik des Gummidrucks siehe https://de.wikipedia.org/wiki/Gummidruck
[content_en] => "In a way, my act of drawing is photography. I take photographs with my hand," says Marcel van Eeden. "After spending the last 25 years working intensively with photographs, studying them so that I could copy them, I got the urge to mechanically reproduce the world itself. Just like the people whose photographs I use did. And since I took a lot of photographs in my younger years, it wasn't difficult to start again, with an old Leica analog camera, i.e. with the technology from back then." "Of course I work with the photographs in the 'now', but that's what I've always done with the series I've made. I looked for motifs in the cities I worked in, for events that were current, and I built my series on these narratives. The difference is that in the drawings I use old photographs to 'tell' this story. And in the photography, I work with what can be seen now in everyday life". In the photographs, Marcel van Eeden is 'a fly on the wall', he captures everyday situations. We encounter them again and again in passing. People waiting in an airport lounge (shot from a low angle), a sidewalk in an American street, old display cases in a library (shot unceremoniously from the side), customers in silhouette in a Chinese restaurant, a glimpse of a petrol station at night, urinals in a men's toilet, a sideways glance at an escalator in a train station after dark.
For the photographic technique see https://en.wikipedia.org/wiki/Gum_printing
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[title] => The Villa
[content_de] => The Villa spielt wie zahlreiche weitere Werkzyklen van Eedens im selben Zeitraum, bedingt durch seinen konzeptuellen Ansatz, seine Bilderzählungen stets zeitlich vor seiner Geburt 1965 zu verorten und damit seine eigene Existenz mit der Geschichte zu verbinden. Auf den ersten Blick vermeintlich weniger okkultistisch erscheint die vorliegende Serie, die dem legendären Kulturort der Villa Flora bzw. dem Sammlerehepaar Hedy und Arthur Hahnloser (1870 – 1936) gewidmet ist. Dabei bildet Hedy Hahnloser (1873 – 1952) das eigentliche Epizentrum einer ebenso versponnenen wie zeitlich und räumlich ausufernden «Narration». Hedy und Arthur Hahnloser begannen ab 1907 eine bedeutende Sammlung eitgenössischer, vor allem französischer Kunst aufzubauen, darunter Gemälde und Skulpturen von Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Aristide Maillol, Henri Matisse und Henri Manguin. Zur Villa, ihren Bewohnern und deren möglichen Verbindungen schuf der Künstler im Hinblick auf seine Ausstellung in der Villa Flora eine Serie von insgesamt einunddreissig Nerostift-Zeichnungen und fünfzehn Schwarz/Weiss-Fotografien. Letztere wurden im überlieferten Verfahren des Gummidrucks realisiert. Fotografiert während und nach der Renovierung der Villa, verleiht diese Methode den Bildern einen dezidiert historischen Ausdruck.
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Like numerous other cycles of van Eeden's work, The Villa is set in the same period, due to his conceptual approach of always locating his pictorial narratives in time before his birth in 1965 and thus linking his own existence with history. At first glance, the present series, which is dedicated to the legendary cultural site of the Villa Flora and the collector couple Hedy and Arthur Hahnloser (1870 - 1936), appears to be less occultist.
is dedicated to them. Hedy Hahnloser (1873 - 1952) forms the actual epicenter of a "narration" that is as spun out as it is temporally and spatially sprawling. From 1907 onwards, Hedy and Arthur Hahnloser began to build up an important collection of contemporary, primarily French art, including paintings and sculptures by Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Aristide Maillol, Henri Matisse and Henri Manguin. In preparation for his exhibition at Villa Flora, the artist created a series of thirty-one nero pencil drawings and fifteen black and white photographs of the villa, its inhabitants and their possible connections. The latter were realized using the traditional process of rubber printing technique. Photographed during and after the renovation of the villa, this method lends the images a decidedly historical expression.
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[title] => ZEICHNUNG – BRONZE
[content_de] => Das Künstlerbuch ZEICHNUNG – BRONZE von Roland Schappert vereinigt Zeichnungen und Fotos, die alle um ein Thema kreisen: eine imaginäre Reise ausgewählter Motive von Schapperts Bildwerdung der Schrift hin zu einer möglichen Realisierung als Bronzerelief. Bis November 2024 wurden dreizehn Wandreliefs auf diesem Weg in Form gebracht und in Bronze realisiert.
Das Künstlerbuch umfasst eine Auswahl von 60 Arbeiten auf 64 Seiten aus dem Zeitraum von 2017 bis 2024.
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